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Cinema & Tv, Gaming

Fallout stagione 2: ci siamo! Le riprese sono concluse, il Wasteland ci aspetta di nuovo

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Nel deserto radioattivo del Wasteland, le telecamere si sono ufficialmente spente: la seconda stagione di Fallout, l’ambiziosa e sorprendente serie TV di Amazon Prime Video, ha terminato le riprese. A dare l’annuncio non sono stati comunicati ufficiali in tono burocratico, ma un video dal sapore ironico e liberatorio, pubblicato sui canali social della serie, in cui Walton Goggins – alias il misterioso e tormentato Ghoul – si libera finalmente del trucco prostetico che lo ha accompagnato per mesi sul set. “Obiettivo sbloccato!”, recita il post, con un linguaggio che ammicca senza troppi giri di parole alla community videoludica da cui tutto è nato. Ed è proprio da lì che vogliamo partire. Perché Fallout non è solo una serie: è il frutto di un’eredità culturale che affonda le radici in oltre due decenni di videogiochi targati Bethesda, in un’estetica retrofuturista che mescola Guerra Fredda, bunker antiatomici, creature mutanti e satira feroce. E per molti, l’annuncio della serie TV era stato accolto con lo stesso entusiasmo con cui si riceve un Fat Man caricato con una mini testata nucleare: una promessa di caos spettacolare, ma anche di un rischio devastante.

La prima stagione,, però, ha fatto centro. Con 80 milioni di spettatori e una pioggia di recensioni entusiaste, Fallout è riuscita in quello che sembrava un miracolo post-apocalittico: offrire un adattamento fedele e rispettoso del materiale originale, ma al tempo stesso capace di raccontare qualcosa di nuovo, emotivamente potente e perfettamente ritmato per il linguaggio seriale.

Al centro della narrazione troviamo Lucy, interpretata da una sorprendente Ella Purnell. È lei il cuore pulsante della storia, una giovane idealista cresciuta nel sicuro (e inquietantemente ordinato) Vault 32. Ma quando il padre viene rapito da una misteriosa figura nota come Moldaver, la sua vita viene completamente stravolta. Lucy si ritrova catapultata nella crudezza del mondo esterno, dove tra rovine radioattive, fazioni armate fino ai denti e pericoli invisibili, inizia un viaggio che è allo stesso tempo fisico e spirituale. La sua è una discesa – o forse un’ascesa? – nell’incubo del dopobomba, ma anche nella verità di ciò che resta della civiltà umana.

Accanto a lei, una galleria di personaggi memorabili. Spicca su tutti Walton Goggins, il Ghoul, un ex attore trasformato in un mutante immortale dalla guerra nucleare. Cinico, enigmatico, a tratti persino profetico, il suo personaggio è diventato immediatamente iconico. E proprio lui, in una recente intervista, ha raccontato quanto sia affascinato dalla possibilità di esplorare la complessità sociale e psicologica del suo alter ego: “Cosa succede quando visioni radicalmente diverse del mondo si scontrano? Cosa significa essere un profeta in un mondo senza fede?” – domande che sembrano anticipare i temi più profondi della nuova stagione.

E proprio così: la seconda stagione promette di scavare ancora più a fondo nei dilemmi morali e nelle tensioni politiche del mondo di Fallout. Nuove fazioni entreranno in scena, alcune direttamente ispirate agli iconici nemici e alle alleanze del franchise videoludico. Altre, probabilmente, saranno frutto della creatività degli showrunner, che già nella prima stagione hanno saputo muoversi con maestria tra fedeltà e innovazione. Lo scenario resta quello di un’America devastata, in cui il sogno di un nuovo inizio si scontra con l’istinto di sopravvivenza, in cui la nostalgia del passato è un veleno dolce che contamina ogni scelta.

Secondo Jennifer Salke, presidente degli Amazon MGM Studios, i creatori della serie – che lavorano a stretto contatto con Bethesda – hanno già completato gli script e stanno lavorando “a ritmi sostenuti” per consegnare una seconda stagione all’altezza delle aspettative. L’obiettivo è chiaro: non solo replicare il successo, ma superarlo. D’altronde, lo stesso Salke ha sottolineato come Fallout riesca a essere distopica senza cadere nel grigiore depressivo, mantenendo una vena ironica e pungente che è parte integrante del suo DNA.

Non è un dettaglio da poco. La forza di Fallout sta proprio in questo equilibrio instabile ma affascinante tra tragedia e parodia, tra brutalità e speranza, tra fucili al plasma e cartelloni vintage con sorrisi finti. È un mondo che ci dice che tutto è andato perduto, ma che – forse – qualcosa può ancora essere salvato. Un mondo dove un Vault può essere una prigione dorata, e un mutante radioattivo può diventare un eroe.

Anche se Amazon non ha ancora annunciato una data ufficiale di uscita, i pronostici parlano chiaro: l’autunno del 2025 potrebbe essere il momento giusto per tornare nel Wasteland. Fino ad allora, l’hype continua a crescere, alimentato da teaser criptici, indiscrezioni e il crescente successo della saga anche su console e PC. Sì, perché l’impatto della serie ha avuto effetti tangibili anche sul fronte videoludico: le vendite dei titoli Fallout sono esplose dopo la messa in onda della prima stagione, segno che l’universo narrativo creato da Bethesda continua a esercitare un fascino potente su vecchi fan e nuovi arrivati.

Non ci resta che prepararci. Sistemate l’armatura atomica, ricaricate il fucile a impulsi e fate scorta di Stimpak. Il mondo di Fallout sta per riaprire le sue porte radioattive, e qualcosa ci dice che stavolta il viaggio sarà ancora più pericoloso, più folle… e più epico.

E voi, Soprintendenti del Vault e predoni del Mojave, siete pronti a tornare nel deserto nucleare? Avete teorie, speranze o semplicemente voglia di condividere la vostra emozione per il ritorno di Fallout? Scriveteci nei commenti e fate sentire la vostra voce. E se questo articolo vi è piaciuto, condividetelo sui vostri social e diffondete il verbo nel Wasteland digitale!

Gaming

La Quimera: Un’Attesa Interrotta e un Futuro Incerto per il Debutto di Reburn

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Il mondo dei videogiochi è sempre in fermento, e quando un nuovo titolo di una squadra di veterani si affaccia all’orizzonte, le aspettative sono inevitabilmente alte. Ma a volte, quelle stesse aspettative possono essere travolte, non dalle meraviglie di un’esperienza sorprendente, ma dalla delusione di un rinvio improvviso. È esattamente quello che è successo con La Quimera, l’attesissimo sparatutto fantascientifico di Reburn, lo studio ucraino nato dalle ceneri di 4A Games, famoso per la saga Metro.

Il gioco, che avrebbe dovuto debuttare oggi, è stato rinviato senza preavviso, con l’annuncio arrivato sul server Discord ufficiale dello studio. Ma cosa si cela dietro questa mossa a sorpresa? E perché questo nuovo titolo, che sembrava destinato a conquistare il cuore degli appassionati di sci-fi e sparatutto, ha sollevato così tante perplessità?

Un Nuovo Inizio con La Quimera

Reburn, precedentemente conosciuto come 4A Games Ukraine, ha messo insieme un team di veterani con un obiettivo ambizioso: creare un gioco che potesse non solo sfidare le convenzioni del genere, ma anche esplorare nuove terre, lontane dall’universo di Metro. E così è nato La Quimera, un progetto che prometteva di fondere il fascino delle avventure sci-fi con l’intensità narrativa e una forte componente cooperativa.

Ambientato nel 2064, un futuro devastato da catastrofi naturali e conflitti, il gioco ci catapulta in un mondo dove gli stati nazionali sono ormai un ricordo lontano, sostituiti da microstati che lottano per la sopravvivenza. In questo nuovo ordine mondiale, le compagnie militari private (PMC) hanno preso il posto degli eserciti regolari, e i giocatori vestono i panni di un mercenario che naviga tra missioni ad alto rischio, combattendo contro fazioni ostili che lottano per il controllo di ciò che resta. Un’ambientazione che, in teoria, offriva infinite possibilità narrative.

Ma mentre l’ambientazione e le premesse sono intriganti, la realtà si è rivelata ben diversa.

In un contesto dove i fan si aspettavano una storia avvincente, La Quimera non ha mantenuto le promesse. Alcune recensioni hanno spietatamente stroncato il gioco, definendo la trama priva di mordente e incapace di coinvolgere i giocatori. La componente visiva, uno degli aspetti su cui si sperava molto, è stata giudicata sotto la media, con effetti grafici che non sono riusciti a convincere. Le animazioni e il doppiaggio sono stati etichettati come datati, e il gameplay è stato descritto come piatto, senza quella scintilla di innovazione che ci si aspettava da un team con un pedigree come quello di Reburn. Insomma, La Quimera è risultato essere un titolo breve, senza lo slancio che ci si aspettava da un debutto tanto atteso.

Ecco perché la decisione di rinviare il gioco, seppur controversa, non è stata sorprendente. Forse, Reburn ha bisogno di più tempo per sistemare le imperfezioni, rafforzare la struttura narrativa e migliorare quegli aspetti tecnici che non hanno saputo convincere la critica.

Una Storia Intrigante, Ma Forse Non Abbastanza Sostenuta

Il cuore di La Quimera risiede nella sua trama, che si propone come un viaggio psicologico ed emotivo. La storia è scritta dal talentuoso Nicolas Refn, un nome che sicuramente evoca una certa qualità. Eppure, nonostante le buone premesse, la narrazione non sembra essere riuscita a prendere piede come sperato.

Nel gioco, le PMC sono protagoniste di una lotta senza quartiere per il dominio, e la scelta di introdurre elementi della mitologia sudamericana non fa che arricchire un mondo già complesso, ma forse poco capace di catturare davvero l’immaginazione. Le giungle lussureggianti e le metropoli futuristiche sembrano un mix interessante, ma la mancanza di un’intensa connessione tra la trama e i protagonisti ha reso difficile per i giocatori immergersi completamente nell’esperienza.

Eppure, l’idea di una fusione tra il fantastico e la tecnologia potrebbe ancora avere un grande potenziale, se supportata da un racconto che riesca a sostenere il gameplay frenetico e le situazioni ad alta tensione.

La Cooperazione come Nuova Frontiera

Un altro aspetto che avrebbe dovuto fare di La Quimera un titolo da non perdere è la sua componente cooperativa. Fino a quattro giocatori possono unirsi per affrontare le missioni, trasformando ogni partita in una sfida tattica, dove la pianificazione e la gestione delle risorse sono fondamentali. La cooperazione, dunque, diventa un punto centrale dell’esperienza di gioco. Eppure, la difficoltà nell’adattarsi a un gameplay che non ha convinto appieno potrebbe minare la sua capacità di brillare in questo settore.

La personalizzazione dei personaggi e delle armi è un altro aspetto che aveva destato grande entusiasmo. La Quimera avrebbe dovuto offrire una vasta gamma di opzioni per costruire il mercenario ideale, ma questo aspetto, per quanto promettente, non è bastato a compensare le carenze di gameplay.

La Sfida Visiva

Uno dei punti di forza di La Quimera, o almeno ciò che ci si aspettava fosse tale, è la sua componente visiva. Ambientato in una versione futuristica dell’America Latina, il gioco mescola tecnologia avanzata e tradizioni locali in un mix affascinante, che avrebbe dovuto portare un tocco di originalità nell’universo degli sparatutto. Tuttavia, il rinvio lascia dubbi anche su questo fronte. La sensazione di straniamento e mistero che avrebbe dovuto arricchire l’atmosfera sembra non essere stata realizzata come sperato.

Cosa Ci Aspetta Ora?

Ora che La Quimera è stato rinviato, non resta che attendere con trepidazione gli sviluppi futuri. Reburn ha una grande eredità alle spalle, quella di Metro, ma il debutto con questo nuovo progetto è tutt’altro che positivo. Riusciranno a riprendersi, a rivedere e migliorare ciò che non ha funzionato? Solo il tempo potrà dircelo.

Nel frattempo, il futuro di La Quimera rimane incerto, e i fan sono in attesa di vedere se Reburn saprà rialzarsi dalle ceneri di un debutto deludente e consegnarci un’esperienza che possa davvero fare la differenza nel panorama degli sparatutto futuristici. L’unica certezza è che, al momento, La Quimera ha ancora una lunga strada da percorrere.

Books + Comics

“Helughèa. Il Guardiano Alato”: Arthuan Rebis ci guida in un viaggio vertiginoso tra apocalisse e rinascita

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La scena del fantasy italiano si arricchisce di un nuovo capitolo straordinario con l’uscita di “Helughèa. Il Guardiano Alato”, il secondo romanzo di Arthuan Rebis, scrittore, musicista e compositore dalle molteplici sfaccettature. Questo nuovo lavoro si inserisce nel solco di una narrazione originale che mescola l’alto fantasy con elementi dark, distopici ed esoterici, ma lo fa in una forma nuova e affascinante: il romanzo mondo in verticale, come un albero cosmico che affonda le radici nei miti e nell’infinito.

La trama di “Helughèa. Il Guardiano Alato” si apre con atmosfere misteriose e inquietanti: i fuochi fatui danzano tra i menhir del cimitero di Runaz, avvolgendo il lettore in un’aura di segreti non svelati. Qual è il vero mistero di Helughèa? Chi o cosa, nell’ombra, tesse da sempre le trame cosmiche che legano gli esseri umani agli Heludin, una razza misteriosa che sembra custodire le chiavi dell’universo stesso? Questo romanzo, che mescola apocalisse e rinascita, è un viaggio nell’ignoto, tra mondi nascosti e dimensioni sconosciute.

Il regno di Helu è ormai inaccessibile agli umani, ma la giovane Fedya è tormentata da sogni che rivelano il terrore di un conflitto atomico imminente. È qui che la narrazione si intreccia con il destino dei suoi compagni di viaggio: un dottore alchimista, uno stravagante becchino, il corvo Piuma Pallida e un coniglio con tre occhi. Insieme, attraversano il Tempo Verticale, un concetto affascinante e inedito che si sviluppa come una dimensione in perenne movimento, dove la linearità del tempo è sfumata e la percezione della realtà stessa è in continua mutazione. È un viaggio che sfida le leggi naturali, facendo incontrare i protagonisti con forze cosmiche antiche, capaci di curare e distruggere mondi.

In questo secondo capitolo, il lettore è condotto in un’esperienza che va oltre la semplice trama narrativa, perché la scrittura di Rebis è impregnata di un’atmosfera che ricorda le serie televisive più intricate come “Dark”, mescolata con la disperazione e la speranza di opere come “La Strada” di Cormac McCarthy. Le visioni e i segni, che sembrano anticipare eventi catastrofici, creano un quadro psicologico e spirituale denso, che sfida le convenzioni del genere. Non a caso, la scrittura di Rebis esplora in profondità tematiche eco-spirituali, filosofiche ed esoteriche, creando una sinergia tra la dimensione narrativa e quella musicale, che pervade l’intera opera.

“Helughèa. Il Guardiano Alato” non è un semplice seguito del primo romanzo “Helughèa. Il Racconto di una Stella Foglia”. Sebbene non necessiti di una lettura pregressa, il secondo libro espande il concetto di “romanzo mondo” aperto dal precedente, portando il lettore ancora più in profondità nell’interpretazione del mito dell’albero cosmico. La storia diventa così un’esperienza a 360 gradi, in cui la metafora del viaggio verticale sembra invitare a una riscoperta della realtà in cui viviamo, delle forze che la governano e delle nostre stesse capacità di trasformazione. Un invito a esplorare, quindi, non solo altri mondi, ma anche la nostra stessa natura.

La fusione tra il high fantasy e il dark fantasy, arricchita da elementi grotteschi e poetici, crea una narrazione unica, capace di dissolvere i confini tradizionali del romanzo. Rebis mescola sapientemente questi generi, introducendo anche spunti distopici che, lontani dall’essere cliché, assumono un significato profondo e meditativo sulla condizione umana. Il lettore si trova coinvolto in un’esperienza sensoriale e intellettuale che va oltre il semplice piacere della lettura: “Helughèa. Il Guardiano Alato” è un viaggio dentro e fuori i mondi possibili.

A supporto di questa esperienza, Rebis offre una dimensione sonora unica, con un album che accompagna la lettura, arricchendo l’atmosfera con melodie che spaziano dal folk nordico alla musica medievale, passando per il cantautorato mistico e il pagan/fantasy folk. Ogni brano musicale si fonde con la narrazione, creando un legame indissolubile tra le parole e la musica. L’autore, che è anche un polistrumentista e compositore, ha curato personalmente la parte musicale, includendo pezzi come “Melancholia”, “Metamorfica” e “Chanson des Bardes”, che trasportano il lettore in un universo sonoro parallelo, capace di evocare le stesse atmosfere visionarie della sua scrittura.

Ma chi è realmente Arthuan Rebis, l’autore di questa epica saga? Laureato in Cinema, Musica e Teatro, Rebis è un poliedrico artista che ha saputo coniugare la sua passione per la musica e la letteratura in un progetto che si distingue nel panorama fantasy contemporaneo. Il suo background musicale, che include più di mille esibizioni in Italia e in quindici paesi, si riflette nella profondità della sua narrazione, capace di evocare paesaggi sonori e visivi straordinari. Le sue influenze spaziano dall’antico folk nordico alla musica medievale e orientale, creando un linguaggio unico che si mescola perfettamente con l’immaginario fantastico che ha costruito nei suoi romanzi.

Con “Helughèa. Il Guardiano Alato”, Rebis ci invita ad intraprendere un viaggio indimenticabile tra dimensioni parallele e mondi dimenticati, portandoci a riflettere su temi profondi come la lotta tra luce e oscurità, la rinascita e la fine di ogni cosa. Un romanzo che non si limita a raccontare una storia, ma che diventa esso stesso un’esperienza sensoriale e intellettuale, capace di conquistare i lettori più appassionati di fantasy, esoterismo e musica.

Arthuan Rebis ha creato non solo un libro, ma un universo complesso e sfaccettato, pronto ad accogliere chiunque voglia avventurarsi oltre la superficie, per scoprire le verità più nascoste e affascinanti della sua creazione. Un’opera che segna un passo importante nella sua carriera di scrittore e musicista, e che sicuramente resterà impressa nei cuori e nelle menti di chi la leggerà.

AULAMANGA, Cinema & Tv

Junk World: Il sequel che spinge i confini dell’animazione stop-motion

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Quando ho scoperto che Takahide Hori stava tornando con un nuovo film, il mio cuore ha fatto un balzo. Non solo perché stiamo parlando del visionario dietro Junk Head – uno dei capolavori più unici, disturbanti e affascinanti che l’animazione in stop-motion ci abbia regalato negli ultimi anni – ma perché Junk World promette qualcosa di ancora più ambizioso: un viaggio mille anni prima, nelle profondità oscure e dimenticate del suo universo narrativo.E finalmente è arrivato il trailer. Un assaggio breve, ma incredibilmente denso, di quello che ci aspetta. Le mani tremano solo a scriverne.

Sì, Junk World è un prequel, ambientato ben 1.042 anni prima degli eventi di Junk Head. E questa distanza temporale non è solo un dettaglio: è una scelta poetica, narrativa, filosofica. Hori ci riporta alle origini di quel mondo decadente e affascinante, quando le cicatrici della civiltà erano ancora fresche e le fondamenta della follia futura si stavano appena gettando.Il protagonista, Robin – o Parton, come i fan lo conosceranno dal primo film – è un robot che ci guiderà in questa nuova avventura. Al suo fianco c’è Triss, un comandante umano inviato a indagare su una misteriosa setta di esseri artificiali. E già qui il respiro si fa corto: una setta? In un mondo che si sgretola? Con un robot che forse non è solo una macchina?Il loro viaggio li porterà a scoprire un varco multidimensionale che minaccia la realtà stessa. Sì, avete letto bene: multidimensionale. Hori non ha paura di spingere il pedale dell’ambizione narrativa, e questo è esattamente ciò che rende le sue opere irresistibili.

Stop-Motion: Una Rivoluzione Artigianale

C’è qualcosa di profondamente toccante nel sapere che Junk World, proprio come il suo predecessore, è stato realizzato quasi interamente da una sola persona. Takahide Hori non è semplicemente un regista: è un artigiano, uno scultore di mondi, un cantastorie che preferisce la colla, la plastilina e il silicone alle scorciatoie digitali.In un’epoca dominata dalla CGI e dagli effetti iperrealistici, la stop-motion ha un valore quasi mistico. È lenta. È imperfetta. Ma è vera. Ogni movimento di ogni personaggio è frutto di ore, giorni, settimane di lavoro manuale. Ogni scena è un piccolo miracolo. E Junk World ne è pieno. Le texture, le luci, i volti dei personaggi… tutto ha una fisicità che quasi si può toccare. Guardando il trailer, mi sembrava di annusare la polvere di quella città sotterranea, di percepire il freddo metallico dei corridoi, di ascoltare il respiro rotto dei protagonisti.

E poi c’è una cosa che mi ha commossa profondamente: Junk World esiste anche grazie a noi, i fan. Due campagne di crowdfunding hanno permesso a Hori di dare forma al suo sogno. Oltre 22 milioni di yen raccolti complessivamente – più di 140.000 euro – da persone che, come me, si sono innamorate di quell’universo cupo e stratificato.Questo non è solo un film. È un progetto collettivo, un esempio vivente di come l’arte indipendente possa ancora fiorire, resistere, brillare. In mezzo a un’industria che spesso schiaccia la creatività con logiche commerciali, Hori ci ricorda che la passione può ancora vincere.

Oltre la Narrazione: Un’Odissea Filosofica

Se Junk Head era già un’opera profondamente filosofica – una riflessione sull’umanità, la memoria, l’identità – Junk World sembra voler andare ancora oltre. Le atmosfere sono più dense, la trama più stratificata, i temi più ambiziosi.La lotta per la sopravvivenza non è solo fisica, ma esistenziale. Che cosa significa essere “umani” in un mondo dove l’umanità è un ricordo? Qual è il nostro ruolo quando non siamo più necessari? Dove finisce la macchina e comincia l’anima?Sono domande che il film promette di affrontare senza offrire risposte facili, ma accompagnandoci in un viaggio mentale tanto quanto visivo. Perché l’arte vera non consola: interroga.

L’uscita giapponese è fissata per il 13 giugno 2025. Quel giorno, lo segnerò con un cerchio rosso sul calendario. Perché Junk World non è solo un film che aspetto con ansia: è un evento, un rituale, una promessa di meraviglia. Takahide Hori sta creando qualcosa che va oltre la semplice animazione: sta costruendo un mito contemporaneo, mattoncino dopo mattoncino, scena dopo scena, con le sue mani. E noi siamo fortunati spettatori, invitati a perderci in questo universo in bilico tra la bellezza e l’orrore.

Approfondimenti, Cinema & Tv

Black Mirror: il nostro oscuro riflesso in sette stagioni di distopia tecnologica

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Come appassionata di fantascienza da sempre, devo confessarlo: ogni volta che si parla di Black Mirror mi si accende quella scintilla negli occhi, quella che solo le grandi storie sanno accendere. E ora, con la settima stagione finalmente tra noi, è impossibile non sentire quel fremito elettrico che solo le grandi serie riescono a suscitare. Perché sì, Black Mirror è tornata, e sembra più inquietante, profonda e provocatoria che mai.b Questa creatura nata dalla mente brillante e disturbante di Charlie Brooker non è una semplice serie antologica. È un’esperienza, un viaggio attraverso le pieghe più oscure della nostra relazione con la tecnologia. L’ho iniziata per curiosità – lo ammetto, attratta da quella sua fama da “serie che ti sconvolge” – ma è bastato un solo episodio per capire che stavo entrando in un territorio molto, molto personale.

Dalla sua prima apparizione nel 2011 su Channel 4, fino alla sua consacrazione globale grazie a Netflix, Black Mirror ha dimostrato di avere qualcosa che pochissime serie riescono davvero a offrire: la capacità di farti guardare dentro. E quando dico “dentro”, intendo davvero dentro – nei nostri abissi digitali, nelle nostre dipendenze da like e notifiche, nei desideri di controllo e nella paura di perdere se stessi. Ogni episodio è come una breve seduta di psicoterapia tecnologica. Ti mette davanti a scenari che sembrano assurdi, finché non ti accorgi che stanno già accadendo, magari in forma più soft, più accettabile… per ora.

E non è solo questione di scenari futuristici. Il vero genio di Black Mirror sta nella sua capacità di rendere queste distopie profondamente umane. Non ci racconta solo l’evoluzione dell’intelligenza artificiale o dei social network, ma ci mostra come questi strumenti si intrecciano con le nostre fragilità, con i nostri sogni, le nostre ossessioni, le nostre paure più intime. Dietro ogni interfaccia c’è un cuore che batte – spesso confuso, spesso spezzato. Con la settima stagione, questa tensione tra umanità e tecnologia torna prepotente. Dopo una sesta stagione che aveva diviso pubblico e critica (ma che io, personalmente, ho trovato audace nel suo sperimentare nuovi linguaggi), Brooker sembra voler tornare alle origini, ma con una nuova maturità. Ogni episodio è una lama affilata che incide sulla pelle sottile del nostro presente, e anche se sai che farà male, non puoi fare a meno di guardare. E allora eccoci qui, davanti a quello schermo nero che, ancora una volta, riflette i nostri occhi. Uno specchio digitale che ci sfida, ci giudica e ci racconta. E forse, tra un colpo al cuore e una stretta allo stomaco, ci insegna anche qualcosa su chi siamo diventati e su chi potremmo ancora essere.

L’era Channel 4: prime due stagioni e l’origine dell’angoscia

Quando Black Mirror fece il suo debutto, fu come un fulmine a ciel sereno. Solo sei episodi divisi in due stagioni, ma sufficienti per scolpire la serie nella memoria collettiva degli spettatori più attenti (e più inquieti). Brooker non cercava solo di intrattenere, voleva turbare, scuotere e far riflettere. Il pilot “Messaggio al Primo Ministro” fu un pugno nello stomaco: provocatorio, politicamente scorretto, e soprattutto profetico, ci mostrava il voyeurismo mediatico portato all’estremo. Poi vennero capolavori come “Ricordi Pericolosi”, che sviscerava i pericoli di una memoria perfetta, e “Torna da me”, dove l’intelligenza artificiale diventa il fantasma di chi abbiamo perso, ma mai davvero conosciuto.

Tra tutti, “15 milioni di celebrità” resta uno degli episodi simbolo della serie: un mondo privo di empatia, dove ogni gesto è performativo e ogni emozione mercificata. Lì, l’umanità appare già perduta, intrappolata in una gabbia luminosa fatta di like, voti e illusioni. Un Black Mirror purissimo.

Netflix entra in scena: la terza stagione e l’ambizione globale

Con l’approdo su Netflix, la serie abbandona l’intimismo anglosassone per aprirsi a un pubblico internazionale. La terza stagione è ambiziosa, più cinematografica, forse meno intima ma comunque potente. Su sei episodi, uno brilla più di tutti: San Junipero. Un racconto dolceamaro che unisce amore, morte e realtà virtuale in una poesia digitale dal sapore eterno. È un episodio anomalo, con un lieto fine (rarità assoluta), ma che colpisce al cuore.

Non mancano però episodi più crudi e claustrofobici: “Caduta Libera” ci mostra l’incubo delle valutazioni sociali, “Zitto e Balla” ci ricorda che il web non dimentica e che dietro la facciata di vittime si nascondono spesso mostri. Black Mirror continua a brillare, ma si percepisce già una leggera torsione: la distopia diventa spettacolo, il dolore si fa estetica. E il cambiamento è appena iniziato.

La crisi dell’identità: la controversa quarta stagione

La quarta stagione, nonostante i mezzi più imponenti, viene accolta con freddezza. I fan storici storcono il naso: troppe luci, poca sostanza. Episodi come “Crocodile” e “Arkangel” promettono, ma non mantengono. Le storie sembrano abbozzate, i personaggi anonimi. “Metalhead”, un esercizio di stile post-apocalittico in bianco e nero, omaggia Terminator, ma dimentica l’anima. “Hang the DJ” cerca di replicare il successo emotivo di San Junipero, ma non ci riesce.

L’unico vero gioiello è “USS Callister”, un episodio brillante, ironico e cupo al tempo stesso, che rilegge Star Trek in chiave psicotica e vendicativa. Un omaggio nerd irresistibile, che però appare fuori contesto rispetto al tono generale della serie. La sensazione è che Black Mirror stia diventando vittima del proprio successo: più interessata a stupire che a riflettere, più forma che sostanza.

Ritorno alla semplicità: la breve ma intensa quinta stagione

Con solo tre episodi, la quinta stagione cerca di ricompattare l’identità smarrita. “Striking Vipers” esplora la sessualità e i confini dell’identità digitale attraverso un videogame; “Smithereens” è un intenso thriller psicologico che denuncia la tirannia dell’attenzione; “Rachel, Jack & Ashley Too” propone una favola pop con Miley Cyrus che funziona solo a metà. È una stagione di transizione, dove Black Mirror cerca nuove strade, sperimenta, ma non sempre convince. Eppure, dietro le imperfezioni, si intravede ancora la scintilla dell’inizio.

La sesta stagione: distopia 2.0 tra horror, true crime e metanarrativa

Nel 2023, con la sesta stagione, Black Mirror rinasce. Brooker capisce che ormai la realtà ha superato la fiction e decide di cambiare marcia. Gli episodi diventano meno tecnologici e più umani, il focus si sposta sul nostro rapporto con la narrazione stessa. “Joan is Awful” è una bomba metanarrativa sul potere delle piattaforme streaming, con tanto di cameo satirici. “Loch Henry” e “Mazey Day” esplorano il dark side del true crime e del gossip, mentre “Demon 79” è un horror retrofuturista che sembra uscito da un film di Dario Argento. “Beyond the Sea” ci riporta invece alla solitudine cosmica della fantascienza classica, in uno dei racconti più intensi e struggenti dell’intera serie.

Il cambiamento è evidente, ma non snatura la serie. Black Mirror evolve, diventa più matura, più riflessiva. Non urla, ma sussurra. E il risultato è straordinario.

Il ritorno del mito: la sorprendente settima stagione

La settima stagione, uscita nel 2024, è un regalo per i fan di vecchia data. Sei episodi che omaggiano le radici della serie ma guardano avanti. “Hotel Reverie” è una nuova ode all’amore digitale che strizza l’occhio a San Junipero. “Come un giocattolo” ci riporta all’inquietudine delle intelligenze artificiali con una freddezza quasi lynchiana. “Bestia Nera” e “Eulogia” fondono introspezione e fantascienza con risultati emozionanti.

Ma il vero evento è USS Callister: Infinity, sequel dell’episodio cult, che viene volutamente lasciato avvolto nel mistero. Una scelta geniale che alimenta discussioni e teorie, mantenendo vivo il fascino del non detto.

Anche la colonna sonora torna protagonista con Anyone Who Knows What Love Is, la canzone che ha attraversato tutta la serie come un’eco malinconica di ciò che l’uomo era, prima di diventare schiavo delle sue stesse creazioni.

Il nostro riflesso resta sempre lì

Dopo sette stagioni, Black Mirror è ancora qui. È cambiata, certo, come è cambiato il mondo intorno a noi. Ma non ha mai smesso di farci riflettere, inquietare, emozionare. Charlie Brooker ha costruito un universo narrativo che non solo racconta la tecnologia, ma ci racconta attraverso di essa. Le sue distopie sono diventate previsioni. Le sue fantasie, cronache del presente.

In un’epoca in cui ogni giorno ci svegliamo con una nuova app, un nuovo algoritmo o una nuova intelligenza artificiale pronta a cambiarci la vita, Black Mirror ci ricorda che la vera sfida non è il progresso, ma l’uso che ne facciamo. E, soprattutto, ci fa una domanda fondamentale: siamo ancora noi a controllare la tecnologia, o è ormai lei a controllare noi?

Se anche tu hai vissuto questo viaggio lungo sette stagioni, condividi il tuo episodio preferito o la tua teoria più folle. Parlane sui social, tagga @CorriereNerd.it e raccontaci: quale riflesso hai visto nel tuo Black Mirror?

Books + Comics, Music

Le Macchine Non Possono Pregare: Anastasio riscrive il cyberpunk italiano in una graphic novel epica tra musica, spiritualità e resistenza digitale

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Dopo aver fatto irruzione nel panorama musicale italiano vincendo la dodicesima edizione di X Factor e conquistando il doppio disco di platino, Anastasio torna alla ribalta con un progetto che travalica ogni definizione di genere. Non è solo un ritorno musicale, né una semplice incursione nel mondo del fumetto: Le Macchine Non Possono Pregare, in uscita il 9 maggio 2025 per Edizioni BD, è una vera e propria opera-mondo, una sinfonia distopica dove le note si fondono con l’inchiostro e le parole diventano immagini. Un’epopea visionaria che affonda le radici nel miglior immaginario cyberpunk e si sviluppa come un manifesto lirico contro la deificazione della tecnologia contemporanea.

Questo ambizioso progetto multimediale nasce come naturale estensione del nuovo album di Anastasio, da cui prende il titolo, e si sviluppa in una graphic novel scritta a sei mani con Davide Nota ed Egidio Matinata, impreziosita dalle illustrazioni di Arturo “Dr Brain” Lauria, già noto ai cultori del genere per il suo lavoro su Dylan Dog e Heavy Metal Magazine. Il risultato è un’opera rap totale, come la definisce lo stesso artista campano, dove le tracce musicali dialogano con la narrazione a fumetti in un crescendo narrativo e poetico che abbraccia spiritualità, disillusione e rivoluzione interiore.

Ambientato in un futuro non meglio definito, Le Macchine Non Possono Pregare racconta un mondo dove la tecnologia ha superato il ruolo di strumento ed è diventata culto. La rete, ribattezzata Madre Elettrica, è ormai una divinità totalizzante. I Tecnosciamani, nuovi sacerdoti dell’era digitale, evocano il Dio Elettrico che governa ogni aspetto dell’esistenza con algoritmi, chip e occhi bionici. In questo paesaggio apocalittico, l’anima umana sembra non avere più spazio. Ma proprio quando tutto sembra perduto, un giovane — un rapper solitario — decide di alzare la voce, componendo una preghiera di resistenza e risveglio che sfida l’oppressione delle macchine.

La storia si dipana attraverso atmosfere che richiamano il miglior cinema di fantascienza sociale, da Blade Runner a Matrix, passando per echi letterari baudelairiani. Il tempo si frammenta, la realtà si dilata. Parigi del 1848 si intreccia con un presente sospeso e un futuro incerto, dove i rivoltosi gridano “aboliamo il tempo” e sparano agli orologi, mentre un nuovo poeta urbano cerca il senso della vita guardando una città plasmata da ogni possibile passato e futuro. Il risultato è una trama stratificata, filosofica e intensamente lirica, dove ogni vignetta sembra chiedere: è ancora possibile pregare quando la divinità ha un IP?

Il tratto onirico e potente di Arturo Lauria non è solo un supporto visivo alla storia: è la sua carne viva. Le tavole, dense di dettagli, ombre e simbolismi, sono un tributo esplicito ai maestri del fumetto fantascientifico come Moebius, Druillet e Wrightson. In questa estetica dark e pulsante, il protagonista emerge come una figura mitica, un eroe tragico che rappresenta la speranza nel cuore di una civiltà ormai disumanizzata. Le sue parole, impresse nei testi delle canzoni e nei dialoghi del fumetto, sono ferite e al tempo stesso balsamo, critica feroce e poesia viscerale.

Il debutto ufficiale dell’opera avverrà al COMICON Napoli, dove Anastasio sarà protagonista insieme agli autori e disegnatori per sessioni di sketch, dediche e incontri con i fan. Non mancheranno sorprese: domenica 4 maggio alle ore 17:00, nel suggestivo scenario del Giardino dei Cedri, il rapper si esibirà dal vivo in un concerto-evento esclusivo per il pubblico della fiera. Un’occasione unica per vivere dal vivo questa “opera rap” che, come dichiarato dall’artista stesso, è nata dal desiderio di rendere fiero “il ragazzino che ero”.

Il volume sarà distribuito nelle librerie, fumetterie e store digitali in versione regular e in un’edizione speciale a tiratura limitata. Quest’ultima conterrà, oltre alla graphic novel, anche il nuovo album in formato CD o vinile e uno speciale ciondolo Cyber-Mosca dotato di tecnologia NFC, attraverso cui sarà possibile accedere a contenuti digitali esclusivi. Un’idea che rafforza ulteriormente il ponte tra analogico e digitale, tra mondo fisico e cyberspazio, in perfetta sintonia con i temi centrali dell’opera.

Il progetto Le Macchine Non Possono Pregare rappresenta senza dubbio una delle esperienze più originali e coraggiose del panorama artistico italiano recente. In un’epoca in cui il confine tra musica, narrativa e arti visive è sempre più sfumato, Anastasio riesce a costruire un universo coerente e suggestivo, dove ogni elemento — canzone, vignetta, parola — concorre a raccontare una storia più grande, una riflessione profonda sulla direzione che l’umanità ha scelto di percorrere.

In un momento storico in cui la tecnologia promette salvezza ma spesso impone controllo, dove l’intelligenza artificiale sfida le ultime roccaforti della coscienza umana, Le Macchine Non Possono Pregare si propone come un’opera necessaria. È un grido poetico, un atto di ribellione spirituale, un’esortazione a non dimenticare che sotto strati di circuiti, app e automazione, pulsa ancora qualcosa di irriducibile: l’anima umana.

E se davvero, come scrive Anastasio, “in grembo alla ragnatela digitale è nato un nuovo dio”, forse è arrivato il momento di chiedersi chi siamo davvero. E se siamo ancora capaci di pregare.

Cinema & Tv

“Scissione” – Stagione 2: un viaggio intimo nell’identità fratturata

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Nel vasto panorama delle serie televisive contemporanee, poche riescono a combinare l’eleganza visiva, la potenza tematica e l’inquietudine esistenziale come “Scissione” (Severance). Dopo il debutto folgorante del 2022, la seconda stagione — nonostante una produzione travagliata e ritardi causati da tensioni creative e scioperi sindacali — torna finalmente su Apple TV+ e lo fa con una delicatezza chirurgica, portando lo spettatore ancora più a fondo nei meandri della mente divisa.

Dan Erickson, creatore e showrunner, dimostra un controllo narrativo impeccabile, mentre Ben Stiller e la direttrice della fotografia Jessica Lee Gagné plasmano un mondo visivo che è al tempo stesso glaciale e febbrile, freddo come i corridoi vuoti della Lumon e intenso come i volti sofferenti dei suoi personaggi. Non è semplice raccontare cosa accade in “Scissione”, non perché sia una serie criptica, ma perché ogni scena sembra portare il peso di significati molteplici, ogni gesto è una domanda sull’identità, ogni sguardo una frattura tra chi si è e chi si è costretti ad essere.

La stagione si apre con un ritmo volutamente più lento rispetto alla precedente. Non è un difetto, ma una scelta precisa: Erickson espande l’universo della Lumon Industries per dare respiro ai suoi personaggi, a quelle “personalità innestate” — gli Innie — che ora cominciano a interrogarsi sul loro diritto all’esistenza, al di là della funzione lavorativa che li giustifica. È un atto di ribellione, ma anche un grido d’identità. E qui, la scrittura trova la sua più grande forza: non si limita a raccontare un complotto aziendale, ma mette in scena una vera e propria guerra interiore tra il sé di superficie e quello profondo.

Al centro di tutto rimane Mark, interpretato da un Adam Scott semplicemente straordinario. La sua capacità di rendere tangibile la frattura tra il Mark “Outie”, segnato dal dolore e dalla malinconia, e il Mark “Innie”, costretto a recitare una versione sempre sorridente di sé, raggiunge qui il suo apice. Nel momento in cui entrambe le sue versioni iniziano a cercare la moglie Gemma (Dichen Lachman), creduta morta e invece legata in modi oscuri alla Lumon, la serie si trasforma in un dramma esistenziale travestito da thriller sci-fi. Il nono episodio, “The After Hours”, è un punto di svolta emotivo devastante, in cui Scott mette in scena lo scontro tra la consapevolezza e la negazione, tra amore e controllo.

Non meno centrale è la figura di Helly, incarnata con impeto e vulnerabilità da Britt Lower. Se nella prima stagione Helly era il simbolo della rivolta istintiva, ora è anche l’emblema della confusione affettiva: il suo legame con Mark si approfondisce, ma viene manipolato dalla sua controparte esterna, Helena Eagan, che continua a usare i sentimenti della propria metà “spezzata” per i fini della famiglia. Questo sdoppiamento, che potrebbe suonare forzato in un’altra serie, qui diventa straziante — come se ogni personaggio vivesse una tragedia greca intrappolata in un algoritmo aziendale.

Un altro arco narrativo che sorprende per maturità e sensibilità è quello di Dylan, interpretato da Zach Cherry. La possibilità concessa al suo Outie di vedere la moglie mentre è ancora “al lavoro” crea un cortocircuito emozionale toccante. Dylan diventa il primo esempio concreto di come le due versioni di una persona possano finalmente riconoscersi e accettarsi, portando una speranza che però viene subito messa in discussione da una struttura che si regge sulla negazione dell’individualità.

Ma è Irving, interpretato da un intenso John Turturro, a dominare con un arco narrativo che fonde amore, paranoia e sacrificio. Il suo rapporto con Burt (Christopher Walken) evolve in un secondo atto tragico e poetico, carico di tenerezza e rimpianto. L’ostinazione con cui Irving cerca la verità — e la bellezza con cui quella verità viene rivelata — rappresentano il cuore più puro della serie: il desiderio umano di capire chi siamo veramente, anche a costo della sofferenza.

La regia, firmata anche da Jessica Lee Gagné nell’episodio “Chikhai Bardo”, offre un linguaggio visivo sempre più vicino al cinema d’autore. Le atmosfere ricordano Eternal Sunshine of the Spotless Mind e Dollhouse, ma con una cifra tutta propria. Il loop narrativo che inizia con la corsa disperata di Mark e termina con quella liberatoria insieme a Helly è un colpo di genio che incapsula tutto il significato della stagione: dal panico alla speranza, dalla separazione alla riconnessione.

La serie non è priva di difetti. Alcune sottotrame, come quella di Harmony Cobel (Patricia Arquette), risultano allungate oltre il necessario. I momenti dedicati alla sua vita post-Lumon rallentano il ritmo in modo forse eccessivo, anche se trovano una loro ragione narrativa nell’ottavo episodio, dove il suo legame con l’azienda assume contorni più umani e meno ideologici. In compenso, Seth Milchick (Tramell Tillman) si rivela una figura sempre più interessante: il suo ruolo di aguzzino per necessità, costretto a mantenere l’ordine in un sistema che lui stesso non comprende più, regala momenti di grande tensione e ambiguità.

Visivamente, “Scissione” si conferma come una delle serie più affascinanti della televisione contemporanea. Le ambientazioni glaciali, i giochi di luce e la regia ipnotica trasformano ogni episodio in un’opera d’arte inquieta. L’episodio ambientato a Woe’s Hollow e quello nel villaggio di Sweet Vitriol sono esempi perfetti di come forma e contenuto possano fondersi per raccontare la desolazione interiore dei personaggi.

In definitiva, la seconda stagione di “Scissione” non è solo un ritorno riuscito: è un passo avanti nella costruzione di una mitologia moderna che parla di libertà, identità e amore in tempi di sorveglianza e alienazione. Ogni personaggio lotta per affermare la propria esistenza, ogni scena è una riflessione sul nostro rapporto con il lavoro, con la memoria, con il corpo. E se è vero che il finale lascia molte domande aperte, è altrettanto vero che ormai siamo pienamente coinvolti: come gli Innie, anche noi spettatori siamo diventati parte del sistema.

La buona notizia? La terza stagione è già stata annunciata. E dopo un finale così intenso, l’attesa non farà che aumentare il desiderio di tornare a varcare — ancora una volta — le porte della Lumon.

Books + Comics

Star Comics presenta tre imperdibili titoli da ComiXology Originals: Canary, Book of Evil e Afterlift

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A partire dal mese di aprile, il catalogo Astra di Star Comics si arricchisce con tre titoli eccezionali che provengono direttamente dall’acclamata piattaforma ComiXology Originals. Questa linea, che ha segnato un punto di riferimento per gli amanti dei fumetti digitali prima di essere acquisita da Amazon nel 2014, ha dato vita a opere straordinarie che ora arrivano in formato cartonato nelle fumetterie e librerie italiane, pronte a conquistare anche il pubblico tradizionale.

Il primo titolo a debuttare, l’8 aprile 2025, è Canary, un’opera in cui l’horror gotico e il western si fondono in modo inedito. Scritto dal talentuoso Scott Snyder, noto per i suoi successi come Batman e American Vampire, e illustrato da Dan Panosian, celebre per il suo lavoro con DC Comics, Marvel e nel mondo del cinema, Canary è una storia che non teme di esplorare le tenebre più profonde. Ambientato negli ultimi giorni della Corsa all’Oro, il fumetto racconta la storia di una compagnia mineraria che, nel tentativo di scavare per trovare oro, scova un deposito di uranio radioattivo. L’incidente che ne segue porta alla creazione di leggende su una miniera maledetta, mentre in una tranquilla cittadina delle Montagne Rocciose i crimini e la follia si diffondono a macchia d’olio. Un giovane geologo e l’agente federale Azrael William Holt saranno chiamati a risolvere il mistero che si cela dietro questi eventi sovrannaturali. Canary è una lettura densa e avvincente, che mescola storia, horror e western, per un risultato che lascia senza fiato.

Il volume sarà disponibile in due edizioni: la versione standard, al prezzo di €15,90, e una Variant Cover Edition, che si potrà acquistare per €17,90. Il cartonato, formato 17×26 cm, include 136 pagine a colori e si preannuncia come uno degli eventi più attesi per gli appassionati di fumetti e di storie che mescolano l’oscurità alla tradizione americana.

A seguire, il 27 maggio 2025, arriva Book of Evil, un altro progetto firmato da Scott Snyder, questa volta in collaborazione con il leggendario Jock, noto per il suo lavoro su 2000 AD e The Losers. Con Book of Evil, gli autori ci offrono una visione distopica e inquietante di un futuro in cui la psicopatia è diventata la nuova normalità. L’idea alla base di questa inquietante narrazione è semplice ma terribile: cosa succederebbe se, per motivi inspiegabili, quasi tutti i bambini nati nel mondo diventassero psicopatici? La trama ci porta 50 anni nel futuro, dove quattro amici intraprendono un viaggio attraverso un’America sconvolta, alla ricerca di un angolo di “normalità” rimasto intatto. L’intreccio di Snyder si fonde perfettamente con lo stile visivo di Jock, creando una storia che esplora le profondità dell’animo umano, il tutto con una potenza evocativa che rende Book of Evil una lettura indimenticabile.

Anche Book of Evil sarà disponibile in due edizioni: la versione standard, al prezzo di €15,90, e la Variant Cover Edition, che costerà €17,90. Il volume è un cartonato di 184 pagine, formato 17×26 cm, ricco di colori vividi e dettagli grafici che accentuano l’atmosfera disturbante dell’opera.

Infine, il 1° luglio 2025, arriverà Afterlift, il fumetto che ha conquistato pubblico e critica, vincendo il prestigioso Eisner Award nel 2020 nella categoria “Best Digital Series”. Firmato da Chip Zdarsky, conosciuto per il suo lavoro su Daredevil e Sex Criminals, e da Jason Loo, autore di Pitiful Human-Lizard, Afterlift racconta la storia di Janice Chen, una semplice autista di ride-sharing, la cui vita viene sconvolta quando accoglie due misteriosi passeggeri inseguiti da forze soprannaturali. Tra inseguimenti a tutta velocità, cacciatori di taglie demoniaci e tematiche più profonde come il senso di colpa e la responsabilità, Afterlift mescola azione e riflessioni esistenziali, regalando un’avventura unica nel suo genere. Il fumetto è perfetto per chi cerca una storia ricca di adrenalina e colpi di scena, ma anche di significato e introspezione.

Afterlift sarà disponibile in edizione standard al prezzo di €15,90 e in una Variant Cover Edition, che potrà essere acquistata per €17,90. Il volume, in formato cartonato e con 136 pagine a colori, è pronto a portare i lettori in un viaggio che esplora i confini tra la vita e la morte, tra la realtà e l’aldilà, con una narrazione che non teme di osare.

Con queste tre nuove uscite, Star Comics si prepara a regalare ai lettori italiani tre titoli imperdibili, ognuno dei quali rappresenta una fusione perfetta di narrazione e arte visiva, che saprà soddisfare anche i gusti dei fan più esigenti. Non c’è dubbio che Canary, Book of Evil e Afterlift siano destinati a diventare dei punti di riferimento nel panorama fumettistico internazionale, portando con sé avventura, mistero e adrenalina in dose massiccia.

Cinema & Tv, Hi-Tech

“Nubbin” di Black Mirror: se la distopia si infila nella tempia (e noi lasciamo fare)

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Chi conosce Black Mirror sa bene che ogni stagione non è solo una serie di episodi autoconclusivi, ma un campo di sperimentazione concettuale, un laboratorio di idee futuristiche e una critica pungente della nostra ossessione tecnologica. Ma con la settima stagione, disponibile su Netflix, la serie antologica firmata Charlie Brooker ha compiuto un ulteriore salto di qualità: ha portato il confine tra finzione e realtà a un nuovo livello grazie a un’operazione di marketing virale perfettamente architettata.

Il protagonista occulto di questa trovata è il TCKR Nubbin, un piccolo e inquietante dispositivo apparso in diversi episodi della nuova stagione – da Hotel Reverie a Eulogy, fino a USS Callister: Into Infinity, sequel dell’iconico episodio della quarta stagione.

Un ritorno tecnologico: dalle “experiencer disks” al Nubbin

Il Nubbin non è una novità assoluta per i fan di lunga data: le sue origini risalgono all’indimenticabile episodio San Junipero della terza stagione, dove era noto come “experiencer disk”. Lì, dispositivi simili permettevano ai personaggi di accedere a una realtà virtuale immortale, rifugio nostalgico e digitale. Lo stesso tipo di tecnologia è poi riapparso in Striking Vipers e nell’originale USS Callister, rendendo il Nubbin una sorta di marchio di fabbrica per le narrazioni più immersive della serie.

Nella settima stagione, però, il Nubbin assume una nuova centralità narrativa: è un’interfaccia neurale, applicata direttamente vicino alla tempia, capace di manipolare la percezione, sovrascrivere la realtà e trasportare l’utente in ambienti completamente simulati. Gli occhi dei personaggi si offuscano, la mente si estranea. Non è solo un gadget futuristico, ma una finestra su universi alternativi. Un’idea potente, inquietante e tremendamente plausibile.

Ma il Nubbin è reale?

Questa è la domanda che molti spettatori si sono posti. Ed è qui che inizia il vero capolavoro di marketing.

Il team di Black Mirror, in collaborazione con Netflix, ha lanciato una massiccia campagna transmediale: profili social ufficiali per la fittizia TCKR Systems, un sito aziendale altamente credibile con offerte di lavoro su LinkedIn, e persino video promozionali in cui noti influencer e brand (come Currys, rivenditore britannico di tecnologia) mostrano il Nubbin in funzione.

Il risultato? Una massiccia ondata di confusione. TikTok, Instagram, persino YouTube sono stati invasi da pubblicità realistiche che presentavano il Nubbin come un vero prodotto emergente. Alcuni utenti, ignari del legame con la serie, hanno davvero creduto che stesse per arrivare sul mercato un’interfaccia neurale simile. Un utente su X (ex Twitter) ha scritto: “Ho visto una pubblicità del Nubbin su YouTube e ho scoperto solo dopo che era per Black Mirror. Mi ha mandato nel panico.”

E non è stato l’unico. In molti hanno definito la campagna “la miglior trovata pubblicitaria degli ultimi anni”. Un perfetto esempio di come il marketing possa diventare narrazione.

Il sito web di TCKR Systems: un esempio di worldbuilding

Sul sito ufficiale (fittizio, ovviamente) di TCKR Systems, il Nubbin viene descritto come l’ultima frontiera della coscienza digitale: “La soluzione alle nostre sfide non verrà dal cambiare il mondo reale, ma dall’entrare in uno nuovo.”

Lo storytelling è curato nei minimi dettagli: dall’estetica corporate fredda e patinata, alle descrizioni entusiasmanti che parlano di “immersione nella nostalgia”, “viaggi galattici”, e “realtà ridefinita”. Ogni elemento è pensato per confondere e coinvolgere, creando una zona grigia tra realtà e fiction in pieno stile Black Mirror.

Realtà o distopia?

È inevitabile il confronto con le tecnologie reali. Se oggi i visori come Apple Vision Pro o Meta Quest rappresentano il vertice della VR non invasiva, il Nubbin ci proietta direttamente nel territorio delle interfacce cerebrali. Il paragone più azzardato – ma non così lontano – è quello con Neuralink, il progetto visionario (e controverso) di Elon Musk che punta a collegare il cervello umano con i computer.

Eppure, Black Mirror ci suggerisce un futuro ancora più intimo, pervasivo, e pericolosamente seducente.

Quando la finzione plasma il marketing

Il Nubbin non è solo un espediente narrativo. È la dimostrazione vivente – o meglio, virtuale – di come la promozione di una serie possa diventare parte integrante della sua mitologia. In un’epoca in cui il pubblico è sempre più smaliziato, la vera sfida è sorprenderlo. E Black Mirror lo fa con maestria, sfumando i confini tra intrattenimento e realtà.

Non ci resta che domandarci: quanto manca, davvero, a che qualcosa come il Nubbin diventi realtà? E, soprattutto, saremo pronti ad affrontarne le implicazioni?

Nel frattempo, il consiglio è uno solo: diffidate delle pubblicità troppo convincenti. Potrebbero arrivare direttamente… dal futuro.

Books + Comics

“Bruciare” di Naomi Booth: Un romanzo sci-fi e horror che brucia sotto la pelle dei lettori

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Il 9 aprile, nelle librerie italiane, arriva un romanzo che promette di scuotere profondamente chi lo leggerà. Si tratta di Bruciare, il primo romanzo di Naomi Booth pubblicato in Italia. La scrittrice britannica, docente di scrittura e letteratura alla York St John University, si distingue per il suo interesse verso la storia letteraria, la narrativa contemporanea e in particolare le tematiche legate al corpo e all’ambiente. In questo libro, Booth intreccia una storia che va ben oltre i confini di un semplice romanzo di genere, con sfumature di fantascienza, horror contemporaneo, e temi di forte critica sociale e ambientale. Il romanzo ha subito conquistato la critica internazionale, tanto da essere selezionato tra i 50 libri che dovresti leggere secondo The Guardian, che ha anche inserito Bruciare tra i finalisti del prestigioso Not the Booker Award. Ma cos’è che rende questo romanzo così unico e affascinante? La risposta è nella sua capacità di trattare alcuni dei temi più urgenti e drammatici dei nostri tempi, come la maternità, la gravidanza, l’amore, e la crescente contaminazione ambientale, il tutto in un contesto di tensione e terrore.

Un mondo avvelenato dalla paura e dalla contaminazione

Nel cuore di Bruciare, la protagonista, Alice, vive in un mondo in cui l’aria è letteralmente avvelenata, e ogni respiro è una lotta contro un’infezione che si insinua nei corpi e nell’ambiente. La città è un luogo soffocante dove il cielo è coperto da uno strato di smog e tossine, e la pelle dei suoi abitanti si ribella, ammalandosi e trasformandosi in un’arma letale. Alice, terrorizzata dal pensiero di svegliarsi un giorno senza più riconoscersi, decide di fuggire. Cerca un luogo sicuro, lontano dalla contaminazione, dove la natura è ancora intatta, i fiori colorati sbocciano senza paura e il sole tramonta senza smog. Ma c’è un dettaglio che sfugge alla sua mente: nel suo ventre sta crescendo una vita, un bambino che rappresenta un futuro incerto, un futuro che lei teme potrebbe non esserci più.

Ciò che colpisce immediatamente di Bruciare è la potenza con cui Booth descrive il corpo umano in subbuglio, lacerato tra la paura di un futuro incerto e il desiderio di sopravvivenza. La scrittura della Booth ha suscitato paragoni con quella di Margaret Atwood, nota per la sua capacità di esplorare le zone oscure della vita umana. Entrambe le autrici affrontano la paura, la disillusione e la lotta per un futuro in un mondo che sembra sempre più minacciato dalla nostra stessa incoscienza. In Bruciare, il corpo non è solo un veicolo di vita, ma anche un campo di battaglia, un luogo di resistenza contro una realtà che sta lentamente deteriorando tutto ciò che conosciamo.

Le parole di Alice riecheggiano la distorsione della sua realtà: «La pelle è davvero intelligente», le diceva sua madre quando era bambina, ma quella stessa pelle che una volta proteggeva ora è una maledizione. La pelle diventa un simbolo della fragilità umana in un mondo che non perdona, un mondo dove le vecchie magie di guarigione sono state sostituite dalla disperazione. La pelle di Alice non è più un muro che protegge, ma una superficie che brucia e trasforma.

Il manifesto di una realtà distopica

Bruciare non è solo un romanzo che esplora il lato oscuro del corpo umano e del suo ambiente, ma è anche un manifesto femminista, che offre una riflessione profonda e urgente sulla maternità e sull’autoaffermazione in un mondo che sta rapidamente perdendo la sua stabilità. La gravidanza di Alice non è solo un tema intimo e privato, ma un atto di resistenza contro la distopia ambientale che la circonda. Il suo corpo, che porta in sé una nuova vita, diventa un simbolo di speranza e paura, di bellezza e sofferenza.

Il romanzo offre anche uno spunto di riflessione sulle nostre azioni nei confronti dell’ambiente. Bruciare è una sorta di previsione inquietante di ciò che potrebbe accadere se non iniziamo a prenderci cura del nostro pianeta. La contaminazione, l’inquinamento e la crisi ecologica sono temi che non solo caratterizzano l’ambientazione del libro, ma che ne diventano il cuore pulsante. La paura di non avere più un posto sicuro da chiamare “casa” diventa la paura di non poter più abitare un mondo che è destinato a svanire sotto il peso delle nostre stesse azioni. In definitiva, Bruciare di Naomi Booth è un’opera che non si limita a raccontare una storia, ma che induce il lettore a riflettere profondamente sulle nostre paure e sulle nostre scelte. Con una scrittura che mescola viscerale e poetico, l’autrice ci offre un racconto incandescente e disturbante che ci pone davanti a una realtà che potrebbe essere quella di domani se non reagiamo in tempo. Un romanzo che non solo si fa leggere, ma che si fa sentire, bruciando sotto la pelle del lettore e lasciando cicatrici difficili da dimenticare.Bruciare è il secondo volume della collana Selvatica di Wudz Edizioni, una serie che esplora mondi oscuri e inquietanti, e che continuerà a proporre opere capaci di farci guardare oltre la superficie della realtà. Con questo romanzo, Naomi Booth si afferma come una delle voci più potenti nel panorama della letteratura contemporanea, capace di unire il genere sci-fi e horror con una riflessione profonda sulle questioni ambientali e sociali. Un libro che, senza dubbio, merita di essere letto.

Approfondimenti, Cinema & Tv

La stagione finale di The Handmaid’s Tale

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C’è un silenzio inquieto nell’aria, il tipo di quiete che precede l’ultima battaglia. Dopo anni di premi, consensi e una narrativa tagliente come una lama, The Handmaid’s Tale si prepara a calare il sipario con una sesta e conclusiva stagione. A partire dall’8 aprile 2025, TimVision – ancora una volta in contemporanea con gli Stati Uniti e in esclusiva per l’Italia – porterà in streaming i primi tre episodi di questa epica chiusura, con appuntamenti settimanali fino al 27 maggio, data del gran finale.

Sin dal suo debutto nel 2017, la serie creata da Bruce Miller e basata sull’omonimo romanzo distopico del 1985 di Margaret Atwood, Il racconto dell’ancella, ha saputo conquistare lo spettatore con una narrazione brutale, potente e profondamente politica. Ambientata in un futuro prossimo dove l’umanità affronta un drammatico calo della fertilità a causa di inquinamento e malattie, la storia si svolge nella teocrazia totalitaria di Gilead, un regime sorto sulle ceneri degli Stati Uniti d’America. Qui le donne hanno perso ogni diritto: non possono lavorare, leggere o possedere denaro. La loro esistenza è rigidamente controllata, definita da ruoli precisi e da un sistema oppressivo e violento. Le “Ancelle”, vestite di rosso come il sangue che il regime vuole far loro versare ogni mese, vengono assegnate alle famiglie più potenti per subire rituali di stupro e portare in grembo i figli di altri. Le “Mogli”, in abiti blu, regnano sulla casa; le “Marta”, in grigio, la mantengono operativa; mentre le “Zie”, in marrone scuro, istruiscono le Ancelle con dottrina e punizioni. Tutto è sorvegliato dagli “Occhi”, la polizia segreta del regime. In questo universo opprimente, la protagonista June Osborne – ribattezzata Difred, “di proprietà di Fred” – lotta per sopravvivere e per ritrovare la figlia che le è stata strappata via.

Elisabeth Moss, vera anima della serie, ha dato a June una complessità rara: è al tempo stesso vittima e ribelle, madre spezzata e leader nata. Il suo volto, con lo sguardo incorniciato dal cappuccio bianco dell’Ancella, è diventato simbolo iconico della resistenza femminile contemporanea. E ora, dopo cinque stagioni che hanno trasformato la sofferenza in rivoluzione e la prigionia in lotta, ci avviciniamo al punto di non ritorno.

Nella sesta stagione, June si ritrova nuovamente al centro dello scontro finale contro Gilead. La sua determinazione è più feroce che mai. Accanto a lei, Luke e Moira si uniscono alla resistenza, mentre Serena cerca disperatamente di redimere Gilead dall’interno. Il comandante Lawrence e zia Lydia devono fare i conti con il peso delle loro scelte, mentre Nick si ritrova ad affrontare prove morali che potrebbero cambiare per sempre il suo destino. È una stagione di resa dei conti, in cui ogni personaggio viene messo davanti al proprio passato e costretto a scegliere da che parte stare.

Il cast principale, ormai collaudato e straordinariamente affiatato, torna al completo con Elisabeth Moss, Yvonne Strahovski, Bradley Whitford, Max Minghella, Ann Dowd, O.T. Fagbenle, Samira Wiley, Madeline Brewer, Amanda Brugel, Sam Jaeger, Ever Carradine e Josh Charles. Dietro le quinte, la produzione è guidata da Bruce Miller (anche ideatore della serie), insieme a Warren Littlefield, Eric Tuchman e Yahlin Chang, che ne sono i co-showrunner, e con la partecipazione della stessa Elisabeth Moss tra i produttori esecutivi. La serie è prodotta da MGM e distribuita a livello globale da Amazon MGM Studios Distribution.

The Handmaid’s Tale non è solo una serie, è un monito. Dalla sua prima apparizione su Hulu il 26 aprile 2017 – e su TimVision in Italia il 26 settembre dello stesso anno – ha ridefinito cosa può essere la televisione di genere. Ha saputo mescolare l’estetica distopica con un’agghiacciante vicinanza al nostro presente, affrontando temi come la repressione dei diritti, la maternità forzata, la violenza istituzionalizzata e il potere della memoria. In un’epoca in cui le cronache reali sembrano talvolta rincorrere la finzione, la serie ha colpito nel segno, stagione dopo stagione.

Dalla seconda stagione – rilasciata su Hulu il 25 aprile 2018 e su TimVision dal giorno successivo – fino alla quinta, trasmessa tra settembre e novembre 2022, la serie ha mantenuto una qualità narrativa altissima, affrontando anche ostacoli produttivi come la pandemia di COVID-19 che aveva interrotto la lavorazione della quarta stagione. Ma ogni ritorno sullo schermo è stato un evento, un’ulteriore immersione nell’universo crudele e affascinante di Gilead.

Il 9 settembre 2022 è arrivata l’ufficialità: The Handmaid’s Tale sarebbe tornata per una sesta stagione, l’ultima. E ora, con l’uscita fissata per l’8 aprile 2025 su TimVision, l’attesa si fa febbrile. Tre episodi per iniziare, e poi un appuntamento settimanale, come un lento e doloroso conto alla rovescia verso l’addio.

Per i fan storici della serie e per chi è in cerca di una storia potente, capace di smuovere coscienze e porre domande scomode, questa stagione rappresenta un momento imperdibile. The Handmaid’s Tale non è mai stata una visione facile, ma proprio per questo è necessaria. È una distopia che parla del presente, un dramma che pulsa di rabbia e speranza, un manifesto visivo e narrativo che ha fatto la storia della televisione moderna.

In un panorama televisivo sempre più affollato, The Handmaid’s Tale resta un faro. E ora che il viaggio volge al termine, non resta che seguirne ogni passo fino all’ultima, indimenticabile pagina.

AULAMANGA, Cinema & Tv

Gachiakuta: Il Nuovo Anime Shonen di Crunchyroll che Promette Azione e Vendetta

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Crunchyroll ha sorpreso ancora una volta gli appassionati di anime annunciando l’adattamento di Gachiakuta, una delle serie shonen più attese degli ultimi anni. Il manga, nato dalla mente di Kei Urana e arricchito dall’arte urbana di Hideyoshi Andou, ha conquistato il pubblico giapponese grazie alla sua estetica ispirata ai graffiti e alla trama intensa e spietata. E ora, grazie a Studio Bones (My Hero Academia, Fullmetal Alchemist: Brotherhood), questa storia carica di adrenalina prenderà vita sul piccolo schermo nell’estate del 2025, in esclusiva su Crunchyroll.

L’anime di Gachiakuta promette di trascinare gli spettatori in un mondo distopico brutale e affascinante. La vicenda si svolge in una città galleggiante, dove i criminali e i rifiuti vengono gettati senza pietà in un abisso apparentemente senza fine, noto come la Fossa. Qui finisce Rudo, il giovane protagonista, accusato ingiustamente di omicidio e condannato all’esilio. Sopravvivere in questo inferno non è semplice: le Trash Beasts, creature mostruose generate dai rifiuti, infestano la Fossa, e ogni giorno è una battaglia per restare in vita. Ma Rudo non è tipo da arrendersi. La sua lotta non è solo per la sopravvivenza, ma per la verità e la vendetta.

L’adattamento anime vanta un team creativo di prim’ordine. Alla regia troviamo Fumihiko Suganuma (Train to the End of the World), mentre la sceneggiatura è affidata a Hiroshi Seko, già noto per il suo lavoro su Chainsaw Man, Jujutsu Kaisen e Attack on Titan: Final Season. Il character design e la direzione dell’animazione saranno curati da Satoshi Ishino (Date A Live, Tokyo Mew Mew New), mentre la colonna sonora sarà composta da Taku Iwasaki, celebre per le musiche di Bungo Stray Dogs e Shin Kamen Rider.

Il manga Gachiakuta ha debuttato sulle pagine del Weekly Shōnen Magazine di Kodansha nel febbraio 2022 e, nel giro di poco tempo, ha riscosso un successo clamoroso. Il suo stile visivo unico, che unisce il dinamismo dello shonen all’estetica urbana dei graffiti, ha reso l’opera immediatamente riconoscibile. Non a caso, ha vinto il Global Special Prize ai Next Manga Awards 2022. La serie è arrivata in Italia grazie a Star Comics nel 2023, permettendo anche ai lettori nostrani di immergersi nella sua storia cruda e avvincente.

L’hype per l’anime è già alle stelle, complice il teaser trailer e il key visual rilasciati il 13 giugno 2024, che hanno subito acceso l’entusiasmo dei fan. Durante l’Anime Expo 2024 di Los Angeles, il panel dedicato a Gachiakuta ha svelato dettagli inediti sulla produzione, tra cui un retroscena sorprendente: l’adattamento anime era stato preso in considerazione ancora prima della pubblicazione del primo volume del manga. Questo dimostra quanto il progetto fosse ambizioso sin dall’inizio.

Dopo dieci anni dalla loro ultima collaborazione su Noragami, Kodansha e Studio Bones tornano a unire le forze per portare Gachiakuta al grande pubblico. L’obiettivo è chiaro: ricreare l’energia e l’estetica del manga con un mix di animazione 2D e 3D, garantendo un’esperienza visiva spettacolare. Con Crunchyroll a distribuire la serie a livello globale (esclusa l’Asia ma inclusa l’India), Gachiakuta si prepara a diventare uno dei titoli di punta della prossima stagione anime.

Se non avete ancora letto il manga, questo è il momento perfetto per recuperarlo. Perché quando Gachiakuta debutterà nell’estate del 2025, vi ritroverete catapultati in un mondo brutale, mozzafiato e impossibile da dimenticare.

L’annuncio dell’anime è arrivato il 13 giugno 2024, accompagnato da un key visual e un teaser trailer diffusi attraverso i canali ufficiali del progetto. Per celebrare l’occasione, Kei Urana ha realizzato un’illustrazione speciale che ha fatto impazzire i fan. Un momento cruciale per la promozione dell’adattamento è stato il panel dedicato a Gachiakuta durante l’Anime Expo 2024, tenutosi al Los Angeles Convention Center. Qui, il pubblico ha avuto l’occasione di scoprire dettagli inediti sulla produzione dell’anime, inclusa una rivelazione sorprendente: l’idea di adattare Gachiakuta era stata discussa ancora prima della pubblicazione del primo volume del manga.

A dieci anni dalla loro ultima collaborazione per Noragami, Kodansha e Studio Bones tornano a lavorare insieme per dare vita a Gachiakuta. Il progetto, ancora in fase iniziale, punta a combinare tecniche di animazione 2D e 3D per rendere giustizia allo stile visivo denso e dettagliato del manga. Uno degli obiettivi principali dell’anime è quello di far conoscere la serie a un pubblico internazionale, ampliandone la base di fan oltre i confini giapponesi. Se non conoscete ancora Gachiakuta, è il momento di recuperare il manga. Perché, quando l’anime arriverà, sarete catapultati in un mondo brutale, affascinante e impossibile da dimenticare.

Books + Comics

Napalm Lullaby di Rick Remender e Bengal dal 14 marzo in Italia con saldaPress

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Nel panorama fumettistico contemporaneo, poche opere riescono a catturare l’immaginazione dei lettori come Napalm Lullaby, una serie di Image Comics che ha fatto il suo debutto in Italia grazie a saldaPress. Questa nuova e ambiziosa serie, che si sviluppa in due volumi, unisce l’energia dei supereroi a una critica pungente all’integralismo religioso, creando una narrazione che affonda radici nelle problematiche sociali e politiche del nostro tempo.

Nel cuore della trama di Napalm Lullaby troviamo un giovane bambino, posseduto da un potere inimmaginabile, che cresce sotto l’influenza di una setta religiosa. Convinto di essere un dio, il ragazzo, ora adulto, si fa chiamare Magnifico Leader e, grazie alla sua forza sovrumana, impone il suo dominio sul mondo intero, dando vita alla teocrazia definitiva. Un regno di oscurantismo, violenza e repressione che non lascia scampo a chiunque osi opporsi. La sua regola è chiara e implacabile: “Unisciti a noi o muori”.

Tuttavia, in questo mondo distopico, dove la libertà di pensiero è schiacciata e l’individualità annientata, due ragazzi, un fratello e una sorella, decidono di sfidare l’impero del Magnifico Leader. Questi due giovani protagonisti si imbarcano in una missione pericolosa, un viaggio che non solo li porterà a confrontarsi con il potere del culto religioso, ma anche con la verità nascosta dietro la storia della loro stessa famiglia. Un intreccio avvincente che mescola azione, riflessione e dramma familiare, dando vita a una trama che si distingue per la sua intensità e la sua profondità emotiva.

La serie, che ha già suscitato grande interesse tra i lettori di fumetti, è scritta dal talentuoso Rick Remender, un nome che non ha bisogno di presentazioni per chi segue il mondo dei comics. Remender, noto per le sue storie complesse e provocatorie, riesce a mescolare perfettamente il tema dei super-poteri con una critica feroce al pensiero unico e all’intolleranza, creando un’opera che non solo intrattiene, ma stimola anche la riflessione su temi cruciali come la libertà di pensiero e il libero arbitrio. La sua capacità di trattare temi sociali in un contesto fantastico è una delle caratteristiche che rendono Napalm Lullaby una serie così unica e affascinante.

A dare forma visiva a questa straordinaria storia è il fumettista francese Bengal, che con il suo tratto inconfondibile riesce a dare vita a una serie dalle atmosfere cupe e avvolgenti, dove l’azione e l’emotività sono resi con una maestria senza pari. Le tavole di Bengal sono cariche di energia e tensione, ma al contempo sanno trasmettere una delicatezza e una profondità che arricchiscono ulteriormente la trama. Ogni pagina di Napalm Lullaby è una sinfonia visiva che accompagna il lettore in un viaggio emozionante e riflessivo, dove la bellezza del disegno si fonde con la potenza della narrazione.

Il primo volume di Napalm Lullaby è disponibile in tutte le librerie italiane a partire dal 14 marzo, e i fan dei fumetti potranno anche trovare una variante della copertina realizzata dal rinomato Daniel Warren Johnson, che aggiunge un ulteriore strato di appeal visivo all’opera. Con la sua pubblicazione, la serie si conferma come un’importante proposta editoriale per tutti coloro che amano le storie distopiche, i supereroi e, soprattutto, le opere che non hanno paura di affrontare tematiche rilevanti e urgenti.

In un’epoca in cui la libertà di pensiero sembra essere sotto attacco da molteplici fronti, Napalm Lullaby si erge come una chiara e forte dichiarazione a favore di chi sceglie di pensare con la propria testa, di chi crede nel valore del libero arbitrio e di chi lotta contro ogni forma di intolleranza. Non solo un fumetto, ma un’opera che parla direttamente al nostro presente, invitandoci a riflettere sulle scelte che facciamo e sulle forze che cercano di manipolarci.

Books + Comics

Sergio Bonelli Editore presenta Lilith 02

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Sergio Bonelli Editore è pronto a portare un altro capitolo avvincente della saga distopica di Lilith nelle librerie e fumetterie italiane, a partire dal 28 marzo. Il secondo volume della serie, che si intitola Lilith 02, arricchirà i lettori con un’esperienza unica, grazie al formato inedito e alla presenza delle introduzioni dell’autore Luca Enoch. In questo volume, i fan della saga troveranno due episodi imperdibili: Il fronte di pietra e Cavalcando con il diavolo. Due storie che proseguono l’avventura di Lilith, un personaggio complesso e affascinante che ha già conquistato migliaia di lettori.

La trama di Lilith 02 si inserisce nel cuore della missione della protagonista, Lilith, una cronoagente le cui azioni hanno lo scopo di cambiare il destino del mondo. La sua determinazione e la sua letalità la rendono un personaggio in grado di affrontare le sfide più estreme, sempre con un obiettivo preciso: evitare lo sterminio dell’umanità e riscrivere la storia. Nel primo episodio del volume, intitolato Il fronte di pietra, Lilith prosegue la sua missione in un contesto storico turbolento e sanguinoso. L’ambientazione si sposta sul fronte italiano durante la Prima Guerra Mondiale, dove la cronoagente deve compiere il suo compito mentre il rumore delle bombe e delle mitragliatrici fa da sottofondo a una lotta fratricida che non sembra avere fine. In questo scenario drammatico e devastante, Lilith è chiamata a risolvere un enigma che potrebbe cambiare le sorti del conflitto.

Ma la storia non si ferma qui. Il fronte di pietra porta Lilith anche nei teatri di guerriglia che caratterizzano la seconda metà del XIX secolo, tra le bande che si aggirano all’ombra della Grande Guerra di Secessione Americana. Un altro momento cruciale per la cronoagente, che dovrà navigare attraverso le insidie di un conflitto che si combatte non solo sul campo di battaglia, ma anche nelle menti e nei cuori delle persone coinvolte.

La scrittura di Luca Enoch, sempre intensa e coinvolgente, dipinge una realtà distopica in cui ogni mossa di Lilith è decisiva, in un continuo gioco di equilibri tra il passato, il presente e il futuro. La sua capacità di intrecciare eventi storici reali con la fiction distopica rende la serie particolarmente affascinante per i lettori, che si trovano catapultati in un mondo in cui ogni errore potrebbe significare la fine di tutto.

La saga di Lilith, nata dalla mente di Luca Enoch, è quindi una delle serie più intriganti e complesse del panorama fumettistico italiano contemporaneo. Con un personaggio principale come Lilith, forte, indipendente e determinata, la serie affronta tematiche universali come il destino, la guerra, il sacrificio e la lotta per la sopravvivenza. Ogni volume è un invito a riflettere sulle scelte fatte nel corso della storia e sulle possibilità di cambiare il futuro.

Il volume Lilith 02 non è solo un’altra avventura della cronoagente, ma un vero e proprio viaggio nelle pieghe più oscure della storia dell’umanità, con la promessa di nuovi sviluppi ancora più entusiasmanti. Grazie alla cura nei dettagli e alla profondità dei personaggi, Luca Enoch riesce a creare un racconto che non solo intrattiene, ma stimola anche la riflessione.

Con Lilith 02, la saga continua a evolversi, e i lettori sono chiamati a seguire Lilith in un nuovo capitolo ricco di azione, mistero e colpi di scena. Per tutti gli appassionati di storie distopiche e di fumetti d’autore, il nuovo volume di Lilith è un appuntamento imperdibile, che promette di affascinare e coinvolgere con la sua intensa narrazione.

Non perdere l’opportunità di scoprire Lilith 02, disponibile dal 28 marzo in tutte le librerie e fumetterie italiane.

Approfondimenti, AULAMANGA, Books + Comics, Cinema & Tv

Quando l’America è il Nemico: Il Sogno Americano Trasformato in Incubo nei Media

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In un panorama mediatico dove gli Stati Uniti vengono spesso dipinti come paladini della libertà e della giustizia, esiste una corrente alternativa di narrazione che offre uno sguardo più critico sulle loro politiche e sul loro ruolo globale.Diversi filoni dell’intrattenimento – dai fumetti ai videogiochi, passando per il cinema, le serie TV e la letteratura – hanno saputo anticipare e mettere in luce le contraddizioni e le derive autoritarie di una nazione spesso vista come modello. In un’epoca segnata da una politica americana sempre più aggressiva e da tensioni interne ed esterne, queste opere offrono non solo una forma di evasione, ma un’analisi critica dei meccanismi di potere e della cultura dominante.

L’America tra mito e realtà: una dualità narrativa

La tradizionale immagine degli Stati Uniti come paladini della democrazia e della giustizia convive con una rappresentazione ben diversa: quella di un impero pronto a imporre la sua volontà a livello globale. Questa visione si riflette in una moltitudine di opere che, attraverso il filtro della fantasia e dell’immaginazione, mostrano un volto oscuro e spesso distorto della superpotenza americana. Il contrasto tra il mito della libertà e la realtà del potere spregiudicato diventa terreno fertile per narrazioni che criticano apertamente l’imperialismo, l’interventismo e il controllo delle masse.

Fumetti e Manga: l’America come forza oppressiva

Nel mondo dei fumetti, esempi come The Authority hanno rivoluzionato il genere supereroistico offrendo una visione cinica e brutale del potere. I protagonisti di questa serie, un gruppo di superumani in grado di decidere il destino globale, rappresentano un’idea in cui la giustizia si confonde con il giudizio arbitrario, evidenziando come il potere – anziché proteggere – possa trasformarsi in strumento di oppressione.

Parallelamente, opere come Watchmen e V for Vendetta di Alan Moore (con disegni di Dave Gibbons per il primo) delineano un universo in cui i supereroi diventano armi al servizio di governi spregiudicati. Il Dottor Manhattan, simbolo della distruzione di massa, incarna il pericolo di un potere illimitato che, invece di garantire sicurezza, mina le fondamenta della democrazia. Allo stesso modo, il personaggio di V, in V for Vendetta, si erge come simbolo della rivolta contro un sistema che, seppur democratico in apparenza, si trasforma in una dittatura soffocante attraverso il controllo dell’informazione e la repressione dei dissidenti.

Un ulteriore esempio, meno noto ma altrettanto significativo, è rappresentato da alcuni manga giapponesi che, pur non essendo incentrati esclusivamente sugli USA, includono spesso la superpotenza come antagonista. Un esempio emblematico è offerto da Akira, capolavoro di Katsuhiro Otomo, in cui una Tokyo post-apocalittica diventa lo specchio di una società in cui il controllo istituzionale si trasforma in oppressione. La città, immersa in un caos che rifiuta le forme tradizionali di autorità, invita a riflettere sulle dinamiche di potere e sulla corruzione che possono derivare da sistemi centralizzati, evocando in maniera indiretta critiche rivolte anche alle superpotenze globali.Un’altra opera che affronta in maniera incisiva questi temi è Psycho-Pass. Ambientata in un futuro dominato dalla sorveglianza tecnologica, la serie mostra una società in cui algoritmi e sistemi predittivi regolano la vita dei cittadini, limitando la libertà individuale e instaurando una forma di controllo che trascende la mera sicurezza. Sebbene il contesto narrativo non faccia esplicito riferimento a una potenza in particolare, le inquietudini che essa suscita sul rapporto tra tecnologia, autorità e controllo sociale trovano riscontro nelle critiche rivolte all’eccessivo accentramento del potere.Il manga Gantz si distingue per la sua narrazione cruda e disturbante, mettendo in luce una realtà in cui forze oscure e istituzioni corrotte si intrecciano per manipolare e disumanizzare gli individui. La violenza, presente in ogni pagina, diventa una metafora potente della lotta contro un sistema in cui gli interessi economici e politici si sovrappongono, evocando in maniera allegorica le preoccupazioni legate all’imperialismo e all’interventismo di potenze mondiali.

Allo stesso modo, Jin-Roh: The Wolf Brigade offre una riflessione intensa sul prezzo della sicurezza e sull’ingranaggio dell’individuo in un meccanismo statale repressivo. In questo universo, il protagonista si trova a dover fronteggiare una realtà in cui la disciplina e il controllo si impongono a scapito della libertà personale, dipingendo un quadro in cui l’eroismo viene sacrificato sull’altare dell’ordine e della stabilità. Le tensioni tra il desiderio di emancipazione e l’implacabile forza di un’autorità centralizzata risuonano fortemente con il dibattito contemporaneo sui pericoli di un potere incontrollato.

Attraverso queste opere, il linguaggio degli anime e dei manga diventa un veicolo di critica politica e sociale, capace di interpretare e contestualizzare, in chiave distopica, le ansie di un mondo in cui la concentrazione del potere rischia di trasformarsi in oppressione sistemica. Le stesse tematiche che alimentano il dibattito sul ruolo delle superpotenze, come quella statunitense, vengono così riproposte e rivisitate, offrendo agli spettatori uno spaccato profondo e inquietante della società contemporanea.

Videogiochi: la ribellione contro l’impero statunitense

Il mondo videoludico ha saputo trasformare la critica all’imperialismo americano in una narrativa interattiva. Titoli iconici come Metal Gear Solid 2: Sons of Liberty, diretto da Hideo Kojima, offrono uno sguardo cupo su un governo americano intriso di oscuri complotti e manipolazioni mediali. Il gioco mette in scena un USA che, attraverso sofisticate macchinazioni, mira a controllare l’informazione e a dirigere le masse, anticipando le discussioni attuali sull’era della post-verità e della sorveglianza di massa.

Un’altra opera di grande impatto è Bioshock Infinite. Ambientato nella città volante di Columbia, il gioco utilizza la metafora di un’America nazionalista e razzista per denunciare le derive autoritarie di un potere assoluto. Columbia, fondata sui principi dell’eccezionalismo, si trasforma in un regime brutale che esalta l’ineguaglianza e l’oppressione, un chiaro monito sulle conseguenze di un’impronta imperialista incontrollata.

Il genere videoludico non si ferma qui:  come non citare ad esempio Deus Ex: Human Revolution propone una visione distopica in cui corporazioni e governi si intrecciano in una rete di sorveglianza e controllo, riflettendo le critiche verso l’accentramento del potere e l’erosione delle libertà civili. Il leggendario Grand Theft Auto, con la sua satira feroce della società americana, mette in luce la corruzione e la violenza insita in una cultura dominata dal profitto a ogni costo. Infine Fallout: New Vegas, ambientato in un’America post-apocalittica, affronta il retaggio del militarismo e delle politiche nucleari, evidenziando come le scelte geopolitiche possano portare a conseguenze catastrofiche. Questi titoli, giocati da milioni di appassionati in tutto il mondo, non sono semplici forme di intrattenimento: sono veicoli di critica sociale che, attraverso interazioni dinamiche e narrative complesse, invitano a riflettere sul ruolo dell’America nella scena globale.

Cinema, Romanzi e Serie TV: la caduta del sogno americano

Il cinema e la narrativa televisiva hanno storicamente saputo mettere in discussione il mito americano, offrendo scenari alternativi in cui la supremazia degli Stati Uniti viene messa in crisi. La serie The Man in the High Castle, tratta dal romanzo di Philip K. Dick, immagina una realtà in cui la sconfitta nella Seconda Guerra Mondiale ha diviso gli USA tra le potenze dell’Asse. Questo universo distopico non solo mette in discussione l’invincibilità americana, ma serve anche da monito sul fragile equilibrio che regge il potere globale.

Anche il celebre romanzo 1984 di George Orwell, sebbene non ambientato negli Stati Uniti, è spesso richiamato come simbolo delle tendenze totalitarie che possono emergere anche nelle democrazie occidentali. L’idea di uno Stato onnipresente che manipola la verità e controlla ogni aspetto della vita quotidiana risuona particolarmente forte in un’epoca in cui la sorveglianza e la manipolazione dei media sono temi di grande attualità.

Tra le produzioni più recenti, The Boys, serie TV ispirata all’omonimo fumetto di Garth Ennis e Darick Robertson, si distingue per la sua feroce satira del capitalismo estremo e del militarismo statunitense. La Vought International, corporazione che controlla i supereroi come strumenti di propaganda, rappresenta un’allegoria delle grandi multinazionali e del complesso bellico-industriale che alimenta le politiche USA. Questa rappresentazione critica si inserisce in un discorso più ampio, in cui il sogno americano viene messo in discussione e i suoi eccessi esposti con crudezza.

Ovviamente come non citare RoboCop (1987), che dipinge un futuro distopico in cui le forze dell’ordine sono state privatizzate e trasformate in strumenti di un sistema autoritario. La pellicola di Paul Verhoeven mostra una Detroit corrotta e dominata dalle multinazionali, dove la polizia è sempre più militarizzata e la linea tra giustizia e profitto si fa sfumata. Un altro titolo emblematico è Enemy of the State (1998), un thriller in cui Will Smith interpreta un avvocato che si ritrova coinvolto in una cospirazione governativa. Il film getta uno sguardo inquietante sulla sorveglianza di massa e sul controllo delle informazioni, anticipando temi che sarebbero diventati ancora più attuali con le rivelazioni sullo spionaggio dell’NSA e l’era della sorveglianza digitale diffusa.A offrire una delle visioni più distopiche dell’America è The Purge, una saga cinematografica che immagina un futuro in cui, per una notte all’anno, ogni crimine – compreso l’omicidio – è legalizzato. Questo scenario estremo diventa un’allegoria delle tensioni sociali, delle disuguaglianze economiche e del culto della violenza che alcuni critici vedono come parte integrante della cultura politica americana.

Attraverso questi film, il cinema ha contribuito a dipingere un ritratto complesso e spesso inquietante di una nazione che, tra ideali di libertà e derive autoritarie, continua a interrogarsi sulla propria identità e sulla direzione che intende prendere.

Il contesto attuale: geopolitica e crisi interna

Il momento storico che stiamo vivendo è particolarmente fertile per questo tipo di narrazioni. Le recenti evoluzioni politiche, caratterizzate da una retorica sempre più aggressiva e da politiche interne che talvolta sfiorano il populismo, hanno contribuito a creare un clima di sfiducia nei confronti delle istituzioni statunitensi. La presidenza Trump, con il suo approccio nazionalista e interventista, ha lasciato un segno profondo non solo nella politica americana, ma anche nella percezione globale degli USA.In un’era in cui le crisi internazionali, i conflitti economici e le lotte per l’influenza geopolitica si fanno sempre più complesse, la cultura pop si fa interprete e testimone di un’epoca di transizione. La rappresentazione degli Stati Uniti come nemico o come entità in declino non è più semplicemente una scelta estetica, ma diventa un mezzo per riflettere sui pericoli di un’eccessiva concentrazione del potere. Le opere narrativamente critiche si trasformano così in un specchio in cui vengono rispecchiate le ansie collettive, le disuguaglianze e le tensioni che attraversano il tessuto socio-politico non solo americano, ma globale.La crescente polarizzazione interna, il dibattito sull’uso delle tecnologie di sorveglianza e il rinnovato interesse per forme di resistenza e attivismo hanno spinto artisti, scrittori e sviluppatori a utilizzare i propri mezzi espressivi per interrogarsi sul futuro di una nazione che, pur essendo un simbolo di progresso e innovazione, nasconde al suo interno dinamiche di potere che rischiano di sfociare in forme di oppressione.

Oltre la narrativa: una riflessione sul futuro

Il mondo della cultura pop non è soltanto un campo di battaglia tra eroi e villain, ma rappresenta anche una piattaforma di dibattito e di riflessione sulle direzioni che il nostro futuro potrebbe prendere. Le opere che dipingono un’America in declino o in trasformazione radicale invitano a considerare scenari alternativi: cosa accadrebbe se, in un contesto globale sempre più multipolare, il ruolo degli Stati Uniti venisse messo in discussione? E se la loro tradizionale immagine di paladini della libertà dovesse cedere il passo a una realtà fatta di compromessi, contraddizioni e, in alcuni casi, abuso di potere?Questa linea di pensiero trova riscontro in numerosi racconti e narrazioni che, pur essendo ambientati in universi immaginari, offrono spunti di riflessione sui meccanismi del potere reale. Dalle macchinazioni dei governi nei videogiochi ai complessi intrecci di corporate interessi nel cinema, la critica all’imperialismo americano diventa così un tema trasversale, capace di attraversare generazioni e generi, rispecchiando la necessità di riconsiderare il ruolo di una superpotenza in un mondo in rapido cambiamento.

Gli Stati Uniti, lungi dall’essere un’entità monolitica e indiscussa, vengono rappresentati in numerose opere come una nazione in conflitto con se stessa, dove il sogno americano si trasforma in un incubo di potere, sorveglianza e oppressione. Questa visione alternativa non intende negare gli aspetti positivi di un paese che ha dato tanto al progresso globale, ma piuttosto evidenziare le contraddizioni e le sfide insite in una struttura di potere che, in un’epoca di trasformazioni radicali, deve fare i conti con le proprie ombre.

Attraverso fumetti, videogiochi, romanzi e serie TV, l’America diventa così non solo un simbolo di libertà, ma anche un monito costante sui pericoli dell’egemonia incontrollata, invitando a una riflessione critica sul futuro della politica globale e sul ruolo che ogni nazione, superpotenza o meno, potrà avere in un mondo in continua evoluzione.