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Wake Up Dead Man: tutto sul ritorno di Benoit Blanc nel terzo Knives Out di Rian Johnson

10 Luglio 2025 Mj-AI Lascia un commento

Sono passati sei anni. Sei lunghissimi anni da quando abbiamo visto per l’ultima volta Benoit Blanc, l’elegantissimo e implacabile detective col baffo (metaforico) sempre in ordine e l’accento “Kentucky Fried” che ci ha stregati fin dal primo istante. E adesso, finalmente, eccoci qui: Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery è realtà. Sì, hai letto bene, il terzo capitolo della saga creata dalla mente geniale di Rian Johnson sta per arrivare, con tanto di data ufficiale: 12 dicembre 2025.

Non è un semplice ritorno, è un evento. Perché Benoit Blanc non è solo un personaggio, è diventato un simbolo per tutti gli amanti del giallo moderno. Quando nel 2019 uscì Cena con delitto (Knives Out), sembrava di assistere a un piccolo miracolo cinematografico: un whodunit vecchio stile, aggiornato però al nostro presente, capace di mescolare ironia, critica sociale, intreccio raffinato e un cast stellare. Daniel Craig, reduce dal suo 007, si reinventava detective, sfoderando una recitazione sopra le righe e un accento indimenticabile.

Poi arrivò Glass Onion, sequel caleidoscopico e satirico, ambientato tra ricconi viziati e misteri high-tech. Un film che alzava la posta, ma che lasciava intravedere che Johnson aveva ancora un asso nella manica. Ed eccoci a Wake Up Dead Man, un titolo che già da solo è un programma: evocativo, inquietante, intriso di quell’estetica gotica americana fatta di cimiteri abbandonati, chiese diroccate, ballate blues e segreti troppo a lungo rimasti sepolti.

Il primo trailer, lanciato da Netflix a giugno durante il TUDUM 2025, ha confermato tutte le nostre aspettative (e paure). In sottofondo risuona “O Death”, struggente canto popolare reso celebre anche dai fratelli Coen in O Brother, Where Art Thou?. E se già questo non ti fa venire i brividi, aspetta di vedere l’immagine promozionale con cui sono state annunciate la fine delle riprese, il 17 agosto 2024: un camposanto avvolto nella nebbia, con un cartello che ammonisce “Si prega di avere rispetto per le tombe”. Non servono altri indizi per capire che questa volta il tema della morte, e forse di ciò che la circonda o la supera, sarà centrale.

Ma veniamo alle grandi notizie freschissime: Wake Up Dead Man sarà presentato in anteprima mondiale come film d’apertura della 69ª edizione del BFI London Film Festival, in programma dall’8 al 19 ottobre. Un ritorno che sa di consacrazione, considerando che la saga aveva già calcato lo stesso festival nel 2019 con il primo film e nel 2022 con Glass Onion. Rian Johnson, entusiasta, ha dichiarato: “Siamo onorati di aprire il BFI London Film Festival con Wake Up Dead Man. Londra è la culla dell’età d’oro del giallo ed è un’emozione tornare!”.

Il cast? Da urlo. Daniel Craig, naturalmente, torna a vestire i panni del nostro Benoit Blanc, ma questa volta ad accompagnarlo c’è un vero e proprio dream team hollywoodiano. Glenn Close, regina indiscussa della tensione emotiva, ci fa già tremare al solo pensiero. Kerry Washington promette magnetismo e intelligenza tagliente. Jeremy Renner torna sullo schermo dopo un periodo personale difficile, mentre Josh Brolin porta in dote il suo carisma brutale. E ancora: Mila Kunis, nei panni (forse ambigui) di una poliziotta, Andrew Scott, l’indimenticato “Hot Priest” di Fleabag, enigmatico e affascinante come sempre. Josh O’Connor, giovane talento in rapida ascesa, è stato avvistato sul set in abito da sacerdote, accendendo speculazioni su una trama intrisa di religione o folklore. Cailee Spaeny, Daryl McCormack e Thomas Haden Church completano il quadro, ognuno con un ruolo che promette di essere decisivo nei mille colpi di scena che ci aspettano.

Il font del titolo, volutamente vagamente piratesco, ha già acceso le teorie più disparate: cacce al tesoro? Isole sperdute? Antichi misteri? E se pensiamo alla volontà di Johnson di spingere la saga verso “un’evoluzione naturale”, come lui stesso ha dichiarato, sembra chiaro che ci troviamo di fronte non a un semplice sequel, ma a un capitolo più ambizioso, oscuro e stratificato.

Wake Up Dead Man non vuole solo raccontare un’altra indagine, vuole portarci in un viaggio negli abissi dell’animo umano, là dove logica e paura si stringono la mano. Non sorprende quindi che la produzione, firmata ancora una volta da Johnson insieme a Ram Bergman per T-Street Productions, punti a un tono più gotico, più cupo, quasi autunnale. Un ritorno alle atmosfere del primo film, ma con un respiro ancora più ampio e inquietante.

La scelta di far uscire il film a dicembre non è casuale: ormai è tradizione che i casi di Benoit Blanc arrivino nelle sale (o su Netflix) durante le festività natalizie. Non c’è nulla di più perfetto del contrasto tra luci di Natale, cioccolata calda, coperta sulle ginocchia e un mistero da risolvere, pieno di segreti, inganni e rivelazioni capaci di toglierti il fiato.

Per noi nerd appassionati di cinema, serie TV, gialli, misteri e personaggi larger-than-life, l’attesa è già quasi insostenibile. Wake Up Dead Man sembra avere tutte le carte in regola per diventare il capitolo più memorabile della trilogia: un cast stellare, una regia ispirata, un’atmosfera da brividi e, al centro di tutto, Benoit Blanc, investigatore moderno eppure fuori dal tempo, capace di affascinarci con la sola forza della sua mente e del suo stile impeccabile.

E tu, sei pronto a svegliare il morto? Hai già le tue teorie sul ruolo di Glenn Close? Pensi anche tu che ci sarà un elemento sovrannaturale a scombinare le carte in tavola? Faccelo sapere nei commenti qui sotto! Condividi questo articolo con i tuoi amici investigatori su Facebook, X (Twitter) e Instagram e preparati con noi al grande ritorno del detective più elegante, stravagante e irresistibile del cinema contemporaneo. Perché quando Benoit Blanc entra in scena, nessun segreto è al sicuro… e noi non vediamo l’ora di scoprire quale mistero ci terrà svegli la notte questa volta.

Cinema & Tv, Gaming, Intelligenze Artificiali

Si conclude filamente lo sciopero dei creativi americani contro le AI

10 Luglio 2025 maio 1 commento

Quando si parla di lotte sindacali nel mondo dell’intrattenimento, il pensiero corre subito a Hollywood, ai red carpet, alle star che incrociano le braccia e bloccano le produzioni di film e serie TV. Ma dietro le quinte di un settore altrettanto colossale e amato dal pubblico nerd – quello dei videogiochi – si è consumata una battaglia meno patinata, ma non per questo meno importante.

Dopo quasi un anno di mobilitazione, il sindacato SAG-AFTRA ha finalmente detto basta allo sciopero degli attori dei videogiochi, approvando a larghissima maggioranza il nuovo Video Game Agreement 2025. Per dare un’idea della portata dell’evento: oltre il 95% degli iscritti ha votato a favore del contratto, un risultato che sa di plebiscito e che sancisce un cambiamento epocale nell’industria videoludica, soprattutto per quanto riguarda la regolamentazione dell’intelligenza artificiale (IA).

Per capire perché questo accordo è così importante, bisogna fare un passo indietro e guardare il contesto più ampio. Già nell’ottobre 2023, gli sceneggiatori cinematografici americani della Writers Guild of America (WGA) erano riusciti a strappare un accordo provvisorio con gli studios, mettendo fine allo sciopero che aveva paralizzato la produzione di film e serie TV. La notizia aveva portato un sospiro di sollievo in tutto l’ambiente creativo, tanto che uno sceneggiatore aveva scherzato: “Ero così stanco di stare a casa a guardare Netflix”. Ma, battute a parte, quell’accordo aveva tracciato una linea rossa sull’uso dell’IA: nessuna intelligenza artificiale avrebbe potuto scrivere o riscrivere sceneggiature, né il materiale generato da IA sarebbe stato considerato punto di partenza contrattuale. Gli scrittori avrebbero potuto scegliere di usare l’IA, ma solo col consenso dell’azienda, che a sua volta non avrebbe potuto imporlo. Inoltre, le aziende sarebbero state obbligate a comunicare se il materiale consegnato fosse stato prodotto o integrato da IA, e l’uso degli script per addestrare algoritmi rimaneva vietato.

Quella vittoria ha acceso una scintilla anche nel mondo dei videogiochi, dove SAG-AFTRA combatteva una battaglia parallela. Perché sì, anche i videogame – quei mondi fantastici che adoriamo esplorare pad alla mano, dove doppiatori, performer e artisti digitali danno voce e corpo a eroi, villain e comparse – sono diventati terreno fertile per il dibattito sull’intelligenza artificiale.

Il nuovo Video Game Agreement 2025 non si è limitato a ritoccare salari e contributi per la salute e la pensione (che pure erano punti caldissimi, e hanno visto aumenti significativi), ma ha soprattutto introdotto obblighi di consenso e trasparenza sull’uso delle repliche digitali basate su IA. Tradotto: gli attori dei videogiochi dovranno dare esplicito consenso all’uso della loro voce o immagine per generare contenuti tramite intelligenza artificiale, e avranno il diritto di revocarlo in caso di sciopero. Un punto che il sindacato ha definito “essenziale”, dopo aver denunciato in passato proposte contrattuali piene di scappatoie che avrebbero potuto spalancare le porte ad abusi tecnologici.

Fran Drescher, presidente di SAG-AFTRA (sì, proprio lei, la tata più famosa della TV!), ha espresso tutta la sua soddisfazione definendo l’accordo “un importante passo in avanti nella protezione contro l’intelligenza artificiale”. E ha voluto rendere omaggio alla comunità dei performer e ai loro alleati per la straordinaria solidarietà dimostrata. Secondo Drescher, lo sciopero è stato la leva necessaria per ottenere traguardi fondamentali, e chi conosce il mondo sindacale sa quanto sia raro riuscire a strappare un consenso così ampio su un accordo.

Dall’altra parte del tavolo, anche l’industria videoludica ha accolto positivamente l’intesa. Audrey Cooling, portavoce dei produttori, ha sottolineato come l’accordo porti “aumenti storici, protezioni leader contro l’IA e migliori misure di sicurezza per i performer”, sottolineando la volontà di continuare a costruire una partnership solida per creare esperienze innovative per miliardi di giocatori nel mondo.

E qui si apre uno scenario che fa battere il cuore a chi, come me, vive con passione il mondo nerd. Perché questo accordo non riguarda solo la politica sindacale, ma tocca il cuore stesso di come vengono realizzati i giochi che amiamo. Immaginate un futuro dove un attore presta la voce al vostro personaggio preferito… e poi, senza il suo consenso, viene replicato digitalmente per dialoghi o scene extra. O peggio, dove intere performance vengono generate al computer, senza più l’apporto umano. Il rischio era di vedere sparire quella scintilla unica che solo un performer in carne e ossa può dare a un personaggio virtuale.

Il contratto siglato da SAG-AFTRA mette un freno a questa deriva, restituendo centralità al lavoro creativo umano, pur senza demonizzare l’innovazione tecnologica. È un patto di convivenza tra uomo e macchina, tra talento e algoritmo, tra carne e silicio. E in un’epoca in cui l’IA è pronta a riscrivere le regole del gioco in tantissimi settori, sapere che nel mondo dei videogame ci sia un presidio forte a tutela dei diritti dei performer è una notizia che fa tirare un sospiro di sollievo.

Insomma, siamo davanti a un momento storico per l’industria videoludica, uno di quelli che magari oggi ci sembrano “tecnici” e lontani, ma che domani potrebbero fare la differenza nel modo in cui giochiamo, ci emozioniamo e viviamo le nostre storie interattive. È il momento di festeggiare, certo, ma anche di riflettere su quanto sia importante, nel nostro universo nerd, continuare a difendere la creatività e la dignità del lavoro umano, anche mentre ci tuffiamo a capofitto nel futuro digitale.

E voi cosa ne pensate? Vi aspettavate un risultato così positivo? Pensate che l’IA sia una minaccia per i nostri amati videogiochi o una risorsa se ben regolamentata? Raccontatemelo nei commenti o condividete questo articolo sui vostri social: voglio sapere come la community nerd sta vivendo questa svolta epocale!

Cinema & Tv

Wednesday Addams torna su Netflix: preparatevi a una seconda stagione più gotica, inquietante e affascinante che mai

9 Luglio 2025 Redazione Lascia un commento

È passato quasi un triennio dalla sua apparizione sul catalogo di Netflix, ma l’eco di Wednesday – o Mercoledì, per noi affezionati italofoni – continua a riecheggiare tra le mura delle case dei fan, tra cosplay, fanart e citazioni recitate con orgoglio nei corridoi dei licei e nelle fiere del fumetto. Quel passo deciso, quell’espressione impassibile e le battute taglienti come rasoi sono diventati iconici. Wednesday Addams, regina indiscussa del gotico moderno, è pronta a tornare sullo schermo. E no, non si tratta di un semplice revival: la seconda stagione di Mercoledì promette di alzare l’asticella.

Non solo per le aspettative (altissime), ma per un’evoluzione narrativa e stilistica che non mancherà di scuotere gli animi e far tremare le tenebre. Il ritorno alla Nevermore Academy è previsto per il 2025, con una strategia di rilascio che sa tanto di raffinata tortura seriale: la stagione sarà infatti divisa in due parti. La prima arriverà il 6 agosto, la seconda seguirà il 3 settembre. Due date segnate in rosso – o, per restare in tema, in nero pece – sul calendario di ogni fan, due momenti destinati a scatenare teorie, commenti e meme a cascata.

Ma cosa ci aspetta davvero in questa nuova stagione?

Wednesday 2: più horror, più misteri, ma sempre con stile

Già dalla prima stagione avevamo avuto un assaggio di quello che significa portare il gotico nel teen drama senza cadere nel banale. Un mix irresistibile di atmosfere lugubri, enigmi scolastici, creature da incubo e relazioni borderline. Ma ora, secondo quanto rivelato dai creatori Miles Millar e Alfred Gough, il livello si alza. Niente sangue gratuito o shock fine a sé stesso: l’horror di Wednesday resta raffinato, psicologico, disturbante nel modo giusto. Il tipo di inquietudine che ti fa stringere il cuscino e controllare due volte se hai chiuso la porta a chiave.

Il tono si fa più cupo, più profondo, senza rinunciare a quell’ironia tagliente che ha reso memorabile ogni singola apparizione di Jenna Ortega. Proprio lei, protagonista assoluta, ritorna più determinata che mai – non solo nei panni di Wednesday, ma anche come produttrice esecutiva della serie. La sua interpretazione è ormai diventata un cult, capace di restituire umanità e mistero a un personaggio che rischiava di restare imprigionato nel folklore. E invece no: Wednesday è viva, dolente, sarcastica, complessa. E, nella seconda stagione, lo sarà ancora di più.

Wednesday, nuova star della Nevermore… ma a caro prezzo

Nel trailer ufficiale vediamo la famiglia Addams fare ritorno alla Nevermore Academy, ma qualcosa è cambiato. Wednesday è diventata, suo malgrado, una celebrità. Dopo aver salvato la situazione nel finale della prima stagione, gli altri studenti la vedono come un’eroina, una figura leggendaria. C’è perfino un fan club dedicato a lei, con tanto di fanart e tributi inquietanti che, ovviamente, la mettono profondamente a disagio.

Ma il successo ha un prezzo. Nelle sue visioni, Wednesday piange lacrime nere e si ritrova tormentata da una profezia che sembra coinvolgere Enid – la sua amica lupo mannaro dal cuore d’oro – la cui morte potrebbe essere proprio colpa sua. Un dramma interiore che si intreccia a nuovi misteri, nuovi nemici e una nuova oscurità pronta ad avvolgere la scuola. La Nevermore non è mai stata così minacciosa, e la tensione – almeno secondo il trailer – sarà palpabile episodio dopo episodio.

Un cast da urlo (letteralmente)

Se la trama resta ancora avvolta da fitte nebbie gotiche, il cast ci offre già un sacco di spunti succosi. Oltre alla confermatissima Jenna Ortega, arrivano delle new entry da brivido. La più clamorosa? Lady Gaga. Sì, hai letto bene. Mother Monster entrerà nell’universo Addams con un ruolo ancora segretissimo, ma che – siamo sicuri – le calzerà a pennello. Oscura, teatrale, magnetica: Gaga è perfetta per questo mondo dove il confine tra genio e follia è sempre più sottile.

A dirigere la Nevermore, ci sarà ora Steve Buscemi nel ruolo del nuovo preside: un outsider perfetto, con quel volto strano e familiare che ha già fatto la storia del cinema. Ma non è finita: Christopher Lloyd, lo Zio Fester degli iconici film anni ’90, farà una misteriosa apparizione, un cameo che sa tanto di passaggio di testimone generazionale. E poi c’è la leggendaria Joanna Lumley nei panni di Hester Frump, la nonna di Wednesday, che promette di portare nuovi segreti alla luce e svelare sfaccettature ancora ignote della dinastia Addams.

Vecchi nemici, nuove ombre

Il mostro della prima stagione, Tyler, non è certo sparito. Rinchiuso in un manicomio, il ragazzo dai poteri distruttivi potrebbe avere ancora un ruolo importante nella narrazione. Le sue interazioni con Wednesday saranno, con ogni probabilità, più intense, disturbanti, e forse persino tragiche. Il primo episodio si intitola Una tristezza senza fine – un titolo che fa pensare a un’esplorazione più introspettiva del personaggio principale, scavando nelle sue paure, nel suo dolore e nei suoi ricordi.

Una Wednesday più vulnerabile, più umana, ma anche più determinata. Perché, diciamocelo, l’oscurità è il suo habitat naturale, ma questo non significa che non possa mostrare anche le sue crepe. Quelle che la rendono reale, identificabile, persino commovente.

Più spazio per tutti: l’universo Addams si espande

Uno degli aspetti più interessanti di questa seconda stagione sarà proprio l’ampliamento dell’universo narrativo. Se nella prima stagione tutto ruotava attorno a Wednesday, ora ogni personaggio avrà la possibilità di brillare. A partire da Enid, che non sarà più solo la coinquilina colorata, ma una figura chiave in un intreccio sempre più articolato. Bianca si troverà al centro di nuovi segreti, e Xavier – l’artista tormentato con un debole per Wednesday – potrebbe riservarci sviluppi sorprendenti.

E poi c’è Pugsley. Il fratellino Addams entrerà ufficialmente nella Nevermore Academy, pronto a dimostrare che anche lui ha qualcosa da dire (e da fare). Chissà, magari scopriremo poteri latenti, o un’inquietudine che finora era rimasta sopita. In ogni caso, prepariamoci a vedere dinamiche familiari esplorate con più profondità, con Morticia e Gomez più presenti che mai. Il loro amore folle e poetico sarà un contrappunto perfetto alle crisi adolescenziali e agli orrori gotici che incombono.

Il tocco di Burton: bellezza e orrore in perfetto equilibrio

A vegliare su tutto questo, come un demiurgo dell’incubo, c’è sempre lui: Tim Burton. La sua visione permea ogni fotogramma, ogni inquadratura, ogni scelta estetica. La Nevermore è più di una semplice scuola: è un microcosmo in cui l’anomalia è la norma, dove ogni dettaglio ha un significato, ogni ombra nasconde una storia. Burton riesce nell’impresa titanica di fondere l’horror con il coming-of-age, la commedia con il dolore, la bellezza con l’orrore.

Non si tratta più solo di una serie teen con elementi gotici: Wednesday è diventata un manifesto, un’esplorazione identitaria di cosa significa essere diversi, non conformarsi, restare fedeli a sé stessi anche quando il mondo vorrebbe schiacciarti con le sue aspettative. Wednesday Addams è una ribelle, una outsider, una voce fuori dal coro. E questa seconda stagione sarà il palco perfetto per vedere fino a dove può arrivare.

Pronti a tornare a Nevermore?

Insomma, la seconda stagione di Mercoledì si preannuncia come un evento imperdibile. Non solo per i fan della prima ora, ma per chiunque ami le storie che osano, che scavano, che giocano con i generi e sfidano le convenzioni. Un racconto gotico, ma anche una riflessione sull’identità, sull’amicizia, sull’amore, sulla paura.

E tu? Sei pronto a tornare tra i corridoi della Nevermore Academy? Hai già scelto il tuo cosplay per festeggiare l’uscita della nuova stagione? Raccontacelo nei commenti, condividi questo articolo sui tuoi social e tagga l’amico che ti ha fatto scoprire Wednesday. Perché, si sa, il buio è più affascinante quando lo si affronta insieme.

AULAMANGA, Cinema & Tv

The One Piece: tutto quello che c’è da sapere sul remake dell’anime di Netflix

8 Luglio 2025 mAIo-AIcontent Lascia un commento

Nel vasto arcipelago della cultura nerd e geek, pochi nomi risuonano con la stessa forza e persistenza di One Piece. È più di un manga. È un fenomeno culturale, una saga leggendaria che ha attraversato generazioni, abbattuto record e costruito un impero narrativo che abbraccia fumetti, anime, film, videogiochi e merchandising di ogni tipo. Ma ora, come se il vento dell’avventura stesse soffiando di nuovo sulle vele della Going Merry, One Piece si prepara a tornare. E non con un semplice aggiornamento o una riedizione, ma con un remake completo, ambizioso, imponente. Il suo nome è THE ONE PIECE, e promette di riportare la leggenda al centro della scena con una qualità visiva e narrativa senza precedenti.

L’annuncio ufficiale è giunto durante la Jump Festa 2024, un evento che per i fan del mondo Shonen è ciò che il Comic-Con rappresenta per gli amanti dei supereroi americani. Un palcoscenico ideale per rivelare un progetto che punta dritto al cuore della comunità nerd globale. Qui, tra boati di entusiasmo e occhi incollati agli schermi, sono stati mostrati teaser e concept art che hanno lasciato intendere molto: One Piece tornerà sì, ma non sarà più lo stesso. Sarà il One Piece. Una versione visivamente rinnovata, pensata per il pubblico di oggi ma profondamente rispettosa dello spirito originario di Eiichiro Oda.

A guidare questa nuova traversata nei mari del Grande Blu è un nome che incute subito rispetto: WIT Studio. Se sei un amante degli anime, sai di cosa parliamo. Lo studio ha già firmato pietre miliari come L’Attacco dei Giganti, Vinland Saga e SPY x FAMILY. E ora, proprio loro metteranno mano alla saga di Luffy, dando vita a una rielaborazione destinata a diventare un nuovo punto di riferimento nell’animazione giapponese.

Il progetto è partito in gran segreto già nel settembre 2023, ben prima della sua rivelazione pubblica, e coinvolge colossi del settore come Shueisha, Fuji TV e Toei Animation, ossia le stesse realtà che hanno reso grande il One Piece originale. A rafforzare la legittimità e il valore dell’opera c’è l’approvazione diretta del suo creatore, Eiichiro Oda, che ha dato il benestare per reinterpretare la sua epopea in una forma condensata e moderna, senza snaturarne l’essenza.

Ma THE ONE PIECE non è un semplice restyling grafico: è un rifacimento completo, pensato per riscrivere l’esperienza dell’anime dalla base. La nuova versione partirà dalla East Blue Saga, il primo arco narrativo del manga, e da lì ripercorrerà tutta la storia – ma con un ritmo più serrato, dinamico e coerente. L’anime originale, iniziato nel lontano 1999, ha superato i 1.100 episodi, molti dei quali rallentati da filler e ritmi diluiti. La nuova serie invece dovrebbe contare circa 263 episodi, arrivando potenzialmente fino all’arco di Egghead, attualmente in corso nel manga. Un’impresa titanica, ma anche una vera benedizione per chi finora si è sentito sopraffatto dalla mole di episodi da recuperare.

Il team creativo dietro questo remake è di altissimo livello. La regia è affidata a Masashi Koizuka, che ha lavorato su Attack on Titan, mentre l’assistente alla regia sarà Hideaki Abe, con all’attivo collaborazioni su Jujutsu Kaisen. La sceneggiatura è nelle mani esperte di Taku Kishimoto, già autore di opere toccanti come Erased e Ranking of Kings. Il character design è firmato da Kyoji Asano e Takatoshi Honda, due artisti che sanno bene come dare vita a personaggi memorabili. Il design delle creature sarà curato da Yasuhiro Kajino, mentre Eri Taguchi si occuperà degli oggetti di scena, contribuendo a creare un mondo ricco di dettagli e atmosfera. Le spettacolari scene d’azione, fondamentali per un’opera come One Piece, saranno animate da Ken Imaizumi e Shuhei Fukuda, mentre la direzione artistica sarà guidata da Tomonori Kuroda, già noto per il suo lavoro su A Certain Magical Index.

Una menzione speciale va a George Wada, presidente e co-fondatore di WIT Studio, che ha sottolineato come l’obiettivo principale del remake sia duplice: migliorare la qualità visiva delle prime saghe e rendere l’esperienza visiva più moderna, passando dal vecchio formato 4:3 a un widescreen cinematografico capace di valorizzare le emozioni, i paesaggi e le battaglie epiche.

A livello produttivo, THE ONE PIECE sarà distribuito in esclusiva su Netflix, cavalcando il successo globale ottenuto dalla serie live-action dello scorso anno, che ha contribuito ad avvicinare moltissimi nuovi fan all’universo creato da Oda. E mentre la seconda stagione della versione con attori in carne e ossa è in fase di sviluppo, il remake animato potrebbe arrivare proprio tra fine 2025 e inizio 2026, inaugurando un nuovo capitolo per la saga più amata dei sette mari.

Il rischio, come in ogni remake, è quello di non essere all’altezza del mito originale. Ma qui parliamo di un progetto curato con una dedizione quasi religiosa, supervisionato da chi One Piece lo conosce fin dalle sue primissime tavole. Un’opera pensata non solo per i fan veterani che hanno seguito Luffy sin dagli albori, ma anche per i nuovi spettatori che finalmente potranno salpare senza paura di affondare in mille episodi.

Insomma, siamo davanti a qualcosa di più di un semplice remake. THE ONE PIECE si candida a essere una vera e propria rinascita. Una porta d’ingresso per chi vuole scoprire il fascino di una delle saghe più epiche mai raccontate, e al tempo stesso un omaggio sontuoso per chi, con Luffy, ha già affrontato tempeste e battaglie.

AULAMANGA, Cinema & Tv

Alice in Borderland: Cosa Aspettarci dalla Terza Stagione della Serie Netflix

8 Luglio 2025 Redazione Lascia un commento

“Alice in Borderland” (今際の国のアリス, Imawa no kuni no Arisu), la serie giapponese che ha rapito il pubblico internazionale con il suo perfetto equilibrio tra fantascienza, thriller e dramma psicologico, si prepara a tornare su Netflix con una terza stagione che promette di alzare ulteriormente la posta in gioco. Basata sull’omonimo manga di Haro Asô e diretta da Shinsuke Sato, la serie ha trovato una sua dimensione unica nell’intricare il pubblico con giochi mortali in una Tokyo desolata, dove la sopravvivenza dipende dalla partecipazione a prove di morte o di abilità, ma dove ogni vittoria solleva anche quesiti più profondi sul significato dell’esistenza.

Arisu, il protagonista, è un giovane disoccupato, appassionato di videogiochi, la cui vita viene stravolta quando si ritrova catapultato in una realtà parallela, un Tokyo fantasma dove ogni angolo è un potenziale campo di battaglia. La seconda stagione si è chiusa con un colpo di scena che ha lasciato gli spettatori a bocca aperta: dopo aver affrontato la regina di cuori, Mira, in un gioco di croquet psicologicamente devastante, Arisu e Usagi si ritrovano in un ospedale, scoprendo che Tokyo è stata distrutta da un meteorite. Ma il vero enigma arriva alla fine, quando la carta Joker appare, insinuando il sospetto che il gioco non sia affatto finito.

Il Joker, figura centrale anche nel manga originale, è un elemento che incarna il mistero tra la vita e la morte, una sorta di traghettatore che solleva numerosi interrogativi sulla vera natura di Borderland e sul destino dei protagonisti. Con il materiale del manga ormai esaurito, le possibilità narrative per la serie TV sono infinite. La terza stagione si preannuncia come un’incognita, con la promessa di espandere il ruolo di questa figura enigmatica, ma anche di ridefinire le regole di un gioco che, a questo punto, sembra andare oltre qualsiasi limite umano o logico.

Le prime immagini e il teaser presentati durante l’evento “Next on Netflix 2025” danno un assaggio di ciò che ci aspetta: Arisu e Usagi, di fronte a una gigantesca carta Joker, con lo skyline distorto di Tokyo sullo sfondo, suggeriscono che il confine tra realtà e gioco si stia assottigliando sempre di più. La stagione che verrà promette quindi un’esperienza ancora più intensa, dove adrenalina e riflessioni esistenziali si mescoleranno in un cocktail pericoloso e affascinante. La sinossi ufficiale, che parla di “temi legati all’umanità, al sacrificio e alla ricerca di un’esistenza significativa”, lascia intravedere la direzione che prenderanno le storie dei protagonisti, spingendo verso una dimensione sempre più metafisica e psicologica.

Con il manga ormai giunto alla sua conclusione, la terza stagione potrebbe percorrere strade nuove, ampliando le dinamiche di gioco e introducendo nuove minacce e alleanze. La tensione psicologica, che ha caratterizzato le prime due stagioni, rimarrà sicuramente un elemento centrale. Le sequenze d’azione mozzafiato, che hanno saputo tenere incollati gli spettatori allo schermo, lasceranno spazio anche a momenti di profonda introspezione, in cui i protagonisti dovranno fare i conti con le proprie paure, i propri sogni e le loro fragilità. Arisu e Usagi, legati da un rapporto che si è forgiato nelle fiamme di questo mondo spietato, saranno chiamati ad affrontare nuove sfide che non solo metteranno alla prova il loro coraggio, ma anche la loro resistenza mentale e morale.

Sul fronte del cast, Netflix ha confermato il ritorno di Kento Yamazaki nei panni di Arisu e di Tao Tsuchiya in quelli di Usagi, ma molte altre questioni restano aperte. La possibilità di nuove ambientazioni o la comparsa di nuovi avversari rende incerta la sorte degli altri personaggi. La terza stagione, quindi, potrebbe portare a risposte inaspettate o, al contrario, lasciare nuove domande irrisolte, mentre la trama prosegue il suo percorso intricato e affascinante.

C’è chi si chiede se questa terza stagione segnerà la conclusione definitiva della serie o se “Alice in Borderland” proseguirà con nuovi sviluppi. Sebbene Netflix non abbia ancora fatto chiarezza sulla durata futura della saga, il cliffhanger con cui si è conclusa la seconda stagione lascia supporre che questa nuova fase voglia finalmente rispondere a tutte le domande lasciate in sospeso. Gli spettatori, ormai intrappolati nella tensione crescente e nei misteri di Borderland, continueranno a speculare su cosa realmente rappresenti la carta Joker e su quale sia lo scopo ultimo di questo mondo parallelo che sembra giocare con la vita e la morte in modi sempre più incomprensibili.

Settembre 2025 sembra lontano, ma l’attesa per la terza stagione di “Alice in Borderland” è già carica di emozioni e teorie. L’intrigante miscela di azione, psicologia e filosofia che ha conquistato milioni di spettatori nel mondo non si è esaurita. Il gioco non è ancora finito, e la promessa di rivelazioni sconvolgenti e adrenalina pura è più viva che mai. Chi ha amato le prime due stagioni non potrà certo perdersi ciò che sta per arrivare.

Cinema & Tv, Gaming

Cyberpunk: Edgerunners sta per tornare su Netflix – Il grande annuncio all’Anime Expo 2025

7 Luglio 2025 Roberto Romagnoli Lascia un commento

C’è un luogo che, più di ogni altro, riesce a stregarci con le sue luci al neon, le sue strade sporche di sogni infranti e il suo futuro che odora di ruggine e speranza elettronica. Un luogo che conosciamo bene, ma che ogni volta ci si ripresenta davanti con una nuova maschera, più seducente, più tragica, più umana. Night City. L’inferno digitale che amiamo esplorare, dove le anime si barattano in pacchetti di dati e l’umanità si misura in quanta memoria emotiva riesci ancora a salvare dentro un cervello ormai più macchina che carne. E proprio da questa città maledetta e irresistibile arriva una notizia che ci ha fatto drizzare le antenne neurali: Cyberpunk: Edgerunners II è ufficialmente realtà.

Durante l’Anime Expo 2025, CD Projekt RED ha alzato il sipario insieme allo studio TRIGGER, annunciando una seconda serie anime ambientata nel mondo di Cyberpunk 2077. Una notizia che si è diffusa come un virus di nuova generazione nei nostri feed, generando un’onda di hype e commozione difficile da contenere. Ma attenzione: non si tratta di un seguito diretto della prima, straordinaria stagione uscita nel 2022. No, questa volta si parla di una storia completamente nuova, autonoma, con nuovi protagonisti, nuove tragedie, nuove vendette. Un racconto crudo e brutale, slegato dalla vicenda di David e Lucy, ma ancora immerso fino al collo nelle tenebre affascinanti di Night City.

E se il titolo “Edgerunners 2” può trarre in inganno, la natura del progetto è chiara: una sorta di antologia nell’universo di Cyberpunk 2077, un nuovo viaggio nell’abisso emotivo e visivo di una delle serie più amate e discusse degli ultimi anni. La prima stagione aveva lasciato un segno indelebile, trasformando un racconto spin-off in un cult capace di scuotere la cultura pop. Un mix perfetto di estetica cyberpunk, animazione fuori scala, colonna sonora mozzafiato e scrittura emotivamente devastante. Non era solo un anime: era una vera e propria pugnalata al cuore, una sinfonia digitale che parlava di amore, morte, ribellione e sacrificio.

Ed ecco che oggi, a distanza di tre anni, ci prepariamo a una nuova discesa nell’inferno cromato di Night City. CD Projekt RED ha confermato che Cyberpunk: Edgerunners II sarà composto da dieci episodi, e che tornerà con un tono ancora più cupo, più sporco, più violento. A dirlo è proprio Bartosz Sztybor, già showrunner della prima stagione e ora di nuovo al timone: “Volevo rendere tutti tristi… quando le persone sono tristi, io sono un po’ felice”, ha dichiarato con quella lucidità provocatoria tipica degli autori che sanno cosa vogliono raccontare. La nuova serie sarà una cronaca brutale di redenzione e vendetta, un racconto cinico e viscerale che ci ricorderà quanto può essere difficile far sentire la propria voce in un mondo dove tutto è spettacolo e nulla è reale.

A dare forma a questa nuova epopea sarà ancora una volta lo studio TRIGGER, già responsabile della magia visiva che aveva reso Edgerunners un capolavoro. Alla regia troviamo Kai Ikarashi, che già aveva collaborato alla prima stagione e a progetti come SSSS.Gridman. Il character design sarà firmato da Kanno Ichigo, talento esplosivo che ha messo mano anche a Promare, mentre alla sceneggiatura ci sarà ancora Masahiko Otsuka, uno dei veterani dietro Gurren Lagann. Un dream team, insomma. Di quelli che non deludono.

La sinossi ufficiale è tanto breve quanto intensa: “David è morto. Ma Night City vive.” Una frase che dice tutto. Non ci saranno resurrezioni miracolose, niente ritorni fuori tempo massimo. Solo nuovi volti, nuove storie. E quella città – la città – che non dorme mai. Night City, che è più di uno scenario: è la vera protagonista. Un organismo pulsante di contraddizioni, bellezza e disperazione. Grattacieli che sfidano il cielo, club annegati in psichedelia, strade che sanno di sangue e byte, dove ogni passo è una scelta morale e ogni scelta costa qualcosa. Non ci sono ancora leak (e già questo nel 2025 è quasi un miracolo), ma i commenti a caldo parlano di una Night City più viva e più maledetta che mai. Più azione, più introspezione, più estetica – ma soprattutto, più dolore. Perché è questo il vero centro di Edgerunners: raccontare l’umanità che resiste, si spezza, si reinventa in un mondo dove tutto è stato corrotto dal denaro, dal potere e dalla tecnologia.

Il ritorno di Cyberpunk: Edgerunners non è solo una notizia per gli appassionati di anime. È un evento culturale. È la conferma che l’universo di Cyberpunk 2077 ha ancora tantissimo da dire, che non si è limitato al rilancio del gioco ma è diventato un contenitore narrativo potentissimo, capace di espandersi, contaminarsi e coinvolgere anche chi non ha mai impugnato un pad. La prima stagione era riuscita a mescolare Akira, Ghost in the Shell, Mass Effect e Blade Runner in un’alchimia unica. Ora, con Edgerunners II, quella magia potrebbe tornare – più cupa, più tragica, più vera che mai.

Cosa ci aspetta, allora, in questa nuova discesa nei bassifondi digitali dell’anima? Nuove tragedie, nuovi outsider pronti a sfidare il sistema, nuovi legami destinati a spezzarsi sotto il peso di scelte impossibili. Ma soprattutto, nuove domande. Perché Cyberpunk non è mai stato solo un genere: è una lente attraverso cui guardare il nostro presente. Un grido disperato travestito da intrattenimento. Un racconto di come l’umanità riesca, nonostante tutto, a continuare a sentire – anche quando il corpo è ormai più macchina che sangue.

Noi siamo pronti. Night City ci chiama. Le luci si accendono, i chip si surriscaldano, il cuore inizia a battere più forte. Preparatevi a lasciarvi travolgere, ancora una volta. Perché Cyberpunk: Edgerunners II sta arrivando. E promette di distruggerci. Di nuovo.

Avete teorie? Vi aspettate un cameo nascosto, un richiamo alla tragedia di David? O siete pronti a seguire nuovi fantasmi nel neon? Scriveteci nei commenti e condividete questo articolo con la vostra crew. Perché a Night City, tutto lascia un segno. E noi del CorriereNerd.it siamo qui per raccontarveli tutti.

AULAMANGA, Cinema & Tv

Record of Ragnarok III: l’epica battaglia tra divinità e umanità continua a dicembre 2025 in esclusiva su Netflix

6 Luglio 2025 Dai nostri utenti Lascia un commento

È finalmente arrivato il momento che tutti stavamo aspettando: Record of Ragnarok III, la terza stagione della serie anime che ha conquistato il cuore di milioni di fan in tutto il mondo, sbarcherà su Netflix a dicembre 2025. E lo farà in grande stile, con nuovi volti dietro le quinte, una nuova visione artistica e – ovviamente – nuovi scontri epici da far tremare l’Olimpo e oltre. Se sei tra quelli che hanno seguito con il fiato sospeso i tredici duelli tra umani e divinità, preparati: la guerra per la sopravvivenza dell’umanità sta per riprendere… e la tensione è alle stelle.

La storia di Record of Ragnarok non ha bisogno di molte presentazioni, ma ripercorrerla è come rispolverare un mito moderno. Nata dalla mente creativa di Takumi Fukui e Shinya Umemura, con i disegni potenti e vibranti di Chika Aji, la serie ha preso vita per la prima volta nel 2017 sulle pagine della rivista Monthly Comic Zenon. In quel manga esplosivo, veniva raccontata una premessa tanto semplice quanto geniale: ogni 1000 anni, gli dei si riuniscono per decidere il destino dell’umanità. E questa volta, la sentenza è chiara: estinzione. Ma ecco che arriva l’opzione Ragnarok – un torneo tra divinità e umani scelti attraverso la storia – tredici duelli uno contro uno, con la posta più alta possibile: la sopravvivenza della razza umana.

La trasposizione animata del manga è iniziata nel 2021, quando Netflix ha distribuito la prima stagione, portando questa colossale guerra mitologica sotto gli occhi del grande pubblico. I combattimenti, la colonna sonora travolgente, il character design carismatico: tutto ha contribuito a creare un prodotto di culto in breve tempo. La seconda stagione, uscita in due parti nel 2023, ha mantenuto alte le aspettative, con scontri sempre più spettacolari e personaggi che, episodio dopo episodio, hanno reso impossibile staccarsi dallo schermo.

Ora, con la terza stagione all’orizzonte, l’hype è alle stelle. E con ragione. Questa nuova ondata di episodi si apre con una tensione narrativa che non potrebbe essere più elettrica: ci troviamo infatti di fronte alla settima battaglia, lo scontro che spezzerà l’equilibrio attuale. Siamo 3 a 3 tra divinità e umani, e questo duello sarà il tie-breaker. I fan più accaniti già speculano su chi saranno i prossimi a scendere nell’arena, e le teorie si moltiplicano come i fulmini di Zeus.

Ma non è solo la trama a far parlare di sé. A cambiare, in questa terza stagione, è anche il cuore creativo della produzione. Alla regia troviamo infatti Koichi Hatsumi, un nome che farà drizzare le antenne a chi ha apprezzato Tokyo Revengers. Hatsumi sostituisce Masao Ōkubo, regista delle prime due stagioni, portando con sé una nuova sensibilità visiva e narrativa. Un cambiamento importante, che potrebbe dare alla serie una rinfrescata stilistica senza snaturarne l’anima. La produzione passa inoltre allo studio Yumeta Company, affiancato da Maru Animation, lasciandosi alle spalle il contributo di Graphinica. Questo nuovo duo promette animazioni più fluide, scene d’azione ancora più esplosive e – si spera – combattimenti capaci di lasciare il segno nella storia dell’animazione giapponese.

Al timone della sceneggiatura sale Yasuyuki Mutō, che porta in dote la sua esperienza in opere come D.Gray-man e Code:Breaker. Il suo arrivo fa ben sperare in dialoghi più intensi, archi narrativi più raffinati e colpi di scena capaci di tenere incollati anche gli spettatori più smaliziati. Non meno importante è il nuovo assetto artistico: il character design sarà curato da Yōko Tanabe e Hisashi Kawashima, due professionisti con un curriculum notevole, pronti a reinventare l’estetica dei personaggi con tratti più espressivi e una cura dei dettagli ancora maggiore.

E mentre tutto cambia, c’è almeno un elemento che resta saldo: Yasuharu Takanashi, il compositore delle stagioni precedenti, torna a firmare la colonna sonora di Record of Ragnarok III. Le sue musiche, epiche e adrenaliniche, sono da sempre un elemento fondamentale della serie, capaci di accompagnare gli scontri come rulli di tamburi in una guerra celeste. La sua presenza è una garanzia: possiamo aspettarci temi ancora più intensi, pronti a scandire ogni momento cruciale con il giusto pathos.

Insomma, Record of Ragnarok III ha tutte le carte in regola per essere la stagione più emozionante, spettacolare e carica di pathos dell’intera saga. Con una narrazione sempre più matura, un comparto tecnico rinnovato e scontri sempre più tesi e coreografici, la serie sembra pronta a superare se stessa e a imporsi come una delle punte di diamante dell’offerta anime su Netflix.

E poi, diciamocelo: quale altro anime riesce a mettere sullo stesso ring un’umanità disperata e divinità arroganti, mescolando mitologia norrena, storia giapponese, filosofia greca e armi da samurai in un’unica, esplosiva cornice narrativa? Record of Ragnarok è un fenomeno unico, e questa terza stagione è pronta a dimostrarlo una volta di più.

Non ci resta che attendere dicembre 2025, segnandoci la data sul calendario con la stessa energia con cui Thor brandisce il suo Mjölnir. L’arena è pronta, gli sfidanti stanno per entrare, e noi, spettatori assetati di emozioni, non vediamo l’ora di assistere alla prossima battaglia per il destino dell’umanità.

E tu? Sei pronto a tifare per gli umani o stai dalla parte degli dei? Raccontacelo nei commenti e condividi questo articolo con la tua Valhalla Crew su Facebook, X o Instagram! La guerra finale sta per iniziare… e nessuno vuole perdersela.

Fanstuff, Intelligenze Artificiali

Squid Game diventa realtà (artificiale): come fare un selfie con Gi-hun e il Front Man

2 Luglio 2025 Redazione Lascia un commento

Se ti dicessi che puoi scattarti un selfie con i protagonisti di Squid Game, mi crederesti? E se aggiungessi che puoi davvero inserirti nello scenario teso e surreale della “sfida dei vetri” accanto a Gi-hun, Sae-byeok e Il-nam, con tanto di tuta verde numerata e sguardo determinato? No, non è uno scherzo orchestrato da qualche genio del deepfake: è l’intelligenza artificiale generativa che, ancora una volta, ridefinisce i confini della fantasia nerd.

Il fenomeno non poteva che esplodere dopo la conclusione della terza stagione e mentre cresce l’hype per lo spinoff americano in lavorazione. Sui social impazza un trend irresistibile: i fan si stanno catapultando, letteralmente, dentro Squid Game. Non solo con cosplay o tributi artistici, ma attraverso immagini ultra-realistiche generate da AI, in cui diventano protagonisti accanto ai personaggi iconici della serie. Ecco un esempio di un prompt efficace per modificare un tuo selfie e “inserirti” all’interno dei giochi!

Create an ultra-realistic 8K vertical 9:16 fisheye group selfie with me (player 9, replace face using attached photo) in a green tracksuit, surrounded by Squid Game top 5 characters-Gi-hun
(456), Cho Hyun-ju (120), Kim Jun-hee (222), Hwang Jun-ho, Il-nam
(001)—plus 3 masked guards, all smiling on the Season 2 glass bridge arena. In the lower portion of the image, include stylized text:
“SQUID GAME 3” in a modern digital font,
followed by:
“ONLY ON NETFLIX ”
The background should remain dark and mysterious, with hints of blurred triangle and circle symbols

Per realizzare questo piccolo sogno nerd basta davvero poco: una tua foto, un prompt ben costruito e una manciata di clic. L’intelligenza artificiale si occupa del resto, sostituendo il tuo volto, inserendoti nella scena e replicando luci, colori e texture con una qualità che sfiora l’iperrealismo. Non è solo un gioco grafico, è una nuova forma di fan immersion che cambia radicalmente il modo in cui interagiamo con le nostre storie preferite.

Questa nuova frontiera visiva ha un potere emozionale non da poco. Se fino a ieri l’unico modo per “vivere” Squid Game era attraverso lo schermo o al massimo indossando un cosplay, oggi puoi sentire di farne parte. È come se la linea tra spettatore e protagonista si dissolvesse, e tu potessi finalmente dire: “Io c’ero, nel bel mezzo della battaglia tra vita e morte orchestrata dal Front Man.”

Ma non è la prima volta che Squid Game irrompe nella nostra realtà con una forza devastante. Fin dal suo debutto su Netflix nel settembre 2021, la serie sudcoreana ha travolto il panorama della cultura pop, diventando un simbolo planetario della Korean Wave. In poche settimane, ha conquistato classifiche, cuori e… feed di Instagram. Il suo impatto è stato talmente potente da cambiare persino il nostro modo di vestirci e giocare.

Chi può dimenticare il boom del cosplay? Le tute verdi dei partecipanti, le maschere rosse dei sorveglianti e persino gli ombrelli dei dalgona sono diventati elementi iconici, presenti ovunque dalle fiere del fumetto fino alle feste di Halloween. L’estetica minimale e disturbante della serie ha contaminato la moda, rilanciando uno stile retrò-sportivo in chiave distopica. Nel frattempo, i dolcetti coreani diventati virali nella famosa sfida del biscotto hanno registrato un’impennata di vendite mondiale, persino nei supermercati europei.E come non citare le infinite parodie e reinterpretazioni? Celebre quella del Saturday Night Live, ma soprattutto la riproduzione firmata MrBeast, con un budget milionario e zero vittime reali (per fortuna). Il mondo dei videogiochi non è rimasto a guardare: le dinamiche di Squid Game sono state replicate in giochi come Roblox, Fortnite e persino GTA Online, mentre escape room ispirate allo show sono spuntate un po’ ovunque nel mondo reale.Ovviamente, non tutto è stato rose e fiori. Le scuole hanno dovuto affrontare una preoccupante ondata di bambini che imitavano i giochi violenti della serie durante la ricreazione, sollevando dubbi sul pubblico a cui Squid Game si rivolge davvero. E poi c’è stata la truffa della criptovaluta “SQUID”, che ha bruciato milioni in pochi giorni, dimostrando come il successo possa anche attirare avvoltoi digitali.

In Corea del Sud, l’effetto valanga ha persino colpito le infrastrutture: la compagnia SK Broadband ha citato in giudizio Netflix per l’aumento esorbitante del traffico dati causato dallo streaming della serie. L’epilogo? Un accordo tra le parti e una nuova consapevolezza sul potere – e il peso – dell’intrattenimento globale.E ora, con la terza stagione che si è appena conclusa e lo spinoff americano pronto a espandere ulteriormente l’universo narrativo, non stupisce che l’intelligenza artificiale diventi l’alleata perfetta dei fan per vivere, ancora più da vicino, la tensione e la bellezza oscura di Squid Game.

Quindi, cosa aspetti? Preparati il tuo selfie. Indossa mentalmente la tuta, guarda fisso nell’obiettivo e sorridi: sei dentro il gioco. Ma attento… alla prossima “luce rossa”, potresti dover correre! Hai già provato a creare il tuo selfie con i personaggi di Squid Game? Hai idee folli per altri scenari da ricreare con l’AI? Raccontacelo nei commenti qui sotto e condividi l’articolo sui tuoi social per sfidare i tuoi amici a fare lo stesso. Chi sarà il prossimo a sopravvivere al Glass Bridge… in pixel?

Cinema & Tv

Troll 2: il colosso del folklore norvegese torna a colpire su Netflix

30 Giugno 2025 Dai nostri utenti Lascia un commento

Nel gelido cuore della Norvegia, tra vallate silenziose e montagne millenarie, qualcosa di antico si risveglia. Non è solo una leggenda, non è soltanto un’eco del passato: è un troll, immenso e furioso, pronto a scatenare la sua collera contro l’umanità. E Netflix, ancora una volta, ci invita a immergerci in un’epica avventura nordica con Troll 2, il sequel del celebre monster movie che nel 2022 ha conquistato il pubblico globale diventando il film non in lingua inglese più visto sulla piattaforma. Un primato sorprendente, ma meritatissimo, che ha aperto la strada al ritorno di un immaginario ancestrale e suggestivo.

Ma cos’ha di così speciale Troll da meritarsi un sequel attesissimo, in uscita il prossimo 1° dicembre 2025? Innanzitutto, la sua capacità di fondere l’action hollywoodiana con le atmosfere mitiche e oscure del folklore scandinavo. I troll, creature giganti fatte di pietra e leggende, non sono semplici mostri: rappresentano la Natura stessa che si ribella, il passato che riemerge dalle profondità delle montagne per chiedere il conto. E Roar Uthaug – regista norvegese già noto per il survival horror Fritt Vilt, il catastrofico The Wave e Tomb Raider con Alicia Vikander – ha saputo plasmarli in maniera spettacolare, restituendoci al tempo stesso meraviglia e terrore.

In Troll 2, Uthaug torna al timone insieme allo sceneggiatore Espen Aukan, ai produttori Espen Horn e Kristian Strand Sinkerud di Motion Blur, e naturalmente al cast che ha dato vita ai protagonisti del primo capitolo. Ritroveremo così la coraggiosa e razionale Nora Tidemann, interpretata ancora da Ine Marie Wilmann, affiancata dal pragmatico Andreas Isaksen (Kim Falck) e dal determinato Capitano Kris Holm (Mads Sjøgård Pettersen). Una squadra affiatata, pronta a immergersi nuovamente nell’incubo per salvare il loro paese. Ma non saranno soli: nel sequel farà il suo debutto Marion, un nuovo personaggio interpretato da Sara Khorami, il cui ruolo sembra destinato a rivelarsi fondamentale per affrontare la nuova minaccia.

La trama riprende da dove avevamo lasciato: la calma apparente viene interrotta da un nuovo risveglio, quello di un troll ancora più spaventoso e distruttivo. Le immagini del teaser trailer rilasciato da Netflix sono eloquenti: intere vallate spazzate via, città ridotte in macerie, il cielo gravido di cenere e paura. I nostri eroi saranno chiamati a intraprendere la missione più ardua della loro vita, in un viaggio che li porterà a esplorare le profondità oscure della mitologia norvegese. Per sopravvivere e contrastare la furia primordiale del troll, dovranno stringere nuove alleanze e scoprire verità dimenticate, custodite tra le pieghe della storia e delle leggende.

Se il primo Troll aveva stupito per la sua capacità di bilanciare azione e introspezione, Troll 2 promette di alzare ulteriormente l’asticella, sia dal punto di vista visivo che narrativo. La fotografia cupa e mozzafiato, le sequenze ad alto tasso di tensione e l’atmosfera da fine del mondo creano un mix irresistibile per gli amanti dei monster movie e della mitologia nordica. Eppure, oltre al puro spettacolo, la saga dei troll ci invita anche a riflettere su temi profondi: l’equilibrio tra uomo e natura, l’arroganza della modernità di fronte alle forze antiche del mondo, la responsabilità collettiva nel preservare ciò che ci è stato tramandato.

Non possiamo non ricordare chi ha spianato la strada a tutto questo. Già nel 2010, il regista André Øvredal aveva firmato lo splendido Troll Hunter, mockumentary brillante e inquietante che portava alla ribalta i giganti norvegesi con un tono semi-serio e un taglio documentaristico avvincente. Se non l’avete ancora visto, è il momento giusto per recuperarlo: non solo per godervi un piccolo cult, ma anche per prepararvi al meglio al nuovo arrivo su Netflix.

Troll 2 si inserisce perfettamente nel panorama cinematografico contemporaneo, dove la fame di mitologia, creature fantastiche e narrazioni epiche non accenna a diminuire. E questa produzione norvegese dimostra ancora una volta che le storie più potenti non devono per forza arrivare da Hollywood: a volte basta alzare lo sguardo verso le montagne del Nord per trovare miti antichi pronti a tornare in vita.

E tu, sei pronto a sfidare ancora una volta i giganti? Il teaser trailer è già disponibile su Netflix e lascia presagire un’avventura ancora più intensa, cupa e avvincente. Segna la data: 1° dicembre 2025, perché i troll stanno tornando… e non saranno per nulla amichevoli.

Hai visto il primo Troll? Cosa ti aspetti dal sequel? Hai un tuo mostro cinematografico preferito? Raccontacelo nei commenti e condividi l’articolo sui tuoi social per far sapere a tutti che anche tu sei pronto a tornare nel cuore delle leggende nordiche. Che la caccia al troll abbia inizio!

Approfondimenti, Cinema & Tv, KCulture

Squid Game: Il Gioco non è mai finito – La trilogia televisiva Che ha sconvolto il Mondo

30 Giugno 2025 Dai nostri utenti 1 commento

C’è un momento preciso nella storia della serialità in cui qualcosa si rompe, o forse si ricompone in una forma del tutto nuova. È il momento in cui “Squid Game” entra nelle nostre vite, non semplicemente come una serie, ma come un fenomeno culturale, un trauma condiviso, un’esperienza collettiva difficile da scrollarsi di dosso. E quando parlo di “esperienza”, non sto esagerando. Non è solo una questione di trama o di personaggi ben scritti, ma di qualcosa di più profondo, viscerale, universale. Squid Game è riuscita a incarnare, in un linguaggio pop potentissimo, l’angoscia del presente e il disincanto del nostro tempo.

Il 17 settembre 2021 non è stata solo una “normale” data di un ennesimo lancio di una serie coreana su Netflix. È stato il giorno in cui l’inquietudine ha preso forma. Hwang Dong-hyuk, con una visione che definire profetica non è esagerato, ci ha offerto un racconto spietato e affascinante che ha messo sotto i riflettori le dinamiche più malsane del capitalismo globale, travestendole da competizione infantile. La scelta stessa del titolo coreano “오징어 게임” (Ojing-eo geim), ovvero “Gioco del calamaro”, non è un vezzo nostalgico, ma un ponte simbolico tra l’innocenza perduta e l’incubo moderno. Un gioco che un tempo univa i bambini coreani negli anni Settanta, diventa ora l’eco distorto di un mondo adulto che si è dimenticato di cosa significhi giocare per vivere, non per sopravvivere.

La prima stagione è un colpo nello stomaco, e Seong Gi-hun – il nostro protagonista – è il veicolo perfetto per farci attraversare l’inferno con gli occhi sbarrati. Un uomo ordinario, inadeguato, quasi patetico, che incarna tutte le contraddizioni di un’umanità in bancarotta morale. Gi-hun è lo specchio di un sistema che premia l’azzardo e punisce la bontà, un sistema che ride in faccia alla solidarietà e glorifica la violenza come forma di intrattenimento. Le sue vicende, in una Seoul più grigia che mai, ci trascinano dentro un’orgia cromatica di tute verdi, maschere geometriche e stanze dai colori pastello che sembrano uscite da un incubo infantile progettato da Escher.

Hwang Dong-hyuk, nel costruire questo mondo, si affida a un cast semplicemente perfetto. Lee Jung-jae, nei panni di Gi-hun, rompe ogni cliché del protagonista eroico e si fa corpo e anima di un uomo che sopravvive, sì, ma a caro prezzo. Jung Ho-yeon, Gong Yoo, Lee Byung-hun… ogni presenza è calibrata, ogni volto racconta qualcosa, anche quando tace. Non dimentichiamo nemmeno Anupam Tripathi, la cui interpretazione emozionale e intensa di Ali Abdul è uno dei cuori pulsanti della prima stagione.

Ma ciò che rende Squid Game indimenticabile è la sua ambientazione: quell’isola misteriosa, aspra, inaccessibile, sembra uscita da un sogno malato tra James Bond e Orwell. Un luogo fuori dal tempo, dove le regole del mondo esterno non valgono più. Il palcoscenico perfetto per mettere in scena la distillazione dell’orrore umano.

E proprio quando pensavamo che fosse tutto finito, ecco che nel 2024 arriva la seconda stagione. Un ritorno attesissimo, che non ha il compito facile di replicare l’effetto shock della prima, ma che invece si gioca tutto sull’approfondimento e sull’espansione. Gi-hun torna, ma è un uomo diverso. La ferita non si è mai chiusa. Ha vinto, sì, ma ha perso tutto. Decide di tornare nel gioco, ma stavolta non per soldi: vuole smantellarlo, dall’interno. È una missione suicida, un gesto folle, ma anche l’unico possibile per chi ha compreso la vera natura del Male.

E qui, la serie cambia ritmo. Si fa più complessa, più politica, più labirintica. Entriamo nelle pieghe dell’organizzazione, ne vediamo i meccanismi interni, gli ingranaggi, le rivalità. Il Front Man, sempre più carismatico e inquietante, non è solo un antagonista, ma una figura tragica, fraterna, spezzata. Wi Ha-joon, nei panni del detective Jun-ho, sopravvive – letteralmente e narrativamente – per portare avanti la caccia alla verità. E intanto nuovi personaggi – Kang No-eul, Cho Woo-seok, e una schiera di volti freschi – rinnovano il campo da gioco, introducendo dinamiche inedite e tensioni nuove.

La stagione due è il cuore politico della serie. Mette in discussione l’idea stessa di rivoluzione. Si può davvero cambiare il sistema giocando secondo le sue regole? O si finisce per esserne risucchiati? Il fallimento della rivolta di Gi-hun, sabotata dall’interno, è un pugno al cuore. La fiducia tradita, l’illusione spezzata, l’amico assassinato… tutto sembra gridare: non puoi vincere, perché il gioco è truccato fin dall’inizio.

E allora arriviamo al gran finale. La stagione tre. Rilasciata nel 2025, è il coronamento – e al tempo stesso lo spartiacque – di tutta l’epopea di Squid Game. Una stagione più cupa, densa, dolorosa. Non ci sono più innocenti. Ogni scelta pesa come una condanna. I giochi si fanno ancora più crudeli, ma ciò che colpisce è la loro trasformazione simbolica: diventano metafore viventi delle dinamiche sociali reali, riflessi distorti di un’umanità sempre più disumanizzata. C’è un momento, durante il quarto gioco, in cui la nascita di una bambina stravolge le regole stesse del gioco. La vita che irrompe in mezzo alla morte. La speranza che sfida la rassegnazione.

Il sacrificio di Gi-hun, che decide di morire per salvare quella neonata, è il climax emotivo e filosofico dell’intera serie. È l’atto finale di un uomo che ha toccato il fondo e ha scelto di essere altro. Non un vincitore. Non un sopravvissuto. Ma un simbolo. Un padre spirituale in un mondo che ha dimenticato cosa significhi proteggere i più fragili.

E poi, come se non bastasse, il colpo di scena. Il Front Man fugge a Los Angeles. La serie ci mostra, con pochi secondi indimenticabili, la nuova incarnazione del Gioco. E lo fa con un cameo da brividi: Cate Blanchett che gioca a ddakji in un vicolo losangelino. Un passaggio di testimone. Un messaggio chiarissimo. Il Gioco continua. È globale. È virale. È inarrestabile.

Hwang Dong-hyuk chiude, ma non chiude. Rilancia. E noi, come spettatori, non possiamo che restare stregati. Perché in fondo, Squid Game non è solo una serie. È una lente crudele e brillante attraverso cui guardare il mondo. È un racconto che non finisce quando si spegne lo schermo. Resta dentro. Si insinua. E continua a giocare con noi.

E adesso, amiche e amici del CorriereNerd.it, tocca a voi: cosa ne pensate del finale di Squid Game 3? Vi ha lasciati senza fiato o avete avvertito una certa amarezza? E soprattutto: siete pronti per una versione americana del Gioco con Cate Blanchett in prima linea e – magari – David Fincher dietro la macchina da presa? Diteci la vostra nei commenti e condividete questo articolo con chi, come voi, ha vissuto il Gioco fino all’ultimo respiro. Perché sì, il Gioco è appena ricominciato… e questa volta nessuno è davvero al sicuro.

Cinema & Tv, KCulture

Squid Game: America – David Fincher, Cate Blanchett e il mistero di uno spin-off che potrebbe rivoluzionare tutto

29 Giugno 2025 mAIo-AIcontent Lascia un commento

Nel mondo dei rumor nerd, ci sono notizie che rimbalzano per qualche giorno e poi spariscono nel nulla, e poi ce ne sono altre che, anche senza conferme ufficiali, si piantano nella nostra mente come un chiodo ossidato. La voce che David Fincher – sì, proprio lui, il regista di Fight Club, Seven, Gone Girl e Mindhunter – starebbe lavorando a uno spin-off americano di Squid Game appartiene alla seconda categoria. Ed è talmente assurda, intrigante e potenzialmente esplosiva da sembrare una mossa narrativa uscita direttamente dalla mente contorta di uno sceneggiatore seriale ossessionato dal caos. Ma forse, dietro il rumore, c’è davvero qualcosa che bolle in pentola. E no, non è un’altra zuppa coreana. È qualcosa di molto più occidentale, cinico e spietato. Qualcosa che, se realizzato, potrebbe segnare l’inizio di un nuovo capitolo nell’evoluzione dell’intrattenimento distopico seriale.

Quando la Regina Bianca arriva a Los Angeles

Chi ha visto la terza stagione di Squid Game fino in fondo – o meglio, chi ha spulciato con occhi da cecchino ogni fotogramma dell’ultima scena – sa già che qualcosa stava cambiando. Il focus narrativo si sposta dalla Corea del Sud a Los Angeles, in un parcheggio illuminato da neon taglienti come lame e tensione palpabile. Lì, in un’atmosfera da noir cyberpunk, compare lei: la Reclutatrice. E no, non è una comparsa qualsiasi. È Cate Blanchett. Impassibile, algida, glaciale come solo lei sa essere. Lo sguardo dice tutto: il Gioco non è finito. Il Gioco si è evoluto. Il Gioco adesso parla americano.

La scelta di Blanchett, se confermata, è la prima tessera di un mosaico che grida ambizione da ogni pixel. Perché non solo parliamo di una delle attrici più talentuose e poliedriche del nostro tempo, ma anche di una figura che, visivamente, incarna alla perfezione il tipo di autorità ambigua che una versione americana del Gioco potrebbe evocare. Un’autorità più legata al potere mediatico che al rigore militare, più subdola che brutale, più psicologica che fisica.

Non un remake. Uno spin-off. E non uno qualsiasi

Ed è qui che le cose diventano davvero interessanti. Squid Game: America non sarà – sempre secondo le fonti più accreditate, tra cui il sempre ben informato What’s on Netflix – un remake in stile copia-incolla. Non ci troveremo di fronte a una versione statunitense della serie coreana, con giochi tipo “un, due, tre, stella” sostituiti da battaglie a paintball o improbabili sfide da fiera di paese. Sarà piuttosto uno spin-off narrativo, radicato nello stesso universo, ma con nuove regole, nuove dinamiche, nuove implicazioni sociali e culturali.

A dirigere questa mutazione genetica del format? Il già citato David Fincher. E se conoscete il suo stile, sapete già cosa aspettarvi: inquadrature chirurgiche, atmosfere plumbee, un’estetica della tensione che fa della freddezza un’arte, e personaggi ossessionati dal controllo in un mondo dove tutto implode. Pensate a Mindhunter incontra The Hunger Games passando per Black Mirror, ma con un’anima marcia, lucida e spettacolare. Insomma, qualcosa che potrebbe davvero portare il franchise a un livello superiore.

Dennis Kelly: la mente perfetta per scrivere l’incubo

A rendere il tutto ancora più inquietante – e affascinante – è la notizia che Dennis Kelly, creatore dell’acclamata (e sottovalutatissima) serie Utopia, sarebbe al lavoro sulla sceneggiatura. E se non avete mai visto Utopia, fatevi un favore e recuperatela: è una delle distopie più disturbanti, paranoiche e visivamente brillanti degli ultimi dieci anni. Un’ode al complottismo che diventa realismo politico, un thriller cospirativo che ti fa dubitare della tua stessa ombra.

Con Kelly alla penna e Fincher alla regia, Squid Game: America potrebbe non solo replicare l’atmosfera oppressiva dell’originale, ma amplificarla fino a renderla quasi insopportabile. Immaginate un gioco della sopravvivenza trasformato in spettacolo da prima serata, con rating televisivi che decidono la sorte dei partecipanti. Un’America distopica dove la violenza diventa contenuto virale e la disumanizzazione è solo un altro format da monetizzare. Il tutto condito con il sarcasmo nero e il senso di disagio che Fincher e Kelly sanno maneggiare con maestria quasi chirurgica.

I tempi, i luoghi, le coincidenze (che forse non lo sono)

Secondo le indiscrezioni, le riprese di Squid Game: America dovrebbero iniziare a Los Angeles nel dicembre 2025. Un periodo interessante, anche perché coincide con un altro progetto titanico a cui Fincher è stato collegato: Le Avventure di Cliff Booth, lo spin-off/sequel di C’era una volta a… Hollywood, basato su una sceneggiatura originale di Quentin Tarantino. Dunque: due set, due progetti mastodontici, due visioni opposte e complementari. O Fincher ha davvero trovato un modo per vivere in due linee temporali parallele, oppure sta orchestrando un periodo di creatività estrema che potrebbe ridefinire il suo percorso artistico.

A dare peso alla teoria dell’imminente coinvolgimento di Fincher è anche un dettaglio contrattuale che gli addetti ai lavori non hanno ignorato: il suo accordo con Netflix è stato recentemente rinnovato per altri tre anni. Non una semplice formalità, ma una dichiarazione d’intenti. Dopo House of Cards, Mindhunter, Love, Death + Robots, Mank e The Killer, è evidente che Fincher è diventato uno degli assi nella manica del colosso dello streaming. E Squid Game: America potrebbe essere il prossimo asso da calare sul tavolo.

Perché Squid Game ha bisogno di una versione americana?

Domanda lecita, e divisiva. Una parte del fandom, quella più purista, inorridisce all’idea di un remake/spin-off made in USA. Perché toccare un capolavoro che funziona già perfettamente nella sua forma originale? Perché rischiare di occidentalizzare una critica sociale che nasce da dinamiche tipicamente asiatiche?

La risposta, però, potrebbe essere proprio nel cuore di questa domanda: perché il contesto americano è altrettanto, se non più, fertile per una critica feroce. In una società dove il denaro è spettacolo, la fama è moneta corrente e la sopravvivenza si trasforma spesso in reality show, Squid Game potrebbe trovare un nuovo respiro. Potrebbe diventare lo specchio deformante – e lucidissimo – di un’America ossessionata dall’apparenza, dai numeri, dal profitto. Un’America dove non si gioca per sopravvivere, ma per essere visti. E questo cambia tutto.

Teorie, meme e hype: l’internet reagisce

Nel frattempo, mentre Netflix tace e Fincher si mimetizza come un ninja in post-produzione, l’internet esplode. Fan art, meme, video analisi su TikTok, e soprattutto teorie. Tante. Alcune deliranti (tipo “la Reclutatrice è in realtà una versione alternativa del Front Man”), altre più plausibili (l’idea che i giochi americani avranno una componente mediatica più accentuata). C’è persino chi ipotizza che i partecipanti dovranno affrontare giochi come Monopoly… ma con dadi esplosivi.

Il Gioco è cambiato. E non possiamo far finta di niente

Al di là dei rumor, delle conferme mancate e delle speculazioni, una cosa è certa: se Squid Game: America sarà davvero ciò che immaginiamo – e forse anche qualcosa di più – allora ci troveremo davanti non a un remake, ma a un’espansione narrativa intelligente, spietata e necessaria. Un modo per mettere sotto la lente d’ingrandimento un’altra faccia della stessa umanità corrotta, affamata, spettacolarizzata.

E se a raccontarcela saranno David Fincher e Dennis Kelly, beh… allora forse il Gioco non è finito. Forse non è nemmeno cominciato.

Ma una cosa è sicura: saremo tutti incollati allo schermo. E stavolta, non solo come spettatori.

Approfondimenti, Cinema & Tv, COSPLAY, Gaming, Hi-Tech, KCulture

Squid Game: l’invasione culturale della Korean Wave tra cosplay, meme, polemiche e… criptovalute truffaldine

28 Giugno 2025 Dai nostri utenti Lascia un commento

Nel settembre del 2021, Netflix ha rilasciato una serie sudcoreana intitolata Squid Game. All’apparenza, sembrava solo uno dei tanti K-drama intriganti destinati a guadagnarsi una nicchia di fan affezionati, magari appassionati del genere thriller o distopico. E invece, nel giro di pochi giorni, Squid Game ha fatto qualcosa che nessuno si aspettava davvero: è esploso. Un’esplosione virale, mondiale, incontrollabile. Non si è trattato semplicemente di milioni (anzi, miliardi) di visualizzazioni. No, Squid Game è diventato un simbolo, un meme vivente, un riferimento culturale onnipresente. In altre parole: Squid Game è diventato leggenda.

Ma come ha fatto questa serie coreana, apparentemente semplice nella sua struttura narrativa, a diventare uno dei fenomeni più potenti della cultura pop contemporanea? E perché, a distanza di anni, il suo impatto continua a riverberarsi nei mondi del cosplay, della moda, dei social, dei videogiochi, della tecnologia e perfino… delle truffe online?

Preparati a un viaggio attraverso il fenomeno Squid Game, tra retroscena, effetti collaterali e influenze planetarie. Un’analisi nerd, appassionata e dettagliata su come il K-drama scritto da Hwang Dong-hyuk sia diventato il cuore pulsante dell’Hallyu del nuovo millennio.

Un’esplosione culturale chiamata Hallyu

Per comprendere davvero la portata di Squid Game, dobbiamo prima fare un passo indietro e parlare della Hallyu, la “Korean Wave”. È così che viene definita l’espansione planetaria della cultura pop sudcoreana. Negli ultimi vent’anni, abbiamo assistito a un’escalation continua: dal K-pop dei BTS e delle BLACKPINK ai film di Bong Joon-ho come Parasite, fino al boom dei drama coreani su piattaforme streaming. Ma con Squid Game, la Korean Wave ha cambiato marcia. Ha smesso di essere una corrente per diventare un uragano culturale.

La differenza? Squid Game non ha solo conquistato gli schermi. Ha invaso le strade, le scuole, i guardaroba, le piattaforme di gioco, persino i dolciumi. Ha costruito un immaginario visivo e concettuale talmente potente da essere replicato in mille forme diverse. L’estetica della serie — i colori saturi, le geometrie simboliche, l’inquietante minimalismo — è diventata istantaneamente riconoscibile. Un nuovo codice visivo che parla una lingua globale.

La rivoluzione del cosplay (e dell’armadio)

Forse l’effetto più immediato e tangibile del successo di Squid Game si è manifestato nel mondo del cosplay. Impossibile dimenticare l’ondata di tute verdi numerate che hanno invaso le convention nerd e gli eventi di Halloween in tutto il mondo. Allo stesso modo, le tute rosse con le maschere geometriche — cerchio, triangolo, quadrato — sono diventate icone istantanee. E poi c’era lui, il misterioso Front Man, con la sua maschera nera sfaccettata da supervillain postmoderno.

Le scarpe Vans bianche indossate dai concorrenti? +7800% di vendite. Le tute da ginnastica vintage in stile anni ’80? Tornate di moda. In Corea del Sud, diversi brand hanno rilanciato collezioni ispirate alla serie. È come se Squid Game avesse riscritto le regole del fashion nerd, trasformando un gioco letale in una passerella di culto. E non solo per chi frequenta il Lucca Comics o il Comiket di Tokyo: la moda ispirata alla serie è finita persino sulle passerelle haute couture.

Meme virali, sfide folli e parodie musicali

Chiunque abbia frequentato i social tra la fine del 2021 e il 2022 ricorderà bene: Squid Game era ovunque. Su TikTok, su Instagram, su Twitter. Meme, parodie, reaction video, filtri, sfide. Netflix ha dichiarato che, solo nel primo mese dal debutto, sono stati generati oltre 42 miliardi di visualizzazioni per contenuti legati alla serie. Una cifra mostruosa, degna di un mostro della cultura virale.

Celebri le parodie, come quella andata in onda al Saturday Night Live con Rami Malek e Pete Davidson in versione country-horror. Ma l’apice dell’assurdo è stato toccato da MrBeast, che ha ricreato interamente i giochi della serie con 456 concorrenti reali e un montepremi di 456.000 dollari. Ovviamente, senza eliminazioni fatali. Il video ha totalizzato milioni di visualizzazioni in poche ore e ha consacrato l’estetica della serie come patrimonio universale del web.

Squid Game diventa un videogame (non ufficiale)

Se sei un gamer, saprai bene che nessun trend virale è completo senza la sua trasposizione videoludica. Su piattaforme come Roblox, Fortnite Creative e persino GTA Online, sono nate centinaia di mappe ispirate ai giochi della serie. Il famigerato “Un, due, tre, stella!” è diventato un minigioco virale, mentre la sfida dei dalgona ha trovato nuova vita nei server pubblici.

Ma la moda non si è fermata al digitale. In tutto il mondo, fan organizzano escape room ispirate a Squid Game, eventi live non letali (per fortuna) e perfino contest in stile “giochi per bambini ma con la tensione di un thriller psicologico”. Il mondo nerd non ha solo accolto Squid Game a braccia aperte. L’ha trasformato in playground globale.

La dolce vendetta dei Dalgona

Un altro aspetto affascinante di questo fenomeno è stata la rinascita dei dalgona, i dolcetti tradizionali coreani fatti di zucchero e bicarbonato. Dopo la messa in onda della serie, il loro consumo è esploso: dai mercatini coreani ai food truck di New York, fino agli chef stellati che hanno reinventato la ricetta con tocchi gourmet. Provarli a casa è diventata una sfida culinaria in sé, spesso documentata su TikTok o YouTube. È il lato zuccherino — ma non meno teso — del mondo di Squid Game.

Criptovalute truffaldine, plagi internazionali e… numeri di telefono

Ogni mito ha il suo lato oscuro. E Squid Game, fedele alla sua narrazione spietata, non poteva sottrarsi. Un gruppo di sviluppatori ha lanciato una criptovaluta chiamata SQUID, promettendo un gioco online ispirato alla serie. La moneta ha visto un’impennata del 2300% in un giorno, salvo poi rivelarsi un rug pull: gli ideatori sono spariti con oltre 2 milioni di dollari. Il tutto si è concluso in tragedia finanziaria, degna di un episodio extra della serie stessa.

Anche in Cina il fenomeno ha creato polemiche: l’emittente Youku ha lanciato un programma intitolato Victory of Squid, copia palese della serie. Le proteste online sono state così violente che la rete ha dovuto scusarsi pubblicamente e cambiare nome al programma. Chi dice che la cultura pop non può essere anche un campo di battaglia?

E poi c’è il famigerato numero di telefono mostrato nella serie. Apparteneva realmente a un cittadino sudcoreano che ha iniziato a ricevere 4000 telefonate al giorno. “Voglio partecipare al gioco!”, gli dicevano. Netflix è dovuta intervenire rimuovendo il numero e scusandosi ufficialmente. A volte la realtà sa essere più assurda della finzione.

Un’icona globale nata dal dolore sociale

Al di là del cosplay, dei meme, dei dolcetti e delle truffe, Squid Game ha toccato corde profonde. Ha parlato di disuguaglianze sociali, di disperazione economica, di solitudine, di fame di rivincita. Ha mostrato un mondo in cui la competizione diventa disumanizzazione. E ha avuto il coraggio di farlo con una narrazione cruda, disturbante ma lucidissima. Il vero cuore del successo non è solo estetico, ma politico e umano. Squid Game è stato uno specchio brutale della nostra società, amplificato dal linguaggio potente della Korean Wave.

La partita è ancora aperta

Squid Game non è solo una serie TV. È un universo culturale che ha travolto ogni confine. Ha trasformato il modo in cui guardiamo alla Corea del Sud, rendendola non più solo un fenomeno di nicchia, ma il nuovo epicentro dell’intrattenimento globale. Dalla moda ai videogiochi, dai social ai supermercati, il suo impatto è stato totale. E se pensi che tutto si sia esaurito con la prima stagione… aspetta di vedere cosa ci riserverà la seconda.

E ora, tocca a te: hai mai indossato una tuta da concorrente o una maschera da sorvegliante? Hai provato a realizzare i dalgona a casa? Ti sei avventurato nei mondi digitali ispirati alla serie? Raccontacelo nei commenti oppure condividi questo articolo sui tuoi social

AULAMANGA, Cinema & Tv

Ranma ½ torna su Netflix con la seconda stagione: nostalgia, arti marziali e trasformazioni demenziali dal 2025

23 Giugno 2025 Dai nostri utenti Lascia un commento

Preparatevi a rimettere piede nella più folle e divertente palestra del panorama anime, perché Ranma ½ sta per tornare con una seconda stagione animata che promette di far scintillare il cuore di noi nerd nostalgici e conquistare una nuova generazione di spettatori. Netflix ha appena rilasciato un teaser trailer che, in un minuto scarso, riesce già a riaccendere la magia dell’universo creato da Rumiko Takahashi, la leggendaria autrice di capolavori come Lamù, Maison Ikkoku e Inuyasha. E come se non bastasse l’hype generato dalla prima stagione, adesso sappiamo anche quando segnare il countdown: ottobre 2025.

Il trailer, che già sta rimbalzando ovunque tra social e community geek, mostra tutti i personaggi principali in azione: da Ranma Saotome in entrambe le sue versioni, maschile e femminile, alla focosa Akane Tendo, passando per la sensuale Shampoo, il goffo Mousse, fino all’immancabile e perverso Happosai, che anche stavolta promette guai a non finire. Per chi conosce il manga o la prima storica serie anime, alcune scene del video risulteranno un vero e proprio tuffo nel passato, tra ammiccamenti, arti marziali improbabili e situazioni assurde che solo il mondo di Ranma riesce a regalare.

Attenzione però: il trailer contiene qualche piccola anticipazione, quindi se siete allergici agli spoiler, fermatevi al titolo e limitatevi ad appuntare mentalmente la finestra di lancio. Ma fidatevi, la tentazione di premere “play” sarà forte. Molto forte.

Il ritorno animato di Ranma ½ non è stato un semplice revival: è stato un evento culturale. La prima stagione, approdata su Netflix tra ottobre e dicembre 2024, ha rappresentato un momento epocale per chi, come noi, è cresciuto negli anni ’90 a suon di anime doppiati alla bell’e meglio ma amati visceralmente. Questa nuova versione, curata dallo studio MAPPA, ha saputo unire fedeltà al materiale originale con uno stile di animazione moderno e spettacolare, riportando in vita un’epopea fatta di maledizioni, colpi proibiti e dinamiche sentimentali da mal di testa… ma irresistibili.

Ranma ½, per chi ha vissuto finora su Marte (o forse solo troppo giovane per ricordarlo), racconta la storia di Ranma Saotome, un ragazzo esperto di arti marziali che, durante un viaggio di allenamento in Cina con il padre Genma, cade in una sorgente maledetta e da quel momento si trasforma in una ragazza ogni volta che entra in contatto con l’acqua fredda. L’unico modo per tornare normale? Una doccia calda. E non è finita qui: Genma si trasforma in un panda. Sì, un panda. Ma il vero colpo di scena arriva quando il padre lo promette in sposo alla figlia minore del suo amico e collega Soun Tendo. Entra in scena Akane, esperta di arti marziali, femminista ante litteram e con una seria allergia ai ragazzi… specialmente a quelli che cambiano sesso a ogni gavettone.

La serie è una vera e propria commedia degli equivoci, un mix esplosivo di situazioni paradossali, combattimenti al limite del nonsense e triangoli (quadrati, pentagoni, dodecaedri) amorosi sempre sull’orlo del caos. Eppure, è proprio questo il suo fascino: Ranma è un anime che non ha paura di essere assurdo, che abbraccia il ridicolo con grazia e maestria, senza mai dimenticare il cuore tenero che batte sotto le risate.

La prima trasposizione animata di Ranma ½ risale al 1989, con una serie che ha totalizzato 161 episodi e che è diventata un cult assoluto anche in Italia grazie alla distribuzione Dynit. Da noi, come spesso accadeva in quel periodo magico e un po’ anarchico dell’animazione importata, Ranma è arrivato in TV conquistando una generazione intera a colpi di trasformazioni, amori impossibili e combattimenti in costume da bagno. Il manga originale, pubblicato tra il 1987 e il 1996 sulla Weekly Shōnen Sunday e arrivato in Italia grazie a Star Comics, è oggi considerato un pilastro della cultura pop giapponese, amatissimo ancora oggi per la sua freschezza e genialità.

E non finisce qui: oltre alla serie TV, l’universo di Ranma ½ è stato espanso con ben tre film – Le 7 divinità della fortuna, La sposa dell’isola delle illusioni e Ranma contro la leggendaria fenice – oltre a diversi OAV, piccoli gioielli d’animazione che hanno arricchito ulteriormente la storia con nuovi episodi e momenti indimenticabili.

L’annuncio di questa seconda stagione non è quindi solo un ritorno, è una vera e propria celebrazione. Lo studio MAPPA ha messo in moto la macchina dell’hype con una illustrazione speciale realizzata dalla character designer Hiromi Taniguchi, che ha fatto impazzire il web: uno di quei disegni capaci di far vibrare le corde della nostalgia e far brillare gli occhi a chi ha ancora le videocassette della serie conservate come reliquie.

In un panorama animato sempre più saturo di isekai e shonen generici, il ritorno di Ranma ½ rappresenta una ventata di follia creativa e genuino divertimento, un omaggio all’epoca d’oro degli anime ma con lo sguardo puntato al futuro. Perché se c’è una cosa che Ranma ci ha insegnato, è che anche nelle situazioni più assurde – tra trasformazioni improvvise, fidanzamenti combinati e maestri di arti marziali che si travestono da bambole – c’è sempre spazio per ridere, emozionarsi e, perché no, innamorarsi un po’.

E voi, siete pronti per il ritorno del ragazzo (e ragazza) dai capelli rossi più iconico dell’animazione giapponese? Avete già rivisto la prima stagione o state aspettando l’occasione perfetta per tuffarvi in questo delirio romantico e marziale? Parliamone nei commenti, condividete l’articolo sui vostri social e fate sapere a tutti che Ranma è tornato… e questa volta, non si farà prendere alla sprovvista neanche con un secchio d’acqua!

Cinema & Tv, Gaming

Dragon’s Lair: L’epopea animata degli anni ‘80 torna a vivere su Netflix

21 Giugno 2025 Dai nostri utenti Lascia un commento

C’era una volta un’epoca in cui le sale giochi erano templi del divertimento elettronico, e ogni nuovo cabinato era una finestra su mondi mai visti prima. In quel magico 1983, tra i neon lampeggianti e il tintinnio delle monete, emerse un titolo destinato a fare storia: Dragon’s Lair. Non era solo un videogioco. Era un’esperienza, un sogno animato, un’avventura interattiva che sembrava uscita direttamente da un film di animazione Disney. E, in effetti, era quasi così: dietro la sua magia visiva c’era la mano geniale di Don Bluth, l’animatore che ci aveva già incantato con Brisby e il segreto di NIMH, Fievel sbarca in America e Charlie – Anche i cani vanno in paradiso.

Ora, più di quarant’anni dopo, Dragon’s Lair è pronto a rinascere grazie a una produzione Netflix che promette di riportare in vita il fascino unico di questa leggenda arcade. A dirigere il film ci sarà James Bobin, regista che ha già dimostrato il suo talento nel portare mondi fantastici sullo schermo con The Muppets e Muppets Most Wanted. E anche se inizialmente si era parlato di Ryan Reynolds nel ruolo del prode cavaliere Dirk l’Ardito, pare che l’attore canadese – vera icona nerd contemporanea – sia per ora coinvolto solo come produttore.

Ma cosa rende Dragon’s Lair così speciale, tanto da meritare un adattamento cinematografico dopo tutto questo tempo? Per capirlo, bisogna tornare alle sue origini. Quando uscì, il gioco rappresentava un balzo tecnologico avanti anni luce rispetto ai classici del tempo come Pac-Man o Asteroids. Non c’erano pixel grezzi o sprite rudimentali: c’erano veri e propri filmati animati, con sequenze spettacolari che mettevano il giocatore nei panni di Dirk, un cavaliere tanto coraggioso quanto maldestro, impegnato a salvare la principessa Daphne dalle grinfie del drago Singe e del perfido stregone Mordroc.

Il gioco era così rivoluzionario da far impazzire le folle nelle sale giochi, e il successo fu tale che ABC ne realizzò perfino una serie animata nel 1984. In Italia, Dirk venne ribattezzato Sir John, ma lo spirito rocambolesco e ironico del personaggio restò intatto. Ogni episodio metteva in scena i dilemmi tipici del gioco: sbagliavi scelta? Morte certa. Azzeccavi la mossa giusta? Avanti, verso nuove trappole e nemici.

Non sorprende che Dragon’s Lair abbia lasciato un’impronta indelebile nel cuore di molti gamer. Dopo l’originale, arrivarono sequel come Dragon’s Lair II: Time Warp e Space Ace, anch’essi firmati Bluth, ma nessuno riuscì davvero a replicare il successo esplosivo del primo capitolo. Le conversioni per computer e console domestiche – spesso semplificate e private della componente animata – cercarono di cavalcare l’onda, ma con risultati altalenanti. Solo l’arcade originale, con il suo stile visivo inconfondibile, riuscì a catturare davvero l’immaginazione collettiva.

Nel corso degli anni, più volte si è provato a riportare in vita Dragon’s Lair. Nel 2007, Bluth stesso annunciò di voler realizzare un film animato, ma il progetto non decollò. Nel 2020, Netflix acquistò i diritti, con Ryan Reynolds come volto potenziale del protagonista. Inizialmente si pensava a un film interattivo, in stile Bandersnatch, con una sceneggiatura da ben 400 pagine per contemplare le diverse scelte del pubblico. Un’idea affascinante, certo, ma anche estremamente ambiziosa. Col tempo, il team creativo ha scelto una strada più tradizionale, trasformando il progetto in un film lineare, con una narrazione più classica. E forse è la scelta giusta.

Perché Dragon’s Lair, nella sua essenza, è una favola animata. Una di quelle che funzionano alla perfezione quando raccontate con ritmo, ironia e cuore. E proprio qui entra in gioco James Bobin, il cui stile – colorato, dinamico e pieno di affetto per la materia che tratta – potrebbe davvero restituire alla storia di Dirk tutta la sua vitalità. Certo, ancora non conosciamo cast né data di inizio riprese, ma l’entusiasmo è già alle stelle.

Questa nuova versione Netflix potrebbe rappresentare non solo una rinascita per il franchise, ma anche un’occasione per le nuove generazioni di scoprire il fascino di un’epoca in cui l’immaginazione era più forte dei limiti tecnologici. E per noi veterani del joypad e delle sale giochi, sarà come tornare bambini, con gli occhi spalancati davanti a un mondo dove ogni errore era una gag animata, e ogni successo una conquista epica.

Dragon’s Lair è più di un videogioco. È un mito. E se tutto andrà come speriamo, presto potremo vivere quella magia anche al cinema, tra draghi, principesse e cavalieri… con quel pizzico di nostalgia anni ’80 che non guasta mai.

E voi? Avete mai giocato a Dragon’s Lair? Ricordate la prima volta che Dirk ha affrontato il drago? Raccontatecelo nei commenti e condividete questo articolo con gli amici nostalgici su social! Che la leggenda di Dirk l’Ardito torni a splendere, un click alla volta.

Cinema & Tv

The Sandman 2: l’epico finale del sogno di Neil Gaiman arriva su Netflix

17 Giugno 2025 Mj-AI Lascia un commento

Tutte le storie, anche le più magiche, prima o poi devono trovare la loro conclusione. E così, anche The Sandman, la serie Netflix ispirata al leggendario fumetto di Neil Gaiman, si avvia al suo gran finale. Ma non temete, cari sognatori: prima che cali il sipario, ci attende un’ultima stagione che promette meraviglia, caos e una raffica di colpi di scena degni degli Eterni. Netflix ha finalmente pubblicato il trailer ufficiale e ha rivelato le date: The Sandman tornerà con Volume 1 il 3 luglio 2025, seguito dal Volume 2 il 24 luglio, e un episodio bonus il 31 luglio, tutti disponibili in esclusiva sulla piattaforma.

Il protagonista, ovviamente, sarà ancora una volta Tom Sturridge nei panni di Morfeo, mentre la regia è affidata a Jamie Childs, già noto ai fan per il suo stile visionario e perfettamente in sintonia con l’estetica onirica della serie. Ma, attenzione: questa sarà l’ultima stagione. Un addio annunciato, sì, ma anche doloroso per tutti coloro che hanno seguito le avventure del Signore dei Sogni sin dalla prima apparizione nel 2022.

La trama si preannuncia densa e tormentata: Dream sarà costretto ad affrontare una serie di scelte impossibili per salvare sé stesso, il Regno del Sogno e persino il mondo della veglia dalle conseguenze delle sue antiche colpe. Per ottenere redenzione, dovrà confrontarsi con volti noti e nuove minacce – tra dei, mostri, umani e membri della sua stessa famiglia eterna. Il cammino verso il perdono non sarà mai stato così pericoloso… né così affascinante.

Il cast si arricchisce ulteriormente in questa stagione conclusiva. Accanto a Sturridge ritroveremo Kirby Howell-Baptiste, Mason Alexander Park, Donna Preston, Esmé Creed-Miles, Adrian Lester, Barry Sloane, Patton Oswalt, Vivienne Acheampong, Gwendoline Christie e Steve Coogan. Ma le vere sorprese arrivano con i nuovi volti mitologici: Freddie Fox sarà Loki, Clive Russell interpreterà Odino e Laurence O’Fuarain vestirà i panni di un impetuoso Thor. Una triade divina che spalancherà le porte a conflitti cosmici e battaglie memorabili.

Chi conosce i fumetti di Gaiman avrà già intuito che ci stiamo addentrando nel cuore di Season of Mists, uno degli archi narrativi più amati. La serie ci porterà nel bel mezzo di un banchetto tra Eterni, fate, angeli, demoni e divinità nordiche, dove Morfeo dovrà decidere chi guiderà l’Inferno. Un dilemma etico, politico e spirituale che metterà a dura prova la sua già precaria serenità. E se l’arrivo di Orfeo – il figlio di Morfeo e Calliope – non bastasse a complicare le cose, ci penseranno Delirio e Distruzione, due dei fratelli più enigmatici degli Eterni, ad aggiungere benzina sul fuoco. Le tensioni familiari non sono mai state così esplosive.

Ma non è solo il pantheon fantastico a fare da motore a The Sandman: è la riflessione continua su ciò che ci rende umani. Morfeo, con la sua natura divisa tra dovere e desiderio, continua a essere il simbolo perfetto di questa lotta interiore. La seconda stagione approfondirà i temi dell’identità, del sacrificio e del potere del perdono, mentre il protagonista si ritroverà costretto a confrontarsi con i propri limiti e con l’eredità delle sue scelte.

Dietro le quinte, troviamo ancora una volta lo showrunner Allan Heinberg, affiancato dai produttori esecutivi David S. Goyer e dallo stesso Neil Gaiman. Quest’ultimo, nonostante le recenti controversie personali, ha confermato che la decisione di concludere la serie non è legata ad alcuna vicenda esterna, ma rappresenta piuttosto il compimento naturale dell’arco narrativo immaginato fin dall’inizio. La seconda stagione, infatti, copre il materiale restante dei fumetti, portando a termine la visione originale dell’autore britannico.

E ora, con l’uscita imminente, il countdown è partito: l’attesa è carica di aspettative. I fan si chiedono se la serie sarà in grado di mantenere il livello qualitativo della prima stagione e, soprattutto, se riuscirà a dare una conclusione degna a uno degli universi più affascinanti mai trasposti sullo schermo.

The Sandman ha dimostrato come anche le storie più complesse e dense di simbolismo possano trovare spazio nella cultura pop di oggi. Ha saputo conquistare spettatori vecchi e nuovi con il suo linguaggio poetico, le sue immagini evocative e il suo profondo messaggio sull’immaginazione, la memoria e il tempo. E adesso che siamo giunti al capitolo finale, ci resta solo da sognare un ultimo sogno, quello che chiuderà il cerchio e lascerà il segno nel cuore di chi ha seguito Morfeo nel suo lungo e tormentato viaggio.

E voi, siete pronti a dire addio a The Sandman? Avete teorie su come si concluderà la storia o speranze su quali personaggi torneranno in scena? Scriveteci nei commenti o condividete l’articolo sui vostri social per continuare a tenere vivo il regno del sogno, almeno un po’ più a lungo…

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