Esistono storie che riescono a parlare ai bambini con una semplicità disarmante, ma che finiscono per lasciare un segno profondo anche negli adulti. Sono racconti che ricordano quanto la fantasia possa diventare uno strumento prezioso per affrontare temi delicati senza perdere leggerezza, regalando immagini capaci di rimanere nella memoria molto più a lungo di tante lezioni. L’omino della gru, il nuovo libro firmato da Mara Melon e illustrato da Giacomo Da Re, in arrivo il 20 luglio 2026 per Barta, appartiene proprio a questa categoria di opere: una favola moderna che sceglie di raccontare l’inclusione, l’autostima e il valore dell’unicità attraverso una storia dolce, ironica e ricca di emozioni.
Chi frequenta il mondo della narrativa per ragazzi sa bene quanto sia difficile affrontare argomenti come la diversità senza cadere nella retorica. Negli ultimi anni libri, film d’animazione e persino molti fumetti hanno cercato di raccontare ai più piccoli che essere differenti non significa essere sbagliati, ma trovare ogni volta un linguaggio nuovo è una sfida enorme. L’omino della gru sceglie una strada sorprendentemente semplice: osservare il mondo da un punto di vista completamente diverso.
Il protagonista è un bambino che, a differenza dei suoi coetanei, continua a rimanere piccolo. Il tempo passa, gli altri crescono, mentre lui sembra restare fermo. Quella caratteristica diventa inevitabilmente motivo di prese in giro, di insicurezze e della dolorosa sensazione di non riuscire mai a trovare il proprio posto. Una situazione nella quale, purtroppo, molti giovani lettori potrebbero riconoscersi, anche senza condividere la stessa esperienza fisica. Chiunque abbia vissuto il peso di sentirsi diverso dagli altri sa quanto possa essere difficile affrontare il giudizio esterno durante l’infanzia.
La svolta arriva grazie a un mestiere tanto particolare quanto affascinante: guidare una gru. All’improvviso quella statura che sembrava rappresentare soltanto un limite si trasforma nella caratteristica ideale per svolgere un lavoro che pochi potrebbero affrontare con la stessa naturalezza. Da quella cabina sospesa nel cielo cambia tutto. Cambia il modo di osservare il paesaggio, cambiano le paure, cambia persino il significato della parola “grande”. Basta alzare lo sguardo per capire come la prospettiva possa modificare completamente il valore delle cose.
È proprio questa metafora a rendere il libro estremamente interessante anche per un pubblico adulto. L’idea che il vero cambiamento non passi necessariamente dal modificare sé stessi, ma dal trovare il contesto giusto in cui esprimere le proprie qualità, rappresenta un messaggio universale che supera tranquillamente i confini della letteratura per ragazzi.
La narrazione procede con delicatezza, alternando momenti divertenti a passaggi più intimi, senza mai rinunciare alla leggerezza tipica delle migliori favole contemporanee. Disegni, amicizie, piccoli sogni quotidiani e perfino un tenerissimo “amore all’aranciata” contribuiscono a costruire un racconto che invita il lettore ad affezionarsi ai personaggi pagina dopo pagina, trasformando una storia apparentemente semplice in un percorso di crescita emotiva.
Dal punto di vista tematico, L’omino della gru affronta questioni estremamente attuali. Inclusione, accettazione di sé, valorizzazione delle differenze e ricerca della propria identità sono argomenti sempre più presenti nelle produzioni dedicate all’infanzia, ma qui vengono raccontati senza assumere toni didascalici. Il libro preferisce suggerire piuttosto che spiegare, lasciando che siano le esperienze del protagonista a trasmettere il messaggio.
Per chi ama la cultura nerd, questo approccio richiama inevitabilmente moltissime storie che hanno costruito il proprio successo proprio sul concetto di “diverso”. Dai mutanti degli X-Men agli eroi apparentemente inadatti dei grandi anime giapponesi, passando per tantissimi protagonisti del fantasy e della fantascienza, il messaggio rimane sorprendentemente simile: ciò che gli altri considerano una debolezza può diventare l’elemento che rende davvero speciali. È una tematica che attraversa decenni di fumetti, cinema e animazione, dimostrando quanto sia universale il desiderio di trovare il proprio posto nel mondo.
Anche l’aspetto visivo promette di giocare un ruolo fondamentale nell’esperienza di lettura. Giacomo Da Re, illustratore, fumettista, insegnante d’arte e designer d’interni, porta con sé un immaginario costruito attraverso influenze che spaziano da Carl Barks a Don Rosa, passando per l’estetica visionaria di Tim Burton e arrivando fino ad Alberto Pagliaro. Un mix di riferimenti che lascia intuire uno stile ricco di personalità, capace di accompagnare la narrazione con tavole in grado di amplificare emozioni e atmosfera.
Da Re non è nuovo alla collaborazione con Barta. Oltre al volume Spiriti, scritto e illustrato interamente da lui, è già impegnato su un ulteriore progetto destinato alla casa editrice, segno di un rapporto creativo ormai consolidato.
Anche Mara Melon porta in questo libro un percorso artistico estremamente variegato. Scrittrice, drammaturga e sceneggiatrice, ha firmato opere teatrali come Sinceri bugiardi, Non potevamo dirlo prima? e Gate 12, imbarco immediato, distinguendosi anche nel panorama della narrativa contemporanea grazie ai riconoscimenti ottenuti alla Biennale di Sondrio nel 2024 e al Premio Velletri Libris, conquistato sia nel 2024 sia nel 2025. Parallelamente continua a lavorare tra racconti, monologhi, fumetti e sceneggiature, dimostrando una versatilità narrativa che emerge chiaramente anche in questo nuovo progetto editoriale.
L’edizione pubblicata da Barta entrerà a far parte della collana “Quando io sarò grande e tu sarai molto piccolo”, dedicata ai giovani lettori. Il volume sarà disponibile dal 20 luglio 2026 in un elegante formato cartonato di 64 pagine interamente a colori, con dimensioni di 24,5 x 24,5 centimetri e un prezzo di copertina di 19 euro.
In un panorama editoriale sempre più ricco di proposte dedicate all’infanzia, L’omino della gru sembra voler ricordare qualcosa che troppo spesso dimentichiamo crescendo. Nessuno dovrebbe essere definito esclusivamente dai propri limiti. Ogni persona custodisce capacità che magari non hanno ancora trovato il luogo giusto per manifestarsi, e qualche volta basta davvero osservare la realtà da un’altra altezza per accorgersi che quello che sembrava un ostacolo era, in realtà, il primo gradino verso qualcosa di straordinario.
Sono proprio libri come questo a dimostrare come la narrativa per bambini possa dialogare anche con gli adulti, trasformandosi in uno specchio capace di riflettere dubbi, paure e speranze condivise da ogni età. Chissà quanti lettori, arrivati all’ultima pagina, finiranno per riconoscersi nell’omino della gru e ripenseranno a tutte quelle volte in cui si sono sentiti fuori posto. Forse la vera magia delle favole moderne consiste proprio in questo: ricordarci che la prospettiva cambia tutto e che, qualche volta, il punto più alto da cui guardare il mondo era già lì ad aspettarci.
E voi, avete mai letto una storia che vi ha fatto capire come quella che sembrava una fragilità potesse trasformarsi nella vostra forza più grande? Raccontatecelo nei commenti e condividete con la community di CorriereNerd.it i libri che vi hanno lasciato qualcosa di speciale.
Capita a tutti, prima o poi. Apri l’oblò della lavatrice come se stessi esplorando un dungeon di fine livello, convinta di recuperare l’equipaggiamento completo… e invece no. Un calzino sì, l’altro disperso in qualche piega dello spazio-tempo domestico. Un mistero degno di X-Files, una di quelle piccole tragedie quotidiane che ogni nerd conosce bene, perché ricordano da vicino la sparizione improvvisa dei pezzi LEGO più importanti o dei dadi preferiti durante una sessione di gioco di ruolo. Eppure proprio da questo micro-dramma universale nasce una delle iniziative più dolci, intelligenti e simboliche che esistano: la Giornata dei calzini spaiati.
Ogni anno, durante la prima settimana di febbraio, questa ricorrenza trasforma un “errore” estetico in un atto di consapevolezza. Indossare due calzini diversi non è una svista, non è fretta mattutina, non è caos organizzato: è una scelta. Un gesto semplice, quasi giocoso, che però porta con sé un messaggio potente legato alla diversità, all’inclusione e alla sensibilizzazione sull’autismo. Perché un calzino più lungo, più corto, a righe o a pois, resta pur sempre un calzino. E allo stesso modo, una persona con caratteristiche diverse dalle nostre non perde valore, dignità o bellezza solo perché non “combacia” con uno standard prestabilito.
Questa giornata nasce più di dieci anni fa in una scuola primaria di Terzo di Aquileia, in Friuli, grazie all’intuizione della maestra Sabrina Flapp. Un’idea nata tra i banchi, in quell’universo parallelo dove spesso germogliano le rivoluzioni più autentiche, perché i bambini hanno una capacità incredibile di comprendere concetti complessi se glieli racconti nel modo giusto. Oggi il significato della Giornata dei calzini spaiati ha superato i confini della singola classe ed è diventato un simbolo condiviso, un piccolo rituale collettivo che invita a guardare l’altro senza filtri, senza etichette, senza giudizi preventivi.
C’è qualcosa di profondamente nerd in tutto questo. Pensiamoci un attimo. L’intera cultura geek ci ha insegnato ad amare ciò che è diverso, strano, fuori norma. Abbiamo tifato per gli outsider, per i mutanti, per gli eroi emarginati, per chi non rientrava nel “party bilanciato” ma aveva comunque un ruolo fondamentale nella storia. Dai supereroi incompresi ai personaggi eccentrici degli anime, fino agli alieni che ci insegnano più umanità degli umani stessi, la diversità è sempre stata una risorsa narrativa, non un difetto. I calzini spaiati parlano esattamente la stessa lingua.
Partecipare è disarmante nella sua semplicità. Basta infilare due calzini diversi, meglio ancora se l’abbinamento è volutamente improbabile, quasi glitchato, come una skin ottenuta da un bug fortunato. Indossarli per tutta la giornata diventa una dichiarazione silenziosa ma visibile, un modo per dire “sono ok con le differenze, anche quando saltano all’occhio”. E sì, vale per bambini, adulti, insegnanti, genitori, lavoratori d’ufficio e studenti in DAD, perché il messaggio non ha limiti di età o di contesto. Anzi, condividere una foto, raccontare la propria scelta sui social, trasformare il gesto in racconto collettivo amplifica ancora di più il senso dell’iniziativa.
Negli ultimi anni, segnati dall’isolamento e da una distanza forzata che ha fatto sentire molti come calzini dimenticati dietro al cestello, questa giornata ha assunto un significato ulteriore. È diventata un messaggio di vicinanza per chi si sente solo, fuori posto, non allineato. Un promemoria delicato che anche quando sembriamo spaiati, in realtà facciamo parte di qualcosa di più grande. E che, prima o poi, c’è sempre la possibilità di ritrovarsi, di riconnettersi, proprio come quei due calzini che riemergono insieme dopo mille lavaggi separati.
La Giornata dei calzini spaiati non chiede grandi gesti, non pretende dichiarazioni roboanti. Chiede attenzione, empatia, immaginazione. Chiede di fermarsi un attimo e accettare che la ricchezza del mondo nasce proprio dalle sue differenze. E forse è per questo che funziona così bene: perché parla con il linguaggio del gioco, ma lascia addosso una sensazione che dura molto più di una giornata.
E adesso la palla passa a voi, community. Avete già scelto i vostri calzini per la prossima edizione? Vi è mai capitato di sentirvi “spaiati” in un contesto e di scoprire poi che era proprio quella stranezza a rendervi unici? Raccontiamocelo, come sempre, perché le storie migliori nascono proprio quando qualcuno decide di mostrarsi diverso senza paura.
L’11 ottobre, il mondo intero si unisce per celebrare il Coming Out Day, una ricorrenza internazionale di grande importanza per la comunità LGBTQ+. Questa giornata non rappresenta solo un momento di festa, ma è anche un’opportunità preziosa per riflettere sull’importanza del coming out, un atto fondamentale che segna il cammino verso l’accettazione e la libertà personale.
L’Essenza del Coming Out
Ma cosa significa davvero “coming out”? Questo termine si riferisce al momento in cui un individuo decide di rivelare la propria identità sessuale—che sia omosessuale, bisessuale o di altro tipo—ai familiari, amici e colleghi. È un processo intriso di emozioni: può generare paura e ansia, ma allo stesso tempo regala un profondo senso di liberazione e autenticità. Il Coming Out Day serve a ricordarci che questo atto, spesso complesso e difficile, è un diritto inalienabile di ogni individuo, un diritto che merita di essere rispettato e celebrato.
Radici storiche e importanza culturale
La prima edizione del Coming Out Day si è tenuta l’11 ottobre 1988, una data scelta con cura. L’anno precedente, si era svolta a Washington la seconda marcia nazionale per i diritti delle persone lesbiche e gay, un evento che aveva catturato l’attenzione dei media e del pubblico. Nel corso degli anni, questa giornata è diventata un simbolo globale della lotta per i diritti civili, sottolineando l’importanza di vivere la propria sessualità in modo aperto e sincero.
Un Messaggio Universale
L’ideologia che permea il Coming Out Day è chiara: l’omofobia prospera nel silenzio e nell’ignoranza. Aumentando la consapevolezza, speriamo di combattere le discriminazioni e promuovere una cultura di accettazione. È fondamentale che tutti, indipendentemente dal proprio orientamento sessuale, possano esprimere liberamente chi amano, senza paura di giudizi o ritorsioni.
Distinzione Cruciale: Coming Out vs. Outing
È importante fare una distinzione tra “coming out” e “outing”. Il primo implica una scelta consapevole e volontaria di rivelare la propria sessualità, mentre il secondo si riferisce all’atto di svelare l’orientamento sessuale di qualcun altro senza il suo consenso. Questa differenza è cruciale: l’outing può portare a conseguenze devastanti, esponendo le persone a situazioni di discriminazione e violenza. Al contrario, il coming out è un viaggio personale che deve essere rispettato e sostenuto.
La Bellezza dell’Essere Geek e Gay
Essere un nerd è fantastico: significa avere una passione profonda per ciò che ami, che si tratti di videogiochi, fumetti, tecnologia o scienza. Ma cosa succede quando a questa passione si aggiunge un altro aspetto importante della tua identità, come l’essere gay? Per molti, il coming out rappresenta un momento di grande coraggio e autenticità. È un passo fondamentale per vivere una vita piena e autentica, abbracciando ogni parte di sé. Quando le identità geek e gay si uniscono, si porta avanti un duplice vessillo di orgoglio. Da un lato, si celebra la diversità intellettuale e creativa; dall’altro, si lotta per l’uguaglianza e l’accettazione. Queste due identità, pur sembrando distinte, si completano la vicenda, creando un individuo unico e straordinario.
Le Sfide del Coming Out
Troppe persone vivono il coming out come un atto di coraggio, affrontando timori legati a possibili ripercussioni sul lavoro, a scuola o in famiglia. Questo crea un divario ingiusto: solo alcuni hanno la fortuna di sentirsi liberi di esprimere la propria identità. È essenziale che la società intera lavori per garantire che ogni individuo possa vivere la propria sessualità senza timori, promuovendo l’inclusione e il rispetto.
Celebrare e Riflettere
Il Coming Out Day è quindi non solo un momento di celebrazione, ma anche un’opportunità di riflessione sulle sfide che la comunità LGBTQ+ affronta. Durante questa giornata, membri della comunità e alleati si riuniscono per organizzare eventi, gruppi di ascolto e attività di sensibilizzazione, con l’obiettivo di far valere i diritti di tutti. Il Coming Out Day rappresenta dunque una tappa fondamentale nel percorso verso l’uguaglianza e l’accettazione. Ogni anno, il suo messaggio risuona forte e chiaro: ogni persona ha il diritto di vivere la propria verità, di amare liberamente e di essere rispettata per ciò che è. Buon Coming Out Day a tutti, in attesa di un futuro sempre più inclusivo e luminoso!
La Mattel ha colpito ancora, e questa volta il messaggio è più forte che mai! Dimenticate la Barbie stereotipata: è appena arrivata sul mercato la Barbie con il diabete di tipo 1. Sì, avete letto bene. Questa non è solo una bambola, è un simbolo potente di inclusività e rappresentazione, un vero game-changer nel mondo dei giocattoli.
Immaginate: la nuova Barbie sfoggia con orgoglio un dispositivo per il monitoraggio continuo del glucosio sul braccio, fissato da un adorabile cerotto a forma di cuore rosa. Ma non è tutto! Ha anche il suo smartphone (ovviamente!) con un’app dedicata per controllare i livelli di glucosio nel sangue e, udite udite, una pompa per l’insulina che le permette di dosarla automaticamente quando serve. È la tech-Barbie definitiva, che mostra come la tecnologia possa supportare la vita di tutti i giorni.
Questa bambola rivoluzionaria nasce da una partnership super importante con la no-profit Breakthrough T1D. Mattel ha dichiarato che il lancio è un “importante passo in avanti nel nostro impegno all’inclusività”. Ed è verissimo. In un mondo in cui la rappresentazione conta sempre di più, vedere una Barbie che riflette la realtà di tante persone con diabete di tipo 1 è un messaggio potentissimo.
Non è solo un giocattolo, è uno strumento per educare, normalizzare e ispirare. Per i bambini (e anche per gli adulti, diciamocelo!) che vivono con il diabete di tipo 1, questa Barbie può essere un modello in cui riconoscersi, un modo per sentirsi meno soli e più capiti. E per tutti gli altri, è un’occasione per imparare e sviluppare maggiore empatia.
Cosa ne pensate di questa mossa di Mattel? Credete che sia un passo significativo per l’inclusività nel mondo dei giocattoli e della cultura pop? Fatecelo sapere nei commenti!
C’è qualcosa di magico nei libri capaci di parlare ai bambini con parole semplici eppure universali, testi che riescono a scardinare i pregiudizi non con discorsi altisonanti ma con illustrazioni buffe, colori vivaci e messaggi che arrivano dritti al cuore. Il mio corpo! di Elise Gravel, edito in Italia da Becco Giallo e tradotto con cura da Antonia Mattiello, è esattamente questo: un piccolo albo che contiene un messaggio gigantesco.
Chi conosce il lavoro di Gravel — autrice e illustratrice canadese dal tratto distintivo, ironico e schiettamente inclusivo — sa bene che ogni suo libro è molto più di una storia per bambini. È un manifesto. In questo caso, un manifesto dolce e potente che celebra la diversità dei corpi e insegna ai più piccoli qualcosa che a molti adulti ancora sfugge: il rispetto, per sé stessi e per gli altri.
Pubblicato originariamente con il titolo Ton corps est ton meilleur ami, l’albo si presenta come un viaggio alla scoperta del corpo umano… ma non aspettatevi un’enciclopedia anatomica o una sequenza di didascalie scientifiche. Qui il corpo è raccontato come un compagno di vita, un amico fedele che ci accompagna, ci permette di esplorare il mondo, giocare, sentire, vivere. E soprattutto: un corpo che ci appartiene.
Una lezione delicata, che arriva dritta dove serve
Il libro di Gravel non pretende di insegnare, e forse è proprio per questo che funziona così bene. Non c’è tono paternalistico, non c’è imposizione, ma solo una narrazione accessibile, che si rivolge al lettore come farebbe un amico fidato. Ogni pagina invita i bambini a riconoscere le differenze — di forma, di colore, di mobilità, di espressione — come qualcosa da accogliere e festeggiare. La normalità non è un modello unico, ma un ventaglio di possibilità.
“Il tuo corpo è il tuo migliore amico”, recita una delle frasi chiave del libro. Una verità semplice, potente, talmente essenziale che sembra incredibile non venga ripetuta più spesso. In un’epoca in cui i bambini sono esposti fin troppo presto a modelli irrealistici, giudizi e confronti social, Il mio corpo! diventa un argine di consapevolezza, un momento di respiro, un’occasione per imparare ad amare sé stessi senza filtri o hashtag.
Il consenso, spiegato come solo i grandi libri per l’infanzia sanno fare
Ma è nella trattazione del consenso che l’albo compie il suo salto di qualità. Gravel affronta un tema complesso con una semplicità disarmante, senza paura e senza retorica. “Il mio corpo mi appartiene” è la dichiarazione che ogni bambina e bambino dovrebbe poter interiorizzare il prima possibile. Qui, quella frase diventa un mantra rassicurante, un messaggio da portare con sé nella quotidianità, dentro e fuori le mura di casa.
Nessun moralismo, nessuna lezione frontale. Solo una verità normalizzata, offerta come un dato di fatto. E proprio per questo assimilabile anche dai più piccoli, che potranno riconoscere nei propri gesti — e in quelli degli altri — il valore del rispetto reciproco.
Un universo visivo che accoglie tutte le diversità
Le illustrazioni di Gravel sono un altro punto di forza del libro. Chi ha già avuto modo di sfogliare le sue opere saprà riconoscere subito il suo stile: personaggi buffi, espressioni esagerate, colori pieni e mostriciattoli adorabili che fanno sorridere ma anche riflettere. Ogni corpo è rappresentato senza idealizzazioni, con un’ironia affettuosa che restituisce dignità a ogni forma, ogni colore, ogni peculiarità.
Ed è proprio questa combinazione tra testo e disegno che rende Il mio corpo! uno strumento educativo tanto efficace. Perché è solo riconoscendosi in ciò che si vede, che si può iniziare ad accettarsi davvero.
Un’accoglienza entusiasta, meritata e contagiosa
Non sorprende che le recensioni di chi ha letto questo albo siano tutte entusiaste. Genitori, educatori e lettrici e lettori occasionali lo descrivono come “perfetto”, “illuminante”, “necessario”. C’è chi lo usa a scuola per introdurre il concetto di consenso, chi lo legge insieme ai propri figli per imparare a parlarsi meglio, chi semplicemente lo regala con il cuore, sapendo che in quelle pagine c’è un seme destinato a fiorire.
Ed è questo, forse, il più grande merito del libro: riuscire a generare dialogo. Dopo la lettura, i bambini fanno domande, condividono pensieri, raccontano esperienze. Un libro che stimola la conversazione è un libro che funziona.
Un albo per tutti, nessuno escluso
Sebbene pensato per la prima infanzia, Il mio corpo! ha molto da dire anche a chi bambino non lo è più. Perché ci sono verità che si possono (ri)scoprire solo quando qualcuno le mette nero su bianco con tanta semplicità e coraggio. Elise Gravel riesce in questa impresa con la naturalezza dei veri maestri della narrazione.
In definitiva, si tratta di un piccolo gioiello da tenere in libreria, da leggere, rileggere e condividere. Un albo che fa bene al cuore, al cervello e a quel compagno silenzioso che ci accompagna ogni giorno: il nostro corpo.
Il mio corpo! è molto più di un libro illustrato per bambini. È una dichiarazione d’intenti, un gesto d’amore verso le nuove generazioni. E voi? Lo avete già letto? L’avete sfogliato con i vostri piccoli o lo avete consigliato a qualcuno? Raccontatecelo! Parliamone insieme sui social del CorriereNerd.it: condividete le vostre impressioni, le riflessioni dei vostri bambini o anche solo una pagina che vi ha fatto sorridere. Perché parlare di rispetto, consapevolezza e libertà non è mai stato così bello.
C’è un libro, un piccolo scrigno di carta e colori pubblicato da BeccoGiallo, che riesce a fare una cosa incredibilmente rara: raccontare la storia di una figura straordinaria come Marcella Di Folco con delicatezza, immaginazione e profondità, attraverso gli occhi di una bambina. Si intitola “Nella parrucca di Marcella”, ed è stato scritto da Gianluca Sturmann e J. Cantoni. Ma non fatevi ingannare dalla copertina pensata per i più piccoli. Questo è un libro che parla davvero a tutti.
Immaginate di essere Mina, una bambina di circa otto anni, che vive sopra il bar della nonna. La sua vita è piena di suoni familiari e di odori di caffè e brioches al mattino, ma è anche animata da una figura incantata e affascinante che abita proprio accanto: Marcella. Marcella indossa sempre una parrucca grande, favolosa, quasi magica, e Mina, giorno dopo giorno, comincia a chiedersi cosa si nasconda sotto quei ricci colorati, cosa significhi quella presenza così luminosa e misteriosa.
E allora, pagina dopo pagina, la parrucca si apre – metaforicamente e letteralmente – e lascia uscire piccoli tesori simbolici: un megafono, che serve a dare voce a chi non ce l’ha, degli occhiali, che insegnano a vedere oltre l’apparenza, e la musica, che crea uno spazio felice dove poter essere se stessi, senza paure né limiti. Ogni oggetto è una finestra sulla storia di Marcella, ogni scoperta di Mina è un passo in più verso la comprensione dell’altro, della diversità, della bellezza che nasce dalla libertà di esprimersi.
Questo libro illustrato, pensato per bambine e bambini dai 6 ai 9 anni, è molto più di una favola moderna. È uno strumento potente di educazione all’inclusività e al rispetto, capace di affrontare con dolcezza e chiarezza temi come l’identità di genere, il valore della memoria storica e la lotta per i diritti delle persone transgender. E lo fa raccontando la vita di una delle figure più importanti e coraggiose della storia LGBTQ+ italiana e mondiale: Marcella Di Folco.
Chi era Marcella? Se siete appassionati di cinema italiano, il nome Marcello Di Falco vi dirà qualcosa. Negli anni ’70 ha lavorato con giganti del cinema come Fellini, Rossellini, Risi, Sordi. Ma quel nome apparteneva a un tempo che Marcella ha superato con forza e determinazione. Nel 1980, quando ancora in Italia non esistevano leggi sul cambio di sesso, Marcella si sottopone a Casablanca all’intervento di riassegnazione. Da allora, la sua vita diventa un simbolo vivente di lotta, visibilità e speranza.
Nel 1995 diventa la prima donna transgender eletta consigliera comunale al mondo, a Bologna, con i Verdi. Prima ancora, nel 1988, era diventata presidente del Movimento Italiano Transessuale, e successivamente vicepresidente dell’Osservatorio Nazionale sull’Identità di Genere. Marcella non ha mai smesso di lottare, di parlare, di far rumore. Ha continuato a costruire ponti tra comunità, a creare spazi di dignità per chi ne era stato privato. La sua voce era come quel megafono nella storia di Mina: forte, chiara, irrinunciabile.
La sua storia è stata raccontata in documentari come “Una nobile rivoluzione” di Simone Cangelosi, presentato al Torino Film Festival nel 2014, e in libri come “Storia di Marcella che fu Marcello”, frutto delle confidenze raccolte da Bianca Berlinguer. Più recentemente, nel 2023, è stato lanciato il podcast “Mai annoiata”, un affresco sonoro in otto puntate che ripercorre la sua vita intensa e senza compromessi. E nel 2024, il documentario “Una nobile rivoluzione: Ritratto di Marcella Di Folco” è stato scelto per far parte del progetto Disobedience Archive, presentato all’Esposizione Internazionale d’Arte di Venezia, accanto a opere di respiro internazionale come quelle di Želimir Žilnik e Carole Roussopoulos.
Ma forse, proprio un libro per l’infanzia era quello che mancava per rendere la sua figura davvero immortale. Perché raccontare Marcella Di Folco ai bambini significa piantare oggi i semi di un mondo più giusto, più gentile, più umano. Significa credere che le battaglie non si vincono solo nei palazzi delle istituzioni, ma anche nelle camerette, sui banchi di scuola, negli occhi stupiti di chi scopre che si può essere se stessi, senza paura.
“Nella parrucca di Marcella” è un’opera poetica e civile, un invito a guardare oltre, a farci domande, a ricordare e a lottare. È un libro che ogni nerd, ogni amante delle storie potenti e trasformative, dovrebbe avere nella propria libreria, accanto ai volumi delle grandi saghe fantasy o delle biografie dei personaggi più rivoluzionari della cultura pop. Perché anche Marcella era, a modo suo, un’eroina. Senza mantello, ma con una parrucca magica.
E voi? Avete mai pensato a quanti mondi può contenere una parrucca? Raccontateci cosa ne pensate di questa bellissima storia, condividetela sui vostri social con l’hashtag #NellaParruccaDiMarcella e taggateci su CorriereNerd.it: le storie belle vanno celebrate insieme.
Per tutti gli appassionati di Monster High e della cultura nerd, è arrivato il momento di prepararsi a un’avventura davvero unica. A luglio, infatti, arriverà Monster High: World’s Scare, una nuova miniserie di fumetti che promette di conquistare vecchi e nuovi fan della saga. Questa produzione esclusiva nasce dalla collaborazione tra Mattel e IDW Publishing, e Nerdist ha l’onore di rivelarla in anteprima. Se vi siete già innamorati delle creature mostruosamente stilose che popolano il mondo di Monster High, non potete assolutamente perdere questa nuova e affascinante storia.
La Magia di Monster High: Un Viaggio tra Mostri e Diversità
Ma cos’è esattamente Monster High? Per chi non lo sapesse, questa serie è nata nel 2010 come una linea di bambole di Mattel, ma in breve tempo ha conquistato milioni di cuori in tutto il mondo, trasformandosi in un vero e proprio fenomeno culturale. Il concept alla base di Monster High è tanto semplice quanto geniale: racconta le avventure di un gruppo di teenagers, figli di mostri famosi, che frequentano una scuola dove l’individualità e la “mostruosità” sono celebrati. Un mix di horror, moda e inclusività che ha dato vita a una serie animata web, la quale è andata in onda dal 2010 al 2018, ed è tornata alla ribalta nel 2018 con un reboot che ha affascinato ancora di più i fan.
Ryan Ferguson, capo globale della pubblicazione di Mattel, sottolinea come il fascino di Monster High risieda nella sua capacità di toccare il cuore di lettori provenienti da ogni angolo del mondo. “Monster High celebra ciò che ci rende unici, e i nostri collaboratori di IDW Publishing sono riusciti a catturare questo spirito magnificamente”, afferma Ferguson. “Non vediamo l’ora che i fan si immergano in queste nuove avventure e scoprano di più su questi personaggi iconici, celebrando la loro individualità come solo Monster High sa fare.”
Monster High: World’s Scare – Una Nuova Miniserie da Non Perdere
Con Monster High: World’s Scare, la saga si arricchisce di una nuova miniserie che vede protagonista Frankie Stein e la sua inseparabile Boo Crew, impegnati in un’inedita sfida. I nostri mostruosi eroi parteciperanno al “World’s Scare”, una competizione che richiama le fiere mondiali del XIX secolo, dove mostri e creature di ogni tipo presentano le loro invenzioni più straordinarie. Un’occasione per esplorare il misterioso mondo della scienza mostruosa, ma anche un tributo emozionante al padre di Frankie, il celebre Professor Frankenstein. La miniserie non solo offrirà nuove emozionanti avventure, ma risponderà anche a domande che i fan si pongono da tempo. Chi c’era davvero dietro la misteriosa alleanza con Lothar? Cosa sta succedendo con il quaderno di Frankenstein? E, soprattutto, chi è il misterioso CryptCrier? Con la sceneggiatura di Jacque Aye e i disegni di Caroline Shuda, Monster High: World’s Scare si preannuncia come un viaggio ricco di colpi di scena e sorprese.
Un Fumetto per Tutti: Fan Vecchi e Nuovi
Una delle cose che ha reso Monster High un fenomeno globale è la sua capacità di abbracciare la diversità. Questo nuovo capitolo non fa eccezione, celebrando l’inclusività e l’originalità dei suoi personaggi. Sia che si tratti di un fan di vecchia data, che conosce ogni dettaglio della saga, sia che si tratti di un neofita, Monster High: World’s Scare è pensato per tutti. La trama avvincente, ricca di mistero e sorprese, è perfetta per chi ama le storie dove l’individualità è non solo accettata, ma addirittura celebrata. E per i collezionisti, non mancano neanche le bellissime copertine alternative, come quella del primo numero, un’opera d’arte da non lasciarsi sfuggire, firmata da Betsy Cola.
Quando Esce e Dove Acquistarlo
Se non vedete l’ora di mettere le mani su Monster High: World’s Scare, sappiate che il primo numero arriverà negli States a luglio. Con un numero doppio che promette di farvi vivere un’esperienza ricca di colpi di scena, la serie si comporrà di cinque numeri, ognuno dei quali sarà un piccolo capolavoro per i fan.
Il sesso è ovunque. Nei film che guardiamo, nei libri che leggiamo, nelle pubblicità che ci bombardano ogni giorno, nelle conversazioni che affrontiamo con più o meno imbarazzo e nei nostri pensieri, spesso più di quanto ammettiamo. Definisce chi siamo e il nostro posto nella società, o almeno così ci viene detto. Ma, paradossalmente, ne sappiamo davvero poco. La sessualità è un argomento che, nonostante la sua onnipresenza, rimane circondato da tabù, incomprensioni e, soprattutto, da una buona dose di preconcetti che affondano le loro radici in secoli di costruzione sociale.
“Sessualità”, la graphic novel firmata da Meg-John Barker e Jules Scheele, si propone di fare esattamente questo: illuminare il buio, smascherare i “mostri” che si annidano nella nostra percezione del sesso e offrire una visione più libera e consapevole dell’argomento. Il duo non è nuovo a queste imprese: dopo aver esplorato tematiche di genere e identità queer nelle loro precedenti opere, tornano con un libro che, tra ironia e divulgazione, si pone come una guida imprescindibile per chiunque voglia comprendere meglio la sessualità nel suo contesto storico, sociale e culturale.
Immaginate di entrare in una casa infestata, una di quelle piene di ombre inquietanti e rumori inspiegabili. Ora immaginate che, con una torcia in mano, possiate finalmente vedere ciò che si cela dietro quelle ombre: non mostri spaventosi, ma costrutti sociali, narrazioni manipolate e paure indotte da secoli di moralismo. Barker e Scheele fanno esattamente questo: prendono le paure e le ansie legate alla sessualità e le scompongono pezzo dopo pezzo, con uno stile che ricorda un mix tra un episodio di Scooby-Doo e un saggio accademico accessibile.
Dalla costruzione delle identità sessuali agli atti erotici, dal desiderio al consenso, fino a tematiche spesso evitate come il lavoro sessuale e le relazioni non convenzionali, il libro affronta ogni argomento con una chiarezza e una profondità che non lasciano spazio a fraintendimenti. E, cosa forse più importante, lo fa con empatia e umorismo, rendendo accessibili anche le questioni più complesse.
Non mancano riferimenti ai maggiori teorici della sessualità, da Foucault a Butler, passando per studi contemporanei che hanno ridefinito il modo in cui pensiamo al sesso e al desiderio. Ma “Sessualità” non è solo un libro di teoria: è una guida per decostruire i miti che ci sono stati imposti e immaginare un futuro in cui la sessualità non sia più fonte di ansia, vergogna o oppressione, ma un aspetto della vita umana vissuto in maniera autentica, libera e consensuale.
Per chi si avvicina per la prima volta a queste tematiche, il libro rappresenta un punto di partenza ideale: il formato graphic novel rende la lettura scorrevole e coinvolgente, mentre il tono amichevole di Barker e Scheele invita alla riflessione senza mai risultare pedante. Per chi invece ha già familiarità con gli studi di genere e la sessuologia, “Sessualità” offre una rilettura stimolante e ricca di spunti su come il sesso è stato costruito e su come potrebbe essere reinventato. In un’epoca in cui il dibattito sulla sessualità è più acceso che mai, con vecchi pregiudizi che si scontrano con nuove consapevolezze, “Sessualità” si inserisce come un’opera necessaria. Non solo un libro da leggere, ma un viaggio da intraprendere, armati di curiosità e voglia di smantellare le impalcature del passato per costruire un futuro più inclusivo e libero da stereotipi.
La regia di Tony Goldwyn ci regala una riflessione delicata e piena di sfumature sulle sfide quotidiane di un padre e un figlio in “In viaggio con mio figlio” (titolo originale Ezra). Un film che unisce l’emozione di un road movie alla profondità dei temi familiari, della comunicazione e dell’accettazione, senza mai perdere di vista il valore dell’umorismo e della leggerezza.
Il protagonista, Max, interpretato da un convincente Bobby Cannavale, è un padre separato che si trova a fare i conti con una vita che sembra sfuggirgli. Dopo la fine del suo matrimonio con Jenna (Rose Byrne), Max si ritrova ad affrontare una situazione complicata con il figlio, Ezra, un ragazzo di undici anni che vive con il disturbo dello spettro autistico. Per Max, che ha abbandonato una carriera lavorativa stabile per dedicarsi al figlio, la frustrazione cresce, soprattutto quando le cose sembrano non andare per il verso giusto. La sua carriera come comico sta arrancando, e l’incertezza del futuro è palpabile. Ma l’occasione di una vita si presenta sotto forma di un’opportunità a Los Angeles, a cui Max non può dire di no. Ma la situazione familiare precipita quando Ezra viene espulso da scuola e tenta una fuga da casa.
Quello che segue è un viaggio tanto rocambolesco quanto significativo, con Max che, deciso a trovare una soluzione e a dare al figlio più di quanto le scuole e i medici possano offrire, intraprende un’avventura attraverso gli Stati Uniti. Il viaggio ha inizio con un gesto audace: Max prende la vecchia auto decappottabile del nonno Stan (Robert De Niro) e, con il figlio al suo fianco, si lancia in un’odissea che cambierà per sempre la loro vita. La decisione di intraprendere questo viaggio, pur scatenando il dissenso della madre di Ezra, apre la strada a una serie di incontri e scoperte che, passo dopo passo, porteranno i protagonisti a una nuova consapevolezza.
Nel corso del viaggio, padre e figlio incontrano una serie di personaggi che, in un modo o nell’altro, contribuiscono a rendere il percorso significativo. La distanza dalla routine quotidiana di Ezra diventa una prova di crescita, e la convivenza forzata tra Max e Ezra offre spunti di riflessione sulla difficoltà di comunicazione tra generazioni, sulla lotta per l’accettazione delle diversità e sulla necessità di rinnovare le proprie aspettative. La presenza di Stan, un personaggio che inizialmente si mostra burbero e irremovibile, fornisce una dimensione più complessa alla narrazione: sebbene lui e Max siano in contrasto su molte cose, il viaggio rappresenta anche per loro un’opportunità di riscatto e di riconciliazione.
“In viaggio con mio figlio” si muove con equilibrio tra momenti di divertimento e altri più commoventi, creando uno spazio in cui la commedia si intreccia con l’introspezione e la riflessione. La forza del film risiede nella sua capacità di raccontare con sincerità le difficoltà quotidiane di una famiglia che si sta ricostruendo, ma senza mai cadere nel melodramma. La storia di Max, Ezra e dei loro incontri lungo la strada è un tributo all’importanza del perdono e della comprensione, al valore di mettersi in gioco e di imparare a vedere le cose da una prospettiva diversa.
La pellicola, che è stata presentata al Toronto International Film Festival 2023 e alla Festa del Cinema di Roma, non manca di sottolineare anche il potere curativo di una sana ironia, che si fa strada anche nei momenti più difficili. Goldwyn, nel doppio ruolo di regista e attore, dirige una storia che sa essere profonda e leggera allo stesso tempo, regalando al pubblico un’esperienza che tocca temi universali come la genitorialità, la crescita e la capacità di accettare le imperfezioni proprie e altrui.
Il cast, che vanta la presenza di attori del calibro di Vera Farmiga, Whoopi Goldberg, Rainn Wilson e lo stesso Tony Goldwyn, riesce a dare vita a un racconto ricco di emozioni, che non rinuncia mai a una visione ottimistica e al contempo realistica della vita. Bobby Cannavale si conferma un interprete di grande spessore, capace di restituire la fragilità e la determinazione del suo personaggio. Robert De Niro, con la sua interpretazione del nonno Stan, aggiunge quel tocco di esperienza e saggezza che rende la sua figura un’ancora di salvezza per l’intero racconto.
“In viaggio con mio figlio” è un film che riesce a mescolare commedia e dramma in maniera equilibrata, offrendo una riflessione sull’importanza di accettarsi per quello che si è, e sull’importanza delle relazioni familiari. Da non perdere a partire dal 24 aprile, quando il film arriverà nei cinema italiani grazie a BIM Distribuzione. Un road movie che, oltre a raccontare un viaggio fisico, narra anche il cammino interiore di un padre e di un figlio verso la comprensione reciproca.
Lucca Comics & Games ha ricevuto il riconoscimento come “Miglior divulgatore del patrimonio culturale” agli ACTA Awards 2025.
Il prestigioso premio, presieduto da Clara Svanera e patrocinato da Toscana Promozione Turistica è stato conferito alla manifestazione dalla giuria del GIST ACTA – ARCHEOLOGICAL & CULTURAL TOURISM AWARD 2025 e consegnato simbolicamente dall’assessore al turismo della Regione Toscana, Leonardo Marras, nelle mani del direttore Emanuele Vietina che lo ha ritirato a nome di tutto coloro che operano per dare vita ogni anno al più grande community event d’Occidente.
Alla sua terza edizione, il premio è attribuito dal Gruppo Italiano Stampa Turistica con l’obiettivo di favorire il rispetto, la valorizzazione, la fruizione e la comunicazione dei beni culturali di tutto il mondo e per il corretto e sostenibile sviluppo dei sistemi turistici.
In particolare questa la motivazione dell’assegnazione del riconoscimento: ”Il premio speciale divulgatore del patrimonio culturale viene assegnato a Lucca Comics & Games per essersi imposto nel panorama culturale italiano e mondiale come veicolo di creatività, diversità e di interazione tra varie forme d’arte. La kermesse, che ogni anno attrae e unisce persone provenienti da tutto il pianeta, rappresenta un autentico laboratorio di cultura globale, celebrando non solo il fumetto e il gioco in tutte le loro sfaccettature, ma promuovendo anche un dialogo interculturale attraverso la condivisione di idee, stili e narrazioni, in un ambiente dinamico, stimolante e inclusivo. La manifestazione offre anno dopo anno nuovi spunti di approfondimento e riflessione e l’affermazione di una forma di espressione artistica e culturale che trascende barriere linguistiche e geografiche”.
Questo premio segue la Medaglia d’Oro Pegaso conferita alla manifestazione dalla Giunta regionale Toscana (a giugno 2024) per la capacità di sensibilizzare su temi come la socializzazione, l’inclusione e il rispetto degli altri. A questo si aggiunge l’importante opera di promozione del territorio regionale in tutto il mondo.
Emenuele Vietina ha commentato:
“Tutto lo staff di Lucca Comics & Games è particolarmente orgoglioso di questo riconoscimento al proprio lavoro, perché evidenzia il design consapevole di un evento, che vuole mettere in relazione le grandi industrie creative delle mitologie contemporanee con il patrimonio monumentale. Ne nasce una relazione di reciproca esaltazione, che tiene sempre al centro le persone, che non vivono passivamente i nostri monumenti, ma ‘li partecipano’ creando non solo conoscenza ma una grande coscienza collettiva. Stamani abbiamo ricevuto un bellissimo messaggio da un fan e lasciatemi chiudere parafrasando le sue parole: a Lucca Comics & Games la migliore parte dell’umanità incontra il grande patrimonio dell’Umanità”.
Parlare di disabilità ai bambini può sembrare una sfida complessa, ma in realtà è più semplice di quanto si pensi. I più piccoli non hanno bisogno di giri di parole o di spiegazioni edulcorate: cercano storie autentiche che li aiutino a comprendere ciò che ancora non conoscono, racconti capaci di avvicinarli alla diversità senza timori o barriere. Ed è proprio con questo spirito che nasce La disabilità spiegata ai bambini e alle bambine, scritto da Marina Cuollo e Cristina Trapanese ed edito da BeccoGiallo, un libro illustrato pensato per i lettori dai 6 ai 9 anni.
La protagonista della storia, Azzurra, non è un personaggio straordinario nel senso comune del termine. Non cerca di superare limiti o compiere imprese eccezionali, ma semplicemente vive la sua quotidianità con tutte le sfide, le gioie e le difficoltà che fanno parte della sua esperienza. La sua avventura si sviluppa in modo naturale e coinvolgente, offrendo ai piccoli lettori un punto di vista autentico sulla disabilità, senza pietismi o stereotipi.
Uno degli aspetti più interessanti del libro è la capacità di affrontare il tema dell’abilismo con ironia e leggerezza, senza mai perdere di vista la profondità del messaggio. Attraverso le pagine illustrate, i bambini vengono guidati in una riflessione spontanea sui pregiudizi e sugli ostacoli che spesso sono più radicati negli adulti che nei più giovani. Perché, come sottolinea Marina Cuollo nella prefazione, i bambini non hanno paura di fare domande o di accettare risposte: siamo noi adulti a complicare ciò che potrebbe essere semplicemente compreso.
La disabilità spiegata ai bambini e alle bambine rappresenta un’opportunità preziosa per educare all’inclusione e alla consapevolezza fin dalla più tenera età, mostrando che esistono tanti modi di stare al mondo e che ognuno di essi merita rispetto e riconoscimento. Un libro che, con il suo tono avventuroso e delicato, offre uno strumento utile non solo per i bambini, ma anche per genitori ed educatori desiderosi di affrontare con sensibilità un tema fondamentale della nostra società.
Ci sono film d’animazione che riescono a parlare a un pubblico trasversale, unendo il linguaggio visivo immediato e colorato tipico del genere con una narrazione capace di coinvolgere anche gli spettatori più adulti. “Buffalo Kids”, diretto da Juan Jesús García Galocha e Pedro Solís García, è uno di questi. Prodotto dagli stessi creatori di “Taddeo l’Esploratore” e “Mummie”, il film si distingue per la sua capacità di combinare avventura, emozione e riflessione su tematiche universali come l’amicizia, l’inclusione e il rispetto per le diversità.
Dopo la sua presentazione in concorso alla 54ª edizione del Giffoni Film Festival, dove ha conquistato il premio EASY JET SPECIAL AWARD, “Buffalo Kids” è arrivato nelle sale italiane il 31 ottobre 2024, distribuito da Warner Bros. Entertainment Italia. Ora, il film è disponibile in DVD e Blu-Ray®, con una speciale edizione arricchita da un esclusivo making of che offre uno sguardo dietro le quinte della sua realizzazione.
Una storia di crescita e avventura nel cuore dell’America di fine Ottocento
La vicenda si svolge nel 1886 e segue il viaggio di Mary e Tom, due fratelli irlandesi orfani che, alla ricerca di una nuova vita, arrivano a New York. Ma la città che promette sogni e opportunità è solo l’inizio di un’avventura ben più grande. Saliti a bordo dell’Orphan Train, un treno che attraversa gli Stati Uniti portando i bambini orfani in cerca di nuove famiglie, i protagonisti si trovano catapultati in un’epopea ricca di incontri, pericoli e scoperte. Il loro viaggio li porterà a conoscere amici inaspettati e antagonisti spietati, mentre imparano a navigare un mondo pieno di insidie ma anche di straordinarie possibilità.
Lungo il percorso, Mary e Tom stringono un legame speciale con Nick, un bambino costretto su una sedia a rotelle, la cui presenza rappresenta un potente messaggio di inclusione. Il film riesce a trattare la disabilità con una naturalezza rara, evitando facili pietismi e mostrando come le differenze possano diventare punti di forza. Il rapporto tra Mary e Nick, in particolare, si distingue per autenticità e profondità emotiva.
Un’animazione curata e una colonna sonora evocativa
Dal punto di vista estetico, “Buffalo Kids” è un’opera che non lascia nulla al caso. L’animazione 3D, seppur influenzata da scelte stilistiche vicine ai classici Pixar, si distingue per una resa visiva pulita e dettagliata. Le ambientazioni, dalle praterie sconfinate al Grand Canyon, contribuiscono a creare un’epopea visiva immersiva e affascinante.
La colonna sonora, firmata da Fernando Velázquez, è un altro punto di forza del film. I suoi brani richiamano le atmosfere del western classico, conferendo alla narrazione una dimensione cinematografica epica senza risultare invadenti. La musica diventa così un elemento narrativo a tutti gli effetti, accompagnando con discrezione ed efficacia le vicende dei protagonisti.
Un film d’animazione che fa riflettere senza perdere la leggerezza
Nonostante sia pensato per un pubblico giovane, “Buffalo Kids” riesce a mantenere un equilibrio perfetto tra intrattenimento e profondità. Il film non si limita a offrire un’avventura dinamica e ricca di colpi di scena, ma invita anche a una riflessione su tematiche attuali come l’integrazione, il coraggio e la solidarietà. La sceneggiatura di Jordi Gasull e Javier Barreira, basata su un soggetto di Pedro Solís García, riesce a evitare i classici cliché del genere e a costruire una narrazione capace di emozionare senza risultare eccessivamente didascalica.
“Buffalo Kids” si inserisce così in quel filone di film d’animazione che riescono a lasciare un segno, dimostrando che l’animazione non è solo spettacolo visivo, ma può essere anche un mezzo potente per raccontare storie di crescita e scoperta. Un film che vale la pena vedere, indipendentemente dall’età dello spettatore.
Il cosplay, acronimo di “costume play”, è molto più di una semplice forma di intrattenimento; è un’espressione artistica che fonde passione, creatività e performance, coinvolgendo milioni di appassionati in tutto il mondo. Questa pratica, che vede i partecipanti indossare costumi ispirati a personaggi tratti da anime, manga, fumetti, videogiochi e film, è diventata un fenomeno globale ampiamente riconosciuto. Tuttavia, dietro l’apparente bellezza dei costumi e delle interpretazioni si celano problematiche sociali e culturali che meritano un’attenta riflessione, in particolare riguardo alle dinamiche di parità di genere e al rispetto per l’individuo.
Il Cosplay come Espressione Artistica
Il cosplay non è semplicemente un atto di travestirsi, ma una forma di espressione che consente a chi lo pratica di immergersi in mondi immaginari, dando vita a storie di avventure, speranze e lotte. Quando una persona sceglie di incarnare un personaggio amato, lo fa per esprimere una parte di sé, per celebrare la propria passione e per condividere un pezzo della propria identità. Non si tratta di un gesto volto alla ricerca di attenzioni o di giudizi superficiali, ma di una creazione che si fonda sull’autoconsapevolezza. Tuttavia, questa libertà creativa è spesso ostacolata da pregiudizi sessisti che riducono il cosplay a una mera vetrina estetica, snaturando il suo vero significato culturale.
Le Donne nel Cosplay: Vittime di Molestie e Discriminazione
Le donne nel mondo del cosplay sono frequentemente oggetto di molestie e discriminazioni. Un fenomeno preoccupante come il “slut shaming” emerge soprattutto quando una cosplayer sceglie di interpretare un personaggio con un costume che può essere percepito come provocante. In questi casi, scatta un meccanismo di colpevolizzazione che trasforma la cosplayer in un oggetto di giudizi negativi, accusandola di svilire l’autenticità del cosplay con una presunta sessualizzazione.
Questa visione riduttiva non giustifica in alcun modo un trattamento invadente. Purtroppo, il focus viene spesso posto sulla superficialità del costume, ignorando che ogni dettaglio è frutto di un atto creativo e personale. Le critiche si concentrano sull’aspetto estetico piuttosto che riconoscere il valore culturale e emotivo di ogni scelta. Questo non solo minaccia la libertà di espressione, ma perpetua dinamiche discriminatorie basate su stereotipi sessisti.
Sessualizzazione e Oggettificazione: Una Questione Sociale
La sessualizzazione nel cosplay non è un fenomeno isolato, ma un riflesso di dinamiche culturali più ampie. I personaggi, soprattutto quelli femminili, sono spesso costruiti con un’estetica ipersessualizzata: abiti succinti e pose provocatorie. Sebbene questa estetica faccia parte di molte opere originali, essa porta a una distorsione della percezione del cosplayer, che viene visto come una proiezione del personaggio piuttosto che come un individuo.
La cultura della sessualizzazione ha come effetto diretto l’oggettificazione del cosplayer, riducendolo a un mero oggetto di desiderio, privandolo della sua individualità. Questo fenomeno contribuisce a una comprensione errata del cosplay, non solo come arte, ma come opportunità per giudicare, sessualizzare o aggredire chi lo pratica. Ciò accade tanto nelle fiere fisiche quanto nelle interazioni online, dove il confine tra espressione artistica e violazione del consenso è sempre più labile.
Episodi di Molestie: Un Problema Persistente
Sfortunatamente, le fiere di cosplay non sono immuni da episodi di molestie. Commenti offensivi, fotografie non richieste, palpeggiamenti indesiderati e altre forme di violenza sono pratiche che si verificano con frequenza, danneggiando l’immagine del cosplay e creando un ambiente ostile per molti partecipanti. Eventi come Lucca Comics & Games e Comicon di Napoli hanno fatto emergere questi problemi con episodi che hanno sollevato interrogativi cruciali sul rispetto delle cosplayer.
L’evento Lucca Comics & Games, uno dei festival più importanti d’Italia, ha messo in luce quanto possa essere grave la situazione, quando un uomo, qualche edizione fa, travestito da confezione di croccantini per cani, ha lanciato biscotti alle donne in costume, accusandole di indossare abiti troppo succinti. Questo gesto ha sollevato numerosi interrogativi sul rispetto che viene riservato alle cosplayer e ha dimostrato quanto sia urgente una riflessione culturale sul comportamento verso le donne all’interno di questi eventi.
Un altro caso che ha suscitato indignazione è quello di Maria Muollo, meglio conosciuta come Faenel, che nel 2024 ha denunciato di essere stata ripresa di nascosto da un uomo durante il Comicon di Napoli. Non solo è stata filmata senza il suo consenso, ma l’uomo ha mostrato un atteggiamento minaccioso quando la cosplayer ha chiesto la rimozione del video. Questo episodio ha messo in evidenza le problematiche di sicurezza durante le fiere, un tema che richiede una discussione urgente. L’organizzazione del Comicon ha prontamente avviato un’indagine interna per accertare i fatti e prendere provvedimenti. Questo è solo uno degli innumerevoli esempi che evidenziano la necessità di garantire eventi sicuri e rispettosi per tutti i partecipanti.
La sicurezza, purtroppo, continua a essere una questione irrisolta in molti eventi cosplay. Durante il festival Cartoon Club di Rimini 2024, un altro episodio di molestie ha coinvolto una cosplayer, palpeggiata da un uomo mentre si trovava vicino a uno stand. Nonostante l’intervento delle forze dell’ordine, l’uomo è stato identificato e rilasciato, mentre la vittima non ha ancora formalizzato la denuncia. Questo caso conferma che le fiere, purtroppo, non sono esenti da episodi di violenza e molestie, ribadendo l’importanza di rafforzare le misure di sicurezza per proteggere i partecipanti durante eventi affollati.
Oggi, il cosplay non si limita più ai contesti fisici, ma si estende anche al mondo digitale, attraverso piattaforme come Patreon e OnlyFans. Queste realtà permettono ai cosplayer di monetizzare il proprio lavoro e di creare contenuti anche sensuali, ma la sensualizzazione dei costumi è spesso criticata da una parte della comunità, che la considera un elemento che svilisce l’essenza del cosplay. È fondamentale ricordare che ogni cosplayer ha il diritto di scegliere come esprimersi, e nessun tipo di abbigliamento dovrebbe essere correlato al rischio di molestie o aggressioni. Le aggressioni, infatti, avvengono a prescindere da quanto una persona possa essere vestita.
Recentemente, purtroppo, diverse testimonianze hanno denunciato episodi di abusi fisici e psicologici all’interno della community cosplay italiana. Alcune ragazze, tra cui Alessia Boccola, Arianna Gaspardo (@reddieblack), Martina Bubi (@bubi.cosplay), Poison Demi ed Elisa Merchiori (@elisamerch), hanno condiviso pubblicamente le loro esperienze, rivelando comportamenti inaccettabili attribuiti a tre individui noti nella comunità. Le loro dichiarazioni, disponibili sui social nei loro rispettivi profili, hanno acceso i riflettori su una realtà preoccupante, alla quale si sono aggiunte ulteriori voci di chi ha vissuto situazioni simili o ne è stato testimone. È emerso inoltre che alcuni episodi erano già noti, ma il silenzio ha spesso prevalso. Questa vicenda sottolinea la necessità di denunciare, sostenere le vittime e promuovere una maggiore consapevolezza. Durante eventi e fiere, è fondamentale segnalare eventuali episodi di molestia alla sicurezza, agli organizzatori o, se necessario, alle forze dell’ordine. La community cosplay deve rimanere uno spazio sicuro e inclusivo, basato sul rispetto e sul supporto reciproco.
Cosplay Is not consent
Per contrastare questo fenomeno e sensibilizzare il pubblico sul tema del consenso e del rispetto, è nato il movimento “Cosplay is not consent”, ovvero “Cosplay non significa consenso”. Si tratta di una campagna di informazione e prevenzione che si propone di diffondere il messaggio che il fatto di indossare un costume non implica l’accettazione di qualsiasi tipo di contatto o interazione da parte degli altri, e che i cosplayer hanno il diritto di decidere chi, come e quando può avvicinarsi a loro, parlare con loro o fotografarli.
Il movimento “Cosplay is not consent” è emerso intorno al 2012, grazie alla testimonianza e alla mobilitazione di molti cosplayer che hanno denunciato le molestie subite nelle varie convention in cui hanno partecipato. Attraverso i social network, i blog e i siti web dedicati al cosplay, hanno condiviso le loro esperienze, le loro emozioni e le loro richieste di cambiamento, creando una rete di solidarietà e di supporto tra di loro. Inoltre, hanno realizzato dei cartelli, dei volantini e dei badge con lo slogan “Cosplay is not consent”, che hanno esposto e distribuito nelle manifestazioni, per rendere visibile il problema e coinvolgere anche gli altri partecipanti.
Il movimento ha avuto un impatto positivo sulla cultura e sull’organizzazione delle convention, che hanno iniziato a prestare maggiore attenzione alla sicurezza e al benessere dei cosplayer. Alcune manifestazioni, come il New York Comic Con, hanno adottato una politica di tolleranza zero verso le molestie, e hanno esposto dei cartelli con il messaggio “Cosplay is not consent” all’ingresso e nei vari punti del centro espositivo¹. Altre, come il RuPaul’s DragCon, hanno esteso il concetto anche al drag, con il motto “Drag is not consent”. Inoltre, sono stati creati dei gruppi e delle associazioni, come il Cosplayer Survivor Support Network, che offrono risorse e assistenza ai cosplayer che hanno subito abusi, e che valutano le procedure di sicurezza delle varie convention, per informare i fan su come le molestie vengono gestite.
Il movimento “Cosplay is not consent” ha contribuito a creare una maggiore consapevolezza e una maggiore responsabilità tra i partecipanti alle manifestazioni nerd, ma non ha ancora eliminato completamente il problema delle molestie ai cosplayer. Molti di loro, infatti, continuano a subire episodi di violenza e di umiliazione, e a dover adottare delle strategie di auto-difesa, come evitare di indossare costumi troppo rivelatori, andare sempre in gruppo o portare con sé degli spray al peperoncino³. Per questo, è necessario che il movimento continui a crescere e a diffondersi, coinvolgendo non solo i cosplayer, ma anche gli organizzatori, i media, le istituzioni e la società civile, per garantire il rispetto e la dignità di chi pratica il cosplay, e di chiunque esprima la propria identità e la propria creatività in modo libero e autentico.
Analisi e Cultura del Rispetto
Il cosplay rappresenta una forma di espressione artistica che ha la capacità di abbattere le barriere culturali, unendo persone di diverse origini, storie e passioni attraverso l’amore condiviso per i personaggi e gli universi immaginari. Sebbene il fenomeno del cosplay sia cresciuto notevolmente negli ultimi decenni, diventando una pratica riconosciuta e celebrata a livello globale, sono ancora presenti problematiche significative che ne minano il pieno sviluppo come forma inclusiva e rispettosa. Tra queste problematiche, le molestie nei confronti dei cosplayer continuano a essere un fenomeno preoccupante, sia durante eventi dal vivo che sulle piattaforme digitali. Da una prospettiva sociologica, le molestie nel cosplay possono essere analizzate alla luce delle dinamiche di potere e controllo sociale. Il corpo del cosplayer diventa, così, un territorio conteso, dove la libertà di espressione individuale si scontra con le aspettative sociali e i pregiudizi. La percezione errata che un costume rivelatore sia un invito a interazioni non richieste riflette una cultura ancora radicata in dinamiche di dominio e oggettificazione. Questo fenomeno non riguarda solo la sfera privata del cosplayer, ma contribuisce a plasmare la percezione sociale di questa arte, riducendo l’interpretazione di un personaggio a un’azione che può essere vista come un’opportunità per giudicare, sessualizzare o aggredire.
La risposta della comunità cosplay a tali problematiche si è tradotta in numerose iniziative. Le campagne di sensibilizzazione come “Cosplay is Not Consent” (“Il cosplay non è consenso”) sono state fondamentali nel sensibilizzare il pubblico e promuovere un rispetto reciproco. Parallelamente, alcune fiere e piattaforme online hanno rafforzato le loro politiche interne, adottando regolamenti chiari contro le molestie e creando spazi di supporto per le vittime di abusi. Questi sforzi, sebbene importanti, non sono sufficienti da soli a risolvere la questione, e richiedono un continuo impegno per garantire che ogni individuo possa vivere il cosplay in modo sicuro e rispettoso.
Per affrontare efficacemente il problema della sessualizzazione e delle molestie nel cosplay, è necessario adottare un approccio multidisciplinare che coinvolga diverse aree di intervento. In primo luogo, è essenziale promuovere una cultura del rispetto attraverso campagne educative mirate e workshop durante le convention. Inoltre, le fiere e gli eventi dovrebbero dotarsi di codici di condotta più rigorosi, con sanzioni chiare per chi non rispetta le regole, creando anche punti di supporto immediato per le vittime di molestie. Le piattaforme digitali, dal canto loro, devono rafforzare gli strumenti di moderazione per prevenire abusi online, implementando funzioni di segnalazione e rimozione di contenuti inappropriati. Infine, è fondamentale offrire supporto psicologico alle vittime di molestie, creando spazi sicuri dove queste possano ricevere assistenza e sostegno emotivo.
Il cosplay, infatti, è molto più di una semplice esibizione estetica: è una forma di espressione personale e creativa che merita di essere rispettata nella sua integrità. Le esperienze negative legate alla sessualizzazione e alle molestie non devono offuscare il valore profondo di questa arte, ma piuttosto fungere da stimolo per una maggiore consapevolezza sociale e culturale. Solo attraverso il rispetto reciproco, la comprensione e il sostegno collettivo il cosplay potrà continuare a crescere come una vera e propria forma d’arte, in grado di celebrare la diversità, la passione e la creatività di ogni individuo.
Un’analisi psicologica e sociologica della sessualizzazione nel cosplay evidenzia come le rappresentazioni mediatiche di alcuni personaggi, soprattutto quelli femminili, contribuiscano a rinforzare la percezione errata che i cosplayer che li impersonano siano oggetti di desiderio, piuttosto che artisti che esprimono affetto o ammirazione per il personaggio stesso. L’influenza dell’industria dell’intrattenimento e dei media alimenta stereotipi che si riflettono anche nel cosplay, dove le donne, in particolare, sono spesso costrette a confrontarsi con una percezione esterna che enfatizza la sensualità piuttosto che il talento interpretativo. Le molestie sono, dunque, il risultato di una cultura che non riesce a superare le sue radici patriarcali e che continua a oggettivizzare il corpo femminile, riducendo la libertà di espressione delle donne.
Per contrastare questo fenomeno, è fondamentale un impegno costante. Campagne educative, normative più severe, moderazione online e supporto psicologico sono misure indispensabili per tutelare i cosplayer e garantire che fiere e piattaforme digitali diventino spazi sicuri, in cui ogni partecipante possa esprimere liberamente la propria passione senza temere molestie o aggressioni. Solo attraverso una maggiore sensibilizzazione e un impegno collettivo, il cosplay potrà tornare ad essere quello che dovrebbe essere: un rifugio creativo, un luogo dove ogni individuo può essere libero di esprimersi senza paura di essere giudicato, molestato o sessualizzato.
Il cosplay non è solo un hobby, ma una forma d’arte che permette di esprimere la propria identità, superare barriere sociali e creare una comunità inclusiva e accogliente. Per garantire che questa pratica rimanga un’esperienza positiva e aperta a tutti, è essenziale adottare principi di inclusione e rispetto, valorizzando la diversità come un elemento fondamentale.
1. Il Cosplay è per Tutti
Indipendentemente dall’età, dal genere, dall’etnia, dall’orientamento sessuale o dalle capacità fisiche, ogni individuo ha il diritto di esprimersi attraverso il cosplay. La rappresentazione dei personaggi non deve essere vincolata da stereotipi o canoni estetici imposti, ma deve celebrare la libertà individuale e la creatività.
2. Superare gli Stereotipi
Il cosplay non deve essere visto come un’attività infantile o superficiale, ma come un potente mezzo di espressione artistica e personale. È importante combattere i pregiudizi che riducono questa pratica a una semplice esibizione o a una forma di esibizionismo, riconoscendo il valore culturale e sociale che porta con sé.
3. Accoglienza e Rispetto nella Comunità
La comunità cosplay deve essere un ambiente sicuro e accogliente per tutti. Il rispetto reciproco è essenziale: ogni cosplayer deve sentirsi libero di interpretare il personaggio che preferisce senza paura di giudizi negativi o discriminazioni.
4. Il Consenso è Fondamentale
Partecipare al cosplay non significa accettare qualsiasi tipo di interazione o contatto non richiesto. La campagna “Cosplay is not Consent” deve essere un principio cardine di ogni evento: chiunque desideri scattare foto o interagire con un cosplayer deve prima chiedere e ottenere il suo consenso.
5. Combattere il Body Shaming
Nessuno dovrebbe sentirsi escluso dal cosplay a causa del proprio aspetto fisico. Ogni corpo è adatto al cosplay, e il body shaming è un comportamento inaccettabile che deve essere contrastato con fermezza all’interno della comunità.
6. Valorizzare le Diverse Identità di Genere
Il cosplay offre un’opportunità unica per esplorare l’identità di genere in modo libero e senza restrizioni. Il crossplay e il gender-bending devono essere celebrati come forme di espressione autentiche e legittime, senza che nessuno venga discriminato per le proprie scelte.
7. Supporto ai Cosplayer con Disabilità
Gli eventi cosplay devono garantire accessibilità e inclusività per tutti i partecipanti. La presenza di strutture adeguate e l’adozione di misure di supporto sono fondamentali per permettere a chiunque di vivere appieno l’esperienza del cosplay senza barriere.
8. Prevenzione delle Molestie e delle Discriminazioni
Le fiere e le convention devono adottare politiche chiare contro le molestie e la discriminazione. Devono essere istituiti punti di ascolto e supporto per chi subisce abusi o comportamenti inappropriati, e gli organizzatori devono impegnarsi attivamente per garantire un ambiente sicuro.
9. Educazione e Sensibilizzazione
L’inclusione e la diversità nel cosplay devono essere promosse attraverso campagne di sensibilizzazione, workshop e iniziative educative. La comunità deve essere informata sui temi della rappresentazione, del rispetto e dell’integrazione, favorendo una crescita culturale collettiva.
10. Il Cosplay Come Strumento di Empowerment
Il cosplay non è solo divertimento, ma può avere un impatto positivo sul benessere psicologico di chi lo pratica. Può aiutare a sviluppare autostima, fiducia in se stessi e capacità di socializzazione. Ogni persona che si avvicina al cosplay deve sentirsi incoraggiata a esprimere il proprio potenziale senza timori o limitazioni.
Questi dieci principi rappresentano una base per costruire un ambiente cosplay più inclusivo, rispettoso e aperto a tutti. Il cosplay è un’arte che si crea e si vive insieme, e solo attraverso il rispetto reciproco e la valorizzazione della diversità possiamo garantire che questa meravigliosa forma di espressione rimanga un luogo sicuro e accogliente per tutti.
Buone pratiche da adottare immediatamente!
La comunità cosplay italiana è cresciuta nel tempo, diventando un ambiente vivace e ricco di creatività, dove la passione per i costumi e i personaggi prende vita. Per mantenere un clima sereno e inclusivo, è importante adottare alcune buone pratiche che rendano l’esperienza piacevole per tutti.
Il rispetto reciproco è essenziale: ogni cosplayer dovrebbe sentirsi libero di interpretare il personaggio che ama, senza temere giudizi o critiche. Commenti negativi sull’aspetto fisico, sul genere o sulla fedeltà del costume possono minare la fiducia e il divertimento di chi partecipa. Un altro principio fondamentale è il consenso. Prima di scattare una foto o interagire con un cosplayer, è sempre bene chiedere il permesso. Il movimento “Cosplay is not Consent” ricorda che indossare un costume non significa accettare attenzioni indesiderate, e gli organizzatori degli eventi dovrebbero garantire un ambiente sicuro per tutti.
L’inclusione gioca un ruolo chiave nella comunità. Ogni appassionato, indipendentemente dall’identità di genere, dall’orientamento sessuale, dall’etnia o dalle capacità fisiche, dovrebbe sentirsi accolto e rispettato. Rendere gli eventi accessibili e adottare misure contro ogni forma di discriminazione aiuta a creare un ambiente più aperto e sereno.
Un altro aspetto importante è la sensibilizzazione. Workshop, dibattiti e momenti di confronto possono aiutare a diffondere la cultura del rispetto e a integrare meglio chi si avvicina per la prima volta al mondo del cosplay. Infine, il supporto reciproco è ciò che rende speciale questa comunità. Scambiarsi consigli, aiutarsi nella realizzazione dei costumi e condividere la propria esperienza contribuisce a creare legami e a far sentire tutti parte di qualcosa di più grande.
Seguire queste semplici regole aiuta la comunità cosplay italiana a restare un ambiente positivo e stimolante, dove ciascuno può esprimersi senza paura di giudizi. Il cosplay è prima di tutto un’arte e un momento di divertimento collettivo, e solo con il rispetto e la valorizzazione della diversità potrà continuare a crescere.
Apple TV+ ha annunciato l’arrivo di “Goldie”, una nuova serie animata per bambini e famiglie che debutterà il 14 febbraio 2025. Basata sull’omonimo cortometraggio del 2019 di Emily Brundige, la serie rappresenta una celebrazione dell’unicità e dell’accettazione di se stessi, con un’animazione in 2D curata dal prestigioso studio Mercury Filmworks.
La protagonista, Goldie, è una giovane gigante che spesso si sente fuori posto in un mondo di dimensioni normali. Tuttavia, nel corso della serie, scoprirà che essere diversi non solo è normale, ma può essere una vera e propria forza. Ambientata nella pittoresca città di Boysenberg, la storia segue Goldie e i suoi amici in avventure epiche che insegnano il valore della diversità e dell’inclusione.
Il progetto nasce dal talento di Emily Brundige, già story editor della serie animata “Hilda”. Dopo aver scritto, diretto e prodotto indipendentemente il cortometraggio originale, vincitore di due premi al Los Angeles Animation Festival, Brundige ha trasformato la sua visione in una serie televisiva pensata per un pubblico tra i sei e gli undici anni. A guidare la regia troviamo Graham MacDonald, già noto per il suo lavoro su “Mickey Mouse”, mentre la sceneggiatura porta la firma di Ben Greene, anche lui reduce dal successo di “Hilda”. Tra i produttori esecutivi spicca Clint Eland, fondatore e CEO di Mercury Filmworks.
Il cast vocale vanta nomi di grande rilievo, tra cui Jessica McKenna (“The Mighty Ones”), Dee Bradley Baker (“Phineas & Ferb”), Amari McCoy (“Spidey e i suoi fantastici amici”), Vedanten Naidoo (“Little Girl, Little Boy”), Grey Delisle (“Due fantagenitori”) e James Sie (“Acquasilente”). Inoltre, il pubblico potrà godere di performance speciali di Henry Winkler, Al Yankovic, Nicole Byer, Cree Summer, Carlos Alazraqui, Maulik Pancholy e Maria Bamford, che contribuiranno a rendere ancora più vivace e coinvolgente la serie.
Con “Goldie”, Apple TV+ continua ad arricchire il suo catalogo di contenuti per bambini e famiglie. La serie si aggiunge a titoli di successo come “Camp Snoopy” di WildBrain, “Frog and Toad” di Titmouse e “Yo Gabba GabbaLand!”, dimostrando l’impegno della piattaforma nello sviluppo di narrazioni di qualità per le nuove generazioni. Tra le altre produzioni di punta di Apple TV+ figurano “In campeggio con Snoopy”, “WondLa” basata sui libri di Tony DiTerlizzi, “Wonder Pets in città” e il toccante “Noi siamo qui: dritte per vivere sul pianeta Terra”, ispirato al best-seller di Oliver Jeffers.
L’attesa per “Goldie” è alta, e il debutto previsto per il 14 febbraio 2025 promette di regalare al pubblico un’avventura emozionante e ricca di significato. Con una protagonista forte e determinata, un team creativo di talento e una storia che celebra la diversità e l’accettazione di se stessi, la serie ha tutte le carte in regola per diventare un nuovo punto di riferimento nell’animazione per bambini e famiglie.
