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Nella neve, nella polvere, nel vento – Il ritorno del mito steampunk secondo Paolo Aresi

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Quando un romanzo ti afferra dalla primissima riga e ti trascina in un Ottocento parallelo, sporco di fuliggine, febbre e presagi siderali, capisci che stai entrando in uno di quei mondi narrativi capaci di restare addosso. Nella neve, nella polvere, nel vento, il nuovo lavoro di Paolo Aresi pubblicato nella collana Odissea Fantascienza, è esattamente quel tipo di viaggio: non un semplice racconto, ma un attraversamento. Una ferita aperta sul continente europeo, un’eco di paure modernissime filtrate attraverso estetica vittoriana e suggestioni proto-fantascientifiche.

Leggendo le prime pagine, sembra quasi di scorgere il vapore delle locomotive mescolarsi alla nebbia delle nostre inquietudini contemporanee. Perché questa storia ambientata nel 1890 parla al 2025 con una lucidità che fa impressione. E lascia un brivido lungo la schiena, di quelli che solo la buona fantascienza sa generare.

Un continente che cade a pezzi, un ragazzo che si rifiuta di cedere al destino

L’Europa che Aresi costruisce è una creatura ferita: frontiere serrate, governi nel caos, la guerra che non è un fulmine ma un rumore sordo e continuo, una malattia endemica che attraversa mari e montagne come un’entità viva e inarrestabile. Un mondo dove perfino le notizie viaggiano male, distorte, lente, come se la realtà stessa fosse diventata un territorio instabile.

Dentro questo scenario disturbante e ipnotico, si muove Pietro, giovane italiano che vive a Londra e che riceve un colpo inaspettato: la notizia della morte della sua Angela. Una notizia che non accetta. Non del tutto. Non fino in fondo. Perché la sua fede – tanto incerta quanto affascinante – nella teoria dell’“inconscio cosmico” gli suggerisce che da qualche parte, oltre la coltre di dolore, esiste ancora una possibilità di verità.

Ed è qui che il romanzo cambia pelle. Da racconto di lutto diventa odissea. Da intimità si apre alla grande avventura. Un viaggio impossibile attraverso un continente che sembra un enorme organismo in decomposizione, dove il gelo, la polvere e il vento non sono semplici fenomeni atmosferici, ma presenze che graffiano i personaggi e li modellano, quasi fossero spiriti di un pantheon dimenticato.

Steampunk all’italiana, con una marcia visionaria che profuma di protofantascienza

Aresi non si limita a reinterpretare l’estetica steampunk: la viviseziona, la ricuce, la innesta su suggestioni storiche che profumano di Salgari, di Verne, ma anche di quel filone fantascientifico italiano che troppo spesso dimentichiamo di avere avuto. Il romanzo dialoga con quella tradizione senza nostalgia, sfruttandone invece il potenziale immaginifico.

E mentre Pietro attraversa l’Europa, qualcosa incombe dall’alto. Qualcosa che sfugge ai telescopi, ma non ai sussurri dell’epoca. Giovanni Schiaparelli parla di luci provenienti da Marte: segnali enigmatici, forse messaggi, forse errori di osservazione, forse il preludio a un contatto che la nostra specie non è pronta a decifrare.

Il romanzo gioca sull’ambiguità meravigliosa della fantascienza primordiale: quella fase in cui tutto era ancora possibile, in cui l’universo era un’immensa lavagna di misteri e gli scienziati non erano solo studiosi, ma esploratori del possibile. Uno spirito che, in tempi in cui parliamo ogni giorno di AI, viaggi spaziali privatizzati e nuove pandemie, risuona incredibilmente attuale.

Un autore che attraversa i generi come Pietro attraversa l’Europa

Aresi porta con sé una sensibilità narrativa maturata in anni di esplorazioni letterarie. Dalla fantascienza glaciale di Oberon ai viaggi intimi de L’amore al tempo dei treni perduti, dalle epopee sovietiche di Korolev ai mondi post-apocalittici, ogni suo libro sembra dialogare con il precedente pur andando in direzioni sempre diverse.

In Nella neve, nella polvere, nel vento ritroviamo quell’alchimia rara tra rigore scientifico e malinconia poetica, tra avventura e riflessione, tra storia e visionarietà. È come se ogni sua opera costruisse una parte di una costellazione più ampia, una mappa stellare personale che permette ai lettori di orientarsi attraverso temi, ossessioni, paure e desideri che parlano della condizione umana prima ancora che della fantascienza.

Un romanzo che non ti lascia fermo: né come lettore, né come persona

L’effetto più sorprendente di questo libro è il suo ritmo. Aresi non concede tregua. Ogni capitolo cambia temperatura, intensità, prospettiva. L’Europa che descrive sembra a un passo dalla disfatta, eppure pulsa ancora di un’energia primordiale; un’energia che spinge Pietro a non arrendersi.

Durante la lettura si ha la sensazione di essere su un treno sbuffante, lanciato a tutta velocità attraverso paesaggi che mutano in continuazione. Un momento sei tra cumuli di neve che sembrano voler inghiottire le città. Un attimo dopo sei tra nuvole di polvere e febbre, mentre i confini geografici si deformano come in un incubo lucidissimo.

E quando emergono i segnali misteriosi da Marte, tutto si apre. Tutto diventa cosmico. Tutto si fa domanda.

Perché leggerlo oggi

Perché in un mondo che oscilla tra emergenze globali, confini che tornano rigidi e incertezze sanitarie che non abbiamo ancora completamente elaborato, questo romanzo ci regala un modo diverso di guardare allo smarrimento. Lo rende epico. Lo rende narrabile. Lo rende affrontabile.

E ci ricorda che dietro ogni grande storia di fantascienza c’è un essere umano che, nonostante tutto, sceglie di credere nella possibilità del ritorno. O del riscatto. O, semplicemente, della verità.

Un finale che non chiude, ma spalanca

Arrivati all’ultima pagina, non si ha la sensazione di aver completato un viaggio. Si ha la sensazione di averne iniziato uno nuovo. Aresi costruisce un romanzo che si legge come un cammino interiore mascherato da avventura steampunk, lasciando il lettore con quella fame di senso e quella voglia di continuare a parlarne che solo le opere migliori sanno generare.

E ora, community, tocca a voi.
Vi ha incuriosito questa Europa steampunk? Vi affascina l’idea dei segnali marziani nella fantascienza ottocentesca? O volete raccontarmi le vostre letture preferite di proto-sci-fi?

Scrivetelo nei commenti: come sempre, il bello di queste storie è discuterne insieme.

Gaming

They Will Come: l’avventura steampunk che trasforma un bambino e il suo gigante in eroi del cielo

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Ci sono giochi che, fin dal primo sguardo, sembrano strappati da un vecchio libro illustrato di fantascienza vittoriana; mondi costruiti di ottone, fuliggine, ingranaggi e poesia meccanica. They Will Come, il nuovo progetto dello studio indipendente Game Pop, appartiene esattamente a questa famiglia di meraviglie: quella dei racconti steampunk che odorano di olio bruciato e promesse epiche.

È un titolo che non arriva dal nulla. A guidarne la visione troviamo Jeff Troutman, veterano dell’industria, ex Art Director di colossi come Midway Games e Petroglyph. Uno di quei creativi che hanno respirato per anni l’odore delle sale giochi e delle produzioni triple-A, ma che oggi scelgono la via indie per raccontare storie più intime, più personali, più coraggiose. E They Will Come è proprio questo: il sogno di un autore che finalmente può parlare con la propria voce, senza filtri o compromessi.

Tutto nasce da un’immagine: un bambino minuscolo, vestito con troppa innocenza per il mondo che lo circonda, e un gigante di ferro vestito con un cilindro da gentiluomo. Un duo improbabile, quasi uscito da un romanzo di Gail Carriger o da una tavola perduta di Hayao Miyazaki, catapultato al centro di un conflitto che non ha voluto ma che dovrà affrontare con ogni mezzo possibile.

Benjamin, il piccolo eroe, si risveglia su un’immensa aeronave sospesa tra le nubi, un colosso di metallo governato dai rintocchi del vapore e infestato dai Wretched Ones, creature mascherate che sembrano nate da un incubo industriale. Accanto a lui c’è Talus, un robot alimentato a carbone, acqua e memorie spezzate. È più alto di un palazzo ma capace di una dolcezza quasi paterna. Quando Benjamin si nasconde nel suo torace cavo, l’aria diventa un bozzolo sicuro; quando gli sale sulla spalla, quel gigante diventa un faro mobile che squarcia l’oscurità.

La premessa narrativa è tanto semplice quanto devastante: la famiglia di Benjamin è stata catturata, e l’aeronave che un tempo era casa ora è diventata un campo di prigionia brulicante di automi nemici. Non c’è aiuto all’orizzonte, né possibilità di fuga. C’è soltanto quel bambino, il suo ingegno, la sua fionda armata di elettro-cariche improvvisate e il suo compagno meccanico. È la classica storia di sopravvivenza, ma filtrata attraverso un’estetica che mescola Dickens, Bioshock Infinite e il senso di meraviglia dei vecchi racconti ottocenteschi.

Sul piano del gameplay il titolo abbraccia un ritmo fatto di silenzi tesi, ombre lunghe e corse improvvise. La furtività diventa un linguaggio, un modo di respirare. Benjamin si muove tra corridoi industriali, officine, hangar pieni di fumo, raccogliendo oggetti, azionando leve, decifrando enigmi ambientali. Talus, invece, è la forza pura, l’ultimo bastione contro l’oscurità. Ma per farlo muovere, servono risorse: carbone, acqua, e soprattutto le Embots, piccole batterie ambulanti che sembrano spiritelli di ottone.

Il risultato è un costante gioco di interdipendenza, quasi una danza. Il bambino protegge il gigante, il gigante protegge il bambino. Nessuno dei due può avanzare senza l’altro. E in questo rapporto di fragilità e potenza si nasconde probabilmente il cuore emotivo di tutta l’esperienza.

Dal punto di vista grafico, il contributo di Troutman è evidente. Ogni ambiente dell’airship Endeavor sembra scolpito nella materia narrativa dello steampunk: luci calde incastonate in cornici di rame, tubi che pulsano come vene, catene che cigolano come lamenti. Le zone illuminate sembrano vive, quasi accoglienti, ma basta un passo nell’oscurità perché tutto si trasformi in un incubo. È la magia dell’illuminazione dinamica: ti guida, ti tradisce, ti emoziona. E They Will Come la usa come un vero strumento narrativo.

La storia, almeno per le anticipazioni disponibili, promette un viaggio che oscilla tra la malinconia dell’infanzia violata e l’epica dei mondi meccanici. Non è un caso che il gioco ambienti tutto nel 1897, in una linea temporale alternativa che reimmagina la fine dell’Ottocento come un’epoca di scoperte brillanti e mostruosità ben nascoste. C’è un gusto per il mistero, un amore per le atmosfere che ricordano certe illustrazioni di Leslie Levings o le sculture robotiche di Paul Spooner.

La parte forse più affascinante sta però nella promessa narrativa: They Will Come non è solo un puzzle-adventure. È una storia che parla del costo delle rivoluzioni industriali, delle ferite aperte della tecnologia e della forza di un legame che supera la logica stessa delle macchine. Benjamin e Talus non sono semplicemente protagonisti; sono l’allegoria vivente di come anche in un mondo oppresso dal metallo e dal fumo possa nascere, inaspettatamente, una scintilla di umanità.

Il gioco approderà su Steam nel primo trimestre del 2026, mentre la pagina ufficiale per aggiungerlo alla Wishlist verrà aperta il 12 novembre. Una data da segnare, specie per chi ama le avventure dal cuore artigianale e dai mondi immaginifici.

E c’è qualcosa di speciale nel vedere un autore che, dopo una carriera nel mainstream, decide di fondare uno studio come Game Pop per creare un’opera che sia sincera, personale, fatta a mano. È una scelta che racconta tanto della scena indie contemporanea: meno effetti speciali, più anima; meno rumore, più visione.

Alla fine, They Will Come sembra volerci sussurrare una verità che ogni nerd, gamer o sognatore conosce fin dall’infanzia: non importa quanto sia buio il cielo, quanto siano rumorosi i mostri o quanto sia pesante il mondo. Finché c’è qualcuno pronto a salire sulle spalle del proprio gigante, c’è sempre un modo per andare avanti.

E ora tocca a voi: siete pronti a salire a bordo dell’Endeavor e scoprire cosa si nasconde tra le sue ombre? Vi aspettano ingranaggi, segreti, paura, meraviglia… e soprattutto un gigante col cilindro che non vede l’ora di portarvi in salvo.

La community di CorriereNerd.it vi aspetta nei commenti: che ve ne pare di questa nuova avventura steampunk? Talus è già il vostro nuovo robottone del cuore?

AULAMANGA, Cinema & Tv

Il ritorno della magia Kyoto Animation con “20 Seiki Denki Mokuroku”

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Ci sono annunci che scaldano il cuore di un fandom intero. Quando, durante l’evento “KyoAni no Sekai-ten” – letteralmente Meet the Worlds of KyoAni – Kyoto Animation ha finalmente svelato che l’attesissimo adattamento del romanzo 20 Seiki Denki Mokuroku diventerà una serie televisiva intitolata 20 Seiki Denki Mokuroku: Eureka Evrika, l’atmosfera si è caricata di quella stessa elettricità che il titolo promette di raccontare. E non è solo un gioco di parole: è un ritorno simbolico per uno studio che ha saputo trasformare la luce in emozione e il movimento in poesia visiva.

Ambientato nel Giappone del 1907, in piena era Meiji, Sparks of Tomorrow (questo il titolo internazionale scelto per l’anime) ci porta in un mondo in bilico tra il passato e il futuro, dove il vapore delle locomotive convive con i primi sogni elettrici. Al centro della storia c’è Inako Momokawa, quindicenne goffa e insicura, seconda figlia di una storica famiglia di produttori di sakè nel quartiere di Fushimi, Kyoto. Inako vive sospesa tra le aspettative del padre e i ricordi della madre scomparsa, che sognava per lei un destino da tōji, la maestra birraia di famiglia. Il suo percorso si incrocia con quello di Kihachi Sakamoto, un ragazzo eccentrico e idealista che disprezza le superstizioni e crede nel potere della scienza. Due anime diverse, unite da un destino e da un misterioso libro: il Catalogo dell’Elettricità del XX Secolo. Questo “catalogo” è più di un simbolo. È la promessa di un futuro ancora da scrivere, un manuale immaginario che racconta le invenzioni e i sogni di un’epoca che stava per essere illuminata – letteralmente – dall’elettricità. Kihachi lo aveva scritto da bambino insieme al fratello maggiore, ma quando il libro e il fratello spariscono, la sua fede nel progresso si spegne. Inako, invece, accende di nuovo quella scintilla, trascinando entrambi in un viaggio attraverso Kyoto e Shiga, tra templi, paesaggi d’acqua e officine fumose, alla ricerca non solo di un libro perduto, ma del senso stesso del cambiamento.

Per chi conosce Kyoto Animation, il progetto ha un significato profondo. 20 Seiki Denki Mokuroku è un titolo che i fan aspettano da oltre sette anni: l’annuncio dell’adattamento risale infatti al 2018, pochi mesi prima della tragedia che avrebbe colpito lo studio nel luglio 2019, segnando una delle pagine più dolorose nella storia dell’animazione giapponese. Per anni il progetto è rimasto sospeso, quasi un fantasma nel limbo dei “work in progress”. Il fatto che oggi torni come serie televisiva è un segno di rinascita. Una dichiarazione silenziosa ma potentissima: Kyoto Animation è viva, e continua a creare mondi di luce.

A dirigere la serie sarà Minoru Ōta, già key animator in titoli come Love, Chunibyo & Other Delusions! e Liz and the Blue Bird, al suo debutto assoluto come regista. La sceneggiatura è affidata a Tatsuhiko Urahata, nome di spicco per gli amanti di Haganai e Hi Score Girl, mentre il design dei personaggi è firmato da Kōhei Okamura, che in passato ha contribuito alla magia visiva di Free! The Final Stroke e Sound! Euphonium. Il concept del mondo – un equilibrio delicato tra realismo storico e lirismo steampunk – porta la firma di Takaaki Suzuki, già consulente per Violet Evergarden e Strike Witches. Le musiche, composte da Hitomi Kotō, promettono di fondere sonorità orchestrali con il calore degli strumenti tradizionali, come un ponte sonoro tra il vecchio e il nuovo Giappone.

I protagonisti avranno le voci di due nomi amatissimi nel panorama seiyuu contemporaneo: Yūma Uchida, che interpreterà Kihachi Sakamoto, e Sora Amamiya, che darà voce a Inako Momokawa. Una coppia dal grande potenziale emotivo, capace di evocare quella chimica delicata e sognante che è marchio di fabbrica dello studio. Già le prime immagini diffuse – i character design e il key visual – hanno fatto esplodere i social giapponesi: colori pastello, riflessi dorati, un cielo d’estate che sembra vibrare di corrente elettrica. Tutto, nella resa visiva, richiama la tradizione di Kyoto Animation: la cura maniacale per i dettagli, la luce che attraversa l’aria, le emozioni che esplodono in silenzi.

La storia nasce dal romanzo omonimo scritto da Hiro Yūki e illustrato da Kazumi Ikeda, pubblicato nel 2018 sotto l’etichetta KA Esuma Bunko, il laboratorio creativo di KyoAni da cui sono usciti titoli come Love, Chunibyo & Other Delusions! e Violet Evergarden. Il libro, vincitore di una menzione d’onore all’ottava edizione dei Kyoto Animation Awards, racconta un’estate di crescita, di fuga e di scoperta, in bilico tra spiritualità e tecnologia. In quella narrazione si avverte già la sensibilità tipica dello studio: la capacità di raccontare l’invisibile – i legami, i sogni, la memoria – attraverso la luce.

Nel panorama degli anime contemporanei, Sparks of Tomorrow promette di essere più di un semplice racconto storico o di formazione: sembra la metafora perfetta di Kyoto Animation stessa. Dopo l’oscurità, la luce. Dopo la perdita, la rinascita. Dopo il silenzio, la scintilla. Ogni progetto di KyoAni è sempre stato un atto d’amore verso la bellezza delle piccole cose – un suono, un gesto, una parola non detta – e questa nuova serie appare destinata a proseguire quel percorso di umanità luminosa che attraversa tutta la loro filmografia.

C’è un momento, nel trailer mostrato durante l’evento, in cui Kihachi osserva un temporale e dice: “La corrente non è magia. È speranza che scorre.” In una sola frase c’è tutta l’essenza di Sparks of Tomorrow: un racconto di ingegno e sentimenti, di progresso e fede, di un Giappone che sogna la modernità senza dimenticare gli dei.

Nel 2026, quando le prime luci di questa nuova era si accenderanno sullo schermo, sarà come tornare a casa. E forse, più che mai, ci ricorderemo perché Kyoto Animation non fa solo anime: costruisce universi in cui credere.

Cinema & Tv

Sherlock Holmes 3: cosa sappiamo sul ritorno di Holmes e Watson sul Grande Schermo?

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C’è chi dice che certi casi non si chiudono mai. E nel caso di Sherlock Holmes 3, la massima calza a pennello. Dopo oltre un decennio di silenzi, mezze conferme e false partenze, il ritorno sul grande schermo dell’investigatore più iconico della letteratura sembra finalmente diventare realtà. La coppia formata da Robert Downey Jr. e Jude Law è pronta a rimettersi cappello e bastone, riportando in vita quel mix irresistibile di deduzione, humor britannico e azione che ha reso i film di Guy Ritchie un piccolo cult per i fan di Baker Street. Il primo Sherlock Holmes, uscito nel 2009, aveva riacceso la fiamma per l’estetica steampunk e il fascino vittoriano, mentre Gioco di ombre (2011) aveva spinto il duo Holmes/Watson al limite, lasciandoci con un finale tanto spettacolare quanto aperto. Da allora, l’attesa per un terzo capitolo è diventata quasi una leggenda urbana di Hollywood.

Un caso lungo tredici anni

Era il 2011 quando il sipario calava sull’ultima avventura cinematografica di Sherlock Holmes. Poi, il silenzio. Gli impegni Marvel di Downey Jr., il teatro per Jude Law, la pandemia e mille altri ostacoli hanno congelato un progetto che sembrava maledetto. Ma ora, qualcosa si muove davvero.
Durante una proiezione speciale del film Play Dirty, il regista Shane Black e i produttori Jules Daly e Susan Downey (moglie di Robert) hanno finalmente affrontato la domanda che bruciava da anni: “Che fine ha fatto Sherlock Holmes 3?”.

La risposta di Downey Jr. ha acceso la speranza: «Eravamo a un passo dal via. Poi gli impegni si sono accavallati, e la pandemia ha messo tutto in pausa. Ma il progetto non è mai morto.»
Un indizio, direbbero a Baker Street, più che sufficiente per riaprire il caso.

Guy Ritchie e Lionel Wigram: la mente e la penna del ritorno

A dare forma al nuovo enigma di Holmes sono ancora Guy Ritchie, regista delle prime due pellicole, e Lionel Wigram, produttore e autore del fumetto che ha ispirato il franchise. Secondo indiscrezioni, la sceneggiatura del terzo capitolo è in piena fase di revisione: l’obiettivo è superare le aspettative, mescolando l’impatto visivo tipico di Ritchie a una trama più profonda, capace di dare al detective una nuova dimensione, più matura e malinconica.

Il film, assicurano i produttori, non sarà una semplice “continuazione”, ma una vera evoluzione narrativa. E se c’è una cosa che la saga ha insegnato, è che l’imprevedibilità è parte del suo DNA.

Robert & Jude: un’amicizia che è diventata leggenda

Il cuore della serie non è mai stato solo il mistero, ma il rapporto tra Holmes e Watson. È il loro legame — fatto di sarcasmo, intesa e una fiducia quasi fraterna — a rendere la saga così umana.
Jude Law, intervistato da The Playlist, ha confermato che il progetto «si è evoluto» e che entrambi gli attori non vedono l’ora di tornare sul set insieme: «Con Robert lavorare è straordinariamente divertente e stimolante. Mi manca quell’alchimia.»

Un’amicizia reale che, sullo schermo, si traduce in una dinamica irresistibile: l’intelligenza caotica di Holmes e la calma razionale di Watson, due lati della stessa medaglia. Dopo tredici anni, rivederli insieme sarà come riaprire un vecchio libro amato e scoprire che le pagine non hanno perso il profumo.

Un mistero americano?

Ed ecco il colpo di scena: Sherlock Holmes 3 potrebbe non svolgersi più nella nebbiosa Londra vittoriana. Downey Jr. ha accennato alla possibilità che parte della storia si sposti negli Stati Uniti, in un’ambientazione più “transatlantica”.
Un Holmes tra i saloon del Far West o le prime metropoli industriali americane? L’idea promette una ventata d’aria fresca e nuove sfide narrative, tra treni a vapore, pionieri e ingranaggi che sanno di rivoluzione. Una Londra steampunk che incontra la frontiera americana: la miscela perfetta per un film visivamente esplosivo.

Il primo Sherlock Holmes aveva ridefinito l’immaginario del personaggio, trasformandolo da detective austero a eroe d’azione, senza tradirne il genio. Gioco di ombre aveva alzato la posta con l’arrivo del professor Moriarty (interpretato magistralmente da Jared Harris), portando la rivalità a livelli quasi mitologici.
Ora, il terzo film promette di unire il meglio dei due mondi: la mente acuta del classico Holmes e la spettacolarità moderna di Ritchie. Un ritorno alle origini, ma con uno sguardo rivolto al futuro.

🧩 “Il gioco non è finito”

Robert Downey Jr. lo ha detto chiaramente: «Non abbiamo mai chiuso il caso. È solo rimasto sul tavolo più a lungo del previsto.»
Con la sua passione per i progetti d’autore e la rinascita post-Oppenheimer, Downey sembra pronto a rimettere mano al violino. E non è tutto: l’attore produrrà anche nuove serie TV dedicate a Sherlock Holmes per HBO Max, espandendo così l’universo narrativo in chiave multimediale.
Un vero “Sherlock Cinematic Universe”, dove ogni storia potrebbe essere un tassello di un mosaico più grande.

Dopo tredici anni, il ritorno di Sherlock Holmes non è solo una notizia cinematografica, ma quasi un evento culturale.
Il detective nato dalla penna di Sir Arthur Conan Doyle è da sempre un simbolo di curiosità, logica e follia creativa — qualità che oggi, in un’epoca dominata dall’intelligenza artificiale e dal caos informativo, risuonano più attuali che mai.

Holmes non risolve solo casi: decifra il mondo. E chissà, forse Sherlock Holmes 3 non ci parlerà soltanto di misteri e congiure, ma anche di cosa significa cercare la verità in un’epoca che ha smesso di cercarla.

Per i fan di Baker Street, la deduzione è chiara: il gioco non è finito. È appena ricominciato.

Books + Comics

Dreams Factory: il dark fantasy steampunk che fonde Oliver Twist e Hansel e Gretel in una Londra magica e inquietante

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Cosa succede quando l’eco di Oliver Twist si fonde con le atmosfere oscure di Hansel e Gretel, mentre attorno sibila il vapore delle caldaie di una Londra alternativa, dove il confine tra magia, meccanica e mistero è talmente sottile da diventare illusione? Succede che nasce qualcosa di meravigliosamente inquietante e irresistibilmente affascinante: si chiama DREAMS FACTORY, e sarà disponibile dall’8 luglio in tutte le fumetterie, librerie e store online grazie all’etichetta Astra di Star Comics.

Questa graphic novel, racchiusa in un volume unico dal prezzo popolarissimo di 8,90 euro, è il risultato della sinergia tra due artisti d’eccezione: Jérôme Hamon, già noto per opere profonde e poetiche come Nils ed Emma e Violette, e Suheb Zako, art director e character designer che ha contribuito alla magia visiva della serie Arcane. Il loro incontro ha dato vita a un’opera che sembra uscita direttamente da una pellicola d’animazione, tanto è potente la componente visiva e cinematografica che ne attraversa le pagine.

Siamo nel cuore di una Londra alternativa del 1892, cupa e soffocante, inghiottita dal fumo delle fabbriche e intrappolata nel gelo di un inverno senza fine. In questo scenario degno di un romanzo di Dickens riveduto in chiave steampunk, seguiamo le orme di Indira, una giovane costretta come tanti altri bambini a lavorare nelle miniere di carbone per sopravvivere. La sua vita, già segnata dalla miseria e dalla fatica, subisce un colpo devastante quando il suo fratellino Eliott sparisce misteriosamente. Ma la sua scomparsa non è un caso isolato. Ben presto, la ragazza scoprirà che molti altri bambini nei villaggi circostanti stanno svanendo nel nulla, uno dopo l’altro, senza lasciare traccia.

Indira si ritroverà così a inseguire una verità che ha il sapore dell’incubo, in un mondo dove nulla è come sembra. Al centro di tutto, come un cuore meccanico che batte nell’ombra, c’è la Dreams Factory, una fabbrica dal nome ingannevole, che promette sogni ma potrebbe invece nascondere incubi a occhi aperti. Cosa si cela dietro le sue mura fredde e metalliche? Cosa si annida nei suoi ingranaggi, tra alambicchi e vapori? Chi muove davvero i fili di quella che sembra una gigantesca macchina per il rapimento e lo sfruttamento dell’infanzia?

Il tono è quello di un dark fantasy dai tratti esoterici, dove la suspense non è mai gratuita ma costruita con cura, passo dopo passo, mentre la tensione cresce come un fiume in piena. Il lettore viene trascinato nel viaggio di Indira, in un mondo visivamente straordinario, dove la magia, la tecnologia e la crudeltà umana si fondono in una miscela affascinante e disturbante. La narrazione di Hamon è sapientemente ritmata, intensa, mai banale. Ma ciò che davvero colpisce è l’apparato grafico.

Suheb Zako plasma ogni tavola con una potenza visiva incredibile. Il mondo di Dreams Factory è avvolto da toni freddi e profondi, con un uso del blu e del nero che esalta il senso di solitudine e oppressione vissuto dai personaggi. In molte scene, le parole si fanno da parte, lasciando che siano le immagini a parlare. Le vignette mute diventano veri e propri squarci cinematografici, capaci di trasportare il lettore in un’esperienza quasi sinestetica. È difficile non immaginare questa storia come un lungometraggio animato, magari in stile Arcane, ma con echi di La città incantata e suggestioni à la Coraline.

La forza del racconto sta anche nel suo cuore emotivo, nella relazione tra Indira ed Eliott, nel coraggio di una sorella che non si arrende, nell’infanzia rubata e nella speranza che, nonostante tutto, riesce ancora a sopravvivere in mezzo al fango e al gelo. Dreams Factory è un’opera che parla agli amanti del fantasy gotico, del mondo steampunk, degli appassionati di graphic novel d’autore e a chi cerca nelle storie un’anima profonda e visivamente potente.

Con i suoi 144 pagine a colori, Dreams Factory è una vera e propria gemma per chi ama perdersi tra i misteri del passato e le suggestioni del futuro, tra l’alchimia dell’illustrazione e la forza della narrazione. È un’avventura che mescola favola nera e critica sociale, come solo le grandi storie sanno fare. Quindi segnatevelo sul calendario nerd: dal 8 luglio 2025, Dreams Factory vi aspetta per portarvi in un viaggio indimenticabile, disponibile in fumetteria, libreria e online. Non fatevelo scappare, è una di quelle opere che vi resterà addosso, come la fuliggine delle miniere che sporca ma rivela.

Vi è piaciuto questo articolo? Siete pronti a varcare i cancelli della Dreams Factory? Avete anche voi il debole per le atmosfere steampunk e le fiabe gotiche dai risvolti esoterici? Raccontatecelo nei commenti e condividete questo articolo con i vostri amici nerd su Facebook, Instagram, X, TikTok, Threads e Telegram! E se ancora non lo avete fatto, iscrivetevi alla nostra newsletter su CorriereNerd.it per non perdervi nessuna delle nostre scoperte da sogno… o da incubo!

COSPLAY, Speciali Cosplayer

Alessia Bergamo: l’Amazzone del Cosplay italiano che ha conquistato tv, palchi e cuori

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Nel vasto universo del cosplay italiano, dove ogni costume racconta una storia, ogni interpretazione incarna un sogno e ogni fiera è un piccolo mondo parallelo, c’è un volto che da anni brilla con luce propria. È quello di Alessia Bergamo, performer poliedrica, cosplayer appassionata, fotomodella, personaggio televisivo e spirito creativo senza confini. Una donna che ha trasformato la sua passione in una vera e propria forma d’arte, diventando una delle figure più iconiche e riconoscibili della scena nerd italiana. Originaria della calorosa Sicilia, ma adottata con affetto dalla bergamasca, Alessia è tutto fuorché ordinaria. Il suo percorso è un caleidoscopio di talenti e sfumature che si intrecciano con naturalezza: spettacolo, televisione, creatività, sensualità e – soprattutto – una sfrenata passione per tutto ciò che è cultura pop, geek e nerd.

Il Cosplay come filosofia di vita

Per Alessia, il cosplay non è solo un hobby, né tanto meno una moda passeggera: è un linguaggio. È l’espressione più autentica del suo essere, un modo per dare forma e colore ai sogni alimentati da videogiochi, anime, manga, film fantasy e supereroi. La scintilla, ci racconta, si è accesa tra una partita alla vecchia PlayStation e i pomeriggi passati davanti ai classici Disney. Da lì, il desiderio di diventare – almeno per un giorno – quella guerriera, quella maga, quell’eroina che tanto l’aveva affascinata sullo schermo, è diventato sempre più ardente. Ma non basta “indossare un costume” per fare cosplay. Alessia lo sa bene. Dietro ogni suo abito c’è ore di lavoro manuale, progettazione, cura nei dettagli, una visione personale e una libertà creativa assoluta. Le sue creazioni spaziano dal gotico allo steampunk, dai mondi apocalittici ai personaggi pucciosi, passando per interpretazioni sensuali che non temono il giudizio e che anzi, celebrano il corpo e la femminilità come parte integrante del personaggio.

L’arte della trasformazione

Uno degli aspetti che più colpisce di Alessia è la sua versatilità interpretativa. È capace di passare con disinvoltura da un personaggio aggressivo come Triss Merigold da The Witcher, a uno più dolce e magico come Sailor Jupiter in versione armor, dimostrando non solo talento tecnico nella realizzazione dei costumi, ma anche una profondissima empatia verso i personaggi che sceglie di incarnare. Il cosplay non è solo tessuto, trucco e parrucca. È emozione, presenza scenica, immedesimazione. È teatro allo stato puro. Un esempio perfetto? Il cosplay di Wonder Woman. Non solo Alessia somiglia incredibilmente all’Amazzone DC Comics per tratti fisici, chioma fluente e corporatura statuaria, ma ne incarna anche lo spirito. Determinata, forte, risoluta e coraggiosa, Alessia affronta la vita proprio come una guerriera moderna. E non è un caso che molti dei suoi follower la vedano come una sorta di Diana Prince del cosplay italiano.

Dal palco delle fiere ai riflettori della TV

La notorietà di Alessia non si limita al mondo cosplay. Il suo carisma e la sua presenza scenica l’hanno portata più volte sotto i riflettori della televisione nazionale, partecipando a trasmissioni come Ciao Darwin con Paolo Bonolis, I Fatti Vostri con Giancarlo Magalli, Forum con Barbara Palombelli, Fuori dal Coro di Mario Giordano, Caduta Libera con Jerry Scotti, Guess My Age con Enrico Papi e tante altre. In ogni occasione, Alessia non ha mai mancato di portare con sé un pizzico di quel mondo colorato e meraviglioso che è il cosplay, cercando – spesso tra l’incredulità e l’ignoranza dei media generalisti – di spiegare che cosa realmente significhi questa parola tanto sconosciuta quanto fraintesa. Ma non si tratta solo di comparsate. Alessia ha portato il cosplay anche nei locali e nei teatri dove si esibisce in spettacoli burlesque unici nel loro genere, sostituendo i classici costumi sensuali con cosplay tematici accompagnati da musiche coerenti. È stata la prima – e ancora oggi l’unica – ad aver unito il burlesque al cosplay in Italia, creando un connubio perfetto tra gioco, sensualità e spettacolo. Un format esplosivo, originale e amatissimo dal pubblico.

Creatività senza regole

Uno dei tratti più distintivi di Alessia è il suo rifiuto degli schemi. Nel suo mondo non esistono vincoli rigidi, solo ispirazioni. I suoi cosplay sono spesso personalizzati, reinterpretati, contaminati. Cambia parrucche, modifica modelli, aggiunge accessori di propria invenzione. E se qualcuno storce il naso? Beh, poco importa. “La parola cosplay vuol dire proprio giocare con i costumi”, dice sorridendo, “e in un gioco non ci sono regole se non quella del divertimento”.

Questo spirito libero l’ha portata a confrontarsi spesso con le critiche – a volte feroci – di chi vive il cosplay in modo troppo competitivo. Ma Alessia non si è mai lasciata fermare. Non ha mai cercato la perfezione stilistica fine a se stessa. Per lei il cosplay è libertà, non performance. È condivisione, non sfida. E forse è proprio per questo che tanti la amano e la seguono con affetto: perché è vera, autentica, senza filtri.

Una comunità in crescita (ma non senza ombre)

Se da una parte i social media hanno aiutato enormemente a diffondere la cultura del cosplay in Italia, contribuendo a renderlo un fenomeno conosciuto e sempre più mainstream, dall’altra hanno esacerbato alcune dinamiche tossiche. Competizione spietata, critiche gratuite, invidie, bodyshaming. Alessia ne ha viste tante e non ha paura di parlarne. Denuncia apertamente l’atteggiamento di chi, dietro una tastiera, si permette di giudicare la qualità di un costume, l’aderenza al personaggio, perfino la fisicità della cosplayer. “A volte sembra di stare all’asilo”, dice con amarezza, “ma io continuo a fare quello che amo, per me stessa e per chi mi sostiene”.

La sua filosofia è chiara: vivi e lascia vivere. Ognuno ha il diritto di esprimersi come vuole, di divertirsi, di essere creativo a modo proprio. Il cosplay può anche essere provocazione, sensualità, trasgressione, e non c’è nulla di male in questo. Il problema non sono i costumi sexy, ma semmai la mancanza di rispetto e di educazione da parte di alcuni. Chi indossa un cosplay audace sa bene a cosa va incontro, ma questo non giustifica mai atteggiamenti invasivi o scorretti.

Il futuro? Sempre in costume, con il sorriso

Oggi Alessia è un punto di riferimento per la community cosplay italiana. La sua fanbase cresce ogni giorno, la sua influenza si fa sentire sia online che dal vivo. La sua forza, però, non sta solo nell’estetica. Alessia ha una storia personale fatta di sfide superate, di identità affermata, di lotte interiori e traguardi raggiunti. È una donna che ha imparato a volersi bene, a non avere paura di essere se stessa, a guardare il mondo con fierezza e determinazione.

Ecco perché Alessia Bergamo non è solo una cosplayer: è un simbolo. Di coraggio, di autoaffermazione, di libertà creativa. E anche se il mondo del cosplay cambierà ancora, lei continuerà a sfilare con i suoi costumi spettacolari, a esibirsi con la sua grinta inconfondibile, a ispirare chi, come lei, crede che nella fantasia ci sia spazio per essere finalmente sé stessi.

Se vi ha incuriosito il viaggio nel mondo di Alessia, vi invito a seguirla sui suoi canali social per scoprire i suoi prossimi progetti, i suoi cosplay inediti e – perché no – lasciarvi ispirare da questa straordinaria artista del sogno: Pagina Facebook, Gruppo Facebook, Instagram e YouTube.

E ora tocca a voi: che ne pensate del percorso di Alessia? Vi ritrovate nelle sue parole? Avete vissuto esperienze simili nel mondo del cosplay? Raccontatecele nei commenti e condividete l’articolo sui vostri social per far conoscere questa meravigliosa realtà a più persone possibili. Perché il cosplay, alla fine, è una magia che si vive insieme.

COSPLAY, Eventi, Gaming

Festa del Minotauro 2025: Un Weekend di Magia, Cosplay e Fantasy al Castello di Mesola

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Nel cuore della suggestiva provincia di Ferrara, la Festa del Minotauro si prepara a debuttare come un evento imperdibile per tutti gli amanti della cultura nerd, del cosplay, della magia e delle atmosfere gotiche. Il 28 e 29 giugno 2025, il Castello di Mesola, un’imponente fortezza che risale al XVI secolo, si trasformerà in un regno dove la fantasia, la storia e la magia si fonderanno in un’esperienza unica, avvolta nel mistero e nell’incanto. Questa prima edizione dell’evento, organizzata da CosplayAndNerd, sarà un viaggio attraverso un mondo dove il comics, il fantasy, il medievale, lo steampunk, il gotico e il dark si incontrano in un’atmosfera che richiama le leggende e le storie senza tempo. Il Castello di Mesola, con le sue torri angolari e il suo cortile interno, offre il palcoscenico perfetto per un evento che trasformerà questo luogo storico in un palcoscenico straordinario, dove il fascino rinascimentale e la suggestione medievale creano un’atmosfera davvero magica.

Il Castello di Mesola, che ospita anche il Museo del Cervo, rappresenta il cuore pulsante dell’evento. Con la sua storia affascinante, che affonda le radici nel XVI secolo, questo castello era originariamente destinato a essere una residenza ducale immersa nelle foreste del territorio. Oggi, le sue mura raccontano storie di un passato lontano, ma sono anche il palcoscenico perfetto per una manifestazione che unisce il fascino storico alla magia del fantasy. Il museo, che racconta la vita dei cervi della Mesola, unici del Delta del Po, aggiunge un ulteriore strato di mistero e bellezza all’esperienza che i partecipanti potranno vivere durante la Festa del Minotauro. Per chi non fosse ancora stato al Castello di Mesola, questo evento rappresenta l’occasione perfetta per scoprire una delle perle storiche della regione. E per chi invece lo ha già visitato, sarà l’opportunità di viverlo in una veste completamente nuova, immersi in un’atmosfera che mescola storia, leggenda e fantasy in un connubio perfetto.

L’evento, totalmente gratuito per i partecipanti, promette di essere una celebrazione delle arti e delle passioni che uniscono i cosplayer, gli appassionati di fumetti e tutti coloro che vivono nel mondo del fantasy e della cultura pop. La Festa del Minotauro non si limita a essere una semplice fiera, ma si propone come un’esperienza immersiva che celebra la magia dei costumi, della scenografia e delle performance dal vivo. Cosplayers provenienti da tutta Italia, infatti, avranno la possibilità di partecipare a un Cosplay Contest che si terrà durante il weekend, un appuntamento tanto atteso dove ogni partecipante potrà mettere in mostra il proprio talento e la propria passione per il cosplay. Per partecipare al contest, sarà necessario registrarsi anticipatamente sul sito ufficiale dell’evento. La giuria, composta da cosplayers esperti, cosmakers e influencer del settore, selezionerà i vincitori in base alla qualità dei costumi, dei props e delle performance. Un aspetto davvero interessante dell’edizione 2025 sarà la possibilità di partecipare al pre-judging, una sessione facoltativa dove i cosplayer potranno presentare i dettagli dei loro costumi, descrivendo le tecniche, i materiali e le lavorazioni artigianali utilizzate, aggiungendo un ulteriore livello di valutazione alla competizione.

Oltre al Cosplay Contest, l’evento offrirà una serie di attività e attrazioni che soddisferanno ogni tipo di appassionato. Gli stand tematici faranno da cornice a un mercato ricco di articoli legati al mondo del fantasy, del gotico e dello steampunk, dove sarà possibile acquistare accessori, artigianato e curiosità. Sarà inoltre possibile assistere a spettacoli dal vivo, performance artistiche e incontri con esperti del settore. I partecipanti potranno così immergersi completamente in un weekend senza tempo, dove il passato e il presente si mescolano, dando vita a un’atmosfera da sogno.

Se siete appassionati di cosplay, fumetti, fantasy, gotico o steampunk, la Festa del Minotauro 2025 è un evento da non perdere. Non dimenticate di preparare il vostro costume, che si tratti di armature medievali, abiti gotici o personaggi dei vostri fumetti preferiti. Sarà un’occasione unica per immergersi in un mondo di magia e creatività, dove la passione per il cosplay e la cultura nerd si incontrano in un luogo che sembra uscito direttamente da una fiaba oscura. Tutti i dettagli sull’evento, le modalità di iscrizione e il programma completo sono disponibili sul sito ufficiale della Festa del Minotauro 2025, che presto aprirà le porte alla registrazione dei partecipanti e alla presentazione dei dettagli definitivi. Non lasciatevi sfuggire questa straordinaria opportunità di vivere un weekend fuori dal tempo, dove ogni angolo del Castello di Mesola diventa una scena di un mondo fantastico.

Gaming

Bonaparte – A Mechanized Revolution: la Rivoluzione Francese a vapore e metallo come non l’avete mai vissuta

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Quando pensiamo alla Rivoluzione Francese, immaginiamo ghigliottine, barricate improvvisate e folle infuocate che gridano “liberté, égalité, fraternité” tra i vicoli stretti di Parigi. Ma cosa accadrebbe se a sovvertire il vecchio ordine non fossero soltanto uomini e donne armati di fucili a pietra focaia, ma anche colossali macchine da guerra, veri e propri titani d’acciaio che scuotono la terra a ogni passo? È questa l’affascinante ucronia proposta da Bonaparte – A Mechanized Revolution, il debutto dello studio indie canadese Studio Imugi, che si prepara a travolgere il panorama strategico su Steam con un Early Access fissato per il 21 maggio 2025.

In un XVIII secolo radicalmente diverso da quello che abbiamo studiato sui banchi di scuola, il gioco ci offre la possibilità di riscrivere la storia impersonando Céline o César Bonaparte, una reinterpretazione alternativa del più celebre Napoleone. Un mondo in cui il destino della Francia non dipende soltanto dalle baionette o dalla diplomazia, ma anche dalla nostra abilità nel navigare un sistema politico tortuoso e nel dominare campi di battaglia dove meccanismi giganteschi si ergono come nuovi dèi della guerra.

Un viaggio strategico tra ideologie e ingranaggi

Bonaparte – A Mechanized Revolution è prima di tutto un omaggio alla complessità della storia, ma raccontato con l’irriverenza dell’estetica steampunk e la profondità dei migliori giochi di strategia a turni. La narrativa, fortemente ideologica, ci catapulta in un’epoca di caos e trasformazione, dove potremo scegliere se difendere, riformare o distruggere la monarchia, riscrivendo le sorti della nazione con ogni decisione politica e ogni mossa militare.

La politica, qui, non è un mero sfondo. È un campo di battaglia tanto letale quanto quello fisico. Dovremo allearci, tradire, manipolare figure storiche come Robespierre, Danton o Lafayette, costruendo una rete di consenso o imponendo il nostro volere con la forza. Ogni legge approvata, ogni trattato firmato o sabotato avrà conseguenze tangibili, alimentando rivolte o consolidando il nostro potere.

E non basterà saper parlare: il vero sangue della rivoluzione scorre sul campo di battaglia. Tra una seduta parlamentare e l’altra, guideremo eserciti composti da fanti, artiglieri, ma soprattutto da incredibili Colossi, macchine belliche mastodontiche che richiamano alla mente i migliori sogni (e incubi) della narrativa steampunk. In combattimenti a turni ricchi di tensione e strategia, dovremo dosare risorse, pianificare mosse, sfruttare la conformazione del terreno e anticipare le mosse nemiche, perché la superiorità numerica da sola non basterà: serviranno ingegno e audacia.

Costruire un nuovo ordine, mattone dopo mattone

Alla base del gameplay c’è anche una profonda componente gestionale. Il mondo di Bonaparte – A Mechanized Revolution è dinamico e richiede una costante attenzione: regioni da amministrare, infrastrutture da costruire, eserciti da mantenere e innovazioni tecnologiche da promuovere. Ogni scelta pesa sulla nostra reputazione, influenzando l’opinione pubblica, i rapporti con le fazioni e persino l’esito delle elezioni, che diventano un altro teatro di scontro politico da non sottovalutare.

L’ambientazione è un piccolo gioiello di world-building: pur pescando a piene mani dagli eventi reali, lo studio canadese ha saputo mescolare sapientemente la Storia con un’immaginazione ucronica che fa rivivere la Parigi rivoluzionaria in un tripudio di ingranaggi, bandiere lacerate e vapore ribollente. Un’interpretazione affascinante e visivamente potente, capace di trasportarci in una realtà alternativa tanto credibile quanto emozionante.

Una rivoluzione che nasce anche dal cuore di chi la crea

Dietro questo ambizioso progetto troviamo un team di veterani della scena indie, riuniti sotto il nome di Studio IMUGI. Guidati da Jongwoo Kim, appassionato di storia e forte di un background accademico nel settore, gli sviluppatori puntano a creare non solo un gioco avvincente, ma anche un’opera capace di stimolare riflessioni sulla natura del potere e sulla fragilità delle rivoluzioni.

Non a caso, il team ha deciso di lanciare il progetto in Early Access, coinvolgendo fin da subito i giocatori nella crescita e nel bilanciamento di questo universo alternativo. Come hanno dichiarato apertamente, costruire uno strategico equilibrato e profondo è una sfida titanica, e ascoltare la community sarà essenziale per perfezionare ogni meccanica e ogni sfumatura narrativa.

Per chi non vede l’ora di mettere le mani su questa rivoluzione meccanizzata, è già disponibile una demo gratuita su Steam. Inoltre, durante il prossimo Steam Next Fest di ottobre, sarà possibile immergersi ancora di più nel mondo di Bonaparte – A Mechanized Revolution e provare in anteprima nuove missioni e contenuti.

Pronti a riscrivere la storia con ferro e fuoco?

Bonaparte – A Mechanized Revolution non è soltanto un gioco. È un invito a rimettere in discussione ciò che sappiamo della storia, esplorandone le infinite possibilità attraverso il prisma luccicante dell’immaginazione steampunk. È una sfida tanto per le nostre capacità strategiche quanto per la nostra coscienza politica, un viaggio nei meandri del potere che promette di essere tanto coinvolgente quanto spietato.

In un panorama videoludico sempre più assetato di esperienze nuove e significative, il progetto di Studio IMUGI si preannuncia come una ventata d’aria (bollente e carica di vapore) che potrebbe davvero conquistare il cuore degli appassionati di strategia e steampunk.

Non ci resta che prepararci: la rivoluzione è iniziata. E questa volta, il rombo delle nostre armate non sarà solo quello dei tamburi, ma anche quello del metallo che stride, avanza e cambia per sempre il corso della storia.

Gaming

Sker Ritual: L’Adrenalinico Sparatutto Zombie Sbarca su PlayStation 4 e Xbox One

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Nel panorama videoludico attuale, dove i giochi per le console di precedente generazione stanno lentamente sparendo, Sker Ritual di Wales Interactive arriva come una piacevole sorpresa. Dopo aver debuttato un anno fa su PC, PlayStation 5 e Xbox Series X|S, questo intenso sparatutto zombie in stile round-based è ora disponibile anche su PlayStation 4 e Xbox One, un’eccezione in un mercato sempre più focalizzato sulle nuove console. Il lancio su queste piattaforme rappresenta un importante aggiornamento per il gioco, che celebra la fine della fase di early access e segna un importante passo nel suo percorso, offrendo a nuovi giocatori la possibilità di vivere quest’esperienza mozzafiato.

“Sker Ritual” è uno spin-off di Maid of Sker, il celebre horror che aveva conquistato critica e pubblico grazie alla sua atmosfera inquietante e misteriosa. Se nel titolo originale l’attenzione era focalizzata sul terrore psicologico e sull’esplorazione, il nuovo capitolo si spinge decisamente verso l’azione pura, abbracciando il frenetico gameplay degli sparatutto round-based. Un gioco che ricorda molto la modalità Zombies di Call of Duty, in cui il giocatore affronta ondate sempre più difficili di nemici. In questo caso, però, non si tratta solo di sparare a tutto ciò che si muove, ma di sopravvivere a delle orde soprannaturali chiamate Quiet Ones, affrontando battaglie che richiedono un alto livello di coordinazione, abilità e tattica.

La trama di Sker Ritual si svolge nel 1914 e prosegue l’epilogo più oscuro di Maid of Sker. In questa nuova avventura, i giocatori vestono i panni di Arianwen, la figlia di Elisabeth Williams, impegnata a fermare la trasmissione della “Canzone della Sirena”, un canto malefico che minaccia di scatenare il caos nel mondo. Pur non essendo un sequel diretto, questo spin-off mantiene lo stesso universo narrativo, aggiungendo nuovi nemici, abilità e, soprattutto, un gameplay completamente diverso. La missione è chiara: fermare l’apocalisse soprannaturale prima che sia troppo tardi.

Ciò che rende Sker Ritual particolarmente interessante è la sua struttura round-based, che invita i giocatori a resistere a ondate sempre più potenti di nemici, ciascuna delle quali è caratterizzata da nuove minacce e ostacoli. I nemici principali, i Quiet Ones, sono affiancati da nuove versioni élite con abilità uniche che costringeranno il giocatore a cambiare tattica e posizione durante la partita. Non basta più solo sparare, ma occorre pensare strategicamente a ogni mossa. Il gioco offre la possibilità di affrontare queste sfide da soli o in modalità cooperativa con fino a quattro giocatori, ma la vera prova di forza sta nel collaborare con il proprio team, un aspetto che aggiunge un livello di profondità al gameplay.

Un altro aspetto che contribuisce alla complessità del gioco sono i Miracles, poteri speciali che i giocatori possono raccogliere durante le battaglie. Questi poteri, legati agli Dei Celtici, offrono vantaggi decisivi, come potenziare le armi o alterare il gameplay in vari modi. Ogni Miracle è casuale e viene scelto tra tre diverse opzioni che riguardano armi, abilità corpo a corpo, granate e cure, ma c’è anche uno spazio riservato all’abilità definitiva, che può essere utilizzata in momenti critici per salvare la pelle nei combattimenti più difficili.

In aggiunta, Sker Ritual offre una grande varietà di maschere, oggetti di personalizzazione e altri elementi estetici, che permettono ai giocatori di aggiungere un tocco personale al proprio personaggio. Le maschere, ispirate ai più diversi tipi di horror, dal gotico al folkloristico, fino agli zombie e alle creature soprannaturali, contribuiscono a un’esperienza visiva affascinante e a un ulteriore livello di immersione nell’atmosfera macabra del gioco. E non mancano le sorprese: i giocatori possono interagire con il Laughing Policeman, un personaggio che vende armi e potenziamenti, e che aggiunge un pizzico di eccentricità all’esperienza, con una galleria di oggetti che spaziano dalle semplici munizioni a potenti modifiche steampunk per migliorare l’arsenale.

Il lancio di Sker Ritual su PlayStation 4 e Xbox One è un’eccezione nel panorama attuale, in cui i titoli per console di vecchia generazione stanno diventando sempre più rari. Pochi giochi, infatti, vengono ancora rilasciati per queste piattaforme, a meno che non si tratti di enormi franchise, come Call of Duty o i principali titoli sportivi annuali. Questo gesto dimostra l’impegno di Wales Interactive nel rendere il gioco accessibile a un pubblico più vasto, inclusi coloro che non hanno ancora aggiornato la loro console.

Con l’aggiornamento dell’anniversario, Sker Ritual offre anche nuove funzionalità, come il supporto al crossplay tra tutte le versioni del gioco, permettendo a tutti i giocatori di unire le forze indipendentemente dalla piattaforma su cui giocano. Inoltre, è stata aggiunta una settimana di doppia XP, che consente ai giocatori di progredire più velocemente e di sbloccare nuove abilità e potenziamenti.

“Sker Ritual” è un gioco che mescola in modo eccellente azione, horror e cooperazione, un’esperienza che saprà coinvolgere e divertire sia chi ama il gioco in solitaria, sia chi preferisce affrontare le sfide in compagnia degli amici. Con il suo gameplay intenso, la trama intrigante e le tante possibilità di personalizzazione, questo sparatutto zombie rappresenta una delle sorprese più piacevoli degli ultimi tempi e una solida scelta per gli appassionati del genere. Se siete pronti a mettere alla prova le vostre abilità di sopravvivenza e a combattere contro le oscure forze di Sker Island, Sker Ritual vi aspetta con il suo mix di paura e adrenalina.

Approfondimenti, AULAMANGA, Books + Comics

Il romanzo e i manhua di Lord of Mysteries: il capolavoro cinese che fonde steampunk, horror cosmico e intrighi arcani

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Siete pronti a precipitare in un abisso di misteri? Se le atmosfere nebbiose di Bloodborne vi fanno battere il cuore, se gli intricati enigmi di Sherlock Holmes sono il vostro pane quotidiano e se non resistete al fascino delle grandi saghe fantasy orientali, allora preparatevi a un viaggio che rischia seriamente di risucchiarvi. L’ingresso è il romanzo web Lord of the Mysteries (in cinese, 诡秘之主), un portale letterario che vi catapulterà in un mondo dove il vapore e gli ingranaggi si fondono con la magia, i culti occulti e una verità tanto antica quanto terrificante.

Nato dalla tastiera di Yuan Ye, meglio conosciuto online come Cuttlefish That Loves Diving, questo romanzo ha iniziato la sua corsa sulla piattaforma Qidian nel 2018 e in pochissimo tempo è diventato un fenomeno di culto globale, conquistando milioni di lettori in tutto il mondo. Ma qual è il segreto di questo capolavoro cinese? La risposta sta nella sua audace fusione di generi, un mix esplosivo che lo rende unico nel panorama della letteratura fantasy contemporanea.

Un universo narrativo che fonde Oriente e Occidente

Pensate a un’Inghilterra tardo-vittoriana, con le sue ciminiere fumanti, le strade bagnate dalla pioggia e i complessi meccanismi a vapore che alimentano l’industria. Ecco la cornice in cui si muove la storia. Un’ambientazione steampunk ricca di dettagli che, però, nasconde qualcosa di molto più profondo e inquietante. Al di sotto della patina industriale, l’autore ha sapientemente inserito suggestioni lovecraftiane e un tocco di horror cosmico, dove entità insondabili e divinità ancestrali tessono le fila di un destino oscuro.

A questa miscela, Yuan Ye ha aggiunto gli elementi tipici dello xiānxiá e dello xuanhuan, le tradizioni narrative cinesi in cui la ricerca della spiritualità, l’ascensione e la magia si intrecciano al destino dei personaggi. Il risultato è un universo narrativo così vasto e coerente da sembrare vivo, pulsante, pronto a inghiottire chiunque osi esplorarlo. Dai complessi sistemi monetari alle tradizioni culinarie, ogni dettaglio contribuisce a rendere il worldbuilding di Lord of the Mysteries straordinariamente credibile.

Klein Moretti, il detective che non ha chiesto di esserlo

La storia prende il via nel 1349 del Calendario delle Epoche, quando Zhou Mingrui, un giovane cinese, si ritrova misteriosamente catapultato in questo nuovo mondo. Si reincarna nel corpo di Klein Moretti, un laureato morto in circostanze che ricordano un suicidio. Questo nuovo mondo è popolato dagli Eccelsi, individui che hanno ottenuto poteri sovrannaturali consumando pozioni misteriose. Nel disperato tentativo di comprendere la sua nuova vita e trovare un modo per tornare a casa, Klein compie un rituale arcano che lo conduce nella Nebbia Grigia, un reame etereo e surreale.

È in questo luogo misterioso che Klein incontra altri due personaggi, Audrey Hall e Alger Wilson, anch’essi approdati lì attraverso pratiche occulte. Da questo incontro improbabile nascerà il Circolo dei Tarocchi, un’organizzazione segreta dedita allo scambio di informazioni proibite e ingredienti per pozioni, un’ombra silenziosa che si muove tra le pieghe della società. La trama principale è un intricato labirinto di indagini, spionaggio e complotti, che terrà il lettore incollato dalla prima all’ultima pagina. Ogni indizio svelato apre la porta a nuove domande, in un crescendo di tensione che non lascia tregua.

Un cast di personaggi indimenticabili

Ciò che rende questo romanzo web davvero speciale non è solo l’intreccio, ma anche la profondità dei suoi personaggi. Nonostante la serie ospiti centinaia di figure, da quelle principali a quelle secondarie, ognuna ha una propria identità ben definita. Klein Moretti, ad esempio, è un’anima fuori posto, un detective per caso che affronta il suo destino con un velo di solitudine e malinconia. Il protagonista del secondo ciclo narrativo, Lumian, vive invece un percorso opposto: nato e cresciuto in questo mondo, parte come un sopravvissuto isolato e impara lungo il cammino il valore della fiducia e della famiglia. Nonostante le loro differenze, entrambi sono accomunati da una determinazione ferrea e dalla volontà di rischiare tutto per ciò in cui credono.

Dall’inchiostro alla tavola a fumetti: la magia del manhua

Il successo di Lord of the Mysteries non si è fermato al mondo della parola scritta. Il suo stile unico si è tradotto in una spettacolare serie a fumetti. Le illustrazioni ufficiali e il manhua, iniziato su Bilibili Manhua e poi continuato su AC.QQ, sono un vero e proprio spettacolo per gli occhi. Le tavole catturano perfettamente l’equilibrio tra il gotico-vittoriano e l’horror cosmico, trasformando ogni pagina in un’opera d’arte. L’eleganza decadente si scontra con l’inquietudine soprannaturale, creando un’esperienza visiva straordinaria che cattura l’essenza dell’opera originale.

La fama del manhua e del romanzo è arrivata a superare i confini digitali, tanto che l’opera è stata tradotta in diverse lingue e addirittura inserita nella collezione della prestigiosa British Library nel 2024. Questo traguardo dimostra come la letteratura online cinese stia uscendo dalla sua nicchia per affermarsi a livello globale, offrendo al pubblico occidentale un’esperienza narrativa inedita e avvincente.

L’eredità e il futuro di un fenomeno geek

Per noi appassionati cresciuti a pane e Fullmetal Alchemist, Hellsing o D.Gray-man, Lord of the Mysteries è un vero e proprio tesoro. Il suo modo di trattare il mistero non come un semplice espediente narrativo, ma come la sostanza stessa della storia, è ciò che lo rende irresistibile. Ogni potere ha un prezzo, ogni segreto svelato ne nasconde un altro.

Leggere o sfogliare il manhua di Lord of the Mysteries non è solo un intrattenimento, ma un’immersione totale in un cosmo narrativo che sembra poter crescere all’infinito, proprio come una campagna di Dungeons & Dragons condotta da un Master che conosce ogni piega del vostro cuore da giocatori. È un viaggio che mette alla prova la vostra curiosità e la vostra immaginazione. E, proprio come Klein nella Nebbia Grigia, una volta entrati sarà difficile trovare la via d’uscita… ammesso che lo vogliate davvero.

Che ne pensate di questo fenomeno della cultura nerd e geek? Siete già stati risucchiati dalla Nebbia Grigia o è la prima volta che ne sentite parlare? Fatecelo sapere nei commenti qui sotto! E se l’articolo vi è piaciuto, condividetelo con i vostri amici e sui social per far conoscere a tutti le meraviglie di Lord of the Mysteries.

Arte e Creatività, COSPLAY, Eventi, Gaming

GoticaMente 2025: l’evento che unisce arte, fantasia e mistero

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Il 29 e 30 marzo 2025, Sant’Agata Bolognese si trasformerà in un palcoscenico di creatività, magia e atmosfere gotiche con GoticaMente, un evento che promette di conquistare tutti gli appassionati di stili alternativi e culture fantasy. Questo imperdibile appuntamento, che si terrà in via Rubiera 30, offrirà due giorni di esperienze uniche per tutti coloro che amano il gotico, lo steampunk, il cosplay e il mondo dell’arte alternativa. Con il suo programma ricco di attività e sorprese, GoticaMente è pronto a portare alla luce un mondo di sogni oscuri e affascinanti, unendo appassionati da tutta Italia.

Un’Esperienza Immersiva tra Arte e Creatività

L’evento GoticaMente si terrà in un ampio spazio al chiuso, così da garantire il massimo comfort e protezione dalle incertezze del meteo primaverile, ma non per questo meno ricco di sorprese e magie. L’evento sarà suddiviso in quattro aree tematiche, ognuna delle quali offrirà un’esperienza unica e coinvolgente. Questi spazi sono progettati per soddisfare i gusti più vari, dalle tendenze goth a quelle steampunk, passando per il mondo del cosplay e dell’artigianato.

Uno degli spazi più attesi è sicuramente il Mercatino Gotico, dove i partecipanti potranno perdersi tra i banchi neri e scoprire creazioni artigianali di alta qualità. Qui, si potranno acquistare capi unici, tra cui gli splendidi abiti firmati Il Matto e il Bagatto, e le opere di Strabizzare, una realtà che propone accessori e abbigliamento che incantano per la loro unicità. Inoltre, sarà l’occasione ideale per approfittare degli sconti sui capi delle collezioni passate della stilista Raffaella Onofri, che porterà in vendita capi delle sue linee più amate. Un’opportunità imperdibile per arricchire il proprio guardaroba gotico e alternativo con pezzi esclusivi.

L’evento non si ferma solo all’acquisto di articoli esclusivi. In un’epoca sempre più sensibile alla sostenibilità, l’area Riuso, Riciclo e Baratto (Ricigotico) si farà spazio tra i banchi rossi, invitando i partecipanti a scambiare, modificare e dare nuova vita a vecchi abiti e accessori. Questa sezione si propone di riscoprire il valore del riuso in chiave stilistica alternativa, dove ogni scambio diventa occasione di creatività e innovazione. Un’area che stimola l’ingegno e incoraggia un consumo più consapevole, perfetta per chi ama dare nuova vita agli oggetti con un tocco personale.

Un Tuffo nell’Immaginario con il Set Fotografico e gli Incontri Tematici

GoticaMente non dimentica l’importanza dell’immagine e del confronto culturale. Per questo, durante i due giorni dell’evento, sarà presente un Set Fotografico Gratuito, dove tutti i partecipanti potranno farsi immortalare in splendidi scatti professionali. Indossando i propri outfit gotici o steampunk, i visitatori avranno la possibilità di vivere un’esperienza scenografica unica, con l’opportunità di vincere un premio speciale per il look più originale e oscuro. Un’occasione perfetta per catturare ricordi e per condividere il proprio stile con gli altri appassionati.

Non mancheranno incontri tematici e momenti di magia vera. Dalle 16:00 alle 18:00 di entrambe le giornate, i visitatori avranno la possibilità di assistere a demostrazioni di falconeria da parte di esperti falconieri, che presenteranno i loro rapaci e racconteranno i segreti di questa nobile arte. Ma l’incanto non si limita solo agli animali: durante l’evento, sarà possibile partecipare a presentazioni di romanzi di autori come Lisa Lambertini, che porta al pubblico la sua esperienza nel genere fantasy gotico, e incontrare cosplayer steampunk, il tutto accompagnato da momenti di scambio e scoperta.

Un Evento per Tutti: Ingresso Gratuito e Divertimento per Ogni Età

GoticaMente è un evento pensato per tutti, senza barriere o limitazioni. L’ingresso è gratuito e, per l’occasione, anche i bambini sono invitati a partecipare, per immergersi in un’atmosfera unica, ricca di fantasia e magia. Un evento che si propone come un punto d’incontro per tutti coloro che amano esprimere la propria creatività attraverso la moda, l’arte e il cosplay, indipendentemente dal genere o dallo stile preferito. Dai veterani del gotico agli amanti dello steampunk, dai cosplayer ai semplici curiosi, GoticaMente è il luogo ideale dove le diverse anime della cultura alternativa si mescolano, creando una comunità di appassionati pronta a condividere e vivere insieme questa esperienza speciale.

Due Giorni di Magia e Creatività da Non Perdere

Il 29 e 30 marzo 2025, Sant’Agata Bolognese sarà il cuore pulsante di un evento che si preannuncia come un vero e proprio viaggio tra mondi alternativi, artigianato creativo e scambi culturali. Che tu sia un appassionato di stile gotico, steampunk, cosplay o semplicemente un curioso alla ricerca di nuove avventure, GoticaMente  ti aspetta con due giorni di magia, risate e tanta creatività. Non perdere questa occasione unica di entrare in un mondo di sogni oscuri e avventure fantastiche. Il 29 e 30 marzo, a Sant’Agata Bolognese, la fantasia prende vita: vieni a vivere GoticaMente , un evento che resterà impresso nella memoria di tutti coloro che amano l’arte alternativa, il gotico e la magia.

Books + Comics, Glorie Nerd Vintage

“I Pionieri dell’Ignoto”: Un’Avventura Storica tra Mistero e Steampunk

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Il 28 febbraio, i lettori appassionati di avventura e mistero potranno immergersi in una leggendaria ed entusiasmante storia, grazie alla nuova edizione I Pionieri dell’Ignoto, il graphic novel edito da Bonelli. Con soggetto e sceneggiatura di Stefano Vietti e i disegni e la copertina di Alessandro Bignamini, questo albo promette di catturare l’immaginazione di chi è alla ricerca di storie che mescolano avventura, mistero e un pizzico di fantascienza: un’indimenticabile esperienza narrativa che mescola la Londra vittoriana con il fascino dell’ignoto.

Ambientato nella Londra del 1882, il fumetto ci trasporta in una città misteriosa e carica di segreti, dove ogni vicolo e ogni angolo sembrano nascondere storie di potere e intrighi. In un’atmosfera che richiama le atmosfere più affascinanti della narrativa storica e steampunk, la trama si sviluppa attorno a Jack Gordon, capitano dei Royal Highlanders, che intraprende un’avventura lungo il fiume Nilo per rintracciare Reginald Stockwood, un archeologo scomparso durante una spedizione alla ricerca di una valle perduta. Ma questo viaggio non sarà solo un’impresa fisica, bensì una vera e propria esplorazione nei meandri più oscuri della Storia e delle forze occulte che la muovono.

Vietti, che ci ha abituato a racconti ricchi di avventura con “Dragonero”, si spinge qui in un territorio ancora più affascinante, quello dell’avventura storica, creando una trama che richiama le opere di autori classici come Emilio Salgari, Jules Verne e H.G. Wells. Il suo Jack Gordon è un eroe che non si ferma davanti a nulla pur di portare a termine la sua missione, ma a un certo punto la sua ricerca si trasforma in una riflessione più profonda sulle forze in gioco nel mondo. Le sue avventure, sebbene ancorate a un contesto storico ben preciso, si spingono ben oltre i confini fisici, dando vita a una trama che incanta tanto per la sua profondità quanto per la sua spettacolarità.

Il graphic novel non si limita a esplorare un solo tema, ma intreccia vari filoni narrativi. Se da un lato troviamo l’avventura pura, con scontri mozzafiato e inseguimenti attraverso terre inesplorate, dall’altro la storia è costellata di enigmi e misteri che portano alla luce segreti sepolti nel tempo. Non mancano, poi, personaggi carismatici e ben delineati che arricchiscono la trama. Annabelle Stockwood, con la sua irresistibile “chiamata all’avventura”, diventa una guida per Gordon nel suo viaggio e un punto fermo in una storia che alterna alleanze e tradimenti. Al fianco di Jack si schierano alleati come Rashid e Kirbekan, pronti a fronteggiare le difficoltà, ma anche nemici temibili come Lord Clock e i suoi spietati emissari. I vari antagonisti sono dipinti come ombre minacciose che si stagliano contro la luce dell’avventura, ognuno con le proprie motivazioni e con un ruolo fondamentale nella crescita del protagonista.

Ma non è solo la trama a colpire, bensì anche l’ambientazione e lo stile visivo. Alessandro Bignamini, con i suoi disegni, riesce a trasportare il lettore in un mondo vivo e pulsante. La sua capacità di dare vita alla Londra vittoriana, così come alle terre sconosciute dell’Africa, è straordinaria. Le sue tavole, ricche di dettagli e con un sapore cinematografico, donano al fumetto un aspetto epico, rendendo ogni scena un’opera d’arte visiva che si fonde perfettamente con la narrazione. La scelta di uno stile fresco e moderno, ma intriso di quella tradizione fumettistica che rimanda a eroi come Tex e Zagor, fa sì che ogni singola pagina sia una vera e propria immersione in un mondo che appare tanto reale quanto affascinante.

A livello tematico, “I Pionieri dell’Ignoto” si distingue per l’abilità di Vietti nel mescolare la storia con la fantascienza, ma senza mai perdere di vista la forza narrativa del contesto storico. L’elemento steampunk è presente, ma non invasivo; si inserisce nel racconto in modo naturale, come un frutto delle invenzioni tecnologiche dell’epoca, senza mai sovrastare le fondamenta storiche della trama. L’invenzione tecnologica si mescola con l’esplorazione, la ricerca e il mistero, rendendo l’intera esperienza di lettura un viaggio che abbraccia tanto il passato quanto il futuro.

“I Pionieri dell’Ignoto” è un’opera che appassionerà tanto gli amanti delle storie di avventura storica quanto i lettori più appassionati di fantascienza. È un racconto che sa come emozionare, come stimolare la curiosità e, soprattutto, come sorprendere il lettore, mantenendo alta l’attenzione per tutta la durata della lettura. La fusione di tradizione e innovazione, unita alla forza visiva e narrativa, fa di questo graphic novel una delle uscite più attese del panorama fumettistico italiano.

Se amate le grandi avventure, i misteri da svelare e un po’ di steampunk, “I Pionieri dell’Ignoto” è un titolo che non dovete assolutamente perdere. Un viaggio che promette di restare nel cuore degli appassionati di fumetti per molto tempo, un’opera che, senza dubbio, lascia il segno.

COSPLAY, Speciali Cosplayer

Nicoletta Capolini: Nikekin, la cosplayer che ha trasformato la passione in arte e creatività

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Nicoletta Capolini è una delle personalità più interessanti del mondo del cosplay italiano, una vera e propria pioniera che ha saputo farsi strada nel panorama nerd e pop. Nata ad agosto del 1984 a Roma e cresciuta sul litorale romano, Nicoletta ha sempre vissuto a contatto con la bellezza naturale del mare e della sabbia, ma il suo percorso verso il cosplay è stato tutt’altro che lineare. Fin da giovane, si è avvicinata a diverse forme artistiche, senza mai riuscire a trovare un vero e proprio modo di esprimersi. La sua passione per il cosplay è arrivata a sorpresa, quasi all’età di trent’anni, nel 2013, e da allora è diventata una parte fondamentale della sua vita.

Il suo nome d’arte, Nikekin, nasce dall’amore per la mitologia e per la lingua greca. Tradotto, Nikè significa “Portatrice di vittoria”, un nome che, insieme alla passione per le parole palindrome, le ha ispirato a creare un’identità unica, che racconta tanto di sé e della sua personalità. Ma il suo ingresso nel mondo del cosplay non è stato subito ricco di consapevolezza e successo. Anzi, l’incontro che le ha cambiato la vita è avvenuto quando, ancora giovane, si trovava alla ExpoCartoon, la fiera del fumetto di Roma, quando vide un ragazzo travestito da Cristal, uno dei Cavalieri dello Zodiaco, suo personaggio preferito. In un periodo in cui fare cosplay non era tanto una moda quanto una vera e propria follia, quell’immagine ha rappresentato per Nicoletta una scintilla, un richiamo verso una passione che sarebbe diventata il fulcro della sua vita.

Nonostante il suo entusiasmo, Nicoletta non aveva alcuna esperienza nel cucito. All’inizio, come ogni neofita, le sue creazioni non erano certo perfette. Il suo primo cosplay, una Pollon improvvisata con una vecchia canotta bianca e un lenzuolo rosa, era il risultato della sua necessità di improvvisare e di mettersi alla prova. Ma quella prima creazione, pur semplice, le fece capire che quella strada sarebbe diventata la sua vocazione. Più che l’esibizionismo, che da sempre l’ha contraddistinta, quello che la appassionava era l’arte di costruire, di dare forma a personaggi che amava o che, a volte, inventava completamente.

Nel corso degli anni, ha portato con sé una varietà di personaggi, da quelli più conosciuti come la principessa Peach di Super Mario e Elizabeth Swann dei Pirati dei Caraibi, a quelli tratti da serie come Dragonero, dove ha dato vita alla misteriosa Myrva, un personaggio che, pur non essendo riconosciuto da tutti, ha avuto un’importanza fondamentale nel suo cammino. Non solo un personaggio, ma anche un incontro che le ha cambiato la vita: proprio grazie a Myrva, ha conosciuto il fumettista che aveva creato quel personaggio, e che oggi è il suo compagno.

Questa passione per il cosplay non è solo una forma di intrattenimento per Nicoletta, ma un vero e proprio processo creativo che le consente di esplorare tecniche e materiali nuovi. Dalla sartoria alla pittura, passando per la meccanica e il modellismo, il cosplay è per lei un’occasione di crescita continua. La sua abilità nel creare costumi è frutto di anni di studio, errori e miglioramenti. Non a caso, uno dei suoi cosplay più impegnativi, il Tardis del Doctor Who, è nato nel 2016 ma è stato mostrato solo nel 2022, a dimostrazione del lungo lavoro che ci ha dedicato.

Nicoletta è anche un’appassionata sostenitrice degli original, i personaggi creati completamente da chi li indossa. Per lei, fare cosplay non significa solo interpretare un personaggio già esistente, ma dare vita a un’idea, un concetto che si evolve nel tempo. I suoi originali sono il riflesso della sua personalità, della sua creatività, e le permettono di esprimere la sua visione unica. La creazione di un personaggio originale, per lei, è simile a quella di un fumettista che da vita a un eroe: è una creazione che non ha confini, ma solo un mondo da esplorare.

La sua visione del cosplay non si limita alla competizione o alla notorietà, ma abbraccia un amore profondo per il personaggio che si interpreta. Nicoletta non tollera chi cerca di fare un cosplay solo per l’apparenza, solo per ottenere foto o visibilità. Se non c’è un sentimento genuino, secondo lei, non c’è davvero cosplay. Ecco perché ogni scelta, ogni creazione, è frutto di un’emozione profonda verso il personaggio, un amore che va oltre l’aspetto estetico.

Il cosplay, infatti, per Nicoletta è un modo per sfuggire alla solitudine e per incontrare persone che condividono la stessa passione. Ma negli ultimi anni ha notato come il panorama delle fiere e degli eventi stia cambiando. La competizione è aumentata, spesso in modo eccessivo, e la parte più ludica e creativa sembra lasciar spazio a un approccio più professionale, dove non c’è tempo per il gioco o la scoperta. Questo cambiamento le dispiace, soprattutto per le nuove generazioni che si avvicinano a questo mondo, troppo spesso intimidite dalla pressione dei social e della visibilità.

Nonostante le difficoltà, Nicoletta resta una figura di riferimento nel panorama del cosplay italiano. La sua storia è un esempio di perseveranza, passione e crescita, e dimostra come il cosplay possa essere molto più di una semplice passione. È un viaggio che unisce arte, creatività e persone, un mondo che si è evoluto ma che, nelle sue sfumature più autentiche, rimane sempre legato a quei primi passi fatti con entusiasmo e amore per i personaggi che ci hanno fatto sognare.

Gaming

Chocolate Factory Simulator: Un Viaggio Steampunk nella Fabbrica dei Sogni di Cioccolato

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Prima che il cuore dell’inverno ci travolga con i suoi pranzi festivi e prelibatezze zuccherate, c’è un appuntamento che non possiamo assolutamente perdere: il lancio di Chocolate Factory Simulator! In arrivo su Steam il 7 gennaio, questo gioco promette di farci immergere in un mondo dove la passione per il cioccolato incontra la magia dello steampunk, creando un’esperienza che farà felici tutti gli appassionati di giochi di simulazione e, naturalmente, di dolci. Preparatevi a vestire i panni di un abile cioccolatiere e a costruire il vostro impero di dolcezza!

Immaginate di trovarvi in un’officina alimentata a vapore, con tubi che sibili e ingranaggi che girano, dove il cioccolato prende vita in tutte le sue forme, colori e sapori. Chocolate Factory Simulator non è solo un gioco, è un viaggio sensoriale nel cuore di una fabbrica di cioccolato che farebbe invidia a Willy Wonka stesso. Con il vostro Golden Ticket, potrete entrare in un mondo dove ogni giornata è un’avventura dolce e ricca di creatività.

Crea la tua barra di felicità

In Chocolate Factory Simulator, l’obiettivo è chiaro: diventare il miglior cioccolatiere del mondo. Con una vasta gamma di opzioni per creare tavolette di cioccolato e prelibatezze personalizzate, ogni ordine è un’opportunità per sfoggiare le proprie capacità e soddisfare i gusti più esigenti dei clienti. Ogni pezzo di cioccolato che preparerete, dalle tavole classiche a quelle con sapori più audaci, rappresenta una vera e propria opera d’arte dolciaria, unendo creatività e tecniche di produzione all’avanguardia.

Ma non sarete soli in questa dolce impresa: Nougat, il vostro fedele assistente automatizzato, vi affiancherà in ogni fase del processo, dalle consegne ai compiti più complessi. Immaginate di avere un compagno di lavoro sempre pronto a offrire una mano, mentre aggiungete quel tocco finale alle vostre creazioni con decorazioni personalizzate che renderanno ogni cioccolato unico.

Sviluppa il tuo laboratorio e affronta la sfida finale

Il viaggio in Chocolate Factory Simulator non si ferma alla creazione delle prelibatezze. Man mano che il vostro impero di cioccolato cresce, avrete bisogno di espandere e migliorare il vostro laboratorio. Sbloccate nuove tecnologie e macchine per portare la vostra produzione a un livello superiore, affrontando critiche e sfide per emergere nella Chocolate Factory League, un’esclusiva competizione che premia i migliori cioccolatieri del mondo.

Ogni decisione che prenderete, ogni ordine che completerete, vi avvicinerà a diventare il protagonista di una vera rivoluzione nel mondo del cioccolato. Non sarà solo una questione di gusto, ma anche di strategia e capacità di adattamento alle richieste dei clienti, ai cambiamenti del mercato e alle esigenze della fabbrica.

Un mondo steampunk ricco di dettagli

Ciò che rende Chocolate Factory Simulator un gioco irresistibile è la sua ambientazione steampunk. Questo universo affascinante, fatto di macchine a vapore, ingranaggi e tubi che sibilano, darà vita a un’esperienza visiva unica. Ogni macchina, ogni ingranaggio è stato progettato per rendere il gioco non solo divertente, ma anche incredibilmente coinvolgente, grazie alla cura nei dettagli. La combinazione di fantasia e tecnologia, con macchinari che sembrano usciti da un sogno di un inventore pazzo, è il perfetto sfondo per una fabbrica di cioccolato che, oltre a essere un’impresa commerciale, è anche un luogo dove la magia del cioccolato si intreccia con la realtà.

Perché è il gioco da non perdere

Se vi piace mettere alla prova la vostra creatività, sfidare le vostre capacità di gestione e soprattutto, se siete amanti del cioccolato, Chocolate Factory Simulator è il titolo che fa per voi. L’idea di combinare il gameplay di simulazione con la passione per il dolce più amato al mondo è vincente, e il gioco offre un’esperienza che vi terrà impegnati per ore.

La possibilità di sbloccare nuove tecnologie, migliorare il vostro laboratorio e competere in una lega esclusiva per il titolo di miglior cioccolatiere vi spingerà a diventare sempre più abili nel gestire la vostra fabbrica. E con Nougat al vostro fianco, anche i compiti più difficili sembreranno facili, mentre il lavoro di squadra vi permetterà di affrontare qualsiasi sfida. Non dimenticate di aggiungere Chocolate Factory Simulator alla vostra wishlist su Steam e preparatevi a vivere un’avventura dolcissima. Il 7 gennaio, il mondo del cioccolato vi aspetta! Concludiamo dicendo che, tra un gioco di simulazione e l’altro, Chocolate Factory Simulator si inserisce perfettamente in quel filone di giochi che amano unire fantasia, creatività e un pizzico di dolcezza, offrendo ore di intrattenimento che sapranno soddisfare i vostri gusti… proprio come una buona tavoletta di cioccolato!

Gaming

New Arc Line: Il futuro dei CRPG tra magia e tecnologia

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New Arc Line, è un nuovo gioco che mescola l’affascinante estetica steampunk con un’ambientazione dieselpunk, promettendo una narrativa profonda e un gameplay ricco di sorprese. New Arc Line si ispira chiaramente a giochi come Baldur’s Gate 3, concentrandosi sulla personalizzazione del personaggio, la formazione di un party e l’interazione in un mondo complesso, dove le scelte morali e politiche giocano un ruolo cruciale. La trama ci introduce a New Arc, una città che sembra simbolo di speranza e progresso, ma che nasconde un lato oscuro. Il protagonista, un immigrato in cerca di fortuna, si ritroverà a fare i conti con una realtà segnata dalla corruzione, dalla segregazione e dalla disuguaglianza. Qui, come in Arcanum, il conflitto tra magia e tecnologia è il cuore pulsante del gioco, ma New Arc Line porta questa dicotomia a un nuovo livello, esplorando un’interazione più moderna tra i due mondi, in un contesto che sa di post-industrialismo.

La città di New Arc è una metropoli che brilla di giorno, ma che nasconde ombre minacciose sotto il suo luccichio. Tra fabbriche che oscurano i cieli con il loro fumo nero e una società divisa, i giocatori si troveranno a dover prendere decisioni difficili, pesando le proprie azioni, consapevoli che ogni scelta potrebbe renderli eroi o malvagi distruttori, come accade nei migliori giochi di ruolo.

La personalizzazione del personaggio è uno degli aspetti chiave di New Arc Line. Il gioco permette di scegliere tra diverse razze, tra cui umani, elfi, nani e giganti, e offre una vastissima gamma di opzioni per il genere, l’aspetto fisico e il background del protagonista. Le scelte compiute influenzeranno non solo il rapporto con altri personaggi, ma anche il modo in cui il mondo reagisce al nostro operato. L’interazione sociale è arricchita dalla possibilità di reclutare compagni, ognuno con la propria storia e personalità, che possono essere sviluppati o sfruttati per il proprio tornaconto.

Una delle caratteristiche più interessanti di New Arc Line è la possibilità di scegliere se abbracciare la tecnologia o la magia. Il gioco offre sei classi principali e dodici sottoclassi, ognuna con un ampio ventaglio di abilità. I giocatori potranno diventare esperti di magia, come occultisti del fuoco infernale o praticanti di Voodoo, oppure dedicarsi alla scienza e alla tecnologia, diventando ingegneri steampunk o scienziati teslapunk. Ogni scelta avrà un impatto diretto sul gameplay, con battaglie che si svolgeranno in un sistema a turni, simile a quello di altri CRPG di successo. Le opzioni di approccio in combattimento sono molteplici: si può affrontare un incontro di forza bruta, oppure adottare una strategia più tattica, sfruttando le abilità del proprio gruppo.

La scrittura di New Arc Line è un altro punto di forza. Il sistema di dialogo è ricco di opzioni, con la possibilità di influenzare le conversazioni attraverso la persuasione, il carisma o l’intimidazione, proprio come accade in giochi di ruolo leggendari come Divinity: Original Sin 2 o Disco Elysium. Ogni scelta dialogica pesa sulle relazioni con gli altri personaggi e sullo sviluppo della storia. Tuttavia, sebbene le interazioni siano generalmente ben scritte, alcuni compagni di viaggio sembrano ancora troppo stereotipati e non completamente sviluppati. Questo è un aspetto che potrebbe migliorare con l’accesso anticipato, quando gli sviluppatori potrebbero ampliare le storie e le motivazioni dei vari personaggi.

New Arc Line è ancora in fase di sviluppo, e nonostante le promesse di un gioco straordinario, ci sono ancora alcuni problemi tecnici da risolvere. Le prestazioni non sono sempre ottimali, con alcuni bug che rovinano l’esperienza e tempi di caricamento piuttosto lunghi, specialmente su hardware meno potente. Le animazioni e le texture, purtroppo, non sono sempre all’altezza delle aspettative, ma nonostante ciò, il potenziale del gioco è evidente. Dreamate, il team di sviluppo, sta puntando su un mondo ricco di conflitti e scelte morali, che potrebbero portare a un’esperienza di gioco avvincente, simile ai capolavori del genere come Baldur’s Gate o Planescape: Torment.

Anche se New Arc Line non è ancora un titolo perfetto, il suo fascino steampunk e la sua complessa interazione tra magia e tecnologia lo rendono una delle esperienze più interessanti da seguire nel panorama dei CRPG. Con un po’ di lavoro in più sulla scrittura, le performance e la risoluzione dei bug, questo gioco potrebbe davvero fare la differenza. Se siete amanti di giochi di ruolo ricchi di profondità e scelte significative, New Arc Line è sicuramente un titolo da tenere d’occhio nei prossimi mesi.

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