Il 18 maggio 2026 tornerà a risuonare, come ogni anno, una data che per gli amanti della cultura è molto più di un semplice appuntamento nel calendario: la Giornata Internazionale dei Musei (International Museum Day, IMD). Istituita nel 1977 e coordinata dall’ICOM – International Council of Museums, questa celebrazione è diventata un vero e proprio rituale globale, un’occasione in cui il pianeta intero si ferma per ricordare che i musei non sono reliquie del passato, ma laboratori del futuro.
Ogni edizione ruota intorno a un tema specifico, scelto per rispecchiare le sfide che le istituzioni museali affrontano in un mondo in costante trasformazione: dalla sostenibilità alle nuove tecnologie, dall’inclusione sociale alla digitalizzazione del patrimonio. È una giornata in cui i musei si raccontano, non solo come custodi di oggetti antichi, ma come spazi vivi di dialogo, dove passato e presente si intrecciano per dare forma a nuove visioni collettive.
L’obiettivo della Giornata, come ricordano da anni gli organizzatori, è chiaro: rendere consapevole il pubblico del ruolo cruciale che i musei svolgono nello sviluppo delle società contemporanee. Ogni esposizione, ogni collezione, ogni visita guidata diventa una piccola finestra sulla memoria dell’umanità e sul suo potenziale di cambiamento.
Musei come portali di connessione
Nell’era in cui tutto corre alla velocità della luce — tra feed che si aggiornano e contenuti che scompaiono in 24 ore — i musei rappresentano l’esatto opposto: luoghi dove il tempo rallenta, dove la curiosità diventa una forma di resistenza culturale. Entrare in un museo significa attraversare un portale: il visitatore non è più spettatore ma viaggiatore nel tempo, esploratore di civiltà e testimone di storie che ancora parlano, se solo sappiamo ascoltarle.
Ecco perché ogni 18 maggio l’IMD non è solo una festa istituzionale, ma una chiamata alle armi per la memoria. Le mostre diventano esperienze sensoriali, i curatori si trasformano in narratori, gli spazi museali in palcoscenici di dialogo tra generazioni. Non a caso, molti eventi proseguono ben oltre la singola giornata: intere settimane di iniziative, laboratori, performance e incontri che accendono una luce su patrimoni spesso dimenticati o sottovalutati.
La magia della notte: la Notte Europea dei Musei
Accanto all’IMD, in Europa esiste una sorella minore — o forse maggiore, per fascino — che dal 2011 ne amplifica lo spirito: la Notte Europea dei Musei. Si tiene ogni anno nel sabato che precede la Giornata Internazionale e fu ideata nel 2005 dal Ministero della Cultura francese. L’idea è tanto semplice quanto geniale: aprire gratuitamente i musei fino all’una di notte, trasformando le sale in scenari teatrali, gli oggetti in protagonisti silenziosi di una narrazione immersiva e multisensoriale. L’esperienza notturna rovescia la percezione del museo. I corridoi che di giorno sembrano solenni diventano misteriosi, le opere d’arte sembrano respirare, la luce artificiale scolpisce nuove emozioni sulle superfici antiche. È un’esperienza che non parla solo agli esperti o agli appassionati: cattura chiunque sia disposto a farsi sorprendere. L’Italia, da sempre culla del patrimonio artistico mondiale, partecipa con entusiasmo crescente. Dai grandi poli museali come gli Uffizi, il MAXXI e i Musei Vaticani, fino ai piccoli musei civici e archeologici sparsi nei borghi, ogni istituzione trova il proprio modo di raccontarsi sotto la luna. Concerti tra le statue, proiezioni, installazioni interattive, realtà aumentata: la notte dei musei diventa così una celebrazione della cultura che incontra la tecnologia e la trasforma in esperienza.
I musei nell’era digitale
Nel 2026 la sfida principale per molti musei sarà quella di continuare a ridefinire la propria identità nell’ecosistema digitale. La pandemia ha aperto una nuova fase: visite virtuali, collezioni accessibili online, tour interattivi e contenuti multimediali stanno trasformando il modo di vivere la cultura. Tuttavia, la Giornata Internazionale dei Musei ci ricorda che il contatto diretto con le opere resta insostituibile. Nessun visore VR potrà mai replicare la sensazione di trovarsi di fronte alla Venere di Milo o alla Notte Stellata di Van Gogh.
Eppure, la fusione tra reale e virtuale è ormai inevitabile. I musei del futuro — e del presente — non sono più semplici contenitori, ma ecosistemi narrativi dove l’esperienza si costruisce a più livelli: visivo, uditivo, emotivo. L’obiettivo non è solo mostrare, ma coinvolgere, interrogare, emozionare.
Un rito laico per il futuro della memoria
Celebrando la Giornata Internazionale dei Musei, celebriamo anche la nostra capacità di riconnetterci con ciò che siamo stati per immaginare ciò che saremo. In un mondo che tende a smaterializzare tutto, i musei restano luoghi fisici e concreti dove la materia diventa storia e la storia diventa identità.
Ogni dipinto, ogni fossile, ogni frammento di ceramica racconta un gesto, una scelta, una civiltà. Visitare un museo è, in fondo, un atto politico e poetico: è scegliere di ricordare, di appartenere, di credere che la conoscenza non sia un lusso, ma un diritto universale.
Il 18 maggio 2026, che siate studiosi, curiosi o semplici sognatori, varcate quella soglia. Magari di notte, magari con la testa piena di domande e il cuore spalancato alla meraviglia. Perché ogni museo è un pianeta, e ogni visita — anche la più breve — è un viaggio interstellare attraverso la nostra stessa umanità.
Un libro aperto ha sempre avuto per me lo stesso effetto di un portale isekai: lo sfiori, lo annusi quasi per istinto, e all’improvviso non sei più nella tua stanza ma in un altro mondo, magari con una spada leggendaria nello zaino o un destino da protagonista scritto tra le righe ancora prima che tu possa capirlo davvero, ed è forse per questo che il 23 aprile, la Giornata Mondiale del Libro e del Diritto d’Autore, riesce ogni anno a sembrarmi meno una ricorrenza “ufficiale” e più una specie di evento globale da fandom diffuso, una celebrazione silenziosa ma potentissima di tutte quelle storie che ci hanno costruiti mentre pensavamo solo di leggerle.
Da gamer e cosplayer lo dico senza filtri: ogni build, ogni lore, ogni universo condiviso che oggi amiamo nasce da lì, da qualcuno che si è seduto e ha scritto, che ha immaginato, che ha deciso che una storia meritava di esistere anche senza sapere se qualcuno l’avrebbe mai letta davvero, e il fatto che questa giornata esista sotto l’egida dell’UNESCO dal 1996 ha qualcosa di incredibilmente poetico, perché riconosce ufficialmente quello che noi nerd sappiamo da sempre, cioè che i libri non sono oggetti, sono spawn point di immaginazione.
Il 23 aprile non è stato scelto a caso, e questa cosa ogni volta mi manda in loop come una lore ben scritta, perché nello stesso giorno si intrecciano addii pesanti come boss finali della storia della letteratura, figure gigantesche come Shakespeare e Cervantes che hanno lasciato mondi interi dietro di sé, universi che ancora oggi respiriamo anche senza accorgercene, e mentre pensi a questo ti rendi conto che le storie non muoiono mai davvero, cambiano forma, diventano serie, diventano film, diventano videogiochi, diventano cosplay che indossiamo durante le fiere, diventano perfino meme condivisi a mezzanotte nei gruppi Telegram, ma la radice resta sempre quella, una pagina scritta.
E poi c’è quella vibrazione romantica e quasi da visual novel della tradizione catalana di San Jordi, dove libri e rose si scambiano come se fossero item rari, e io non riesco a non immaginarmi una versione alternativa in cui ogni libro regalato sblocca una nuova route narrativa, una nuova possibilità emotiva, perché leggere è sempre stato anche questo, scegliere chi vogliamo diventare mentre seguiamo la storia di qualcun altro.
In mezzo a tutto questo, la realtà in cui viviamo oggi sembra quasi un crossover strano tra fantascienza e slice of life digitale, con l’intelligenza artificiale che scrive, disegna, compone, e noi che stiamo lì a guardarci un po’ stupiti, un po’ affascinati, un po’ spaventati come quando incontri un NPC che improvvisamente rompe la quarta parete, e allora la domanda arriva inevitabile, quasi come un glitch nella matrice creativa: chi è davvero l’autore adesso? Chi è che possiede una storia quando la storia può essere generata, remixata, rielaborata in tempo reale?
Ed è qui che questa giornata cambia completamente mood, smette di essere solo celebrazione e diventa riflessione, perché il diritto d’autore non è una roba noiosa da manuale giuridico come qualcuno pensa, ma è letteralmente la protezione di quella scintilla iniziale, quella che trasforma un’idea in qualcosa che può toccare altre persone, che può diventare community, che può evolvere in un fandom intero, e senza quella tutela rischiamo di perdere il valore stesso del creare, il senso di identità che ogni opera porta con sé.
Ogni volta che scarichiamo qualcosa illegalmente, ogni volta che ignoriamo chi c’è dietro una storia, stiamo facendo qualcosa di molto più grande di un semplice gesto superficiale, stiamo indebolendo quel sistema invisibile che permette alle storie di continuare a nascere, di continuare a sorprenderci, di continuare a salvarci nei momenti in cui abbiamo bisogno di evadere, di capire, di sentirci meno soli, e chi ha mai trovato rifugio in un manga, in un romanzo fantasy o in una light novel lo sa benissimo, perché certe pagine arrivano quando servono davvero.
E allo stesso tempo non riesco a non pensare a quanto sia assurdo e bellissimo che, nonostante tablet, e-reader, app, feed infiniti e scroll compulsivi, il libro fisico sia ancora lì, resistente come un protagonista shonen che non molla mai, con le sue pagine da sfogliare, i segnalibri dimenticati, le copertine rovinate che raccontano più delle parole stesse, perché leggere non è solo consumare contenuto, è vivere un ritmo diverso, più lento, più profondo, quasi ribelle rispetto alla velocità del mondo digitale.
Forse è proprio questo il punto che mi resta addosso ogni 23 aprile, quella sensazione che le storie siano una forma di resistenza gentile, un modo per difendere l’immaginazione in un’epoca che corre troppo veloce, e che il diritto d’autore sia lo scudo invisibile che protegge chi queste storie le crea, le sogna, le scrive anche quando nessuno guarda.
E allora mi viene spontaneo chiedervelo, come farei in una chat dopo una maratona anime finita alle tre di notte: voi dove siete stati salvati da un libro? Quale storia vi ha cambiato davvero la build della vita? Perché alla fine questa giornata non è solo una celebrazione globale, è una conversazione aperta tra chi scrive e chi legge, tra chi crea mondi e chi ci entra senza più voler uscire.
Venerdì 20 marzo 2026 alle ore 15:45 segnerà uno di quei passaggi silenziosi ma potentissimi che scandiscono il ritmo del nostro pianeta. Non serve essere astronomi o appassionati di fisica celeste per percepirlo: qualcosa cambia davvero. La luce resta qualche minuto in più nel cielo ogni giorno, l’aria ha un sapore diverso e gli alberi cominciano a raccontare una storia nuova fatta di germogli e promesse.
L’equinozio di primavera è uno di quegli eventi astronomici che sembrano usciti da un romanzo fantasy cosmico. Un momento preciso in cui il nostro pianeta si trova in una posizione tale da regalare al mondo un equilibrio quasi perfetto tra luce e oscurità. Dodici ore di giorno e dodici ore di notte, una specie di “bilanciamento universale” che dura solo un attimo ma segna l’inizio di un nuovo ciclo.
Chi ama osservare il cielo sa che questa data non è solo una curiosità scientifica. È una soglia. Una porta stagionale che trasforma lentamente il paesaggio e anche il nostro modo di vivere le giornate.
E sì, lo ammetto: ogni anno questo passaggio mi fa pensare un po’ alle grandi transizioni narrative delle saghe fantasy. Il momento in cui l’inverno cede il passo alla luce. Una scena che potrebbe stare benissimo in un episodio di Game of Thrones, in un capitolo del Signore degli Anelli o in un JRPG pieno di simbolismo cosmico.
Perché l’equinozio non cade più il 21 marzo
Per moltissimo tempo l’immaginario collettivo ha associato la primavera al 21 marzo. Un’idea così radicata da sembrare immutabile. In realtà il calendario astronomico racconta una storia un po’ più complessa.
Oggi l’equinozio cade quasi sempre il 20 marzo, e continuerà a farlo per gran parte di questo secolo. Dal 2008 il cambiamento è diventato stabile e lo resterà fino ai primi anni del 2100.
La spiegazione è legata ai movimenti della Terra. Il nostro pianeta non percorre un’orbita perfettamente circolare attorno al Sole e il suo asse subisce minuscole variazioni nel tempo. Queste differenze sono quasi impercettibili nella vita quotidiana, ma nel lungo periodo modificano il momento preciso in cui il Sole attraversa il cosiddetto punto vernale.
Quel punto rappresenta l’intersezione tra l’eclittica — il percorso apparente del Sole nel cielo — e l’equatore celeste. In altre parole, il momento in cui il Sole si trova perfettamente sopra l’equatore terrestre.
Il risultato è un equilibrio quasi matematico tra luce e buio. Il nome stesso dell’evento racconta tutto: aequinoctium, dal latino, significa letteralmente “notte uguale”.
Da quel momento in poi le giornate iniziano ad allungarsi con una regolarità quasi poetica. Circa quattro minuti di luce in più ogni giorno accompagnano il mondo verso il solstizio d’estate del 21 giugno.
Una progressione lenta ma costante, come il livello di luce che aumenta gradualmente in una cutscene di un videogioco epico.
L’equinozio tra scienza, mito e cultura
Le civiltà antiche osservavano il cielo con una dedizione che oggi definiremmo quasi mistica. L’equinozio di primavera non era solo un fenomeno astronomico: rappresentava il simbolo di una rinascita cosmica.
In Mesopotamia coincideva con l’inizio dell’anno nuovo. Un momento sacro che segnava la ripartenza del tempo.
La tradizione persiana continua ancora oggi a celebrare Nowruz, una festa che coincide proprio con l’equinozio e che rappresenta uno dei capodanni più antichi del mondo.
In India la stessa stagione esplode nella spettacolare festa di Holi, dove le persone si lanciano polveri colorate celebrando la vittoria della luce sull’oscurità e della vita sulla stagnazione dell’inverno.
L’antico Egitto collegava questo passaggio stagionale alla festa di Sham El Nessim, una celebrazione dedicata alla rinascita della natura.
E se si guarda alla tradizione neopagana europea, l’equinozio di primavera è conosciuto anche come Ostara, una festa che celebra fertilità, rinnovamento e risveglio del mondo naturale.
Simbolismi che attraversano culture lontanissime tra loro ma che raccontano sempre la stessa cosa: l’inizio di un nuovo ciclo.
Equinozi e misteri dell’archeologia
Gli equinozi hanno lasciato tracce anche nell’architettura sacra di molte civiltà antiche. Alcuni dei siti archeologici più affascinanti del pianeta sembrano progettati proprio per dialogare con il cielo in questi momenti precisi dell’anno.
Stonehenge, ad esempio, allinea le sue pietre con il Sole in modo spettacolare durante i cambi di stagione.
A Chichén Itzá, in Messico, l’ombra della piramide di Kukulkán crea l’illusione di un serpente che scende lungo la scalinata proprio nei giorni dell’equinozio.
Anche l’Italia custodisce luoghi affascinanti legati a questo fenomeno. Il pozzo sacro di Santa Cristina in Sardegna mostra un allineamento perfetto con il Sole durante gli equinozi, trasformando la luce in un elemento quasi rituale.
In Egitto alcuni studiosi collegano l’equinozio anche all’orientamento simbolico della Sfinge.
Non si tratta solo di architettura. È astronomia rituale. Un dialogo millenario tra umanità e cielo.
Il calendario, Giulio Cesare e la Pasqua
Il rapporto tra equinozio e calendario attraversa tutta la storia occidentale.
Nel calendario giuliano introdotto da Giulio Cesare, la primavera iniziava il 25 marzo. Una data che aveva anche un forte valore simbolico e religioso.
Nel 1582 la riforma voluta da Papa Gregorio XIII portò alla nascita del calendario gregoriano, quello che utilizziamo ancora oggi. L’obiettivo era riallineare il calendario civile con i cicli astronomici.
L’equinozio venne così fissato convenzionalmente al 21 marzo, una scelta che ancora oggi ha conseguenze importanti.
Il calcolo della Pasqua cristiana, infatti, dipende proprio da questo evento astronomico. La festa cade la prima domenica dopo la prima luna piena successiva all’equinozio di primavera.
Una formula che sembra uscita da un antico grimorio astrologico ma che continua a scandire il calendario religioso di milioni di persone.
Il 20 marzo è anche la Giornata della Felicità
Una coincidenza bellissima accompagna questo evento celeste.
Il 20 marzo è anche la Giornata Internazionale della Felicità, istituita dalle Nazioni Unite nel 2012.
Una scelta che sembra quasi poetica: la giornata in cui luce e buio trovano un equilibrio perfetto diventa simbolicamente il giorno dedicato al benessere umano.
Primavera, equilibrio, felicità.
Tre concetti che in fondo parlano della stessa cosa: trovare armonia nel cambiamento.
L’equinozio come simbolo geek della rinascita
Chi ama la cultura nerd tende a vedere connessioni narrative ovunque. E l’equinozio di primavera sembra davvero uscito da una grande storia epica.
Rappresenta la fase di passaggio tra due mondi. L’inverno della quiete lascia spazio all’energia della crescita.
Molti videogiochi, anime e romanzi fantasy utilizzano proprio questa struttura narrativa. Il momento in cui la natura si risveglia coincide spesso con l’inizio di un viaggio o con la rinascita di un eroe.
Pensateci: quanti mondi fantastici iniziano con un inverno lungo e difficile, seguito da un ritorno della luce?
L’equinozio di primavera è esattamente questo. Una svolta nella trama cosmica della Terra.
Un nuovo capitolo per il pianeta
Il 20 marzo 2026 alle 15:45 il nostro pianeta attraverserà ancora una volta questo punto di equilibrio. Un evento che dura pochi istanti ma che dà il via a mesi di luce crescente.
La natura lo sa prima di noi. Gli alberi lo percepiscono. Gli animali lo sentono arrivare.
Anche noi, in fondo, lo percepiamo. Basta guardare il cielo un po’ più a lungo la sera.
E forse proprio per questo l’equinozio continua ad affascinarci dopo migliaia di anni.
Non è soltanto astronomia. È una promessa.
Una promessa che si ripete ogni anno.
E adesso voglio chiedervelo davvero, da nerd a nerd: anche voi sentite quella strana energia che arriva con la primavera? Oppure sono l’unica che ogni equinozio ha la sensazione che il mondo stia premendo il tasto “nuova partita”?
Ragusa non è più soltanto la perla barocca della Sicilia, sospesa tra le pietre dorate di Ibla e i silenzi delle sue colline. Per sei mesi, dal 13 aprile al 27 ottobre 2025, è diventata il cuore pulsante di un viaggio nel tempo, un portale verso l’antico Egitto che ha riscritto le coordinate della cultura nel Sud Italia. La mostra “Gli Egizi e i doni del Nilo”, allestita negli spazi del Museo della Cattedrale – Palazzo Garofalo, si è chiusa con un trionfo che ha superato ogni aspettativa: oltre 20.000 visitatori, un numero record che ha trasformato l’evento in un autentico caso di rinascita culturale.
Dietro questo successo non c’è soltanto l’appeal intramontabile delle piramidi e dei faraoni, ma una sinergia perfetta tra istituzioni, visione artistica e passione collettiva. L’esposizione è stata prodotta e organizzata da Arthemisia, promossa dal Comune di Ragusa e dal Museo Egizio di Torino – il più antico del mondo, che proprio nel 2025 celebra i duecento anni dalla sua fondazione – con la partecipazione della Fondazione Federico II e la curatela di Paolo Marini. In un territorio che troppo spesso si sente ai margini dei grandi circuiti culturali, Ragusa ha dimostrato che la periferia può diventare epicentro, che una città può trasformarsi in laboratorio vivo di conoscenza, bellezza e identità.
Un ponte tra il Nilo e il Barocco
Passeggiando tra i reperti originali provenienti dal Museo Egizio, dalle delicate statuette votive alle maschere funerarie, fino ai papiri e agli amuleti, il pubblico si è trovato immerso in un’esperienza multisensoriale. Le installazioni multimediali e gli spazi immersivi hanno trasformato l’antica memoria in un racconto contemporaneo, unendo archeologia e tecnologia in un dialogo vibrante. Il fascino dell’Egitto ha incontrato l’anima siciliana, e tra le mura barocche del Palazzo Garofalo si è creata una risonanza capace di attraversare i secoli: il Nilo ha bagnato idealmente le rive del Mediterraneo, portando nuovi frutti a una terra che di doni sa riconoscerne il valore.
Tra i visitatori, oltre seimila erano studenti. Ragazzi e ragazze provenienti da tutta la Sicilia e dal Sud Italia hanno riempito le sale con la loro curiosità, accompagnati da insegnanti che hanno scelto la mostra come tappa formativa e viaggio d’esperienza. È forse questa la vittoria più grande: aver acceso negli occhi dei più giovani la scintilla dell’archeologia, la consapevolezza che la cultura può essere avventura, scoperta e meraviglia.
L’arte come forza propulsiva
“Questa mostra è stata mille volte più di una mostra”, ha dichiarato Iole Siena, presidente di Arthemisia. “È stata la dimostrazione che anche nei luoghi geograficamente più piccoli si possono realizzare grandi progetti culturali, capaci di attrarre visitatori, creare economia, generare entusiasmo e senso di appartenenza.” Le sue parole racchiudono la filosofia che ha guidato l’intero progetto: la cultura come motore di crescita, non solo intellettuale ma anche economica e sociale. Ragusa, per sei mesi, è diventata teatro di un esperimento riuscito di rigenerazione urbana e partecipazione collettiva.
L’assessore Giovanni Gurrieri lo ha definito “un esperimento socioculturale che ha coinvolto e fatto crescere l’intero tessuto della città”. Ventimila visitatori non rappresentano solo un numero, ma un battito condiviso, un movimento di persone, emozioni, economie e sguardi che si incontrano. Gurrieri ha parlato di “orgoglio e gratitudine” verso cittadini, turisti, scuole e istituzioni che hanno reso possibile questo risultato, sottolineando come l’obiettivo non sia stato semplicemente quello di ospitare un evento, ma di costruire un percorso. “Siamo già al lavoro per nuove proposte culturali,” ha aggiunto, “perché crediamo fortemente che gli innesti culturali nel centro storico siano fondamentali per continuare a far vivere e crescere Ragusa.”
Una rete che unisce la Sicilia e oltre
La mostra non è rimasta un’isola nel deserto, ma ha intrecciato collaborazioni e prestiti con importanti istituzioni museali del territorio: il Museo del Papiro “Corrado Basile” di Siracusa, il Museo Archeologico Nazionale “Antonio Salinas” di Palermo e il Museo Archeologico Ibleo di Ragusa. Un mosaico di alleanze che ha fatto dell’isola un vero e proprio hub culturale. Il sostegno della Regione Siciliana, dell’Aeroporto di Catania, del GAL Terra Barocca e del circuito “Enjoy Barocco – Sicilian Experience” ha contribuito a trasformare la mostra in un evento corale, in cui pubblico e privato hanno remato nella stessa direzione.
Dietro le quinte, una costellazione di sponsor e partner ha reso possibile l’impresa: Generali Valore Cultura come main sponsor, Toyota TD Car, e una lunga lista di realtà locali – da BAPS Banca Agricola Popolare di Sicilia a Moak, da Engel & Völkers a Despar – che hanno creduto nel progetto non solo come investimento ma come missione condivisa. Anche il catalogo, edito da Moebius, si è trasformato in un oggetto da collezione, un ricordo tangibile di un’esperienza che ha lasciato un segno.
Il futuro dopo il Nilo
La chiusura di “Gli Egizi e i doni del Nilo” non segna la fine di un percorso, ma l’inizio di una nuova stagione per Ragusa. La città ha scoperto di poter essere crocevia di flussi culturali internazionali, di poter ospitare iniziative di altissimo profilo e attrarre un pubblico globale senza rinunciare alla propria identità. È la dimostrazione che l’arte, se sostenuta da una visione e da una rete di collaborazione, può cambiare davvero il destino di un territorio.
Ragusa oggi non è più solo un set perfetto per le fiction o una tappa turistica: è un laboratorio del futuro, un luogo in cui il passato torna a parlarci in modo vivo. I doni del Nilo, forse, non erano solo le reliquie degli dei, ma il dono della consapevolezza che la cultura è un bene rinnovabile, capace di generare nuova vita.
E chissà, forse il vento caldo che ha attraversato le sale del Palazzo Garofalo continuerà a soffiare, portando con sé nuove meraviglie, nuove sfide e nuovi sogni. Perché quando l’arte incontra la passione di una comunità, anche il deserto può fiorire.
Dal 22 al 26 ottobre, Nizza Monferrato diventerà il cuore pulsante della letteratura italiana con la quattordicesima edizione di Libri in Nizza, il festival che celebra i “libri e le idee” come strumenti di immaginazione, riflessione e cambiamento. In un mondo che corre veloce tra crisi globali e rivoluzioni tecnologiche, l’evento invita lettori e autori a fermarsi un momento per riscoprire il potere visionario della parola scritta. Il tema di quest’anno, “Immagina-azione!”, è un manifesto di speranza e partecipazione: un invito a usare la fantasia non come fuga, ma come atto politico e creativo per costruire nuovi mondi possibili.
La letteratura come bussola per il domani
Diretto da Fulvio Gatti e coordinato dal Teatro degli Acerbi, il festival torna al Foro Boario di Nizza Monferrato con un programma denso di incontri, laboratori e appuntamenti speciali. Fulvio Gatti lo definisce “un’edizione che guarda lontano, con la forza immaginifica di autori capaci di scavalcare l’orizzonte e di raccontarci il futuro attraverso la lente del fantastico”.
Tra i protagonisti spicca il nome di Ted Chiang, lo scrittore statunitense considerato una delle voci più influenti della fantascienza contemporanea. Autore di capolavori come Storie della tua vita (da cui Denis Villeneuve ha tratto il film Arrival) e della raccolta Exhalation, Chiang ha vinto quattro premi Nebula, quattro Hugo e sei Locus. È stato incluso dal New York Times tra i migliori autori del decennio e da Time Magazine tra le 100 persone più influenti nel campo dell’intelligenza artificiale.
Chiang sarà il grande ospite internazionale della manifestazione, protagonista di due incontri: uno sabato 25 ottobre alle 17, moderato da Licia Troisi, e un secondo domenica 26, in dialogo con il divulgatore Andrea Vico, dedicato agli intrecci tra scienza, filosofia e narrazione.
Il futuro visto dalle colline del vino
Nizza Monferrato, con la sua cornice di colline patrimonio UNESCO, accoglierà un festival che unisce la riflessione culturale all’esperienza sensoriale del territorio. Libri in Nizza non è solo una rassegna di presentazioni, ma un laboratorio aperto dove si sperimenta la relazione tra realtà e immaginazione.
La manifestazione si apre giovedì 23 e venerdì 24 ottobre con due giornate dedicate alle scuole: grazie alla collaborazione con Book on a Tree, scrittori e illustratori incontreranno studenti e insegnanti per laboratori creativi e letture guidate. Tra gli ospiti, Francesco Morgando con Calypso – La bambina Wi-Fi (Feltrinelli) e Christian Antonini con il fantasy Arvis delle nubi. Cuore di fiamma (Giunti).
Il weekend, invece, sarà un viaggio tra generi e visioni. Si parte sabato con il saluto della Vicesindaca Ausilia Quaglia e del Sindaco Simone Nosenzo, e subito dopo con una tavola rotonda dal titolo Letteratura fantastica: dal mito alla realtà narrativamente aumentata, moderata da Carlo Francesco Conti in collaborazione con la Scuola Holden.
Al tavolo siedono nomi di rilievo come Sandrone Dazieri, Massimo Soumaré, Michele Bellone, Silvia Valisone e Sephira Riva, per un confronto che promette di attraversare mondi, dal fantasy classico alla fantascienza speculativa.
Dai manga al multiverso: la cultura pop entra in scena
Nel pomeriggio di sabato, il festival si tingerà di pop e immaginario nerd. Massimo Soumaré, traduttore e studioso di cultura giapponese, terrà un incontro sui manga come linguaggio universale, mentre Licia Troisi presenterà il terzo volume delle sue Cronache del Multiverso, Poe e il risveglio del multiverso (Rizzoli), un viaggio attraverso le dimensioni che risuona perfettamente con il tema “Immagina-Azione”.
A seguire, Rick DuFer discuterà il suo saggio Dio era morto: riscoprire il divino senza cadere nelle nuove superstizioni (Feltrinelli), un testo che riflette sulla spiritualità nel tempo dell’intelligenza artificiale.
Domenica tra scienza, narrativa e umanità
Il 26 ottobre, la giornata si apre con il convegno Robotica, educazione e inclusione, organizzato dal Laboratorio Luciano Gallino dell’Università di Torino e dal C.I.S.A. Asti Sud, a partire dal volume Welfare generativo e innovazione sociale (Franco Angeli).
Alle 15, Gian Marco Griffi presenterà Una digressione (Einaudi), mentre alle 17 tornerà sul palco Ted Chiang, per un dialogo che intreccerà fisica, filosofia e letteratura. “Le sue storie – spiega Andrea Vico – ci costringono a riconsiderare il rapporto tra tempo e consapevolezza. Leggerlo significa immaginare come potrebbe essere l’umanità tra cento anni, ma anche capire meglio chi siamo oggi.”
La giornata culminerà con Oscar Farinetti e La regola del silenzio (Bompiani), seguito dalla premiazione del concorso letterario Sotto il cielo di Nizza e dalla presentazione di La voce blu di Andrea Bosca, attore e scrittore nizzese.
Un festival aperto, libero e visionario
Tutti gli incontri di Libri in Nizza 2025 sono a ingresso gratuito, e oltre ai dibattiti, il Foro Boario ospiterà un’area dedicata a editori indipendenti, associazioni culturali e firmacopie con gli autori. Non mancheranno momenti dedicati ai più piccoli, grazie all’iniziativa Nati per Leggere x Libri in Nizza presso la Biblioteca Civica Umberto Eco, con letture per bambini dai 2 ai 9 anni curate dai volontari locali.
Il festival sarà anche un punto di incontro tra discipline, generazioni e visioni, confermandosi come un luogo dove la narrativa si intreccia con il pensiero scientifico, la cultura pop e la tecnologia. “La letteratura fantastica – afferma ancora Fulvio Gatti – è il linguaggio più rappresentativo del XXI secolo, capace di raccontare chi siamo e dove potremmo andare.”
Libri come portali per mondi possibili
Tra le colline del Monferrato, dove la storia incontra il futuro, Libri in Nizza 2025 promette di essere molto più di un festival letterario: sarà un esperimento collettivo di immaginazione. Perché, come ci insegnano i grandi autori del fantastico, ogni storia è un portale verso l’ignoto – e ogni lettore, entrando, diventa parte del mondo che aiuta a creare.
Nel firmamento del fumetto contemporaneo, poche autrici brillano con la stessa intensità di Mirka Andolfo. La sua stella continua a incendiare l’universo di Star Comics, che celebra la regina del pop del fumetto italiano con un’edizione omnibus di Blasfamous — un volume unico, scintillante e provocatorio, pronto a conquistare gli scaffali di librerie e fumetterie dal 28 ottobre. Tre capitoli condensati in un solo tomo da collezione, un’esperienza visiva e narrativa che è, al tempo stesso, un concerto celeste e un rito blasfemo.
In questo universo decadente e surreale, le popstar sono divinità. Gli stadi sono templi, le luci di scena fiammate sacre, e i fan devoti offrono la loro fede in cambio di un frammento di immortalità riflessa. Gli angeli e i demoni che popolano Blasfamous si nutrono di like, follower e applausi, prosperando nell’idolatria che alimenta il loro potere. Eppure, sotto la patina dorata dello show business, si consuma una guerra silenziosa: quella per la fede — o meglio, per la fedeltà del pubblico.
Al centro di questo spettacolo ultraterreno c’è Clelia, la regina indiscussa del pop, diva assoluta e perfetta incarnazione di un culto mediatico che ha ormai sostituito ogni religione. Quando una nuova stella dall’aura misteriosa e magnetica comincia a rubarle la scena, il suo regno rischia di crollare. Accanto a lei, l’enigmatico Padre Lev, agente e demone personale, manovra tra miracoli digitali e peccati di marketing per mantenere il trono della sua cliente nel paradiso delle classifiche. Ma fino a dove può spingersi una divinità prima di trasformarsi nel proprio opposto?
Mirka Andolfo — già nota per capolavori come Unnatural, Mercy e il pluripremiato Sweet Paprika — torna qui con una commedia horror-fantasy che è una satira feroce e scintillante della società dello spettacolo. La sua firma è inconfondibile: corpi perfetti e anime tormentate, ironia graffiante e sensualità metafisica, colori saturi che esplodono sulla pagina come strobo su un palco infernale. In Blasfamous, Andolfo fonde la mitologia urbana alla American Gods con il sarcasmo divino di The Good Place, creando un linguaggio nuovo, dove il sacro e il profano si intrecciano in una danza estetica irresistibile.
L’edizione omnibus non è solo un volume celebrativo, ma un manifesto visivo della visione di Andolfo: un’opera totale che unisce spettacolo, introspezione e provocazione. Ogni pagina vibra di musica e misticismo, ogni vignetta è una nota in una sinfonia di tentazioni, fede e vanità. E per i collezionisti, Star Comics ha preparato una chicca: la Variante Cover Edition firmata da Artgerm, uno dei più celebrati artisti internazionali, che regala alla diva Clelia un ritratto diabolico e seducente, degno di un’icona pop del Parnaso digitale.
Dietro la patina glamour, Blasfamous è anche una riflessione acuta sul culto della celebrità e sulla nostra ossessione per l’apparenza. Andolfo mette in scena una parabola moderna in cui la fede si misura in click e il peccato si traduce in disattenzione. “Quanti fan vale la tua anima?” sembra chiedere ogni tavola, sussurrando al lettore la domanda che nessun algoritmo può davvero risolvere. Clelia diventa così una nuova figura archetipica nel pantheon femminile dell’autrice: un’eroina imperfetta, divorata dal bisogno di essere amata, specchio della fragilità contemporanea.
Con Blasfamous, Mirka Andolfo non firma soltanto una storia: costruisce un universo. È la voce di un’arte che non teme di essere pop, di un linguaggio visivo che fonde ironia e introspezione, bellezza e caos. E lo fa nel modo che solo lei conosce — trasformando ogni vignetta in un piccolo miracolo blasfemo, ogni pagina in una preghiera elettrica rivolta agli dèi del palcoscenico. Un’opera che parla ai lettori di fumetti, ma anche a chi riconosce nel mondo dello spettacolo una nuova teologia dell’immagine.
Il ritorno di Blasfamous, racchiuso in questo omnibus da collezione, è quindi molto più di una ristampa: è una liturgia estetica per i fedeli della nona arte, un atto di fede nella potenza del fumetto come strumento di riflessione, seduzione e dissacrazione. Dal 28 ottobre, Clelia torna a regnare. E stavolta, nessun dio potrà oscurarla.
Pochi romanzi possono vantare un destino così paradossale come Moby Dick. Oggi viene studiato nelle università di tutto il mondo, citato da scrittori, registi, musicisti e game designer, considerato uno dei vertici assoluti della letteratura americana e una delle opere più influenti mai pubblicate. Eppure, nel 1851, il libro di Herman Melville arrivò sugli scaffali tra incomprensioni, recensioni contrastanti e un pubblico che non riuscì davvero a coglierne la portata. A pensarci bene, la sua storia ricorda quella di tanti capolavori nerd diventati leggendari solo dopo anni: film ignorati all’uscita e poi trasformati in cult, videogiochi rivalutati da una nuova generazione, serie televisive cancellate troppo presto e riscoperte successivamente come autentici tesori. Moby Dick appartiene a quella categoria speciale di opere che sembrano aspettare il momento giusto per essere comprese.
Tutto parte da una frase che attraversa i secoli con la stessa forza di un fulmine in mezzo all’oceano: «Chiamatemi Ismaele». Sono poche parole, eppure racchiudono l’inizio di un viaggio che ancora oggi riesce a catturare il lettore come una tempesta improvvisa. Ismaele è un marinaio che decide di imbarcarsi sulla baleniera Pequod per affrontare una nuova avventura sui mari. Quello che inizialmente sembra un semplice racconto di navigazione si trasforma presto in qualcosa di molto più complesso e inquietante. A guidare la nave c’è il capitano Achab, una figura gigantesca nella storia della letteratura, un uomo mutilato da una colossale balena bianca durante una precedente spedizione e ormai divorato da un unico pensiero. Non desidera ricchezza, non cerca gloria, non vuole tornare a casa come un eroe. Vuole trovare Moby Dick e ucciderla.
Da quel momento il romanzo smette di essere una storia di mare e diventa un’esplorazione degli abissi dell’animo umano. La balena bianca non è soltanto un animale. Non è nemmeno semplicemente un mostro. Moby Dick assume mille significati diversi a seconda dello sguardo di chi osserva. Per Achab rappresenta il male che lo ha colpito e che deve essere distrutto. Per altri è una forza della natura impossibile da dominare. Per molti lettori è il simbolo dell’assoluto, di quella verità definitiva che l’essere umano continua a inseguire pur sapendo di non poterla raggiungere completamente. È proprio questa ambiguità a rendere il romanzo così moderno. Non offre risposte definitive e continua a generare interpretazioni diverse a ogni nuova lettura.
La cosa affascinante è che Melville non inventò tutto dal nulla. Gran parte della forza narrativa del libro nasce dalla sua esperienza personale. Prima di diventare scrittore aveva trascorso anni navigando tra oceani e baleniere, accumulando una conoscenza diretta della vita marinaresca che traspare in ogni pagina. Le descrizioni delle tempeste, delle cacce ai cetacei, delle manovre navali e delle giornate interminabili trascorse sull’acqua possiedono un realismo che ancora oggi lascia senza parole. A questo si aggiungono due episodi realmente accaduti che contribuirono alla nascita del mito. Il primo riguarda l’Essex, una baleniera realmente affondata nel 1820 dopo essere stata speronata da un gigantesco capodoglio. Il secondo ruota attorno alla leggenda di Mocha Dick, un enorme cetaceo albino che per anni terrorizzò i cacciatori nelle acque del Pacifico. Realtà e leggenda finirono così per fondersi fino a creare uno dei simboli più potenti mai apparsi nella narrativa mondiale.
Leggere Moby Dick oggi significa anche lasciarsi sorprendere dalla sua incredibile modernità. Molti si aspettano un classico ottocentesco difficile e distante, ma scoprono invece un’opera che anticipa numerosi elementi della narrativa contemporanea. Le continue digressioni filosofiche, le riflessioni religiose, i riferimenti biblici, il gusto per la sperimentazione e la costruzione psicologica dei personaggi sembrano quasi annunciare autori che sarebbero arrivati decenni dopo. In alcuni passaggi Melville appare come un precursore del modernismo letterario, in altri sembra addirittura anticipare certe narrazioni stratificate che oggi troviamo nella fantascienza, nei manga o nei videogiochi più ambiziosi.
Achab, dal canto suo, è uno di quei personaggi che trascendono il proprio tempo. Ogni epoca continua a riconoscersi nella sua ossessione. Guardandolo con occhi contemporanei viene naturale pensare a molti protagonisti della cultura pop moderna che sacrificano tutto pur di raggiungere un obiettivo impossibile. Achab è il simbolo della determinazione estrema ma anche dell’autodistruzione. È un uomo che non riesce più a distinguere tra ciò che desidera e ciò che lo sta consumando. La sua battaglia contro la balena diventa così una guerra contro il destino stesso, una sfida titanica che finisce per trascinare verso la rovina chiunque abbia avuto la sfortuna di seguirlo.
Anche per questo il romanzo continua a lasciare tracce ovunque. La cultura nerd ne è piena. Gli appassionati di anime e manga conoscono bene la gigantesca nave Moby Dick appartenente a Barbabianca in One Piece. Chi ama i videogiochi ricorderà sicuramente i numerosi riferimenti disseminati da Hideo Kojima in Metal Gear Solid V: The Phantom Pain, dove compaiono nomi come Ahab, Ishmael e Pequod. Nel mondo del fumetto le reinterpretazioni si sono moltiplicate nel corso dei decenni, mentre il cinema ha continuato a tornare periodicamente sulle tracce della balena bianca, dalla celebre versione diretta da John Huston fino a produzioni più recenti come Heart of the Sea, che racconta proprio la tragedia reale dell’Essex che contribuì a ispirare Melville.
La sua influenza si estende perfino alla musica. Dai Led Zeppelin ai Mastodon, passando per Vinicio Capossela, Roberto Vecchioni e numerosi artisti rock e metal, l’ombra della balena bianca continua ad affiorare tra testi, concept album e suggestioni narrative. Persino il nome Starbucks, ormai familiare in ogni parte del mondo, deriva dal primo ufficiale della Pequod, un dettaglio che molti ignorano ma che dimostra quanto profondamente il romanzo sia penetrato nell’immaginario collettivo.
Forse il motivo per cui Moby Dick continua a parlarci dopo oltre un secolo e mezzo è proprio questo. Ognuno vede qualcosa di diverso dentro quella balena bianca. Alcuni trovano una grande avventura marinaresca. Altri una riflessione sull’ossessione. Altri ancora una meditazione sul male, sulla fede, sulla natura o sui limiti della conoscenza umana. In fondo la vera protagonista della storia non è nemmeno la balena. È il desiderio dell’uomo di dare un significato a ciò che non riesce a comprendere completamente. Ed è una domanda che, tra intelligenze artificiali, esplorazione spaziale, mondi virtuali e nuove frontiere della tecnologia, continua a essere sorprendentemente attuale. Forse per questo Achab continua a navigare nei nostri immaginari e Moby Dick continua a emergere dagli abissi della cultura pop. Ogni generazione la osserva da lontano, convinta di aver finalmente capito cosa rappresenti. Poi la balena scompare ancora una volta tra le onde, lasciandoci con il sospetto che il mistero sia sempre stato il vero tesoro della caccia.
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In un’epoca cinematografica in cui i biopic musicali sono ormai una costante, “A Complete Unknown” di James Mangold si distingue non solo per la sua capacità di raccontare la storia di uno degli artisti più influenti di tutti i tempi, ma anche per il modo in cui lo fa. Il film non si limita a tracciare l’intera vita di Bob Dylan, ma si concentra su un periodo cruciale, dal 1961 al 1965, quando il giovane musicista ha attraversato una delle trasformazioni artistiche più significative nella storia della musica. Questo viaggio, che porta Dylan dalla scena folk del Greenwich Village alla celebre esibizione elettrica al Newport Folk Festival, è raccontato con una sensibilità che va oltre la mera ricostruzione storica.
Il film, che debutterà in Italia il 7 maggio in esclusiva su Disney+, si avvale di una straordinaria interpretazione di Timothée Chalamet nei panni di Bob Dylan, un ruolo che gli permette di mettere in luce non solo le caratteristiche superficiali del cantante, ma anche la sua complessità emotiva e la sua lotta interiore. Chalamet, con la sua consueta profondità, riesce a trasmettere lo spirito ribelle di Dylan, restituendo la sua evoluzione da giovane artista folk a figura simbolo di una rivoluzione musicale che avrebbe cambiato per sempre il corso della storia.
Diretto da James Mangold, già regista di “Quando l’amore brucia l’anima”, il film esplora non solo l’ascesa musicale di Dylan, ma anche le sue relazioni con figure chiave come Joan Baez, Pete Seeger e Woody Guthrie. Queste connessioni, seppur reso con grande rispetto per la storia, sono anche la chiave di lettura di un periodo storico segnato da enormi cambiamenti sociali e culturali. Le tensioni della Guerra del Vietnam, la lotta per i diritti civili e la crescente popolarità della musica rock come strumento di protesta sono il contesto in cui Dylan si evolve, un giovane che, armato solo della sua chitarra e della sua voce, ha scelto di non rimanere un semplice testimone, ma di essere un protagonista attivo di quella rivoluzione.
Ma “A Complete Unknown” non è solo un tributo alla musica di Dylan. È un film che riesce a entrare nell’anima di quest’uomo in costante conflitto con la sua stessa immagine pubblica, che cerca di definire chi sia realmente in un’epoca che lo costringe a scegliere tra l’autenticità e le aspettative del pubblico. La performance di Chalamet, lodata dalla critica, non si limita a imitare l’iconica voce di Dylan, ma coglie la sua essenza più profonda, offrendo una rappresentazione che risulta tanto emozionante quanto trasformativa.
Il film dipinge la New York degli anni ’60 con un’attenzione meticolosa ai dettagli, ma nonostante la cura nei costumi e nella scenografia, la città non riesce a emergere con la stessa forza che ha caratterizzato il periodo storico che racconta. In alcune scene, infatti, la vitalità di Greenwich Village, cuore pulsante della scena musicale folk, sembra quasi sopita, non riuscendo a restituire pienamente l’intensità di quei giorni. Tuttavia, la forza della narrazione e la qualità delle interpretazioni riescono a compensare questa piccola pecca, trasportando comunque lo spettatore nell’atmosfera di quell’epoca turbolenta.
L’interazione tra Dylan e le figure che ha incontrato lungo il suo cammino, come Joan Baez (interpretata da Monica Barbaro) e Pete Seeger (Edward Norton), è centrale nel film. Tuttavia, alcuni momenti, come la relazione con Joan Baez, pur essendo ben scritti, sembrano più pensati per il grande pubblico che non come una riflessione profonda e storicamente accurata di quella che fu la loro dinamica. Nonostante ciò, le performance degli attori riescono comunque a rendere questi rapporti significativi, senza cadere nella trappola della superficialità.
La colonna sonora di “A Complete Unknown” è un altro punto di forza del film. Piuttosto che essere semplicemente una raccolta di brani d’epoca, la musica si intreccia con la narrazione, diventando un elemento vitale che contribuisce a raccontare la storia di Dylan. Brani come “Mr. Tambourine Man” e “Like a Rolling Stone” non sono solo pezzi iconici, ma diventano il motore emotivo che spinge il giovane Dylan ad affrontare la sua evoluzione artistica, la sua ricerca della verità e la sua resistenza contro la pressione del sistema.
“A Complete Unknown” è un film che va oltre il semplice biopic musicale. Non si limita a raccontare la vita di Bob Dylan, ma si sforza di esplorare la sua anima, la sua ricerca interiore, la sua continua reinvenzione. James Mangold, con la sua regia attenta e il supporto di un cast straordinario, crea un affresco emozionante che celebra non solo il cambiamento musicale, ma anche quello culturale, politico e personale. Con Timothée Chalamet nel ruolo di protagonista, il film non solo ci offre una nuova visione di Bob Dylan, ma ci invita a riflettere sul nostro rapporto con l’arte, la libertà e la ribellione. A Complete Unknown è quindi un viaggio che trascende il tempo e lo spazio, e che ci parla direttamente del nostro presente, facendoci capire quanto l’autenticità e la ricerca di se stessi siano ancora oggi tematiche universali e necessarie. Non è solo un film sulla musica, è un film sulla vita, sulla trasformazione, sull’incredibile potere che l’arte può avere nel cambiare il mondo.
La magia del Cubo di Rubik è riuscita a incantare un’altra generazione, e questa volta lo ha fatto nel cuore di Cuneo, in un evento che ha raccolto oltre 32.600 visitatori. La mostra “50 anni di Cubo. Ernő Rubik e il rompicapo che ha incantato il mondo”, aperta dal settembre 2024, si è conclusa domenica 27 aprile 2025, lasciando una traccia indelebile nei cuori degli appassionati di puzzle, matematica e cultura pop. Quello che potrebbe sembrare solo un rompicapo, infatti, è diventato nel corso degli anni un simbolo universale, capace di parlare a più generazioni, unendo intelligenza e intrattenimento.
La mostra, allestita nello Spazio Inn@vazione della Fondazione CRC, è stata un viaggio emozionante attraverso la storia di uno dei giochi più iconici del mondo. Curata dall’associazione Cuadri in collaborazione con Spin Master e con il contributo di enti come la Fondazione CRC e aziende locali come Generali, ACDA, Sedamyl, Bottero e Tesi Square, l’esposizione ha offerto non solo un’esperienza visiva, ma anche una riflessione profonda su ciò che questo piccolo cubo colorato rappresenta: ingegno, creatività e sfida mentale. Grazie a un allestimento interattivo e immersivo, i visitatori hanno potuto esplorare il Cubo di Rubik in modo inedito, unendo la nostalgia per un’icona senza tempo alla curiosità di scoprire i segreti dietro il rompicapo più famoso al mondo.
La mostra non è stata solo una passerella per il Cubo, ma un vero e proprio centro di cultura, con eventi che hanno attratto appassionati e curiosi di tutte le età. Tra i momenti più attesi ci sono state le performance dei speedcuber Giovanni Contardi e Carolina Guidetti, veri e propri maestri nel risolvere il cubo in tempi record. Ma la vera magia è arrivata con gli spettacoli collaterali, tra cui il celebre “Rubik’s On Stage”, che ha visto protagonisti il matematico Andrea Plazzi e l’astrofisico Luca Perri. La loro capacità di rendere la matematica divertente e affascinante ha attirato un pubblico numeroso, mentre l’illusionista Hyde ha portato un tocco di “Cubomagia”, sorprendendo i visitatori con trucchi straordinari che hanno utilizzato il Cubo di Rubik come strumento di magia pura. Un’esperienza che ha coinvolto oltre 600 spettatori, confermando l’interesse per l’intersezione tra scienza, gioco e spettacolo.
L’allestimento ha avuto anche un impatto significativo sui più giovani, che hanno rappresentato oltre il 20% dei visitatori. Questo è un segno del fascino che il Cubo continua a esercitare sulle nuove generazioni, dimostrando che l’ingegno non ha età. La risposta entusiasta dei ragazzi non è stata solo un fatto di numeri, ma un segnale che anche in un’epoca dominata dalla tecnologia, giochi come il Cubo di Rubik mantengono un fascino intramontabile. Per molti di loro, infatti, il Cubo è stato molto più di un semplice gioco, ma un’esperienza educativa e divertente che ha stimolato la curiosità e la creatività.
Un altro aspetto fondamentale di questa mostra è stato il messaggio che ha trasmesso, ovvero quello di considerare il Cubo di Rubik non solo come un gioco, ma come un vero e proprio simbolo di ingegno umano. Andrea Borri, presidente di Cuadri, ha voluto sottolineare proprio questa visione, dicendo che l’esposizione non ha cercato di ridurre il Cubo a un oggetto popolare, ma ha voluto raccontare la sua storia come una sintesi perfetta di creatività e complessità, in grado di stimolare menti giovani e meno giovani.
Il successo dell’evento è stato un’ulteriore conferma di quanto il Cubo di Rubik sia una vera e propria icona globale che, dopo 50 anni, continua a esercitare il suo fascino su milioni di persone. Elisa Anchisi, Head of Marketing Spin Master Italia e Grecia, ha affermato che la mostra è stata anche un tributo a una cultura che non sarebbe stata la stessa senza l’impatto di Rubik’s®, che ha saputo adattarsi ai tempi pur mantenendo intatta la sua natura di sfida e creatività. Questa mostra, con il suo successo travolgente, ha celebrato non solo il passato, ma anche l’evoluzione del Cubo, proiettandolo nel futuro con una forza che continua a unire generazioni diverse.
In conclusione, se c’è una cosa che questa esposizione ci ha insegnato è che il Cubo di Rubik non è solo un oggetto da risolvere, ma un simbolo di passione, di sfida mentale e di continua innovazione. La mostra di Cuneo ha rappresentato un’occasione imperdibile per immergersi in un pezzo di storia che continua a ispirare e appassionare, dimostrando che, a distanza di 50 anni, Rubik’s® è tutt’altro che passato di moda. Lo Spazio Inn@vazione, pronto a riaprire nel 2025 con una nuova mostra interattiva, promette di continuare su questa strada, celebrando i grandi talenti creativi che hanno cambiato il mondo.
Nel vasto universo delle icone umane della scienza e della cultura, poche figure possono vantare un impatto così profondo e duraturo come Archimede di Siracusa. La sua mente brillante, capace di spingere i confini della conoscenza umana, è al centro di una straordinaria graphic novel intitolata “Archimede. Geometria di un genio”, edita da Becco Giallo, un’opera che, pur raccontando una delle tragedie più dolorose della storia, riesce a fare riecheggiare il suo spirito attraverso l’eternità. Scritto da Roberto Monti e illustrato da Marco Tabilio, questo fumetto è un tributo al genio che, attraverso le sue invenzioni e scoperte, ha rivoluzionato il mondo antico, ma anche un grido di denuncia contro l’oscurantismo che ancora oggi minaccia la cultura e la conoscenza.
Un eroe tragico e universale
Anno 212 a.C. È l’epoca della grande guerra tra Roma e Siracusa, e le forze imperialistiche del console Marcello, il “gladio di Roma”, stanno schiacciando la città. Nel mezzo del caos, mentre Siracusa tenta disperatamente di difendersi, uno dei suoi più grandi figli, Archimede, viene assassinato dai soldati romani. Questa morte, tragica e simbolica, non segna solo la fine di una vita straordinaria, ma segna anche la sconfitta di un’idea: quella della scienza e della cultura come faro di speranza in un mondo che tenta di soffocarle.
La sceneggiatura di Monti, che si avvale anche della collaborazione con il Dipartimento di Matematica dell’Università di Padova, è una riflessione non solo sulla figura di Archimede, ma sul significato più ampio della scienza stessa. La sua morte non è solo una fine, ma un punto di rottura, una metafora della lotta tra il Potere e il sapere. Il fumetto intreccia momenti storici, come la resistenza di Siracusa, con la visione matematica e geometrica che Archimede ha lasciato in eredità all’umanità.
La geometria della resistenza
“Archimede. Geometria di un genio” non è solo una biografia illustrata, ma un grande affresco che esplora il rapporto tra scienza e potere. La difesa di Siracusa da parte di Archimede e dei suoi concittadini diventa, nel fumetto, un grido di protesta contro l’imperialismo. Un messaggio che risuona forte oggi come ieri: la lotta di Archimede è quella di ogni intellettuale, scienziato o artista che si oppone a chi vuole soffocare la cultura e il progresso. Archimede, con le sue straordinarie invenzioni – dalla celebre leva alla “Eureka!” che si dice avesse pronunciato scoprendo il principio di Archimede – diventa il simbolo di quell’intelligenza che sfida il tempo e la barbarie del Potere.
Le sue creazioni matematiche, visualizzate con maestria nelle tavole di Tabilio, non sono semplici “strumenti” di misurazione, ma vere e proprie incarnazioni della sua mente visionaria, capaci di resistere al tempo e alle distruzioni che hanno segnato la sua vita. Le spirali, i cilindri e le sfere – simboli geometrici che sono il cuore pulsante di questa opera – rinascendo tra le pagine, rendono immortale il genio di Archimede, evocando l’idea che la vera grandezza non si estingue mai.
Un’interpretazione visiva straordinaria
Marco Tabilio, con la sua capacità di tradurre la scienza in immagini, riesce a rendere tangibili concetti complessi attraverso il suo stile visivo. Le illustrazioni non solo rappresentano l’epoca e gli eventi, ma le idee stesse di Archimede. Ogni tavola è intrisa di un’energia che sfida il lettore a vedere oltre la pagina, a riflettere sulle implicazioni di ogni invenzione, di ogni scoperte. Il linguaggio visivo di Tabilio trasforma il fumetto in una specie di diagramma vivente, un’esplosione di geometria e conoscenza che trascende le barriere temporali e spaziali.
La scienza come forma di resistenza
Questa graphic novel non è solo un tributo a Archimede, ma una riflessione profonda sulla resistenza del sapere contro ogni forma di ignoranza e censura. Il messaggio che trasmette è chiaro: la scienza, la cultura e la conoscenza sono forze invincibili, che non si arrendono mai, anche di fronte alla morte. Archimede, con la sua passione e il suo ingegno, è il simbolo di quell’intellettualismo che sfida ogni forma di oscurantismo, che lotta per un mondo dove la conoscenza possa crescere libera, senza paura di essere distrutta.
Con “Archimede. Geometria di un genio”, Monti e Tabilio ci offrono un’opera che va oltre la biografia di uno dei più grandi geni della storia, ci consegnano una riflessione universale sul valore della scienza, sull’importanza della cultura come strumento di resistenza e sul potere eterno delle idee. Questa graphic novel, che può essere apprezzata da appassionati di storia, scienza e fumetto, è un’opera che celebra la bellezza e la potenza della conoscenza, un tributo eterno a un uomo che ha cambiato il corso della storia.
In accordo con il Dipartimento di Matematica dell’Università di Padova, il terzo capitolo del libro, “Alessandria”, è disponibile in download gratuito a partire da qui:
Dal 8 al 13 aprile, Roma si prepara ad ospitare un evento che celebra il connubio perfetto tra scienza, cultura e innovazione: il Festival delle Scienze, giunto quest’anno alla sua ventesima edizione. L’appuntamento, che si terrà all’Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone, non è solo una rassegna scientifica, ma una vera e propria immersione nel mondo della conoscenza e della scoperta, un’occasione unica per esplorare temi affascinanti e stimolanti. Per il 2025, il tema che guiderà la riflessione di questa edizione speciale è “Corpi”, un concetto tanto ampio quanto profondo, che abbraccia e sfida le nostre percezioni. I “corpi” a cui si fa riferimento non sono solo quelli umani, ma anche quelli animali, vegetali, e persino quelli microscopici, come i virus e i batteri, e i corpi celesti che popolano l’infinito universo.
La riflessione sul corpo umano, con le sue caratteristiche e trasformazioni, ha radici profonde nell’evoluzione biologica e culturale, ma negli ultimi decenni si è ampliata grazie ai progressi tecnologici. Oggi possiamo parlare di corpi ibridi, che integrano protesi e impianti, e persino di corpi meccanici come i robot e gli automi. Il Festival delle Scienze di Roma esplorerà tutti questi aspetti, portando all’attenzione del pubblico non solo l’evoluzione biologica del corpo, ma anche le sfide, le trasformazioni e le possibilità offerte dalla tecnologia.
Questa edizione, che celebra i venti anni di attività del Festival, si distingue per l’approccio multidisciplinare che caratterizza ogni appuntamento. Con più di 100 ospiti, tra cui scienziati di fama internazionale, giornalisti e intellettuali, l’evento si svilupperà attraverso cinque aree tematiche principali: Corpi Complessi, Corpi Originali, Corpi Responsabili, Corpi Plastici e Corpi Inquieti. Tra i relatori più attesi ci saranno personalità come Silvia Bencivelli, Mirko Daniel Garasic, Alberto Mantovani, Daniel Lieberman, e Francesca Marzia Esposito. Questi esperti, con il loro approccio innovativo, affronteranno il tema del corpo da punti di vista che spaziano dalla biologia alla filosofia, dalla medicina alla sociologia.
Il Festival si aprirà martedì 8 aprile con un incontro dedicato alle scuole dal titolo “Corpi: capirli e curarli”, durante il quale l’immunologo Alberto Mantovani dialogherà con la giornalista scientifica Silvia Bencivelli. Un momento di grande valore educativo che offrirà agli studenti l’opportunità di avvicinarsi alle frontiere della ricerca scientifica e alle potenzialità del corpo umano. Nel pomeriggio dello stesso giorno, il coreografo Virgilio Sieni terrà un laboratorio dal titolo “Il Corpo Tattile”, un’attività inclusiva che coinvolgerà danzatori e persone cieche o ipovedenti, esplorando come il corpo possa esprimersi attraverso il tatto e l’ascolto dello spazio circostante.
Alle 19, la Sala Petrassi ospiterà uno degli eventi più attesi: il saggista e divulgatore scientifico statunitense David Quammen parlerà di “Corpi nella natura”, un incontro che esplorerà il legame profondo tra l’uomo e gli altri corpi naturali, con un focus sulla biodiversità e la sua conservazione. Moderato da Marco Cattaneo, direttore di “Le Scienze” e “National Geographic Italia”, questo evento offrirà al pubblico l’opportunità di riflettere sull’importanza di proteggere l’ecosistema globale.
Il Festival delle Scienze di Roma non si limita a conferenze e dibattiti, ma offre anche una ricca programmazione di spettacoli e attività. Tra questi, la performance “Danza cieca” di Virgilio Sieni, e il reading-spettacolo “Corpo, umano”, con il psichiatra Vittorio Lingiardi, che esplorerà la connessione tra corpo, mente e cultura, approfondendo il significato simbolico e fisico degli organi del corpo umano. Inoltre, la professoressa Daniela Lucangeli terrà una lectio dal titolo “Tu chiamale se vuoi…”, un viaggio affascinante alla scoperta delle connessioni tra psicologia, emozioni e corpo.
Non mancheranno neanche le attività educative, pensate per coinvolgere i più giovani in modo ludico e stimolante. Laboratori, giochi e incontri interattivi permetteranno agli studenti di esplorare il corpo umano, le sue funzioni e le scoperte scientifiche più recenti. Per gli adulti, ci saranno seminari come “Astronomia & mindfulness: noi e l’Universo”, un incontro che abbinerà la riflessione sull’infinito universo all’esplorazione del corpo attraverso la pratica della consapevolezza.
Le mostre e gli exhibit interattivi sono un altro dei punti di forza del Festival. Tra questi, la mostra “Obiettivo scienza” a cura del CNR, “La rivoluzione in un quanto” a cura dell’INFN, e “Anatomia virtuale: immergersi nel corpo umano”, organizzata dalla Fondazione Policlinico Universitario Agostino Gemelli IRCCS. Queste esposizioni offriranno un’opportunità unica di esplorare il corpo umano da una prospettiva scientifica e tecnologica, utilizzando risorse interattive e immersive che faranno capire al pubblico, anche ai più piccoli, come funziona il nostro organismo.
Inoltre, per gli appassionati di astronomia, il Planetario di Roma Capitale proporrà eventi straordinari, come la conferenza-spettacolo sui buchi neri “Una ciambella col buco (nero)” e la discussione sul famoso “Problema dei tre corpi”, incentrata sulla stabilità e il caos nei sistemi planetari. Non mancheranno anche eventi di grande valore scientifico, come le passeggiate geologiche organizzate da ISPRA, che porteranno i partecipanti alla scoperta delle pietre ornamentali della Basilica di San Paolo fuori le mura.
In collaborazione con Radio3 Scienza, il Festival delle Scienze di Roma offrirà due speciali dirette radiofoniche che racconteranno i protagonisti e le novità della manifestazione, portando l’entusiasmo e la passione della scienza a tutti gli ascoltatori.
Il Festival delle Scienze di Roma, da venti anni, è uno degli eventi scientifici più importanti d’Italia, un’occasione unica per scoprire il corpo in tutte le sue forme, sia fisiche che simboliche, attraverso un programma ricco di attività, conferenze e spettacoli. Un appuntamento irrinunciabile per chi è affascinato dal mondo della scienza, della cultura e dell’innovazione, che coniuga il rigore scientifico con la meraviglia della scoperta.
Il genere fantascientifico ha da sempre immaginato il futuro, anticipando scenari che spesso si sono “avvicinati” alla realtà. Dai romanzi ai film, molti autori, nel corso dei decenni, hanno dimostrato un’intuizione quasi “profetica”, raccontando di mondi dominati da trasformazioni profonde che oggi trovano un riscontro concreto nell’applicazione delle nuove tecnologie.
In occasione dell’uscita della settima stagione di Black Mirror, la serie fantascientifica che ha il merito di aver stimolato una riflessione critica sull’impatto della digitalizzazione nei diversi ambiti della società contemporanea, Babbel, l’app che promuove la comprensione reciproca attraverso le lingue, insieme all’esperto Andrea Viscusi, autore italiano specializzato in narrativa fantascientifica, invitano ad una riflessione in merito al binomio fattore umano e tecnologia.
Nello specifico sono stati selezionati 5 libri e 5 film di fantascienza che hanno saputo anticipare e talvolta persino dare un nome ad alcune delle tematiche tecnologiche di oggi, alcune delle quali affrontate anche nella serie, dall’intelligenza artificiale alle simulazioni virtuali.
“Fin dalle sue origini, la fantascienza ha alimentato non solo l’immaginazione, ma anche il pensiero scientifico e la ricerca” afferma Andrea Viscusi “Sono molti i casi di sviluppi tecnologici che sono stati in qualche modo indirizzati dalle storie di fantascienza, al punto che le stesse parole che usiamo comunemente per parlare di questi concetti sono state inventate in queste opere”.
“È interessante osservare come le tecnologie di oggi, tra cui l’intelligenza artificiale e gli algoritmi capaci di adattarsi al contesto, siano state immaginate già da tempo da scrittori/scrittrici e autori/autrici cinematografici. Ciò che un tempo sembrava fantascienza è infatti oggi parte della nostra quotidianità: anche solo pochi decenni fa, per molti era difficile pensare che un giorno avremmo potuto imparare le lingue in qualsiasi momento da un dispositivo tascabile” commenta Gianluca Pedrotti, Principal Learning Content Creator.
Tra robot e cyberspazio: le previsioni tecnologiche della letteratura
Come sottolineano gli esperti linguistici di Babbel, numerosi sono gli autori letterari che nel tempo, con la loro fantasia, hanno saputo predire delle tecnologie o addirittura inventare dei nomi che sono stati successivamente utilizzati, dai robot agli avatar passando dall’antenato di internet.
“R.U.R. (Rossum’s Universal Robots)” di Karel Čapekn (1920): quest’opera teatrale rappresenta una delle prime storie distopiche del XX secolo ed è nota per aver introdotto per la prima volta il termine “robot”. Al centro della storia vi è l’azienda Rossum’s Universal Robots (R.U.R.) che realizza esseri artificiali, i robot appunto, simili agli umani, ma privi di qualsiasi sentimento. Creati per servire l’uomo, vengono fabbricati in massa ed impiegati in diversi settori, fino al momento in cui arrivano a sviluppare una coscienza e a ribellarsi, sterminando l’umanità. Il testo invita a riflettere sui pericoli di una società ipertecnologica e disumanizzata, in cui il rischio che tutto sfugga al controllo diventa sempre più concreto, temi ancora oggi molto rilevanti.
“1984” di George Orwell (1949): si tratta di un romanzo distopico che descrive una società totalitaria del futuro (quella del 1984 appunto) governata da un solo partito, a sua volta guidato da un “Grande Fratello”, che con delle telecamere controlla costantemente la popolazione. In questa società totalitaria, persino la lingua è stata modificata nel “Newspeak” (o “Neolingua”): dotata di un numero ridotto di parole e di una grammatica semplificata, elimina concetti pericolosi per il regime come “ribellione” e ne introduce altri come quello di “psicoreato” (ovvero pensare qualcosa contro il partito), escludendo così qualsiasi forma di libero pensiero e manipolando l’informazione. Quest’opera – che ha anticipato temi contemporanei come il controllo audio e video, la manipolazione delle informazioni e la diffusione di fake news – denuncia i rischi legati ad una sorveglianza di massa, alla propaganda e alla limitazione della libertà individuale.
“Io, Robot” di Isaac Asimov (1950): è una raccolta di racconti di fantascienza, in cui ogni storia è indipendente dalle altre, ma tutte esplorano come i robot, governati dalle “tre leggi della robotica”, possano comportarsi in modi inaspettati quando queste regolamentazioni entrano in conflitto o vengono interpretate in modo ambiguo. Le tre leggi di Asimov, oltre ad aver ispirato il dibattito etico sulla regolamentazione della robotica e dell’intelligenza artificiale, hanno anche contribuito in modo significativo alla ricerca e allo sviluppo degli automi. L’impiego delle nuove tecnologie comporta infatti una responsabilità morale che non va sottovalutata, per prevenire conseguenze impreviste e garantire un uso consapevole dell’innovazione.
“Neuromante” di William Gibson (1984): questo romanzo è conosciuto per aver reso famoso il “cyberpunk” (un genere narrativo caratterizzato da ambientazioni futuristiche distopiche e dalla presenza di una tecnologia avanzata) e aver popolarizzato il termine “cyberspazio” (inventato dallo scrittore e introdotto nel suo precedente romanzo “Burning Chrome”), di fatto immaginando internet e la realtà virtuale prima della loro creazione. Il romanzo segue la storia di Case, un hacker caduto in disgrazia e privato della possibilità di connettersi alla rete informatica globale. Egli viene reclutato da un misterioso benefattore che, in cambio della restituzione delle sue capacità, gli affida una pericolosa missione: Case si immerge così nel “cyberspazio”, un mondo virtuale avanzato, affrontando nemici e scoprendo verità nascoste. Il libro esplora diverse tematiche come il rapporto tra l’uomo e la tecnologia e il potere delle intelligenze artificiali.
“Snow Crash” di Neal Stephenson (1992): è un romanzo cyberpunk ambientato negli Stati Uniti di fine XX secolo, ricordato per aver anticipato alcune tecnologie oggi estremamente attuali e dibattute come il Metaverso e gli avatar, in una trama che intreccia realtà virtuale e complotti globali. Il protagonista è Hiro, un hacker che lotta contro un virus informatico, lo “Snow Crash”, navigando nel Metaverso, un mondo virtuale che può essere esplorato con degli “avatar”, attraverso i quali interagire con gli altri utenti.
Tra clonazioni e conversazioni con l’IA: le previsioni tecnologiche del cinema
Non mancano, anche nel caso delle pellicole cinematografiche, esempi di veri e propri “veggenti” che hanno anticipato molte tecnologie che oggi stanno diventando realtà, dimostrando anche quanto la scienza possa avvicinarsi alle intuizioni della narrativa.
“Blade Runner” di Ridley Scott (1982): il lungometraggio è ambientato in una distopica Los Angeles del 2019 inquinata e divenuta invivibile, tanto che chi può si trasferisce in colonie spaziali, nelle quali degli androidi molto simili agli esseri umani ma dall’aspettativa di vita di soli quattro anni (i “replicanti”) vengono impiegati per i lavori più faticosi. Quando alcuni di loro si ribellano e arrivano sulla terra, un ex poliziotto viene incaricato di rintracciarli ed eliminarli; tuttavia, durante la sua missione, arriva a mettere in discussione il legame tra umano ed artificiale. Anche in questo caso non mancano le invenzioni più visionarie come gli stessi androidi avanzati, gli assistenti vocali e i grandi schermi pubblicitari in 3D paragonabili a quelli utilizzati al giorno d’oggi.
“Jurassic Park” di Steven Spielberg (1993): il primo di questa serie di film di fantascienza dal successo planetario si svolge su un’isola tropicale in cui un miliardario eccentrico, John Alfred Hammond, sta per inaugurare un parco divertimenti, Jurassic Park appunto, popolato da dinosauri riportati in vita attraverso la clonazione del DNA fossile. Prima dell’inaugurazione vengono invitati alcuni esperti a visitare l’isola ma, durante il tour, una violazione dei sistemi di sicurezza libera i dinosauri dalle gabbie, generando così il caos e una vera e propria lotta per la sopravvivenza. Vengono portati alla luce temi rilevanti come i rischi della clonazione genetica (seppur oggi non sia ancora possibile clonare i dinosauri, sono stati fatti importanti passi avanti nell’editing genetico) ed anticipate alcune tecnologie come i veicoli a guida autonoma e l’utilizzo dell’IA nella genetica oltre che la realtà aumentata e quella virtuale.
“Matrix” di Andy (Lilly) e Larry (Lana) Wachowski (1999): è un film di fantascienza in stile cyberpunk che esplora numerosi concetti tra cui la realtà virtuale e l’intelligenza artificiale. Il protagonista, Neo (interpretato da Keanu Reeves), è un hacker che viene reclutato per combattere contro delle macchine che hanno preso il controllo del mondo ed intrappolato le persone in una realtà neuro-simulata ed interattiva chiamata “Matrix”, mentre i loro corpi fungono da energia. Il film ha avuto un importante impatto sulla cultura popolare, influenzando il cinema e cambiando la visione della tecnologia, della realtà e del potere.
“Minority Report” di Steven Spielberg (2002): si tratta, anche in questo caso, di una pellicola cinematografica di fantascienza sviluppata intorno a tematiche come il controllo del futuro con la tecnologia e la predizione dei crimini. È infatti ambientato in un futuro in cui un’agenzia governativa (“Precrime”) si affida a tre “precog”, esseri umani con poteri extrasensoriali, per prevedere i crimini prima che vengano commessi in modo da arrestare le persone ed evitare così che i reati accadano. John Anderton (interpretato da Tom Cruise) è il capo dell’unità, fino a quando viene accusato di un omicidio che non ha ancora commesso; cercando di provare la propria innocenza, scopre una trama più complessa che mette in discussione l’affidabilità del sistema di previsione. Oltre al concetto della previsione del crimine, che ha ispirato modelli di analisi oggi in uso alle forze dell’ordine, vi sono altre tecnologie che all’epoca del film potevano sembrare fantascienza, ma che oggi sono realtà o sono in fase di sviluppo come gli schermi trasparenti e le interfacce gestuali, le pubblicità targettizzate (nel film il riconoscimento dell’iride viene utilizzato, tra le altre cose, dai cartelloni pubblicitari per mostrare una pubblicità personalizzata) e le auto a guida autonoma.
“Her” di Spike Jonze (2013): si discosta dagli altri film perché, pur essendo di fantascienza, ha degli elementi più romantici ed esplora il rapporto tra gli esseri umani e l’intelligenza artificiale. Protagonista è Theodore (interpretato da Joaquin Phoenix), un uomo solitario che dopo la fine del suo matrimonio decide di provare un nuovo sistema operativo basato su un’intelligenza artificiale, capace di evolversi ed adattarsi alle esigenze dell’utente. Con il tempo tra i due nasce una vera e propria relazione fino a quando l’IA, divenuta così autonoma e consapevole da allontanarsi dalla percezione umana, abbandona il mondo digitale per esistere in una dimensione superiore. I temi trattati, come l’influenza della tecnologia sull’uomo, l’emotività delle macchine e la solitudine in un mondo iperconnesso, sono a distanza di più di un decennio di grande attualità.
Nell’ultimo articolo vi parlavo dei primi passi da compiere per preparare e iniziare una partita a Civilization VII. Oggi la rassegna continua con una presentazione dell’Età Antica di Civ7 e delle sue caratteristiche fondamentali, e i suggerimenti di Corriere Nerd.
In una partita standard iniziate nel 4000 a.C. in un mondo vergine, inesplorato e generato casualmente: è l’inizio dell’Età Antica.
L’unità Fondatore dovrebbe subito edificare la vostra Capitale. La prima unità civile/militare vi costerà solo un turno di produzione, e di solito è consigliato addestrare uno Scout o magari due. Civ7 è un 4X e per sapere dove sono le risorse da sfruttare, i posti migliori per i vostri futuri insediamenti, e i potenziali nemici da distruggere, bisogna esplorare la mappa. Per sapere quel che succede in giro per il mondo e prevenire i vostri avversari, dovete investire nella ricognizione.
Lo Scout è un’unità molto importante, non solo nell’Età Antica. Si sposta più velocemente delle altre unità e con l’abilità “ricerca” può aumentare il proprio campo visivo e rivelare i tesori luccicanti nascosti in giro per la mappa. Se una vostra unità raggiunge un tesoro, darà inizio a un Evento in cui potete scegliere una ricompensa e forse pagare un piccolo prezzo in cambio. Gli Eventi sono di varia natura e scatenati da molti fattori diversi come una nuova scoperta scientifica/culturale, il completamento di una Meraviglia o la conquista di una città, e spesso offrono importanti premi.
Tornando allo Scout, l’abilità “vedetta” completa il suo repertorio e gli permette di tener d’occhio l’area circostante da una piccola torre: se ci sono minacce in arrivo, lo Scout le vedrà da lontano.
Conviene espandere la vostra Capitale verso esagoni che offrono più produzione (foreste e terreni accidentati) e vi permettono di costruire in fretta edifici, unità e Meraviglie. I vostri Scout incontreranno presto villaggi indipendenti o altre Civiltà, dando inizio alle relazioni diplomatiche.
Nello scorso articolo si è parlato delle risorse fondamentali (yields, le “rese”) che la vostra gente può ricavare dagli esagoni che compongono il territorio rurale o urbano: cibo, monete d’oro, produzione, felicità, scienza e cultura; la diplomazia è regolata da un’altra risorsa da spendere in modo oculato, l’Influenza, indicata dall’icona del globo.
All’inizio della partita solo il vostro palazzo reale la produce, e rimane una risorsa piuttosto rara. Le Civiltà (Cinesi Han, Greci, Maya) e i Leader (Ashoka, Benjamin Franklin, Himiko, Machiavelli) con inclinazioni diplomatiche possono produrne di più o ricevere sconti sulle varie interazioni. L’influenza è una risorsa chiave per farsi degli amici, ricavare profitto da migliori relazioni commerciali o collaborazioni scientifiche/culturali, oppure per ostacolare i rivali, peggiorare le relazioni e giustificare una guerra contro di loro.
Un altro modo potente di usare l’influenza è lo spionaggio, contro cui al momento esistono poche difese. Le spie in caso di operazione riuscita possono riportare a casa una scoperta scientifica o progresso civico che non avevate, oppure un piccolo tesoro in punti scienza o cultura. L’importanza dello spionaggio aumenta nelle difficoltà più elevate in cui grazie ai loro cospicui vantaggi le civiltà controllate dall’IA tendono a lasciarvi indietro. Lo spionaggio da solo non è giustificazione sufficiente per un conflitto, e se foste voi a trovarvi in testa, perfino le IA vostre amiche potrebbero prendervi di mira, portandosi via tecnologia e punti scienza/cultura in quantità.
Una città-stato amica e le possibili opzioni diplomatiche. (Fonte dell’immagine – Civilization VII Gameplay)
L’Influenza si può spendere anche per fare amicizia con i villaggi indipendenti; quelli ostili però continueranno ad attaccare fino al completamento delle trattative. Le interazioni di solito sono più facili per Civiltà e Leader diplomatici. Con un investimento sufficiente e il tempo necessario, il villaggio si trasformerà in una città-stato a voi fedele, capace di fornire truppe in cambio d’influenza e di combattere i vostri nemici. La città-stato amica inoltre vi conferirà un bonus speciale a scelta, a seconda del tipo. Si tratta di una meccanica interessante ma delicata e piuttosto imprevedibile, perché un villaggio che non è ostile a voi potrebbe invece essere nemico di una delle Civiltà circostanti. L’IA potrebbe dispiegare forze schiaccianti per distruggere velocemente questo villaggio, mandando a monte i vostri sforzi diplomatici. Il metodo per me più sicuro è dirigere i vostri sforzi su una tribù ostile che potete raggiungere facilmente: inviate truppe a eliminare le loro unità e occupate il villaggio coi vostri soldati mentre sono in corso le trattative: finché l’abitato è occupato da voi, l’IA non può disperderlo.
Tornando ai primi passi, i villaggi indipendenti incontrati dagli Scout potrebbero attaccarvi, per questo serve tirare su in fretta un numero cospicuo di unità militari. La terza unità che addestrerete nella Capitale potrebbe essere per l’appunto un Guerriero, l’unità da mischia di base. La ricerca vi darà presto accesso a unità a distanza che attaccano da lontano (senza possibilità di contrattacco) come il fromboliere, unità navali come la galea (capaci di bombardare unità e insediamenti costieri) oppure di unità di cavalleria. Primo tra queste unità veloci, il carro da guerra è indicato per fare danni dietro le linee o sbaragliare unità vulnerabili dello schieramento nemico, come frombolieri e macchine d’assedio. Queste ultime sono pensate per attaccare zone urbane più o meno fortificate ed espugnare gli insediamenti, ma funzionano anche da artiglieria costiera: una vera minaccia per qualsiasi vascello nemico a tiro!
Le unità che attaccano a distanza sono fragili, in particolare se costrette al combattimento ravvicinato. (Fonte dell’immagine – Civilization VII Gameplay)
Quando si attacca o si difende, la statistica da tenere sempre d’occhio è la Forza della vostra unità. La formazione militare col punteggio più elevato infligge più danni e ne subisce meno a seconda della differenza tra i due contendenti. La Forza può essere influenzata da una pletora di variabili come il terreno di scontro, bonus che vengono dal Leader, dalle vostre scoperte scientifiche e culturali, da risorse strategiche come il ferro o i cavalli, e altro ancora, come il Supporto Bellico, su cui si può intervenire spendendo punti influenza. La conformazione del territorio influisce in altri modi. Per esempio un esagono dominato dalla vegetazione nasconde la vista di quello dietro proteggendolo dagli attacchi a distanza, e una truppa da corpo a corpo non può raggiungere un nemico che sta in cima a una parete rocciosa.
La chiave di volta del vostro esercito è il suo generale o comandante d’armata, che funziona un po’ come un eroe da Gioco di Ruolo, ed è la ragione per cui la vostra ricerca in senso culturale dovrebbe subito puntare sulla Disciplina. Il comandante è l’unico ad accumulare punti esperienza quando le unità negli esagoni adiacenti (o nel suo) infliggono o subiscono danni, quindi deve rimanere vicino all’azione. Se sale di livello acquisisce punti da spendere in nuove e potenti abilità. Potete accorpare unità militari al comandante (bottoni Aggiungi all’Esercito/Abbandona l’Esercito) e costituire un’armata che viaggia più in fretta, è più gestibile in tempo di pace, e quando viene il momento può essere schierata vicino al fronte per dare battaglia.
Molti giocatori preferiscono completare al più presto una delle specialità come Assalto per conquistare il prezioso punto Onorificenza che attende in fondo. (Fonte dell’immagine – Civilization VII Gameplay)
Il comandante racchiude l’esperienza di tutto un esercito; non può morire, ma se cade in battaglia rimane “in panchina” per molti turni, privando i soldati della sua guida. Per questo in caso di pericolo è meglio farlo viaggiare impilato nello stesso esagono con un’altra unità, magari di fanteria o cavalleria, che lo protegge e incassa danni al suo posto. L’IA è opportunista e pronta ad attaccare i vostri comandanti scoperti. Le unità regolari dell’armata quindi sono più o meno sacrificabili, ma rimpiazzarle vi costerebbe monete o produzione, e tempo! Se vengono ferite, potete farle riposare a distanza dal fronte e preferibilmente nel vostro territorio, così in pochi turni saranno di nuovo pronte a battersi. Con un esercito numeroso, potete ruotare le unità e limitare le perdite, anche grazie al comandante. Con l’essenziale abilità Iniziativa, potete schierare l’esercito senza consumare mosse e scatenare le vostre forze contro l’IA nel modo migliore. I vostri comandanti inoltre si conservano per le Epoche successive con un buon seguito di truppe, e la loro preziosa esperienza!
Con un esercito capace potrete scoraggiare le aggressioni da parte di Leader bellicosi come Amina o Serse, oppure andare all’attacco di avversari sfacciati, che piazzano nuovi insediamenti sotto al vostro naso e poi se la prendono con voi.
È bene avere molti edifici, ma conservate i terreni rurali più produttivi… (Fonte dell’immagine – Civilization VII Gameplay)
Protetti dalla vostra forza militare, città e paesi potranno crescere in pace. Monete d’oro e punti produzione vanno spesi anche per costruire gli edifici di cui il vostro popolo ha bisogno per progredire. Il gioco vi chiederà di piazzare le fondamenta (se li costruite con la produzione nelle città) o l’edificio completo (in caso di acquisto immediato con le monete d’oro), e l’esagono rurale sarà “sovrascritto” in modo irreversibile da una casella urbana. L’abitato progredisce a partire dal centro, quindi non potete piazzare l’edificio in una casella non collegata. L’eventuale struttura di estrazione (fattoria, miniera, allevamento, segheria…) già presente sul posto sarà spostata gratuitamente in un altro esagono a vostra scelta. Questo è anche un modo per raggiungere nuovi, attraenti territori, sempre nel raggio di 3 esagoni dal municipio.
Tra i primi edifici da piazzare in una città ci sono senz’altro la Biblioteca (+2 punti scienza) e il Monumento (+2 punti cultura, +1 influenza). Per via della loro importanza molti giocatori dirigono subito la loro ricerca scientifica su Ceramica e Scrittura per sbloccare la biblioteca, poi su Allevamento e Muratura per accedere al monumento. A parte la loro resa-base di 2 punti scienza/cultura avrete notato che producono di più se piazzati in determinati esagoni.
È entrata in gioco l’Adiacenza, un’altra importante meccanica di gioco di Civ7. Edifici che producono scienza come la Biblioteca guadagnano 1 punto per ogni risorsa speciale (ferro, cavalli, seta, argento, pecore e così via) presente negli esagoni adiacenti e 1 punto per ogni Meraviglia adiacente (Piramidi, Oracolo, Esercito di Terracotta, ecc.). Per esempio una biblioteca che confina con 2 risorse speciali e 1 Meraviglia, produce 2+2+1 punti scienza! Edifici culturali come il Monumento invece guadagnano un punto da ogni esagono vicino con montagne, Meraviglie o Meraviglie Naturali (il Kilimangiaro, la Foresta di Sequoie, le Torres del Paine, il Grand Canyon…). Col tempo e con la ricerca, sbloccherete edifici sempre più potenti e diversificati.
Schematizzando, gli edifici scientifici e produttivi beneficiano dall’adiacenza a Risorse Speciali e Meraviglie.
Gli edifici che producono cultura e felicità vogliono stare vicini a Montagne, Meraviglie e Meraviglie Naturali.
Gli edifici che producono oro o cibo beneficiano dall’adiacenza a esagoni acquatici (mari, laghi, fiumi) e Meraviglie.
Due costruzioni di tipo compatibile possono alloggiare nello stesso esagono urbano e ricevere i rispettivi bonus di adiacenza. Inoltre completare la casella abitata con 2 edifici su 2 offre spesso un altro piccolo bonus supplementare.
Civilization VII rappresenta in questo un gioco d’incastri, un puzzle dinamico che ricompensa l’abilità di soddisfare più condizioni contemporaneamente e collocare i vostri edifici nei posti migliori. Ai bonus che ho descritto se ne aggiungeranno altri, provenienti dalla ricerca o dalla vostra Civiltà o Leader. Non potete controllare la conformazione del territorio; a quella dovrete adattarvi, ma siete voi a decidere dove collocare le vostre Meraviglie, e come far crescere la vostra città.
Quando l’abitato raggiunge una certa popolazione, invece di selezionare un esagono rurale su cui espanderlo, vi sarà offerta l’opzione di cliccare su una zona urbana per collocarvi in modo definitivo uno Specialista. Questo particolare cittadino (all’inizio potete piazzarne 1 al massimo per casella urbana) conferisce punti extra a seconda degli edifici presenti nell’esagono: scientifici, culturali, produttivi, economici, d’intrattenimento… Non solo, lo specialista diventa più potente se l’area in questione beneficia di molti punti extra per via dell’adiacenza. Ogni Specialista però prende dal bilancio cittadino 2 punti cibo e 2 di felicità; per fortuna la ricerca permetterà non solo di averne di più, ma di ridurre le spese di mantenimento.
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Una parola a parte va spesa per gli “Edifici-Deposito”, che invece sono orientati a migliorare l’estrazione di risorse dalle caselle rurali. Anche se è attraente costruire un granaio/banchina da pesca/mattonificio/fossa di segatura appena la ricerca lo rende disponibile, bisogna rifletterci un momento. Ognuno di questi edifici beneficia solo caselle del suo tipo preferito: per esempio il granaio è rivolto solo a fattorie, piantagioni e pascoli; la banchina di pesca vuole avere molte caselle costiere, lacustri o fluviali; il mattonificio aiuta solo l’industria estrattiva; la fossa di segatura opera solo sulle zone boschive. Quindi ha poco senso spendere e occupare spazio per qualcosa che non vi è d’aiuto o presto cesserà di essere utile. I Depositi hanno anche la particolarità di essere edifici “senza epoca”, che rimarranno al loro posto per l’intera partita. Non beneficiano delle adiacenze e vanno collocati in modo da non prendere spazio a edifici che invece le cercano.
Le città vogliono sempre avere una cospicua quantità di “martelli” di produzione. Quindi è una buona idea avere al loro interno un mattonificio per potenziare le miniere (se c’è terreno accidentato) oppure, se nelle vicinanze prevalgono le aree boschive, una fossa di segatura. Ragionate in base al territorio e a quello che serve.
(Fonte dell’immagine – Civilization VII Gameplay)
E arriviamo agli edifici per eccellenza, le Meraviglie. Ciascuna rappresenta un grande progetto unico al mondo capace di fornire un beneficio irripetibile. Ogni Civiltà ha un bonus orientato alla produzione della Meraviglia che storicamente le appartiene. Queste grandi costruzioni sono riservate alle città e vincolate a uno specifico terreno, ma non tutte sono altrettanto desiderabili: per esempio il Colosseo, la Piramide del Sole, Nalanda e la Porta di Tutte le Nazioni sono considerate molto potenti, mentre l’Oracolo e la Grande Stele paiono deboli, almeno allo stato attuale del gioco. Posizionare le Meraviglie in modo strategico inoltre (se il terreno lo permette) può darvi potenti adiacenze. L’edificazione di una Meraviglia come il Colosseo rappresenterà una corsa contro il tempo se altre Civiltà vi sono impegnate: in tal caso il gioco vi avvertirà. Se l’IA dovesse battervi rientrerete in possesso di una parte della produzione investita, ma avrete comunque perso turni preziosi.
Le Meraviglie di solito si costruiscono nelle vostre migliori e più grandi città, come la capitale, ma occupano un esagono intero e vi rimangono per l’intera partita. Le loro pretese in fatto di terreno specifico inoltre limiteranno le vostre opzioni. Se una Meraviglia appena sbloccata dalla ricerca non appare nel menù di costruzione, probabilmente sarà perché la città non possiede il terreno giusto per costruirla.
Gran parte del cibo di Roma viene da vicini paesi specializzati. (Fonte dell’immagine – Civilization VII Gameplay)
In cima alla schermata di riepilogo di un insediamento c’è tutto quello che produce. Nella nostra rassegna delle varie “rese” ne è rimasta una, la Felicità, indicata dalle faccine allegre. Gli edifici spesso hanno spese di manutenzione in termini di monete d’oro o felicità. I vostri cittadini pretendono di essere intrattenuti, curati, e di vivere bene: tutto ciò rientra nella sfera della felicità, che può venire dal territorio, da risorse speciali o da edifici appositi. Ogni città ha il suo “bilancio” di faccine allegre, ed è meglio non farle scendere sotto lo zero perché in caso contrario crescerebbe il rischio di problemi con la popolazione. La gente scontenta potrebbe dare alle fiamme degli edifici, peggiorare le cose e bloccare la produzione. Nei casi estremi esiste il rischio che l’insediamento diserti la vostra Civiltà per unirsi a un vicino rivale, quindi bisogna fare il possibile per tenere la Felicità in positivo. I punti in eccesso vengono conteggiati e aggiunti a un bilancio “nazionale” che al raggiungimento di determinate soglie darà luogo a speciali Festeggiamenti a tempo limitato, con relativi bonus per tutto il vostro popolo. Ogni Festeggiamento sblocca anche un nuovo slot per le vostre politiche di governo, valido per l’intera Età.
Da sinistra a destra: elefanti, ferro e oro. (Fonte dell’immagine – Civilization VII Gameplay)
A parte le “rese”, ovvero cibo, produzione, monete (ecc.) sono sparpagliate per il territorio le risorse specialimenzionate prima come ferro, oro, seta, cammelli, caolino… indicate sulla mappa da uno specifico riquadro. Alcune sono molto più preziose di altre: oro e argento per esempio permettono di acquistare edifici e unità a prezzi scontati, e più ne possedete, maggiore lo sconto. Questi metalli preziosi sono ancor più desiderabili perché sono tra le poche risorse che rimangono per l’intera partita. Altre restano sulla mappa per una o due epoche soltanto. Ferro e cavalli, per esempio, aumentano la forza in combattimento della vostra fanteria e cavalleria, ma solo nell’Antichità e nell’Epoca delle Esplorazioni. Poi scompaiono, rimpiazzate da risorse speciali più moderne come carbone, petrolio e gomma.
Le risorse inoltre non possono essere rimosse e rappresentano un ostacolo all’espansione dell’area urbana. Se necessario, e possibile, dovrete costruirci intorno come con le montagne, i laghi o il mare. È il caso di tenerlo presente in modo da non chiudersi in un angolo.
Se una risorsa importante come l’oro si trova nel territorio di un’altra Civiltà, o l’IA l’ha raggiunta prima di voi, non dovete per forza fare una guerra per averla. I mercanti possono viaggiare fino a un insediamento straniero e creare una rotta commerciale che vi dà accesso a tutte le risorse speciali presenti nel suo territorio. Il commercio si conserva finché dura la pace, e avere scambi di questo tipo migliora le relazioni diplomatiche. Anche l’IA vuole commerciare per avere accesso alle vostre risorse speciali, e lo scambio produrrà monete d’oro per voi. Il numero di rotte commerciali con una data Civiltà straniera è limitato, ma si può aumentare chiedendo il permesso al suo Leader, con una piccola spesa di punti influenza.
Gli effetti di risorse come il ferro, l’oro e l’argento si applicano automaticamente al vostro impero; altre come sale, seta e cammelli invece sono più localizzate e vanno collocate in uno specifico insediamento per offrire i loro benefici. L’assegnazione delle risorse ha una sua schermata a parte e può essere cambiata quando guadagnate l’accesso a una nuova merce. Un modo semplice di farlo a comando è inviare un mercante a stabilire una rotta commerciale, oppure espandere una città in modo da sfruttare una nuova risorsa.
Una città da sola non basta; per dare il meglio la vostra Civiltà ha bisogno di espandersi sui territori più ricchi e promettenti. Quindi si tratta d’inviare coloni a fondare nuovi insediamenti, o di conquistare quelli dei vostri rivali. Con l’espansione (pacifica o meno), col commercio, con la ricerca e con la costruzione di Meraviglie, la vostra gente non solo cresce, si afferma e progredisce, ma compie dei passi all’interno dei “Percorsi-Retaggio” dell’Età Antica.
L’icona Progresso nell’Epoca in alto a sinistra nella schermata principale della partita mostra una sorta di cronometro a cui contribuiscono gli avanzamenti di ogni Civiltà: al raggiungimento del 100% avrà inizio l’ultimo turno dell’Antichità.
(Fonte dell’immagine – Civilization VII Gameplay)
Con un clic sull’icona della coppa si apre la schermata dei quattro Percorsi: Culturale, Militare, Scientifico ed Economico. Ogni Percorso presenta diversi step con relative ricompense da ricevere all’inizio della prossima Età. Il gioco indica un approccio suggerito, ma a fare testo sono solamente le richieste a sinistra nell’immagine e la barra con le tappe sotto.
Per completare il Percorso Culturale “Meraviglie del Mondo Antico” e attivare la sua Età dell’Oro sono richieste 7 Meraviglie, ma riceverete ricompense minori al raggiungimento degli step intermedi a 2 e 4 Meraviglie.
Il Percorso Militare “Pax Imperatoria” vi chiede di avere 12 insediamenti all’interno del vostro Impero, ma quelli conquistati valgono per due all’interno del conteggio. Gli step intermedi con ricompense parziali sono a 6 e a 9 punti.
Il Percorso Scientifico “Grande Biblioteca” vi chiede di esporre nei vostri edifici (palazzo, biblioteche…) 10 Codici, oggetti speciali che possono arrivare dalla ricerca scientifica/culturale, da particolari eventi, Meraviglie o città-stato. Per ottenere ricompense parziali bastano 3 o 6 codici.
Il Percorso Economico “Via della Seta” vi invita ad assegnare un totale di 20 risorse speciali come oro, argento, elefanti, incenso (ecc.) ai vostri insediamenti. Le tappe intermedie sono a 7 e 14.
Giocando in modo normale nel corso dell’Età Antica guadagnerete punti in tutti i percorsi, ma se avete un obiettivo o più obiettivi precisi, è il caso di tener d’occhio i vostri progressi. I “punti-retaggio” offerti come ricompensa rappresentano l’orientamento mostrato dalla vostra gente all’interno dell’Antichità e il modo in cui esso influisce sul futuro.
Col progredire dell’Antichità, il gioco vi chiederà presto di scegliere una forma di governo: Oligarchia, Repubblica Classica o Dispotismo. Ognuna di esse conferisce cospicui bonus (uno a scelta), ma solo se riuscite ad attivare i Festeggiamenti generati dal vostro surplus di Felicità. Ad essere sempre attive sono invece le vostre Politiche e Tradizioni, sbloccate dalla ricerca culturale e inserite nella vostra schermata di governo. I vostri progressi vi metteranno a disposizione un ventaglio di scelte sempre più ampio, e più spazio per applicarle. Sono le Politiche a tratteggiare con maggior precisione un ritratto del vostro governo.
(Fonte dell’immagine – Civilization VII Gameplay)
Quando l’orologio dell’Antichità raggiunge il 70-75%, riceverete le prime sinistre notizie che indicano l’approssimarsi di una Crisi e ne indicano il tipo. Alla fine dell’Antichità possono presentarsi delle Rivolte, le Invasioni Barbariche, o una grande Pestilenza.
Le Crisi rappresentano una sfida aggiuntiva che si presenta in una partita standard di Civ7 verso la fine delle prime due Età. Se l’idea però vi infastidisce, potete disattivarle nei settaggi avanzati della partita, prima di iniziare. Ciascuna Crisi vi costringe a farvi carico di speciali politiche, di solito almeno in parte dannose, e col progredire dei turni diventerà sempre più grave.
La Rivolta di solito inizia con un malcontento crescente nei vostri insediamenti più remoti (o quelli che avete conquistato) e ne impatta notevolmente la Felicità. Come in ogni altro caso, conviene accettare le Politiche di Crisi che il vostro impero ha la capacità di assorbire senza troppi danni, e modificare le altre in modo da controbilanciare gli svantaggi. Per la Rivolta si tratterà di malus sempre più forti alla Felicità, quindi dovrete sforzarvi di aumentarla negli insediamenti dov’è più bassa, e di farlo alla svelta, magari acquistando edifici che la producono col denaro messo da parte in precedenza. Le città sono più importanti dei paesi e vale la pena di lottare più duramente per conservarle. I vostri comandanti, se piazzati nel centro di un insediamento, possono aumentarne di molto la produzione di felicità e contrastare gli effetti della Crisi. Se la Felicità in un insediamento rimane sotto lo zero troppo a lungo, possono scoppiare disordini che ne bloccano la produzione. I cittadini in rivolta potrebbero danneggiare proprio gli edifici che producono Felicità, aggravando la situazione. Il “colpo di grazia” viene quando l’insediamento in rivolta vi abbandona per unirsi a un’altra Civiltà. Se però riuscite a gestire bene Politiche di Crisi e Felicità, non ne perderete nemmeno uno. Forse invece saranno i vostri rivali a perdere insediamenti in vostro favore, perché ogni Crisi è globale e la subiscono tutti.
Le Invasioni Barbariche fanno apparire truppe e villaggi ostili nelle aree non colonizzate della mappa, e questi barbari aggressivi minacciano tutte le Civiltà in gioco. Ecco un’altra ragione per cui è una buona idea tirare su un esercito capace durante l’Antichità. Per tenerli a bada dovrete rivedere la vostra strategia militare in modo difensivo, costruire fortificazioni e dislocare truppe e comandanti per neutralizzare la minaccia. Tenete conto che se un vostro insediamento cade in mano ai barbari, potrebbe essere raso al suolo in pochi turni. Dovrete anche ri-bilanciare il vostro impero in modo da contrastare le Politiche negative, che spesso vanno a indebolire proprio l’esercito.
Le Politiche di Crisi al culmine di una Grande Pestilenza. (Fonte dell’immagine – Civilization VII Gameplay)
La Grande Pestilenza forse non colpirà subito i vostri insediamenti, ma uno o più potrebbero essere infettati nel corso della Crisi, bloccando la produzione per diversi turni come in caso di rivolta. Le Politiche dannose colpiscono l’economia, il cibo e la felicità, ma mantenere l’ordine dovrebbe essere più facile. In caso di infezione il gioco vi avvertirà: le aree urbane diventeranno malsane e truppe e comandanti al loro interno subiranno danni fino a morire, quindi è meglio portarli fuori città. Il danneggiamento degli edifici potrebbe anche portare problemi di Felicità, ed è il caso di ripararli al più presto prima che scoppino disordini.
Le Crisi persistono fino alla fine dell’Antichità, ma voi stessi avete potere sull’orologio dell’Età attraverso le tappe dei vostri Percorsi e la ricerca scientifica/culturale. Se per esempio raggiungete una tappa intermedia di un Percorso o, meglio ancora, l’ultima, l’orologio farà un cospicuo balzo in avanti portandolo potenzialmente al 100%.
In conclusione spero di aver toccato tutte le dinamiche fondamentali della prima e forse più amata Era di Civilization VII, e di essere stato d’aiuto.
Come sempre v’invito a tenere presente che l’uscita di aggiornamenti per Civilization VII è frequente. Alcuni dettagli potrebbero variare nel prossimo futuro, e Firaxis Games ha già pronta una tabella di marcia su cui potrebbe influire il feedback dei giocatori. Io vi ho parlato delle strategie di base, ma quelle più complesse sono in costante evoluzione.
Ci rivedremo prossimamente per l’Età delle Esplorazioni!
Dal 15 marzo al 30 maggio 2025, Napoli diventa il palcoscenico di una delle rassegne più attese nel panorama culturale: COMIC(ON)OFF, il fuori festival di COMICON. Quest’anno, l’evento si espande in maniera straordinaria, grazie a una sinergia più forte con il Comune di Napoli, che trasforma la città e le sue municipalità in protagoniste assolute della scena internazionale del fumetto e della cultura pop. Un programma ricco di eventi, mostre, incontri, laboratori e performance coinvolgerà residenti e turisti, confermando Napoli come un centro vitale per la cultura nerd.
L’edizione 2025 di COMIC(ON)OFF rappresenta una vera e propria evoluzione. Grazie al finanziamento del Comune di Napoli, la rassegna si arricchisce di nuovi spazi culturali, alcuni dei quali recentemente ristrutturati, come l’Auditorium di Scampia e lo Spazio Obù della Fondazione Terzoluogo. L’inclusione di ogni municipalità della città permette di estendere l’offerta culturale a una platea sempre più ampia, coinvolgendo non solo fumettisti e illustratori, ma anche musicisti, ricercatori, cosplayer, e perfino K-Pop dancers, che contribuiranno ad animare le strade e i luoghi più significativi di Napoli.
Uno degli aspetti più interessanti di quest’edizione è l’iniziativa “Fumetti in Biblioteca”, che porterà la nona arte nelle biblioteche comunali di Ponticelli, Secondigliano, Bagnoli e Soccavo. L’iniziativa è un’opportunità unica per i cittadini di scoprire e approfondire il mondo del fumetto, grazie a workshop e attività formative in cui esperti del settore guideranno i partecipanti nella creazione di storie e personaggi illustrati. Le biblioteche non solo ospiteranno eventi, ma diventeranno anche il cuore pulsante di un progetto che arricchirà il patrimonio culturale della città: 800 fumetti selezionati saranno donati alle biblioteche, offrendo a tutti, dai più giovani ai più adulti, l’opportunità di esplorare mondi narrativi straordinari.
Il coordinatore delle politiche culturali del Comune di Napoli, Sergio Locoratolo, ha dichiarato che con COMIC(ON)OFF l’arte del fumetto incontra la città, trasformando luoghi storici e contemporanei in spazi dinamici di incontro e confronto culturale. Grazie a questa rassegna, il fumetto esce dai confini delle fiere tradizionali e diventa una forma d’arte che si fonde con la vita quotidiana della città, stimolando nuove idee e energie creative.
Tra i principali appuntamenti di quest’edizione, non mancheranno mostre che celebrano alcuni dei più grandi talenti del fumetto internazionale. Ad esempio, la Chiesa di Santa Croce e Purgatorio al Mercato ospiterà “Mikael Ross. Traffici clandestini”, una mostra che porta per la prima volta in Italia il pluripremiato fumettista tedesco Mikael Ross. Un altro appuntamento imperdibile è il raduno cosplay di “One Piece” al Belvedere di Monte Echia, che permetterà ai fan di rivivere le avventure del celebre manga in una location suggestiva, sospesa tra mare e città. Non mancheranno anche eventi che mescolano diverse forme artistiche, come la mostra “Dante pop!” presso il Foyer Auditorium di Scampia, che offrirà un’interpretazione moderna e visivamente potente dell’opera dantesca.
Un altro progetto di grande rilevanza è l’esposizione delle tavole di “Nei silenzi della notte” di Laura Pérez Granel, che si terrà alla Galleria HDE. L’autrice, nominata agli Emmy Award per la sigla della serie tv Only Murders in the Building, porta in Italia il suo stile unico, che mescola il noir con un’intensa introspezione psicologica. Inoltre, l’Institut Français Napoli ospiterà la mostra di Elisa Marraudino, una delle voci più originali del fumetto francese, che esplorerà con grande sincerità temi come l’infanzia, il bullismo e la scoperta della sessualità, con un approccio fresco e genuino.
Anche il mondo della musica e del K-pop troverà spazio in questa edizione, con eventi speciali come una Random Dance che coinvolgerà tutti gli appassionati del genere, trasformando la stazione metropolitana Municipio in un vero e proprio palcoscenico. Grazie alla partnership con ANM, l’arte del fumetto si sposterà anche nei luoghi di transito della città, come le stazioni metropolitane di Toledo e Municipio, dove i passeggeri potranno immergersi in esperienze visive e interattive.
COMIC(ON)OFF 2025 non è solo una rassegna di eventi, ma un vero e proprio viaggio nella cultura pop, che abbatte le barriere tra i vari quartieri di Napoli e li rende protagonisti di un palinsesto di eventi di portata internazionale. Grazie a questa edizione, la città si conferma come un crocevia di idee, passioni e creatività, dove la cultura del fumetto e delle arti visive si mescolano con la vita quotidiana, aprendo nuove strade di confronto e arricchimento culturale per tutti. COMIC(ON)OFF 2025 è un’occasione imperdibile per tutti gli appassionati di fumetto e cultura pop, ma anche per chiunque voglia scoprire la magia di Napoli attraverso un’incredibile varietà di eventi e iniziative. La città si trasforma in un laboratorio di idee e creatività, dove il fumetto è il filo conduttore che unisce passato, presente e futuro, e che continuerà a ispirare generazioni di lettori e artisti.
