Immaginate di prendere una delle leggende più iconiche della storia, quella di Guglielmo Tell, e di catapultarla in un mondo post-apocalittico invaso da zombie. Potrebbe sembrare una combinazione bizzarra, ma è esattamente ciò che Joël Prétôt fa con la sua graphic novel Torsoli, pubblicata dall’Istituto Editoriale Ticinese (IET) nella collana “Le Nuvole”. Un’opera che riesce a fondere con maestria il folklore svizzero, l’horror e una critica sociale di grande impatto, portando sullo schermo una versione inedita e inquietante del celebre eroe svizzero.
Guglielmo Tell, noto per la sua resistenza e per la sua lotta per la libertà contro l’oppressione, viene reimmaginato in un contesto post-apocalittico dove il male che minaccia la sua terra non è più un tiranno umano, ma un’orda di non morti famelici che infetta ogni angolo della sua patria. In Torsoli, Tell non è più solo il simbolo dell’indipendenza elvetica, ma diventa il faro di una lotta disperata contro un male che dilaga inesorabile. La sua arciere di fama mondiale non punta più a colpire frutti o tiranni, ma a fermare l’avanzata di una minaccia che trasforma i suoi compaesani in esseri privi di volontà e umanità.
Joël Prétôt, con il suo approccio originale e audace, riscrive la storia di Guglielmo Tell attraverso lenti horror e sociali. La scelta di inserire gli zombie in questo contesto non è casuale. Infatti, l’invasione degli zombi diventa una potente metafora della pericolosa diffusione di ideologie e mali contagiosi che travolgono le comunità, minacciando la loro stessa identità. Un tema che, sebbene possa sembrare anacronistico, è terribilmente attuale e rilevante, portando alla luce riflessioni sulle paure collettive, sulla resistenza e sulla lotta per la sopravvivenza in un mondo che cambia a una velocità spaventosa.
La storia di Torsoli è quindi più di un semplice racconto di zombi. È una riflessione sulla fragilità della società, un’esplorazione della condizione umana, vista attraverso il prisma di un mito eterno, quello di Guglielmo Tell, che viene trasfigurato in un eroe moderno, ma pur sempre legato alle sue radici. Prétôt non si limita a riprendere il mito originale, ma lo deforma, lo distorce, lo adatta ai tempi oscuri che sta raccontando. E lo fa con una grazia particolare, che unisce il ritmo dell’azione all’introspezione psicologica del protagonista.
Joël Prétôt, classe 1985 e originario di Paradiso, è un fumettista e illustratore che ha acquisito grande notorietà nel panorama italiano, grazie al suo stile distintivo e alla sua capacità di affrontare tematiche complesse con un linguaggio visivo unico. Dopo aver frequentato la Scuola del Fumetto di Milano, ha avuto modo di cimentarsi in numerosi progetti, realizzando opere autoprodotte e su commissione. Il suo impegno nel settore sociosanitario, poi, arricchisce ulteriormente la sua visione artistica, conferendo alle sue opere una profondità e una sensibilità rara. Con Torsoli, Prétôt non si limita a narrare una storia, ma invita il lettore a riflettere, a interrogarsi sul mondo che lo circonda e a confrontarsi con le proprie paure.
La scelta del contesto svizzero e la rilettura di una figura come Guglielmo Tell offrono, dunque, un’opportunità unica per esplorare temi universali come la libertà, la resistenza e la lotta contro l’oppressione, ma anche la paura del cambiamento e della disintegrazione sociale. Con un impianto narrativo che sa mescolare tradizione e innovazione, Torsoli non è solo un’opera di intrattenimento, ma un’occasione per riflettere sulle forze che modellano la nostra società e le nostre identità.
In conclusione, Torsoli è un’opera che segna un passo importante nel panorama del fumetto contemporaneo, un lavoro che va oltre la superficie e riesce a intrecciare generi diversi, dal folklore all’horror, dalla critica sociale alla riflessione sull’indipendenza e la lotta. Joël Prétôt ci regala una rivisitazione di Guglielmo Tell che, in un mondo invaso da zombie, assume nuovi e inquietanti significati, diventando non solo il simbolo di un’epoca, ma anche di un’umanità che lotta, a fatica, per non soccombere alle proprie paure.
Come appassionata di fantascienza da sempre, devo confessarlo: ogni volta che si parla di Black Mirror mi si accende quella scintilla negli occhi, quella che solo le grandi storie sanno accendere. E ora, con la settima stagione finalmente tra noi, è impossibile non sentire quel fremito elettrico che solo le grandi serie riescono a suscitare. Perché sì, Black Mirror è tornata, e sembra più inquietante, profonda e provocatoria che mai.b Questa creatura nata dalla mente brillante e disturbante di Charlie Brooker non è una semplice serie antologica. È un’esperienza, un viaggio attraverso le pieghe più oscure della nostra relazione con la tecnologia. L’ho iniziata per curiosità – lo ammetto, attratta da quella sua fama da “serie che ti sconvolge” – ma è bastato un solo episodio per capire che stavo entrando in un territorio molto, molto personale.
Dalla sua prima apparizione nel 2011 su Channel 4, fino alla sua consacrazione globale grazie a Netflix, Black Mirror ha dimostrato di avere qualcosa che pochissime serie riescono davvero a offrire: la capacità di farti guardare dentro. E quando dico “dentro”, intendo davvero dentro – nei nostri abissi digitali, nelle nostre dipendenze da like e notifiche, nei desideri di controllo e nella paura di perdere se stessi. Ogni episodio è come una breve seduta di psicoterapia tecnologica. Ti mette davanti a scenari che sembrano assurdi, finché non ti accorgi che stanno già accadendo, magari in forma più soft, più accettabile… per ora.
E non è solo questione di scenari futuristici. Il vero genio di Black Mirror sta nella sua capacità di rendere queste distopie profondamente umane. Non ci racconta solo l’evoluzione dell’intelligenza artificiale o dei social network, ma ci mostra come questi strumenti si intrecciano con le nostre fragilità, con i nostri sogni, le nostre ossessioni, le nostre paure più intime. Dietro ogni interfaccia c’è un cuore che batte – spesso confuso, spesso spezzato. Con la settima stagione, questa tensione tra umanità e tecnologia torna prepotente. Dopo una sesta stagione che aveva diviso pubblico e critica (ma che io, personalmente, ho trovato audace nel suo sperimentare nuovi linguaggi), Brooker sembra voler tornare alle origini, ma con una nuova maturità. Ogni episodio è una lama affilata che incide sulla pelle sottile del nostro presente, e anche se sai che farà male, non puoi fare a meno di guardare. E allora eccoci qui, davanti a quello schermo nero che, ancora una volta, riflette i nostri occhi. Uno specchio digitale che ci sfida, ci giudica e ci racconta. E forse, tra un colpo al cuore e una stretta allo stomaco, ci insegna anche qualcosa su chi siamo diventati e su chi potremmo ancora essere.
L’era Channel 4: prime due stagioni e l’origine dell’angoscia
Quando Black Mirror fece il suo debutto, fu come un fulmine a ciel sereno. Solo sei episodi divisi in due stagioni, ma sufficienti per scolpire la serie nella memoria collettiva degli spettatori più attenti (e più inquieti). Brooker non cercava solo di intrattenere, voleva turbare, scuotere e far riflettere. Il pilot “Messaggio al Primo Ministro” fu un pugno nello stomaco: provocatorio, politicamente scorretto, e soprattutto profetico, ci mostrava il voyeurismo mediatico portato all’estremo. Poi vennero capolavori come “Ricordi Pericolosi”, che sviscerava i pericoli di una memoria perfetta, e “Torna da me”, dove l’intelligenza artificiale diventa il fantasma di chi abbiamo perso, ma mai davvero conosciuto.
Tra tutti, “15 milioni di celebrità” resta uno degli episodi simbolo della serie: un mondo privo di empatia, dove ogni gesto è performativo e ogni emozione mercificata. Lì, l’umanità appare già perduta, intrappolata in una gabbia luminosa fatta di like, voti e illusioni. Un Black Mirror purissimo.
Netflix entra in scena: la terza stagione e l’ambizione globale
Con l’approdo su Netflix, la serie abbandona l’intimismo anglosassone per aprirsi a un pubblico internazionale. La terza stagione è ambiziosa, più cinematografica, forse meno intima ma comunque potente. Su sei episodi, uno brilla più di tutti: San Junipero. Un racconto dolceamaro che unisce amore, morte e realtà virtuale in una poesia digitale dal sapore eterno. È un episodio anomalo, con un lieto fine (rarità assoluta), ma che colpisce al cuore.
Non mancano però episodi più crudi e claustrofobici: “Caduta Libera” ci mostra l’incubo delle valutazioni sociali, “Zitto e Balla” ci ricorda che il web non dimentica e che dietro la facciata di vittime si nascondono spesso mostri. Black Mirror continua a brillare, ma si percepisce già una leggera torsione: la distopia diventa spettacolo, il dolore si fa estetica. E il cambiamento è appena iniziato.
La crisi dell’identità: la controversa quarta stagione
La quarta stagione, nonostante i mezzi più imponenti, viene accolta con freddezza. I fan storici storcono il naso: troppe luci, poca sostanza. Episodi come “Crocodile” e “Arkangel” promettono, ma non mantengono. Le storie sembrano abbozzate, i personaggi anonimi. “Metalhead”, un esercizio di stile post-apocalittico in bianco e nero, omaggia Terminator, ma dimentica l’anima. “Hang the DJ” cerca di replicare il successo emotivo di San Junipero, ma non ci riesce.
L’unico vero gioiello è “USS Callister”, un episodio brillante, ironico e cupo al tempo stesso, che rilegge Star Trek in chiave psicotica e vendicativa. Un omaggio nerd irresistibile, che però appare fuori contesto rispetto al tono generale della serie. La sensazione è che Black Mirror stia diventando vittima del proprio successo: più interessata a stupire che a riflettere, più forma che sostanza.
Ritorno alla semplicità: la breve ma intensa quinta stagione
Con solo tre episodi, la quinta stagione cerca di ricompattare l’identità smarrita. “Striking Vipers” esplora la sessualità e i confini dell’identità digitale attraverso un videogame; “Smithereens” è un intenso thriller psicologico che denuncia la tirannia dell’attenzione; “Rachel, Jack & Ashley Too” propone una favola pop con Miley Cyrus che funziona solo a metà. È una stagione di transizione, dove Black Mirror cerca nuove strade, sperimenta, ma non sempre convince. Eppure, dietro le imperfezioni, si intravede ancora la scintilla dell’inizio.
La sesta stagione: distopia 2.0 tra horror, true crime e metanarrativa
Nel 2023, con la sesta stagione, Black Mirror rinasce. Brooker capisce che ormai la realtà ha superato la fiction e decide di cambiare marcia. Gli episodi diventano meno tecnologici e più umani, il focus si sposta sul nostro rapporto con la narrazione stessa. “Joan is Awful” è una bomba metanarrativa sul potere delle piattaforme streaming, con tanto di cameo satirici. “Loch Henry” e “Mazey Day” esplorano il dark side del true crime e del gossip, mentre “Demon 79” è un horror retrofuturista che sembra uscito da un film di Dario Argento. “Beyond the Sea” ci riporta invece alla solitudine cosmica della fantascienza classica, in uno dei racconti più intensi e struggenti dell’intera serie.
Il cambiamento è evidente, ma non snatura la serie. Black Mirror evolve, diventa più matura, più riflessiva. Non urla, ma sussurra. E il risultato è straordinario.
Il ritorno del mito: la sorprendente settima stagione
La settima stagione, uscita nel 2024, è un regalo per i fan di vecchia data. Sei episodi che omaggiano le radici della serie ma guardano avanti. “Hotel Reverie” è una nuova ode all’amore digitale che strizza l’occhio a San Junipero. “Come un giocattolo” ci riporta all’inquietudine delle intelligenze artificiali con una freddezza quasi lynchiana. “Bestia Nera” e “Eulogia” fondono introspezione e fantascienza con risultati emozionanti.
Ma il vero evento è USS Callister: Infinity, sequel dell’episodio cult, che viene volutamente lasciato avvolto nel mistero. Una scelta geniale che alimenta discussioni e teorie, mantenendo vivo il fascino del non detto.
Anche la colonna sonora torna protagonista con Anyone Who Knows What Love Is, la canzone che ha attraversato tutta la serie come un’eco malinconica di ciò che l’uomo era, prima di diventare schiavo delle sue stesse creazioni.
Il nostro riflesso resta sempre lì
Dopo sette stagioni, Black Mirror è ancora qui. È cambiata, certo, come è cambiato il mondo intorno a noi. Ma non ha mai smesso di farci riflettere, inquietare, emozionare. Charlie Brooker ha costruito un universo narrativo che non solo racconta la tecnologia, ma ci racconta attraverso di essa. Le sue distopie sono diventate previsioni. Le sue fantasie, cronache del presente.
In un’epoca in cui ogni giorno ci svegliamo con una nuova app, un nuovo algoritmo o una nuova intelligenza artificiale pronta a cambiarci la vita, Black Mirror ci ricorda che la vera sfida non è il progresso, ma l’uso che ne facciamo. E, soprattutto, ci fa una domanda fondamentale: siamo ancora noi a controllare la tecnologia, o è ormai lei a controllare noi?
Se anche tu hai vissuto questo viaggio lungo sette stagioni, condividi il tuo episodio preferito o la tua teoria più folle. Parlane sui social, tagga @CorriereNerd.it e raccontaci: quale riflesso hai visto nel tuo Black Mirror?
Immaginate questa scena: alla fine del 2024, un libro intitolato “Ipnocrazia” fa la sua comparsa sugli scaffali, pubblicato da una casa editrice indipendente. In poco tempo, diventa un argomento di conversazione, se ne parla nei circoli letterari, sui blog, durante eventi culturali. Tutti sono colpiti dalle idee contenute nel libro, che descrive una nuova forma di controllo sociale basata sulla nostra tendenza a credere a ciò che ci viene raccontato, una specie di “trance collettiva” resa possibile da storie sempre più pervasive. L’autore, un certo Jianwei Xun, viene presentato come un giovane filosofo di Hong Kong, con un’ottima formazione e un pensiero originale.
Le recensioni sono entusiastiche, lo stile di scrittura viene lodato e il libro sembra offrire una chiave di lettura inedita per capire il mondo di oggi. Sui social media il termine “ipnocrazia” inizia a circolare, la gente si scambia citazioni, discute le teorie. In Italia, ma anche in Francia, il libro riscuote un successo inaspettato, tanto che persino figure di spicco sembrano apprezzarlo.
Eppure, c’è un colpo di scena.
Jianwei Xun non esiste. Il libro è frutto di un’operazione particolare, un po’ come quelle che faceva il collettivo Luther Blisset anni fa. Dietro a quel nome si cela in realtà Andrea Colamedici, che per scrivere il libro si è avvalso anche dell’intelligenza artificiale. Jianwei Xun, con la sua biografia, il suo sito web, il suo modo di comunicare, era tutta una finzione, parte di un progetto più grande.
L’idea era quella di mettere alla prova la nostra credulità, di capire come mai ci fidiamo così facilmente di certe narrazioni. Il libro era stato creato apposta per sembrare autentico, con un nome plausibile ma non rintracciabile, senza foto o video dell’autore. Era come se Xun fosse un’idea, un insieme di caratteristiche che lo rendevano credibile.
Ma perché ci siamo cascati così facilmente?
Perché abbiamo creduto a un autore che non esisteva? Forse perché il libro diceva cose che sentivamo vere, che risuonavano con la nostra esperienza del mondo. Ci parlava di un’epoca in cui non importa tanto se una cosa è vera, ma se ci sembra vera, se ci convince. La realtà, in fondo, la costruiamo insieme, dandoci a vicenda il riconoscimento che certe storie sono valide. Se un libro è pubblicato da un editore serio, se viene recensito positivamente, lo consideriamo automaticamente autorevole.
Il libro stesso, “Ipnocrazia”, parlava proprio di questo: di un sistema in cui le narrazioni si moltiplicano al punto che diventa difficile distinguere il vero dal falso. E il successo del libro, in un certo senso, ha dimostrato quanto fosse azzeccata questa idea. Abbiamo creduto perché avevamo bisogno di una storia che funzionasse, che ci desse delle risposte, più che di una verità verificata.
Questa storia ci porta a riflettere su molte cose.
Su come costruiamo la nostra idea di realtà, su quanto siamo influenzabili dalle storie che ci vengono raccontate, soprattutto in un’epoca in cui le informazioni circolano così velocemente. Ci fa anche pensare al ruolo dell’intelligenza artificiale nella scrittura e nella creazione di contenuti. Se una macchina può aiutarci a creare un libro così convincente, cosa significa essere autori? Chi è veramente l’autore di un’opera?
“Ipnocrazia” non è solo un libro, ma un esperimento sociale che ci pone domande importanti sul nostro rapporto con la verità, con l’autorità e con il modo in cui percepiamo il mondo che ci circonda. Ci invita a essere più scettici, a non dare per scontato tutto ciò che leggiamo o sentiamo, e a interrogarci sempre sulla fonte delle informazioni. In fondo, la storia di Jianwei Xun ci ricorda che a volte la realtà è più strana della finzione, e che la nostra credulità può essere un’arma a doppio taglio.
Impenetrabile, il nuovo graphic novel di Alix Garin, è uno di quei libri che non si dimenticano facilmente. Dopo il successo di Non mi dimenticare, l’autrice belga ritorna in libreria con una storia che, seppur intima e personale, si fa portavoce di temi universali. La sua nuova opera, che arriverà in Italia il 7 marzo 2025 grazie a BAO Publishing, ha già conquistato i cuori dei lettori, vincendo il Premio del pubblico al Festival Internazionale del Fumetto di Angoulême nel 2025. Un riconoscimento che non fa altro che confermare l’intensità e la sincerità di questa storia.
Alix Garin, giovane fumettista classe 1997, si è già guadagnata un posto di rilievo nel panorama fumettistico internazionale. Impenetrabile è un’opera autobiografica in cui l’autrice racconta la sua battaglia contro il vaginismo, una condizione medica che rende impossibile avere rapporti sessuali senza provare dolore. La storia di Garin, che si espone senza freni, è una testimonianza di coraggio, ma anche di un percorso di riscoperta del corpo, del desiderio e della felicità, dentro e fuori dalla coppia.
Le pagine di Impenetrabile non sono solo un racconto di guarigione fisica, ma un vero e proprio viaggio interiore che scava nei meandri della psicologia e dei condizionamenti sociali. Garin esplora la difficoltà di affrontare una condizione così intima in un mondo in cui parlare di sessualità è ancora un tabù. La sua lotta è fatta di sfide mediche, psicologiche, ma anche culturali, e ciò che emerge dalle sue parole è una riflessione profonda sul desiderio, sul piacere e sul senso di colpa che spesso accompagna l’esperienza sessuale.
In uno dei passaggi più significativi, Alix descrive il suo stato emotivo con parole che colpiscono dritto al cuore: “Ero completamente svuotata. Non c’era più nessuna sensazione a risvegliare i miei sensi. Come se non abitassi più nel mio corpo”. Un’immagine potente che comunica la solitudine, la frustrazione e la difficoltà di accettare una realtà che sembra sfuggire al controllo. Ma questo graphic novel non è solo una testimonianza di sofferenza, è anche un atto di resilienza. Garin non si arrende mai, e il suo percorso verso la guarigione diventa un messaggio di speranza per chiunque stia affrontando difficoltà simili.
Nonostante il tema delicato, Impenetrabile non è un’opera che mira a suscitare pietà. Anzi, è una storia di empowerment e di autodeterminazione. Alix Garin, con il suo stile audace e sincero, invita i lettori a mettere in discussione le convenzioni sociali che ruotano attorno alla sessualità e al rapporto di coppia. La sua riflessione sul desiderio e sul piacere va oltre la sfera fisica, coinvolgendo anche l’aspetto emotivo e psicologico di ogni relazione. Il libro diventa così una sorta di guida per chiunque desideri comprendere meglio se stesso, il proprio corpo e la propria felicità.
L’impatto di Impenetrabile va ben oltre la sua valenza personale. È un’opera che sfida le norme, che ci invita a non nasconderci dietro il giudizio sociale e a perseguire ciò che ci fa davvero stare bene. Un graphic novel che si fa voce di chi non ha paura di raccontare la propria esperienza, per aiutare gli altri a non sentirsi mai soli. La scelta di trattare il vaginismo in modo tanto diretto è un atto di coraggio che merita di essere celebrato, perché parlare di argomenti così delicati può essere il primo passo per abbattere il muro del silenzio.
Impenetrabile è, dunque, un libro che fa riflettere, che commuove e che, alla fine, regala speranza. Un’opera che si inserisce perfettamente nella scia di quei graphic novel che non si limitano a raccontare una storia, ma che vogliono anche cambiare il modo in cui guardiamo a noi stessi e agli altri. Alix Garin ci regala un’opera d’arte sincera, che non ha paura di essere fragile ma che, attraverso quella fragilità, diventa un potente atto di forza.
Non resta che aspettare il 7 marzo 2025 per poter leggere Impenetrabile e immergersi in questa straordinaria storia di guarigione e amore, che sicuramente rimarrà nel cuore di tutti coloro che avranno la fortuna di scoprirla.
Il 27 gennaio si celebra la Giornata della Memoria, un’importante ricorrenza internazionale dedicata alla commemorazione delle vittime dell’Olocausto. Questo genocidio, perpetrato dal regime nazista durante la Seconda guerra mondiale, portò allo sterminio di circa sei milioni di ebrei e di molte altre minoranze etniche, religiose, politiche e sociali. La giornata è un’occasione per ricordare quei crimini atroci e sensibilizzare le generazioni attuali e future sull’importanza della democrazia, dei diritti umani e della tolleranza. La scelta del 27 gennaio non è casuale: proprio in questo giorno del 1945, le truppe sovietiche guidate dal maresciallo Ivan Konev liberarono il campo di concentramento e sterminio di Auschwitz. Situato nella Polonia occupata, Auschwitz è il simbolo per eccellenza dell’Olocausto. Tra il 1940 e il 1945, circa 1,3 milioni di persone furono deportate in questo luogo. Più di un milione trovarono la morte tra sofferenze indicibili, esecuzioni, camere a gas e forni crematori. Il termine “Olocausto”, di origine greca, significa “sacrificio per il fuoco” e descrive l’annientamento sistematico degli ebrei da parte dei nazisti, guidati dalla loro folle ideologia razzista e antisemita. In ebraico, la tragedia è ricordata come Shoah, ovvero “catastrofe” o “distruzione”.
L’Olocausto non fu un evento improvviso, ma il risultato di una lunga escalation di persecuzioni iniziate con l’ascesa al potere di Hitler nel 1933. Attraverso leggi razziali, violenze, propaganda e confische, gli ebrei furono progressivamente esclusi dalla vita sociale, economica e culturale della Germania. Con lo scoppio della guerra, queste politiche vennero estese ai territori occupati, culminando nella deportazione di milioni di ebrei verso i campi di concentramento e sterminio, come Treblinka, Sobibor, Belzec e Auschwitz. Qui si attuò la “soluzione finale della questione ebraica”, il piano ideato dai gerarchi nazisti nel 1942 per eliminare l’intera popolazione ebraica d’Europa.
L’Olocausto non si limitò agli ebrei. I nazisti perseguitarono e sterminarono anche rom, sinti, testimoni di Geova, omosessuali, disabili, prigionieri politici, partigiani e altri gruppi considerati “indesiderabili”. In totale, le vittime dell’Olocausto ammontano a circa 15 milioni, tra cui 11 milioni di civili. Anche l’Italia fu coinvolta dopo l’8 settembre 1943, con l’occupazione tedesca e la nascita della Repubblica Sociale Italiana. Circa 8.000 ebrei italiani furono deportati; di questi, solo 600 riuscirono a sopravvivere. Tra i deportati vi furono figure illustri come Primo Levi, Enrico Fermi, Benedetto Croce, Arturo Toscanini e Giorgio Amendola.
In Italia, il Giorno della Memoria è stato istituito con la legge n. 211 del 20 luglio 2000, su iniziativa del senatore Furio Colombo. La data scelta fu il 27 gennaio, ma Colombo inizialmente aveva proposto il 16 ottobre, anniversario del rastrellamento del ghetto di Roma nel 1943. La legge invita a commemorare questa giornata attraverso eventi di riflessione, studio e memoria in scuole, istituzioni e luoghi di cultura, includendo testimonianze di sopravvissuti e dei familiari delle vittime. Particolare attenzione viene data ai Giusti tra le Nazioni, coloro che, rischiando la propria vita, salvarono ebrei dalla persecuzione. La Giornata della Memoria rappresenta non solo un tributo alle vittime, ma anche un monito contro ogni forma di odio, discriminazione e violenza. È un’occasione per educare le nuove generazioni al rispetto delle diversità, al dialogo interculturale e alla solidarietà. Primo Levi, uno dei più lucidi testimoni dell’Olocausto, ci ha lasciato un messaggio universale:
“È avvenuto, quindi può accadere di nuovo: questo è il nocciolo di quanto abbiamo da dire. Può accadere, e dappertutto”.
Ricordare non è solo un dovere, ma una responsabilità collettiva per costruire un futuro di pace e giustizia.
Alcune graphic novel utili a ricordare
Ci permettiamo di suggerire ai nostri lettori alcune graphic novel che possano esser d’aiuto nel riflettere sulla Giornata della memoria. Tra le molte opere a fumetti dedicate a questo tema, vi suggeriamo queste cinque:
Ginette Kolinka: la testimonianza di una sopravvissuta ad Auschwitz-Birkenau di Aurore D’Hondt
Ginette Kolinka: la testimonianza di una sopravvissuta ad Auschwitz-Birkenau di Aurore D’Hondt (Becco Giallo, 2024). Si tratta della biografia a fumetti di Ginette Kolinka, una delle ultime sopravvissute della Shoah in Francia, che racconta la sua esperienza di deportata nel campo di sterminio di Auschwitz-Birkenau, dove arrivò all’età di 19 anni. Il fumetto è basato sulle testimonianze dirette della protagonista e sulle illustrazioni della giovane autrice, che ha voluto rendere omaggio alla sua storia di sofferenza e di speranza.
Maus di Art Spiegelman
Maus di Art Spiegelman (Pantheon Books, 1986-1991). Si tratta di un capolavoro della letteratura a fumetti, vincitore del Premio Pulitzer nel 1992, che narra la storia di Vladek Spiegelman, un ebreo polacco sopravvissuto all’Olocausto, e del suo rapporto con il figlio Art, autore e narratore dell’opera. Il fumetto usa una metafora animalesca per rappresentare le diverse etnie coinvolte nel conflitto: gli ebrei sono topi, i nazisti sono gatti, i polacchi sono maiali, i francesi sono rane, gli americani sono cani. Maus è un’opera di grande forza emotiva e di profonda riflessione sulla memoria, sull’identità e sulla colpa.
Il diario di Anne Frank di Ari Folman e David Polonsky
Il diario di Anne Frank di Ari Folman e David Polonsky (Rizzoli Lizard, 2017). Si tratta dell’adattamento a fumetti del celebre diario scritto da Anne Frank, la ragazzina ebrea che si nascose con la sua famiglia in un alloggio segreto ad Amsterdam per sfuggire alle persecuzioni naziste, fino al suo arresto e alla sua deportazione nel campo di Bergen-Belsen, dove morì di tifo nel 1945. Il fumetto ripercorre le vicende e i sentimenti di Anne, trasformando le sue parole in immagini suggestive e toccanti, con il rispetto e la sensibilità che la sua testimonianza richiede.
16 ottobre 1943. Storia di Emanuele che sfuggì al nazismo, di Ernesto Anderle e Emanuele Di Porto
Roma 16 ottobre 1943. È l’alba. Emanuele Di Porto, un ragazzino di dodici anni, dorme serenamente, quando all’improvviso la quiete viene spezzata: rumore di camion, grida. I tedeschi sono arrivati nel quartiere ebraico. Sua madre si precipita alla stazione per avvertire il marito, venditore ambulante. Dalla finestra Emanuele la vede costretta a salire su un camion sotto la minaccia delle armi dei soldati. Non esita: scende di corsa in strada per unirsi a lei, ma la madre riesce a metterlo in salvo. A casa non può tornare, il quartiere non è più un luogo sicuro. Trova rifugio a bordo di un tram, con la complicità silenziosa di bigliettai e autisti: è l’inizio di due lunghissimi giorni, carichi di tensione e speranza, in un’agonizzante ricerca della salvezza. A ottant’anni dal rastrellamento del quartiere ebraico di Roma, una delle storie più toccanti della Shoah italiana in un emozionante romanzo a fumetti.
Auschwitz di Pascal Croci
Nel graphic novel Auschwitz di Pascal Croci edito da Il Nuovo Melangolo, si vive il ricordo del vecchio Kazik e di sua moglie su Auschwitz. Si tratta del primo racconto realistico a fumetti sulla Shoah, questa storia sconvolgente, direttamente ispirata alle testimonianze dei sopravvissuti del campo di Auschwitz-Birkenau, descrive la vita quotidiana nel campo di sterminio. L’autore non cerca di riassumere la storia della “Soluzione finale”, né di prospettare una qualche tesi storiografica, ma solo di sensibilizzare le nuove generazioni al dovere della memoria. Per non dimenticare mai i milioni di vittime del nazismo.
L’idea di sostituire i lavoratori umani con dei robot non è nuova, ma le recenti dichiarazioni di Chris Philp, ministro ombra dell’Interno britannico, hanno riacceso il dibattito. Philp ha infatti proposto di utilizzare l’automazione per ridurre la necessità di manodopera migrante a basso costo, in particolare nel settore agricolo.
Un’idea controversa
La proposta di Philp ha suscitato numerose reazioni, sia positive che negative. Da un lato, c’è chi vede nell’automazione una soluzione ai problemi legati all’immigrazione e allo sfruttamento dei lavoratori. Dall’altro, molti esperti e attivisti sociali temono che questa soluzione possa portare a un aumento della disoccupazione, dell’ineguaglianza e dell’alienazione sociale.
I pro e i contro dell’automazione
L’automazione può portare numerosi vantaggi, come una maggiore efficienza, una riduzione dei costi e una maggiore sicurezza sul lavoro. Tuttavia, presenta anche dei rischi significativi:
Disoccupazione: La sostituzione dei lavoratori umani con i robot potrebbe portare a una significativa perdita di posti di lavoro, soprattutto nei settori a basso reddito.
Disuguaglianza: L’automazione potrebbe accentuare le disuguaglianze economiche, poiché i benefici dell’innovazione tecnologica tendono a concentrarsi nelle mani di pochi.
Alienazione sociale: Un mondo sempre più automatizzato potrebbe portare a un aumento dell’isolamento sociale e della solitudine.
Cosa dicono gli esperti?
Kristalina Georgieva, direttrice generale del Fondo Monetario Internazionale, ha lanciato un allarme sulla crescente disuguaglianza causata dall’intelligenza artificiale. Secondo Georgieva, è fondamentale investire in programmi di riqualificazione per aiutare i lavoratori a adattarsi ai cambiamenti del mercato del lavoro.
Il futuro del lavoro
La sostituzione dei lavoratori umani con i robot è un tema complesso e controverso che richiede una riflessione attenta. È fondamentale trovare un equilibrio tra i benefici dell’innovazione tecnologica e la necessità di proteggere i diritti dei lavoratori e garantire un futuro sostenibile per tutti.
Cosa ne pensi? Lascia un commento e condividi la tua opinione!
Francis Ford Coppola, il leggendario regista che ha plasmato il cinema con capolavori intramontabili come Il Padrino e Apocalypse Now, torna dietro la macchina da presa con un progetto audace e visionario: Megalopolis. Questo nuovo film, presentato in anteprima mondiale alla 77ª edizione del Festival di Cannes e presto nelle sale italiane, si preannuncia come un’opera epica che riflette sulla storia e il destino dell’umanità. Dopo decenni di sviluppo, Megalopolis rappresenta il culmine di una carriera straordinaria, in cui Coppola torna alle sue radici artistiche, esplorando temi universali attraverso una narrazione innovativa.
Un Affresco Storico che Risuona nel Futuro
Al centro della trama di Megalopolis c’è una riflessione su due epoche che, seppur distanti, condividono molteplici similitudini: l’antica Roma e l’America contemporanea. Il protagonista, Cesar Catilina, un architetto visionario interpretato da Adam Driver, ha l’obiettivo ambizioso di ricostruire una città devastata da una catastrofe naturale, trasformandola in un’utopia moderna chiamata “Nuova Roma”. Questo progetto titanico si scontra con l’opposizione di Franklin Cicerone, il corrotto sindaco della città, interpretato da Giancarlo Esposito, che cerca disperatamente di mantenere lo status quo e difendere i suoi interessi.
La figura di Catilina richiama Lucio Sergio Catilina, il nobile romano che nel 63 a.C. cercò di sovvertire la Repubblica Romana. Coppola intreccia questo evento storico con un futuro distopico, creando un potente parallelismo tra la decadenza dell’antica Roma e i pericoli che minacciano le moderne democrazie. Il film esplora temi come il potere, l’ambizione, la corruzione e la speranza, offrendo al pubblico una visione inquietante ma affascinante del nostro futuro possibile.
Un Conflitto Epico di Ideali
Il cuore pulsante di Megalopolis è il dramma che si sviluppa attorno a Julia Cicero, interpretata da Nathalie Emmanuel. Figlia di Cicerone e innamorata di Catilina, Julia si trova divisa tra la lealtà verso il padre e il desiderio di costruire una città migliore accanto all’architetto. Questo conflitto rappresenta una metafora delle lotte interiori che affliggono la nostra società: da un lato la volontà di cambiare e progredire, dall’altro la resistenza al cambiamento, spesso incarnata da figure di potere consolidate.
La tensione politica e personale che permea il film sottolinea la complessità della narrazione di Coppola, che intreccia sapientemente il destino dei suoi personaggi con temi di rilevanza globale. Il pubblico viene così invitato a riflettere su questioni di grande attualità, come il prezzo del progresso e le dinamiche del potere.
Un’Opera Visionaria e Politica
Coppola, con Megalopolis, non si limita a creare un film di intrattenimento, ma offre una profonda riflessione sulla condizione umana. La figura di Catilina diventa simbolo di ogni sognatore che cerca di sfidare le istituzioni per costruire un futuro migliore, mentre Cicerone incarna la forza reazionaria di chi resiste al cambiamento. Il regista invita il pubblico a porsi domande cruciali: possiamo davvero costruire un futuro migliore, o siamo condannati a ripetere gli errori del passato? Qual è il prezzo della modernità e fino a che punto le ambizioni individuali possono interferire con il bene comune?
L’aspetto più affascinante del film è il modo in cui Coppola riesce a unire storia antica e fantascienza, creando un dialogo tra passato e futuro. Attraverso il suo linguaggio cinematografico visionario, il regista esplora il rischio che le civiltà moderne possano subire lo stesso destino di Roma: un impero che, pur nel suo splendore, fu incapace di evitare il declino.
Il Ritorno di un Maestro
Per Francis Ford Coppola, Megalopolis non è solo un film, ma una dichiarazione di intenti. Il progetto ha attraversato decenni di sviluppo, fin dagli anni Ottanta, ma è solo nel 2019 che Coppola ha deciso di finanziarlo personalmente, vendendo parte della sua azienda vinicola per raggiungere un budget di circa 120 milioni di dollari. Questo investimento personale riflette l’importanza che il film riveste per il regista, il quale lo considera una riflessione sulla sua carriera e una sintesi della sua visione del mondo.
Nonostante le difficoltà incontrate durante la produzione, Megalopolis ha riscosso un enorme successo alla sua presentazione a Cannes, ricevendo una standing ovation e consolidando Coppola come uno dei più grandi maestri del cinema. L’opera, che mescola politica, filosofia e dramma, si rivolge a un pubblico attento e desideroso di esplorare temi complessi e provocatori.
Una Performance Magistrale
Uno degli elementi che contribuiscono al successo di Megalopolis è l’eccezionale cast. Adam Driver, con la sua interpretazione intensa di Catilina, incarna perfettamente il conflitto interiore di un uomo diviso tra il desiderio di cambiare il mondo e la difficoltà di farlo in un sistema corrotto. Giancarlo Esposito, nei panni del sindaco Cicerone, offre una performance memorabile, mentre Shia LaBeouf, nel ruolo di Clodio, un populista carismatico, aggiunge un ulteriore livello di tensione politica alla narrazione.
Un’Opera da Non Perdere
Con la sua uscita italiana prevista per il 16 ottobre 2024, Megalopolis si candida a diventare uno dei film più discussi dell’anno. La sua distribuzione internazionale, attesa per la fine del 2024, segnerà un momento cruciale per il cinema contemporaneo, offrendo al pubblico un’opera che sfida i confini del medium e invita a una profonda riflessione sul nostro futuro collettivo.
Megalopolis non è solo un film, ma un’esperienza cinematografica che trascende il tempo e lo spazio, proponendo una visione audace e potente dell’umanità, in bilico tra ambizione e distruzione, sogno e realtà. Con la sua regia impeccabile e un cast stellare, Coppola ci regala un’opera che resterà impressa nella storia del cinema.
Immaginate di vivere in un’epoca in cui essere una donna indipendente o semplicemente diversa dalla norma poteva significare essere accusata di stregoneria. Nei Paesi Bassi, un gruppo di attiviste femministe ha deciso di lanciare una campagna per erigere un monumento in memoria di tutte le donne accusate di stregoneria e giustiziate tra il XV e il XVII secolo. Un’iniziativa che non solo vuole fare i conti con un passato oscuro, ma anche accendere una riflessione sul femminicidio e sulle radici di un fenomeno che, purtroppo, è ancora attuale.
Le vittime dimenticate
Susan Smit, Bregje Hofstede e Manja Bedner, le fondatrici della fondazione Nationaal Heksen Monument, hanno avviato una raccolta fondi per rendere omaggio alle circa 50.000 donne che hanno subito il terribile destino di essere accusate ingiustamente. Sul loro sito web, è possibile trovare l’elenco di tutte le vittime, un registro che parte da Lijse van den Rave, la prima donna giustiziata, fino a Sietse Hendriks, l’ultima.
In un’intervista con il Guardian, Bregje Hofstede ha spiegato il cuore della loro battaglia: “È una storia di femminicidio. Oggi, la figura della strega è spesso ridicolizzata, ma dietro quel termine c’erano donne reali, vulnerabili, accusate di crimini impossibili e condannate a morte. Vogliamo che la gente capisca la gravità di questi eventi e rifletta sulle loro radici.” Una riflessione dolorosa, ma necessaria, per non dimenticare le ingiustizie del passato.
Un simbolo di speranza
Diverse città dei Paesi Bassi, come Roermond, Montferland e Oudewater, si sono mostrate interessate ad ospitare il monumento, che rappresenterà non solo un ricordo del passato, ma anche un simbolo di speranza per il futuro. Oudewater, in particolare, è famosa per la sua “bilancia delle streghe”, un dispositivo medievale utilizzato per determinare se una donna fosse abbastanza leggera da volare su una scopa. Una tradizione macabra che oggi si trasforma in un’occasione per riflettere sulla follia della caccia alle streghe.
Le nuove streghe
Le attiviste olandesi, con un orgoglio che non può passare inosservato, rivendicano il termine “strega” che per secoli è stato usato in modo negativo. “Siamo le nuove streghe,” dichiarano, “donne forti e indipendenti che lottano per i propri diritti.” Un messaggio potente, che contrasta con le posizioni più reazionarie presenti nel paese, come quelle di figure politiche come Geert Wilders. È un’affermazione di identità, un modo per dire che la storia delle streghe non è solo una tragedia, ma un simbolo di resistenza e forza femminile.
Un futuro più equo
Il monumento alle streghe si inserisce in un contesto più ampio di lotta per l’uguaglianza di genere, in un paese che, pur essendo tra i più progressisti al mondo, non è ancora riuscito a raggiungere una parità completa. In Olanda, infatti, la parità salariale e la rappresentanza femminile in politica sono ancora obiettivi da perseguire.
Perché un monumento alle streghe? Non solo per ricordare un passato doloroso, ma per imparare dai nostri errori. È un simbolo di speranza per il futuro, un invito a costruire una società più giusta e equa per tutte le donne, affinché nessuna di loro debba mai più affrontare la crudeltà di un’accusa ingiustificata. Le streghe tornano a farsi sentire, e il loro grido è più forte che mai.
Ricordate i romanzi che hanno dato vita all’onda delle distopie young adult, come Hunger Games? Uglies di Scott Westerfeld, pubblicato nel 2005, è uno di questi libri che ha anticipato il fenomeno, presentando un mondo dove l’apparenza è tutto e la perfezione esteriore è una legge. Ora, dopo anni di attesa, finalmente arriva su Netflix l’adattamento cinematografico, diretto da McG. Ma, alla fine, il film riesce a catturare l’intensità e il fascino della storia originale o rimane solo un altro tentativo deludente di entrare nel panorama delle distopie?
Un mondo perfetto… o quasi
Nel futuro distopico di Uglies, la società impone che tutti i sedicenni debbano sottoporsi a una chirurgia che li renderà “belli” secondo gli standard imposti dal governo. La protagonista, Tally Youngblood, è impaziente di ricevere il suo intervento, ma le cose non vanno come previsto quando la sua amica Shay si ribella e rifiuta l’operazione. Questo contrasto tra le due ragazze è uno degli aspetti più interessanti del film: Tally, che abbraccia il sistema, e Shay, che rifiuta la conformità imposta dalla società. La loro amicizia e le divergenze di opinione diventano il motore di una trama che ruota attorno al concetto di bellezza, conformismo e libertà individuale.
La trama: un’idea affascinante ma poco sfruttata
La storia di Uglies ha un enorme potenziale: una società dove la bellezza è obbligatoria e l’unicità è messa in pericolo. Questo tema risuona profondamente in un’epoca in cui le pressioni sociali sull’apparenza sono in continua crescita, e l’idea di una “società perfetta” che costringe i suoi membri a uniformarsi è tanto inquietante quanto affascinante. Purtroppo, il film non riesce a sviluppare appieno questa riflessione.
La regia di McG è, purtroppo, poco incisiva. Sebbene il film mantenga un buon ritmo, ci sono momenti in cui la narrazione sembra confusa e poco coinvolgente. La tensione emotiva che si prova nel libro, dovuta al dilemma di Tally e alla sua lotta interiore, non riesce a trasmettersi completamente sullo schermo. Le dinamiche tra i personaggi, specialmente tra Tally e Shay, sono abbozzate ma non approfondite come dovrebbero essere, e l’ambientazione futuristica, pur ben curata visivamente, sembra a tratti un po’ troppo generica.
I personaggi: una lotta per l’identità
Il cuore di Uglies sono i suoi personaggi, e sebbene le performance degli attori siano decenti, non riescono mai a trasmettere la profondità emotiva che i lettori hanno trovato nei libri. Tally, interpretata da un giovane cast emergente, sembra più una protagonista che lotta per adattarsi a una causa piuttosto che una ragazza che sta cercando di scoprire chi è veramente. La sua evoluzione, che nel romanzo è un viaggio emotivo profondo, nel film appare accelerata e meno intensa.
Shay, la ribelle, è un personaggio che avrebbe potuto essere estremamente interessante, ma alla fine il suo ruolo nel film si riduce a una figura di contrasto, senza mai esplorare veramente la sua filosofia di vita e le sue motivazioni. Il tema della bellezza e dell’autodeterminazione, centrale nel libro, perde un po’ della sua forza nella versione cinematografica.
Un’estetica che non basta
Dal punto di vista visivo, Uglies è un film che, nonostante abbia una certa cura estetica, non riesce a creare un mondo che appaia veramente credibile e coinvolgente. Le immagini delle città futuristiche e la tecnologia della chirurgia estetica sono intriganti, ma mancano di quel senso di profondità e di immersione che avrebbe reso l’esperienza più avvincente. La contrapposizione tra la bellezza artificiale dei “Pretties” e l’aspetto naturale degli “Uglies” non è abbastanza marcata per far sentire davvero la distopia palpabile.
Un’idea interessante, ma eseguita a metà
In definitiva, Uglies è un film che riesce a cogliere alcuni degli aspetti più potenti del romanzo di Scott Westerfeld, ma non riesce a svilupparli come dovrebbe. La trama, ricca di temi attuali come il conformismo e il prezzo della perfezione, è affascinante, ma l’adattamento non riesce a rendere giustizia alla profondità emotiva e alla complessità dei personaggi.
Se sei un fan delle distopie young adult, potresti comunque trovare qualche valore nel film, specialmente se sei già un appassionato del libro. Ma, se ti aspetti una nuova perla nel genere, potresti rimanere deluso. Uglies non è un capolavoro, ma potrebbe comunque essere un’opzione interessante per una visione di intrattenimento, magari per chi ama l’idea di una riflessione sulla bellezza e sull’identità in una società che cerca di definire chi siamo solo in base all’aspetto esteriore.
Cosa ne penso?
Uglies è un film che lascia con un senso di incompiuto. Ha tutte le premesse per essere un successo, ma non riesce a capitalizzare pienamente sul suo materiale di partenza. Se sei un fan del genere, potrebbe comunque valere la pena dargli un’occhiata, ma preparati a una visione che non riesce mai a decollare completamente.
Nel mondo della robotica, il passaggio da una mera funzionalità meccanica a una sofisticata interazione umana segna una rivoluzione senza precedenti. Il nuovo volto di questa trasformazione è rappresentato dal Figure 02, il primo robot umanoide a integrarsi con la voce di ChatGPT, il noto modello di intelligenza artificiale sviluppato da OpenAI.
Svelato l’8 agosto 2024, il Figure 02 è il risultato di un ambizioso progetto della startup Figure AI, che ha ricevuto un significativo investimento da parte di OpenAI. Questo robot non è solo un prodigio di ingegneria meccanica, ma anche un prodigio di intelligenza artificiale. Equipaggiato con il più recente modello GPT-4o (“omnia”) di OpenAI, il Figure 02 non solo è in grado di elaborare e comprendere informazioni visive, ma può anche comunicare in linguaggio naturale, rendendolo un’interfaccia altamente evoluta tra uomo e macchina.
Il design del Figure 02 è stato attentamente studiato per coniugare estetica e funzionalità. La finitura nera opaca, che sostituisce la tradizionale cromatura, conferisce al robot un aspetto elegante e moderno, mentre l’integrazione dei cavi all’interno degli arti non è solo una scelta estetica, ma contribuisce a una maggiore robustezza e affidabilità. Questo aspetto estetico è affiancato da una sostanziale potenza computazionale: l’unità di calcolo e inferenza dell’IA è stata potenziata di tre volte rispetto al modello precedente, permettendo al Figure 02 di gestire compiti complessi con autonomia e precisione.
Il cuore tecnologico del Figure 02 è costituito da sei telecamere ad alta risoluzione e un sofisticato sistema di visione e linguaggio che gli consente di percepire e interagire con l’ambiente circostante in modo intelligente. Le mani del robot, con 16 gradi di libertà, sono capaci di sollevare pesi fino a 25 kg, dimostrando una versatilità e una forza notevoli, particolarmente utili in ambienti industriali.
Figure AI ha già avviato test del suo robot in ambienti industriali reali, come dimostrano le recenti sperimentazioni presso uno stabilimento BMW in South Carolina. Con un finanziamento di 675 milioni di dollari, l’azienda californiana si prepara a competere con giganti del settore come Agility Robotics, Apptronik, Tesla e Boston Dynamics. Questa competizione non riguarda solo la creazione di robot più avanzati, ma anche l’integrazione di questi nuovi strumenti nelle catene produttive globali.
Il Figure 02 rappresenta un passo significativo verso un futuro in cui l’intelligenza artificiale e la robotica non solo affiancheranno l’essere umano, ma potenzialmente trasformeranno il modo in cui lavoriamo e viviamo. Con il suo design avanzato e le sue capacità di interazione sofisticate, il Figure 02 non è solo un testimone del progresso tecnologico, ma anche una chiara indicazione di come l’IA possa essere integrata nei contesti quotidiani e industriali per migliorare l’efficienza e la qualità della vita.
L’adozione di tali tecnologie non è priva di sfide e interrogativi, soprattutto riguardo all’impatto sul mercato del lavoro e sulle dinamiche sociali. Mentre alcuni temono che i robot come il Figure 02 possano sostituire posti di lavoro umani, altri vedono in queste tecnologie l’opportunità di liberare l’uomo da compiti usuranti e pericolosi, aprendo la strada a nuove forme di occupazione e innovazione. Figure 02 rappresenta una straordinaria convergenza tra intelligenza artificiale e robotica, dimostrando come le macchine del futuro possano non solo eseguire compiti complessi, ma anche interagire con l’ambiente e con gli esseri umani in modi fino a poco tempo fa impensabili. La sua introduzione potrebbe segnare l’inizio di una nuova era nella quale l’intelligenza artificiale e la robotica diventeranno sempre più parte integrante della nostra vita quotidiana.
Nell’era contemporanea, i dati si sono affermati come la nuova moneta del regno digitale. In un mondo dominato dalla raccolta e dall’analisi incessante di informazioni, aziende, governi e singoli individui si trasformano in alchimisti moderni, alla ricerca dell’elisir di verità nascosto tra le righe di numeri e codici. Ma come possiamo decifrare il linguaggio criptico di questi dati grezzi? La risposta giace nell’arte visionaria della data visualization.
Immaginate un universo in cui le informazioni, spesso incomprensibili e dense, si trasmutano in affreschi viventi, in cui grafici e immagini danzano con eleganza, svelando segreti nascosti. Non è solo una questione di estetica, ma di pura scienza visiva. La data visualization sfrutta i principi della psicologia visiva e del design, creando una sinfonia visiva che comunica informazioni in modo chiaro e memorabile. Attraverso quest’arte, emergono pattern nascosti, anomalie brillano come stelle cadenti e confronti tra diverse metriche si rivelano con la chiarezza di una costellazione in una notte limpida.
Considerate l’importanza di una decisione ben informata: dati visualizzati con maestria ci permettono di decodificare rapidamente complessità intricate e di individuare il percorso d’azione più saggio. La magia della data visualization risiede nella sua capacità di rendere comprensibile anche il più arcano dei dati, comunicando con eloquenza a un pubblico vasto e variegato, anche a coloro che non possiedono una bussola nell’universo dell’analisi dei dati. Eppure, la data visualization va oltre la mera comprensione; essa racconta storie. Ogni grafico, ogni infografica diviene un racconto avvincente, capace di catturare l’attenzione e di coinvolgere emotivamente il pubblico. Queste narrazioni visuali non solo informano, ma evocano emozioni, rendendo il dato non solo visibile, ma vivido.
Viviamo in un’epoca in cui gli strumenti e le tecniche della data visualization evolvono con una rapidità fulminea. Software sempre più intuitivi permettono anche ai meno esperti di creare rappresentazioni visive efficaci. Immaginate una tavolozza di possibilità: dai grafici a torta, che illustrano proporzioni con la semplicità di un mosaico, agli istogrammi che mostrano la distribuzione di dati con la precisione di un sismografo. I grafici a linee tracciano l’andamento delle variabili nel tempo come pennellate su una tela temporale, mentre le mappe trasformano dati geografici in arazzi visivi di colori e simboli. E poi ci sono le infografiche, fusioni armoniose di testo, immagini e grafici, capaci di comunicare complesse sinfonie di informazioni in maniera sintetica e affascinante.
La potenza della data visualization trova applicazione in una miriade di contesti. Nel mondo degli affari, essa diventa uno strumento per analizzare vendite, performance di marketing e dati sui clienti. In campo scientifico, visualizza i risultati di esperimenti e modelli, rendendo tangibili concetti complessi. Nel giornalismo, presenta dati su notizie, eventi e tendenze sociali con una chiarezza cristallina. In ambito educativo, trasforma l’apprendimento in un’avventura coinvolgente, aiutando gli studenti a comprendere concetti astratti. E nel governo, comunica dati sulla popolazione, sull’economia e su vari aspetti della vita pubblica, rendendo trasparente l’invisibile.
Se sei interessato a saperne di più sulla data visualization, ecco alcune risorse utili:
Imparare la data visualization può essere un’abilità preziosa in un mondo guidato dai dati. Ti permette di trasformare dati grezzi in informazioni utili, comunicare in modo più efficace e raccontare storie avvincenti. Se sei pronto a dare vita ai numeri, la data visualization è lo strumento che fa per te.
Cosa rende felici i giovani nati tra il 1997 e il 2012? Un nuovo studio di Gallup e Walton Family Foundation, “Voices of Gen Z: Youth Happiness”, indaga a fondo la felicità di questa generazione, offrendo spunti di riflessione per comprendere il loro mondo e le loro aspettative.
Felicità come significato e motivazione
Per la GenZ, la felicità non si limita all’assenza di emozioni negative o alla presenza di una relazione amorosa. La vera felicità è strettamente legata alla percezione di significato e motivazione che si ricava dalle attività quotidiane.
Scuola e lavoro: il valore del “fare”
Circa il 60% dei ragazzi e delle ragazze “felici” dello studio dichiarano di trovare le proprie attività quotidiane “interessanti”. Questo si traduce in una maggiore motivazione ad andare a scuola o a lavoro (60%) e a svolgere con impegno i relativi compiti (64%).
La ricerca di una direzione
La metà del campione (45%) ritiene che la propria vita sia importante, ma solo il 28% ne è certo di aver trovato la direzione da seguire. Un dato che evidenzia il desiderio della GenZ di dare un senso al proprio agire quotidiano, andando oltre la semplice routine.
Tempo: equilibrio tra produttività e riposo
Attribuire significato al tempo dedicato a scuola e lavoro è fondamentale per la felicità della GenZ. Tuttavia, il riposo è altrettanto importante. Dormire a sufficienza e avere periodi di relax durante la settimana sono fattori decisivi per il loro benessere.
Confronto sociale e preoccupazioni finanziarie
Il confronto con gli altri e le preoccupazioni finanziarie sono due fattori che possono influenzare negativamente la felicità della GenZ. Circa la metà (51%) dichiara di avere “poche preoccupazioni finanziarie”, mentre l’altra metà è preoccupata a riguardo. Il 30% che vive con i genitori o tutori afferma di preoccuparsi per i soldi, suggerendo una precoce consapevolezza delle finanze familiari.
I social media e il confronto sociale
Il confronto sociale, spesso amplificato dall’uso non ponderato dei social media, può incidere negativamente sulla felicità della GenZ. I ragazzi e le ragazze che trascorrono più di tre ore sui social media hanno il doppio delle probabilità di manifestare sintomi di depressione e ansia.
Svuotare il confronto, riempire di significato
Per contrastare il rischio di dipendenze e promuovere la felicità, la GenZ dovrebbe evitare il confronto sociale e concentrarsi sul significato che ricava dalla propria quotidianità.
Il ruolo degli adulti
Il rapporto suggerisce agli adulti di aiutare la GenZ a trovare la propria strada nel mondo accademico e professionale, assicurandosi che i giovani vedano il valore di ciò che imparano e ne siano entusiasti. Una generazione supportata e motivata sarà più felice e in grado di costruire un futuro migliore per tutti.
La quarta edizione di Biennale Tecnologia, in programma a Torino dal 18 al 21 aprile 2024, invita a riflettere sul tema “Utopie realiste”. Un ossimoro che stimola a guardare al futuro con ottimismo e pragmatismo, immaginando un mondo migliore e lavorando concretamente per realizzarlo.
Le “utopie” rappresentano nuovi punti di vista sul “non ancora”, stimolando idee innovative e coraggiose. Ma per essere “realiste” devono essere realizzabili e concrete, alimentate dal sapere e dalla passione.
Il rapporto tra tecnologia e società è al centro di Biennale Tecnologia. La tecnologia può progettare e rendere possibile un futuro migliore per tutti, se utilizzata in modo responsabile e consapevole.
L’edizione 2024 esplorerà temi cruciali come la transizione ecologica e la transizione digitale, che impattano profondamente sulla nostra vita quotidiana. Si affronteranno anche temi sociali come il lavoro e la salute, con particolare attenzione alle nuove generazioni, a cui è affidato il futuro del nostro pianeta.
Un viaggio interdisciplinare e trasversale per immaginare un futuro migliore, guidati da speranza e fiducia. Biennale Tecnologia è un’occasione per riflettere, confrontarsi e trovare soluzioni concrete alle sfide del presente e del futuro.
Informazioni generali
Accesso
Tutti gli eventi e gli incontri di Biennale Tecnologia sono ad accesso libero e gratuito, fino a esaurimento posti.
Per alcuni incontri o attività, laddove segnalato, è richiesta la prenotazione obbligatoria sul sito
La maratona “Sogni di pecore elettriche” al Museo Nazionale del Cinema in programma sabato 20 aprile prevede un biglietto di ingresso.
Prenotazione scuole
Le scuole secondarie di secondo grado hanno l’opportunità di partecipare a tutti gli eventi del programma principale di Biennale Tecnologia,
prenotandosi attraverso un’iscrizione diretta su www.biennaletecnologia.it.
Sempre su prenotazione hanno la possibilità di partecipare gratuitamente ai laboratori pratici e interattivi del programma Politecnico Aperto.
Servizio bar
Durante le giornate di Biennale Tecnologia è aperto presso la sede centrale del Politecnico il bar Victoria che garantisce il servizio caffetteria e pizzeria (11.30-15.00) con il seguente orario di apertura:
giovedì 18 e venerdì 19 aprile dalle ore 8.00 alle ore 18.00
sabato 20 aprile dalle ore 8.00 alle ore 18.00
domenica 21 aprile dalle ore 8.00 alle ore 16.00
Quando si parla di graphic novel capaci di lasciare il segno, poche opere riescono a mescolare con tanta eleganza avventura, riflessione filosofica e un’estetica travolgente come Penss e le pieghe del mondo di Jérémie Moreau. L’autore, noto per il suo lavoro su La Saga di Grimr e La Scimmia di Hartlepool, continua la sua ricerca artistica e filosofica con questo nuovo progetto, in cui l’uomo, la natura e la solitudine si intrecciano in un racconto che affonda le radici in un’epoca lontana, ma che parla con sorprendente lucidità al presente.
Immaginate un giovane cacciatore, Penss, che vive ai confini di un mondo primordiale, una natura selvaggia e indomita che oscilla tra la bellezza affascinante e il pericolo costante. Penss è rifiutato dal suo clan, non perché incapace o debole, ma perché è l’unico che non vuole cacciare. La caccia, attività fondamentale per la sopravvivenza, non è una passione per lui. Anzi, Penss preferisce spendere le sue giornate contemplando il mondo che lo circonda, osservando gli animali, le stagioni, i fenomeni naturali. Questo rifiuto del mondo selvaggio che lo circonda, unito alla sua solitudine, lo costringe a una riflessione profonda sul suo ruolo nel mondo, sull’essere umano e sul suo rapporto con la natura.
Questa riflessione, che si sviluppa in un contesto di sopravvivenza, non è solo una questione di filosofia esistenziale, ma tocca anche temi ecologici e sociali molto attuali. Come spesso accade nelle opere di Moreau, c’è una forte carica simbolica e una tensione tra il passato e il presente che non si limita a situarsi sul piano temporale. In Penss e le pieghe del mondo, la domanda centrale non è solo se l’uomo possa vivere in armonia con la natura, ma se sia destinato a distruggerla per sopravvivere, o se, al contrario, possa finalmente abbandonare la sua lotta per costruire una società che rispetti e onori la terra che lo ospita. Questi interrogativi diventano il motore che spinge il protagonista in un viaggio che lo porta a confrontarsi con la sua solitudine, ma anche con la propria evoluzione personale, intellettuale e spirituale.
Il titolo di Moreau si fa quindi portavoce di una riflessione più ampia sul rapporto tra l’individuo e la società. Cosa significa formare una comunità? Cosa implica la costruzione di una società quando uno dei suoi membri si distacca dalla norma, dal suo ruolo prestabilito? La risposta di Penss alla domanda che tutti noi ci poniamo sulla nostra appartenenza sociale è un percorso tortuoso di crescita, solitudine e, infine, rivelazione. L’autore, infatti, costruisce il percorso evolutivo del protagonista come una trasformazione continua, che affonda le radici nel ciclo delle stagioni e nella costante metamorfosi che contraddistingue la natura.
Ciò che rende Penss e le pieghe del mondo davvero interessante non è solo la riflessione filosofica, ma anche la capacità di Moreau di far emergere la bellezza primitiva della natura attraverso il suo stile grafico unico. Le illustrazioni sono semplicemente magnifiche, capaci di trasportare il lettore in un paesaggio così vivido da sembrare quasi reale. L’uso dei colori è impeccabile, creando atmosfere che vanno dalla calma contemplativa alla tensione inquietante, mentre le ombre e le luci sembrano giocare un ruolo fondamentale nel raccontare non solo gli spazi fisici, ma anche gli stati d’animo dei personaggi. La natura stessa, con la sua potenza e il suo mistero, diventa un personaggio fondamentale della storia, con il suo respiro, le sue sfumature, i suoi cicli vitali.
Non è solo la natura a essere esplorata in Penss e le pieghe del mondo. Il viaggio del protagonista tocca anche temi molto attuali, come la solitudine, l’individualismo e la condizione femminile. Nonostante il contesto primitivo e antico, Moreau non manca di interrogarsi su questioni che sono più che mai rilevanti nel nostro mondo contemporaneo. L’uomo, nel suo percorso di crescita, deve affrontare il suo posto nella società, ma anche i suoi conflitti interiori, che si riflettono nel suo rapporto con gli altri e con l’ambiente circostante. La solitudine di Penss, il suo isolamento forzato, diventa un terreno fertile per la riflessione sulla condizione dell’individuo nella società moderna, sulla ricerca del proprio spazio e della propria identità.
La bellezza del graphic novel di Moreau risiede proprio nella sua capacità di intrecciare filosofia, spiritualità e temi sociali in una narrazione che, pur partendo da un’epoca lontana, risuona forte nel nostro presente. Con Penss e le pieghe del mondo, l’autore ci invita a riflettere su un concetto molto semplice ma essenziale: la nostra esistenza non è mai separata dalla natura che ci circonda. Ogni azione che compiamo, ogni scelta che facciamo, è un segno di un legame più profondo con il mondo naturale, e, forse, il futuro dell’umanità dipende dalla capacità di riconsiderare questo rapporto.
