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Cinema & Tv

The Dog Stars: Ridley Scott porta un thriller post-apocalittico sul grande schermo

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Il cinema sta per essere scosso da un nuovo thriller apocalittico che promette di entrare nel cuore degli appassionati del genere: The Dog Stars. Diretto da un maestro del grande schermo come Ridley Scott, il film si basa sull’omonimo romanzo di Peter Heller, pubblicato nel 2012, e si preannuncia come una riflessione potente sulla sopravvivenza, la solitudine e la speranza in un futuro devastato dalla pandemia. La produzione è affidata a Scott Free, e le riprese sono programmate per iniziare nella primavera del 2025, generando un’attesa palpabile tra i fan del cinema post-apocalittico.

La trama di The Dog Stars ci catapulta in un Colorado desolato e quasi senza vita, dove la pandemia ha decimato la popolazione mondiale. Il protagonista, Hig, interpretato da Jacob Elordi, è un pilota che vive una vita solitaria in un hangar per aerei, in compagnia solo del suo cane e di un ex-marine austero con cui ha stretto una sorta di alleanza. La routine di Hig viene interrotta quando un misterioso segnale radio, captato dal suo Cessna 1956, lo spinge a intraprendere una pericolosa ricerca per scoprire la provenienza del suono. Con l’aiuto del suo cane e dell’ex-soldato, Hig dovrà affrontare le insidie di un mondo distrutto e popolato da bande di predoni, i temibili “Reapers”, e forse troverà una piccola speranza tra le rovine di ciò che resta.

Jacob Elordi, noto per le sue interpretazioni in Priscilla, Saltburn e nella serie Euphoria, è una scelta intrigante per il ruolo di Hig. Recentemente, però, si è fatto un gran parlare di un cambio di attori nel cast: inizialmente, infatti, Paul Mescal era stato scelto per il ruolo, ma, a causa di conflitti di programmazione legati ad altri progetti, tra cui la quadrilogia sui Beatles di Sam Mendes, ha dovuto fare un passo indietro. Così, è stato proprio Elordi a entrare nelle fasi finali delle trattative, prontissimo a prendere in mano questo ruolo da protagonista, anche se la sua agenda è altrettanto fitta, tra la terza stagione di Euphoria e il nuovo adattamento cinematografico di Cime Tempestose, al fianco di Margot Robbie.

La sceneggiatura del film è stata scritta da Mark L. Smith, noto per il suo lavoro su Twisters, e Christopher Wilkinson, che ha firmato la sceneggiatura di Gli intrighi del potere – Nixon. Il romanzo di Heller, che è stato definito “dark, poetico e divertente” da NPR, è stato ampiamente apprezzato per la sua capacità di esplorare le sfumature della sopravvivenza fisica, mentale e spirituale in un contesto dove la società è crollata, lasciando spazio solo a lotte di sopravvivenza individuale e collettiva. La prosa di Heller è lirica e drammatica, dando vita a un’opera che va oltre la semplice storia di sopravvivenza, trasformandosi in una meditazione sulla resilienza umana.

Con Ridley Scott alla regia, The Dog Stars guadagna un livello di aspettativa che si gioca tutto sulla qualità della sua narrazione visiva e sulla capacità di Scott di intrecciare azione e riflessione. Il regista, che ha recentemente lavorato a Gladiator 2 e Napoleon, si avventura ora nel thriller post-apocalittico, un genere che sembra cucito su misura per il suo stile. Con il protagonista che dovrà confrontarsi con bande di predoni e la durezza della natura, Scott saprà sicuramente portare sul grande schermo una storia intensa e ad alta tensione, arricchita da una dimensione filosofica che non potrà mancare di suscitare riflessioni.

Anche se le riprese non inizieranno prima della primavera del 2025, gli appassionati di thriller post-apocalittici e drammi umani possono già iniziare a prepararsi per un film che, ne siamo certi, lascerà un segno indelebile. The Dog Stars non è solo un film sulla sopravvivenza fisica, ma anche una riflessione sulla solitudine e sulla speranza in un mondo che ha perso ogni senso di comunità. La combinazione di un regista di calibro come Ridley Scott, il talento di Jacob Elordi e una sceneggiatura solida e affascinante fa di questo film uno degli eventi cinematografici più attesi degli anni a venire.

Books + Comics

La ballerina di Auschwitz: Un racconto di Resilienza e Scelta Personale

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Quando ci avviciniamo alla lettura di un libro che porta con sé il peso della testimonianza storica, spesso ci prepariamo a un percorso doloroso e sconvolgente. La ballerina di Auschwitz di Edith Eger è, senza ombra di dubbio, uno di questi libri, ma ciò che rende questa testimonianza unica non è solo la sofferenza che Eger ha vissuto durante la Seconda Guerra Mondiale, bensì la straordinaria forza di una donna che, a partire dalla sua tragedia, ha costruito una carriera di guarigione, non solo per sé stessa, ma per molti altri.

La storia di Edith Eger è un inno alla resilienza. Deportata ad Auschwitz a soli sedici anni, una ragazza piena di sogni e ambizioni, vive un’esperienza che trasforma la sua esistenza. La sua adolescenza, che un tempo era consacrata alla danza e alla ginnastica, alle speranze olimpiche e ai primi amori, viene brutalmente interrotta dalla follia del regime nazista. La sua giovane vita diventa un incubo fatto di violenza, fame e morte, dove ogni giorno è una lotta per la sopravvivenza. Ma, come una ballerina che sa danzare anche nel buio, Edith riesce a trovare la forza di vivere anche nei momenti più disperati, nonostante le atrocità che la circondano. È il ricordo di Eric, il ragazzo che ama, che le dona la forza di resistere, con quella semplice frase: “Non dimenticherò mai i tuoi occhi”. Non è solo una dichiarazione d’amore, ma un atto di speranza che la accompagna nei giorni più bui.

Ciò che colpisce nel racconto di Eger è la sua capacità di intrecciare il trauma vissuto durante la guerra con la sua lunga carriera di psicoterapeuta. Come il suo mentore Viktor Frankl, Eger ha fatto della sua esperienza di sopravvivenza una missione di guarigione. Non si è limitata a raccontare ciò che ha vissuto, ma ha trasformato quella sofferenza in uno strumento di comprensione e supporto per chiunque affronti il proprio dolore. Le sue parole non sono solo una testimonianza storica, ma un invito a rielaborare il trauma, a non lasciarsi sopraffare da esso, ma a trarne una forza che ci consenta di vivere una vita più autentica e completa. La sofferenza, quindi, non è mai l’elemento finale della sua storia. Il dolore non è il capitolo conclusivo, ma solo un passaggio che, se affrontato con la giusta mentalità, può portare a una nuova nascita.

Nel libro, Edith Eger ci offre una lezione profonda e universale: non possiamo cambiare il passato, ma possiamo sempre decidere come affrontarlo. Questo è il cuore del messaggio di La ballerina di Auschwitz. La resilienza, la scelta e il perdono sono tematiche fondamentali che attraversano l’intero testo. La possibilità di scegliere, nonostante tutto, è ciò che ci rende liberi. Non siamo vittime delle circostanze, ma esseri umani capaci di fare delle scelte che, anche nella sofferenza, possano portarci verso la luce. Eger ci invita a non essere prigionieri dei nostri traumi, ma a liberarci dalle catene che ci legano, riscoprendo una vita che, pur tra le cicatrici, è ancora degna di essere vissuta.

Questa è la parte più potente di La ballerina di Auschwitz: la possibilità di rinascere. Edith, con il suo coraggio e la sua esperienza, ci offre una guida pratica per affrontare le difficoltà della vita, siano esse interne o esterne. La sua testimonianza non è solo un racconto di sopravvivenza, ma una vera e propria lezione di vita. La sua storia è un faro per chiunque si senta intrappolato nei propri dolori e nei propri traumi, un invito a scegliere la libertà, la felicità e la pace interiore.

La ballerina di Auschwitz è un libro che lascia il segno, che non si dimentica facilmente. Non è solo un memoir, ma un viaggio profondo nell’animo umano, un’esplorazione di come la mente e il cuore possano trasformare il dolore in una forza creativa e liberatoria. Concludere la lettura di questo libro non è solo un atto di empatia verso una persona che ha sofferto indicibili orrori, ma un atto di riflessione su noi stessi, su come affrontiamo le difficoltà e come possiamo scegliere di vivere una vita piena, anche quando il passato ci segna in modo indelebile.

La forza della scelta, la bellezza della resilienza e la luce della speranza sono le vere protagoniste di questo libro. Edith Eger ci insegna che, anche nei momenti più oscuri, possiamo trovare il cammino verso la luce. E, in un mondo che spesso sembra incatenato dalle sue difficoltà, La ballerina di Auschwitz è un promemoria che ci ricorda che, nonostante tutto, possiamo sempre scegliere di vivere.

Cinema & Tv

The Walking Dead: The Ones Who Live – Il Ritorno di Rick e Michonne nella Miniserie del 2024

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Con la conclusione della serie madre The Walking Dead e dei suoi spin-off come Fear the Walking Dead, World Beyond e Tales of the Walking Dead, molti avevano pensato che il franchise fosse ormai giunto alla sua fine naturale. Tuttavia, l’universo narrativo che ha rivoluzionato il genere delle apocalissi zombie in TV sembra non voler morire, proprio come i suoi protagonisti. È così che nel 2024 arriva The Walking Dead: The Ones Who Live, un sesto spin-off della saga che segna il ritorno di due dei suoi personaggi più iconici: Rick Grimes e Michonne. Questo nuovo capitolo, che ha debuttato il 25 febbraio 2024 su AMC, porta con sé non solo il ritorno di Andrew Lincoln e Danai Gurira nei loro rispettivi ruoli, ma anche una serie di nuove sfide, sorprese e riflessioni sul significato di “vivere” in un mondo popolato da zombie.

Rick Grimes e Michonne sono due dei volti più amati della saga di The Walking Dead, e la loro storia ha catturato i cuori di milioni di fan in tutto il mondo. Dopo la separazione apparentemente definitiva alla fine della serie principale, i fan hanno atteso con ansia di sapere cosa fosse successo ai due personaggi. The Walking Dead: The Ones Who Live si concentra proprio su questo, raccontando la loro storia a cinque anni dagli eventi che sembravano averli separati per sempre. Un lungo arco narrativo che esplora il tema della sopravvivenza, ma anche della lotta per ritrovare l’amore perduto. Il sottotitolo della miniserie, “The Ones Who Live”, non si riferisce solo alla capacità di sopravvivere, ma anche a chi continua a “vivere” nella speranza e nell’amore, nonostante le avversità di un mondo che sta lentamente per finire.

Le nuove sfide in un mondo in rovina

In questo nuovo capitolo della saga, Rick e Michonne si trovano a dover affrontare nuove e difficili sfide, sia sul piano umano che su quello della sopravvivenza. Il mondo che li circonda è sempre più ostile, con i pericoli derivanti dagli zombie che si intrecciano con le difficoltà legate ai conflitti tra esseri umani. La miniserie, pur mantenendo il suo spirito drammatico e d’azione, si distingue per un ritmo più lento e riflessivo, permettendo ai personaggi di esplorare in modo più profondo le dinamiche umane, come il concetto di leadership, responsabilità e speranza.

Una delle caratteristiche più interessanti della serie è la presenza di nuovi personaggi e di alcuni ritorni a sorpresa che arricchiscono la trama. Tra questi, spiccano figure come Jadis Stokes (Pollyanna McIntosh), che aveva fatto la sua apparizione nella serie principale, e nuove aggiunte come Jonathan Beale (Terry O’Quinn) e Pearl Thorne (Lesley-Ann Brandt). Questi personaggi non solo espandono l’universo narrativo della serie, ma portano anche nuove dinamiche di potere e sopravvivenza, offrendo al pubblico nuovi spunti per riflettere sul comportamento umano in condizioni estreme.

Sopravvivenza e leadership

Uno dei temi centrali di The Walking Dead: The Ones Who Live è la leadership, un concetto che viene esplorato attraverso le figure di Rick e Michonne. I due protagonisti sono chiamati a prendere decisioni difficili, a gestire il rapporto con le persone che li circondano e a lottare per costruire un futuro in un mondo che sembra non avere più speranza. La miniserie ci ricorda che, in un mondo invaso dagli zombie, gli esseri umani sono spesso i peggiori mostri, e le scelte più difficili sono quelle che riguardano la moralità, l’etica e la lotta per la propria libertà. La potenza emotiva della serie risiede proprio nella capacità di rendere questi temi universali, riuscendo a farci riflettere su cosa significhi veramente “vivere” quando la morte è sempre alle porte.

I personaggi e gli interpreti

La miniserie vanta un cast di grande rilievo, con la partecipazione dei veterani Andrew Lincoln e Danai Gurira nei ruoli di Rick e Michonne, che continuano a incarnare l’anima di The Walking Dead. Accanto a loro, Pollyanna McIntosh riprende il ruolo di Jadis, un personaggio che ha avuto un’importante evoluzione nella saga. Inoltre, a dar vita a nuovi volti ci sono attori come Terry O’Quinn (Jonathan Beale) e Lesley-Ann Brandt (Pearl Thorne), che portano freschezza alla trama con i loro personaggi coinvolgenti e pieni di sfumature. Il cast di The Walking Dead: The Ones Who Live è senza dubbio uno degli elementi che contribuiscono al successo della miniserie, riuscendo a mantenere l’attenzione del pubblico su una storia che è tanto emotiva quanto avvincente.

La produzione: dal lungometraggio alla miniserie

Originariamente pensata come il primo lungometraggio del franchise, The Walking Dead: The Ones Who Live è stata successivamente trasformata in una miniserie composta da sei episodi. La sua creazione è stata annunciata nel luglio del 2022, quando Scott M. Gimple, Andrew Lincoln e Danai Gurira hanno rivelato al pubblico la loro intenzione di riportare in vita la storia di Rick e Michonne. Le riprese sono iniziate nel febbraio del 2023 e si sono concluse nel maggio dello stesso anno, con una lavorazione che ha visto anche alcune modifiche dovute allo sciopero degli sceneggiatori, che ha portato a un accordo tra AMC e SAG-AFTRA per completare la serie.

Con la sua trama che riprende da dove The Walking Dead aveva lasciato, The Walking Dead: The Ones Who Live rappresenta un capitolo fondamentale per tutti i fan che hanno seguito la saga fin dall’inizio, ma anche per coloro che cercano una storia che esplori temi universali come la sopravvivenza, l’amore e la leadership. Questo spin-off, ora in onda su Sky e NOW in Italia, segna l’inizio di una nuova era per un franchise che, nonostante le difficoltà, continua a conquistare il pubblico di tutto il mondo.

In un mondo dove gli zombie sembrano non voler mai morire, The Walking Dead ci insegna che la sopravvivenza è un’arte che va oltre la semplice lotta per la vita, ma che si riflette anche nelle scelte morali e nelle relazioni umane che, alla fine, sono quelle che davvero definiscono chi siamo.

Cinema & Tv

Long Distance – Senza ossigeno

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“Long Distance: Senza ossigeno”, diretto da Josh Gordon e Will Speck, si colloca nell’ambito della fantascienza, ma con un’impronta distintiva che mescola tensione, sopravvivenza e un sorprendente tocco di leggerezza. Disponibile su Prime Video, il film si apre con una premessa familiare, ma si sviluppa in modo originale, distaccandosi dalle convenzioni tradizionali del genere.

La trama ruota attorno a Andy (Anthony Ramos), un astronauta che, dopo essere stato colpito da una meteora mentre si trova su un pianeta alieno, si ritrova isolato e senza ossigeno. Il suo obiettivo è raggiungere Naomi (Naomi Scott), una collega intrappolata in una capsula di salvataggio, e cercare di salvarla, mentre combatte la scarsità di risorse e le insidie di un ambiente sconosciuto e ostile. Ma oltre alla semplice lotta per la sopravvivenza, la pellicola esplora la connessione tra i due protagonisti, legati più da una forza emotiva che da un semplice lavoro di squadra professionale.

Ciò che distingue “Long Distance” dalle altre storie di sopravvivenza spaziale è il suo approccio al legame umano. Nonostante la distanza fisica che separa Andy e Naomi, la comunicazione tra i due, fatta principalmente di scambi radiofonici, si trasforma in una forma di intimità. Questo rapporto cresce, arricchendosi di momenti di ironia e tenerezza, che rendono il film più vicino alla dramedy che al thriller puro. La sceneggiatura sa dosare la tensione con momenti più leggeri, e anche se ciò potrebbe sembrare un’eccezione in un genere che di solito predilige una gravità esistenziale, contribuisce a dare al film una dimensione più complessa, più umana.

Anthony Ramos, nel ruolo di Andy, riesce a infondere profondità e credibilità al suo personaggio, navigando tra il dolore per una perdita personale e il coraggio di affrontare una missione che sembra sempre più disperata. La sua interpretazione è sfaccettata, fatta di silenzi che parlano tanto quanto le parole. D’altro canto, Naomi Scott, nel ruolo di Naomi, offre una performance solida, che bilancia la razionalità e la vulnerabilità, mantenendo sempre una forza interiore che risuona anche nei momenti più critici.

Il film non manca di creature aliene, ma queste non sono il fulcro della trama: dai ragni giganti alle luci letali, ogni minaccia esistente nell’ambiente alieno serve a intensificare la lotta per la sopravvivenza, ma il vero pericolo per Andy e Naomi è la solitudine e la continua scarsità di ossigeno. In questo contesto, le creature aliene sono più un elemento di dramma visivo che un antagonista vero e proprio. Gli effetti speciali, ben realizzati, contribuiscono a creare un’atmosfera di inquietante desolazione, ma senza mai prevalere sulla trama, mantenendo il giusto equilibrio tra spettacolarità e narrazione.

La regia di Will Speck e Josh Gordon, che si sono fatti notare per le loro commedie, come Blades of Glory e Due cuori e una provetta, potrebbe sembrare una scelta atipica per un film di fantascienza. Tuttavia, la loro capacità di bilanciare toni leggeri con momenti più intensi risulta essere una delle qualità più apprezzabili di Long Distance: Senza ossigeno. Sebbene la trama tratti di una situazione drammatica e di pericolo imminente, la presenza di un umorismo sottile e di un umanissimo senso di speranza rende il film un’esperienza coinvolgente e meno opprimente rispetto a molti altri film di sopravvivenza spaziale.

Questa peculiarità potrebbe, però, risultare disorientante per gli appassionati di sci-fi più tradizionali, che potrebbero non aspettarsi una combinazione di dramma e commedia in un film ambientato nello spazio. Nonostante ciò, il film sa mantenere alta la tensione, alternando momenti di paura e incertezza a quelli di calore umano. Questo equilibrio di toni è un punto di forza, che consente a Long Distance di esplorare temi di connessione e di resistenza senza mai diventare troppo pesante o introspettivo.

Inizialmente previsto per il rilascio nelle sale cinematografiche, Long Distance: Senza ossigeno ha avuto una storia travagliata, con diversi rinvii, fino alla sua distribuzione in streaming. Il film ha trovato nuova vita grazie alla sua disponibilità su Prime Video, un canale che ha permesso alla pellicola di acquisire visibilità e apprezzamento, soprattutto in Italia. La sua trama intrigante, il cast carismatico e il suo approccio originale alla fantascienza lo rendono un titolo che merita attenzione, nonostante non segua le strade battute del genere.

In sintesi, Long Distance: Senza ossigeno è una pellicola che sa mescolare il dramma della sopravvivenza spaziale con un’umanità profonda e a tratti leggera, dimostrando che anche nel cuore di una crisi esistenziale, l’ironia e il legame umano possono emergere come forme di salvezza.

Gaming

Fireteam Zero. Operazione Alla Luce della Luna – Missione “Il segreto sepolto”

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Nel nuovo episodio di GamePlay, ci immergiamo in un’avventura mozzafiato con un’ambientazione horror che ci catapulta nella Seconda Guerra Mondiale. Ma non si tratta di un classico scontro tra soldati; in Fireteam Zero, vestiamo i panni di un commando d’élite con una missione ben più oscura: combattere contro minacce ultraterrene che minacciano la nostra realtà.

Fireteam Zero è un gioco da tavolo cooperativo che sta conquistando il mercato internazionale, offrendo una serie di missioni e avventure cariche di tensione e brividi. Creato per 1-4 giocatori, il gioco ci mette di fronte a raccapriccianti creature e mostri fuori dal comune, in una battaglia che si svolge su tre diverse mappe, ognuna più difficile della precedente. Ogni partita è una sfida in continua evoluzione, dove l’astuzia e il lavoro di squadra sono essenziali per sopravvivere a un’ora o due di combattimenti e terrore puro.

La trama ci porta nel 1942, anno in cui quattro soldati del battaglione First Ranger spariscono misteriosamente durante un addestramento segreto. Questi soldati, scelti per le loro abilità uniche, vengono inviati in una missione speciale per affrontare nemici soprannaturali. L’obiettivo è fermare l’invasione di creature mostruose e pericoli inimmaginabili.

Ogni giocatore controlla un soldato dotato di abilità letali e brutali, che si riflettono in un mazzo di carte personali. Queste carte non solo determinano le azioni dei giocatori, ma possono anche modificare il terreno di gioco o aiutare il gruppo con potenti esplosioni. Le missioni si dividono in episodi che crescono in difficoltà, e per progredire è necessario completare obiettivi speciali. Ma non saremo mai soli nella nostra lotta: due PNG (personaggi non giocanti) ci offriranno il loro aiuto, ognuno con abilità straordinarie. Uno di loro ha la capacità di percepire la presenza di energie sovrannaturali, mentre l’altro ha una conoscenza arcana che potrebbe rivelarsi fondamentale in situazioni cruciali.

Man mano che il tempo scorre, i mostri diventano più forti e astuti, e le famiglie di nemici cambiano di partita in partita, mantenendo il gioco sempre fresco e imprevedibile. Ogni incontro è diverso, e le strategie dovranno evolversi continuamente.

Il gioco è nato da una campagna Kickstarter di successo e, come spesso accade in questi casi, il contenuto è straordinariamente ricco. La scatola, imponente e carica di miniature, contiene 39 mostri divisi in tre gruppi: minions, elite e boss master, oltre alla squadra di Fireteam Zero composta da 4 soldati e 2 scienziati. Ogni miniatura è di qualità medio-alta, con pose che ricordano i soldatini della Seconda Guerra Mondiale e creature che richiamano classici del videogioco come Doom o le opere di Lovecraft, fino a reminiscenze dei famosi Xenomorfi di Alien.

Il gameplay si sviluppa su tre fasi principali: nella fase tattica, i giocatori scelgono il primo eroe e giocano una carta tattica, che però riduce le carte disponibili per il resto della partita. Durante la fase degli Eroi, i giocatori si muovono sulla mappa e compiono azioni come attaccare o cercare, con il rischio di perdere carte e progressi. La ricerca è essenziale, poiché molti obiettivi dipendono dal pescare e risolvere carte specifiche. Infine, nella fase di Minaccia, i mostri si attivano e l’indicatore di minaccia avanza, aggiungendo nuove regole o complicando la situazione. Se i mostri colpiscono un eroe, quest’ultimo perde carte; se non ne ha più a sufficienza, va K.O., e se un eroe cade quando la Moneta Fortunata mostra la testa, la partita finisce immediatamente.

Fireteam Zero è un gioco che sfida la nostra capacità di lavorare insieme, di improvvisare e di affrontare l’ignoto. Se siete pronti a vivere una guerra contro il sovrannaturale, tra mostri e misteri, preparatevi a entrare in un’epica battaglia di sopravvivenza, dove l’unico modo per vincere è la cooperazione e la strategia.

AULAMANGA, Gaming

Monster Hunter Outlanders.Il Nuovo Gioco Mobile Open World per iOS e Android

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Il mondo dei giochi mobile si arricchisce di un nuovo titolo da non perdere: Monster Hunter Outlanders, un’avventura di sopravvivenza open world sviluppata in collaborazione tra TiMi Studio Group e Capcom. Annunciato ufficialmente il 13 novembre 2024, questo nuovo gioco porta l’universo di Monster Hunter sugli smartphone iOS e Android, permettendo ai fan di godere dell’esperienza di caccia ovunque si trovino. Pur mantenendo gli elementi chiave che hanno reso famosa la serie, Monster Hunter Outlanders si distingue per l’ottimizzazione del gameplay per il mobile, con un mondo vasto e interattivo da esplorare, combattimenti entusiasmanti e un focus sul gioco sociale.

Un vasto mondo open-world da esplorare

La grande novità di Monster Hunter Outlanders è la sua ambientazione open world, che permette di esplorare scenari diversi come foreste, paludi e deserti, tutti perfettamente collegati tra loro. L’esperienza di caccia non è mai stata così completa, poiché i giocatori potranno immergersi in una mappa estesa e dinamica, dove ogni angolo nasconde nuove sfide e sorprese. L’interazione con l’ambiente sarà fondamentale, e i giocatori potranno sfruttare le creature locali, gli elementi naturali e le meccaniche di campo per ottenere il massimo vantaggio durante la caccia.

L’aspetto dell’esplorazione non è solo una questione di spostarsi da un punto all’altro. Il gioco permetterà anche di creare equipaggiamenti e strumenti personalizzati, dando ai giocatori la possibilità di adattarsi alle circostanze e affrontare i mostri più temibili. Ogni missione richiederà un approccio strategico e la cura dei dettagli, che sono sempre stati tratti distintivi della serie Monster Hunter.

Combattere in solitaria o in compagnia

Uno degli aspetti più apprezzati dei titoli della serie è il sistema di combattimento, che in Monster Hunter Outlanders non sarà da meno. Armati delle tradizionali armi della saga, i giocatori potranno affrontare mostri enormi e minacciosi con un sistema di combattimento ottimizzato per il mobile, studiato per garantire il massimo divertimento anche su dispositivi portatili. Le battaglie saranno intense e richiederanno una buona dose di riflessi e preparazione, senza però sacrificare la giocabilità su schermi più piccoli.

In Monster Hunter Outlanders, il concetto di caccia non è solo solitaria. Se lo desiderate, potrete unirvi ad altri cacciatori, formando squadre di massimo quattro giocatori. Le missioni in multiplayer offriranno un’esperienza ancora più dinamica e collaborativa, con una maggiore varietà di strategie da esplorare. È interessante notare come il gioco includa non solo i famosi compagni Felyne, ma anche altri alleati unici, che i giocatori potranno controllare direttamente durante le missioni. Questi compagni, ciascuno con abilità speciali, aggiungeranno ulteriore profondità al gameplay.

Un’esperienza social e coinvolgente

TiMi Studio Group ha fatto sapere che Monster Hunter Outlanders non si limita a essere un semplice gioco di caccia. L’aspetto sociale sarà una componente centrale, con la possibilità di interagire con altri giocatori e partecipare a eventi in-game. Questo approccio contribuirà a rafforzare il senso di comunità, un elemento che ha sempre caratterizzato i titoli della saga Monster Hunter. Il gioco sarà free-to-play con acquisti in-app, permettendo a tutti di accedere alla base del gioco gratuitamente, ma con la possibilità di espandere la propria esperienza tramite acquisti opzionali.

Nonostante non sia stata ancora annunciata una data di lancio ufficiale, sono previsti dei playtest che daranno ai giocatori l’opportunità di testare il gioco prima dell’arrivo della versione definitiva. La curiosità e l’attesa intorno al titolo sono già alte, grazie alla fama del franchise e all’innovazione portata in questo nuovo capitolo mobile.

Conclusioni: una promessa interessante per i fan della saga

Con Monster Hunter Outlanders, Capcom e TiMi Studio Group stanno portando l’universo di Monster Hunter su dispositivi mobili con un’ambientazione open-world e un gameplay che promette di essere ricco e variegato. La combinazione di combattimenti, esplorazione e interazione sociale potrebbe fare di questo gioco un vero e proprio successo tra gli appassionati della serie e i nuovi giocatori. Il titolo si preannuncia come una delle esperienze più coinvolgenti per i dispositivi iOS e Android, con un sistema di gioco che mantiene il cuore della saga e lo arricchisce di nuove possibilità. Non resta che aspettare con ansia la sua uscita ufficiale, che si prevede essere un successo assicurato.

AULAMANGA, Gaming

Sengoku Dynasty 1.0 è disponibile per PC!

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Sengoku Dynasty, il nuovo gioco open-world ambientato nel Giappone feudale, è finalmente disponibile in versione 1.0 su PC, pronto a catturare l’attenzione degli appassionati di simulazione, sopravvivenza e storia. Dopo un anno in early access, arricchito da aggiornamenti significativi, il titolo di Superkami e Toplitz Productions offre un’esperienza immersiva e dinamica che porta i giocatori nel cuore del Giappone medievale, tra guerre, carestie e lotte per la sopravvivenza.

Il gioco si distingue per la sua vasta offerta, che unisce elementi di costruzione di villaggi, sopravvivenza e combat, il tutto immerso in una rappresentazione realistica del Giappone del XVI secolo. I giocatori potranno scegliere se affrontare il mondo da soli o allearsi con amici, fino a un massimo di tre, in modalità co-op. Ogni partita in Sengoku Dynasty è unica, poiché ogni giocatore può decidere se intraprendere un percorso di conquista o puntare a una crescita pacifica, esplorando e colonizzando nuove terre, raccogliendo risorse e costruendo una dinastia destinata a durare nel tempo.

Con l’introduzione delle nuove funzionalità della versione 1.0, i giocatori ora hanno la possibilità di conquistare regioni per espandere il loro potere e affrontare banditi in scontri più intensi, anche con la modalità FPP (First Person Perspective). Sebbene il combattimento sia una parte centrale del gioco, è anche possibile adottare un approccio più pacifico, evitando il conflitto diretto per concentrarsi sull’espansione della propria comunità e sullo sviluppo economico e agricolo. Le risorse come bambù, legno e minerali sono essenziali per la costruzione di abitazioni e strumenti, ma anche per forgiare armi come archi e katane, strumenti vitali per la difesa contro le minacce che incombono.

Una delle caratteristiche più apprezzabili di Sengoku Dynasty è l’attenzione al dettaglio storico. Superkami ha lavorato con una meticolosa ricerca per riprodurre fedelmente l’artigianato, le architetture, le usanze e le armi del periodo Sengoku. Ogni aspetto, dalla costruzione del villaggio alla coltivazione dei campi, è pensato per rispecchiare la vita quotidiana nel Giappone medievale, offrendo ai giocatori un’immersione totale in un’epoca storica affascinante e turbolenta.

Oltre alla costruzione e all’esplorazione, il gioco presenta un sistema di personalizzazione avanzato, che permette di scegliere il proprio personaggio tra diverse specializzazioni, tra cui monaco, artigiano, guerriero o leader. Ogni scelta comporta vantaggi unici che influenzano il modo in cui i giocatori interagiranno con il mondo di gioco e svilupperanno la propria dinastia.

La modalità di progressione, inoltre, è stata notevolmente migliorata durante il periodo di early access. La gestione del villaggio è ora più bilanciata e l’intelligenza artificiale dei nemici è stata affinata, portando a una sfida più interessante e coinvolgente. Le attività quotidiane come la caccia, l’agricoltura e la forgiatura sono al centro dell’esperienza di gioco, necessarie per mantenere la comunità prospera e autosufficiente, mentre il sistema di combattimento è stato reso ancora più intuitivo e soddisfacente.

Jan Cieslar, CEO di Superkami, ha espresso la sua gratitudine per i feedback ricevuti durante l’early access, sottolineando come la community abbia giocato un ruolo cruciale nel migliorare il gioco. E mentre Sengoku Dynasty è ora disponibile su PC, ci sono già piani per il futuro, con porting previsti per console nel 2025, aprendo la strada a una nuova ondata di appassionati.

In conclusione, Sengoku Dynasty offre una proposta unica nel panorama dei giochi open-world, combinando una ricca esperienza storica con la libertà tipica dei giochi sandbox. Se sei un appassionato del Giappone feudale o dei giochi di sopravvivenza e costruzione, Sengoku Dynasty potrebbe essere la tua prossima grande avventura.

Cinema & Tv

“Il Buco – Capitolo 2”: uno sguardo distopico nell’oscurità dell’animo umano

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“Il Buco – Capitolo 2” si erge come una continuazione non solo dell’universo distopico e claustrofobico del primo film, ma anche come una riflessione più profonda e articolata sul comportamento umano, sulla giustizia e sulla disuguaglianza sociale. Galder Gaztelu-Urrutia Munitxa, con la sua regia impeccabile, porta il pubblico a fare i conti con la parte più oscura e viscerale della nostra società, in un contesto dove la sopravvivenza è al centro di tutto, e la moralità si sfuma in un grigio esistenziale.

La trama, che si sviluppa circa un anno prima degli eventi visti nel primo capitolo, ci riporta all’interno della stessa “Fossa”, un carcere distopico in cui la vita dei prigionieri dipende dalla distribuzione del cibo tramite una piattaforma che scende di livello ogni giorno. Se nel primo film la lotta per la sopravvivenza era una lotta individuale, in “Il Buco 2” emerge un nuovo livello di organizzazione: i detenuti si sono dati delle leggi autoimposte per regolare il consumo, stabilendo che ciascun prigioniero può mangiare solo ciò che gli appartiene. Il contrappunto di questa apparente “giustizia” viene dai “Barbari”, che si oppongono a queste leggi, cercando di consumare senza limiti, provocando conflitti che minacciano di distruggere l’ordine instaurato.

Il film si fa subito portavoce di una riflessione sui meccanismi di potere e di distribuzione delle risorse. In un mondo dove solo chi possiede può davvero influenzare le cose, Gaztelu-Urrutia invita lo spettatore a porsi domande scomode e fondamentali: cosa faresti se fossi al livello 4? E se fossi al 104? Una critica alla disparità di accesso alle risorse, che ci invita a riflettere sulle disuguaglianze sociali, su come le leggi e i sistemi possano favorire solo chi ha già il potere.

La trama è sorretta da un cast straordinario, con Milena Smit nei panni della protagonista Perempuán e Hovik Keuchkerian nel ruolo di Zamiatin, entrambi protagonisti di interpretazioni memorabili che riescono a trasmettere con forza le emozioni e i tormenti dei loro personaggi. La loro interazione è il cuore pulsante del film, con Zamiatin che rappresenta la razionalità e il cinismo, mentre Perempuán incarna l’immaginazione e la speranza, un’artista in un mondo che ha perso ogni barlume di umanità. La scena che li vede confrontarsi sulla veridicità del livello 333, il più basso e oscuro della Fossa, è particolarmente significativa: mentre Zamiatin, un matematico, lo considera un’illusione, Perempuán si aggrappa all’immaginario come unica fonte di salvezza in un mondo disumanizzato. Questo contrasto tra razionalità e immaginazione, tra realtà e finzione, diventa il motore che guida il film verso il suo finale ambiguo e aperto, che lascia allo spettatore la libertà di trarre le proprie conclusioni.

La regia di Gaztelu-Urrutia è altrettanto incisiva nel creare un’atmosfera tesa e claustrofobica, che aumenta il senso di oppressione e alienazione. La scelta di ambientare la maggior parte del film nello stesso carcere del primo capitolo è una dichiarazione chiara della volontà di esplorare ulteriormente l’abisso psicologico e sociale in cui sono intrappolati i protagonisti, ma anche una necessità narrativa di approfondire e moltiplicare le domande sul sistema che governa la Fossa.

Uno degli aspetti più affascinanti di “Il Buco 2” è il modo in cui il film lascia spazio a interpretazioni diverse e a un dibattito sul significato dei suoi temi. Come sottolinea lo stesso regista, il finale non è dato da una verità assoluta, ma da un’apertura verso il pensiero e la riflessione individuale. La domanda non è tanto cosa è giusto, ma cosa faresti tu in una situazione come quella?

Il film, purtroppo, potrebbe non essere adatto a chi cerca una trama lineare o rassicurante. La sua potenza risiede proprio nell’ambiguità, nel non dare risposte facili, nel costringere lo spettatore a confrontarsi con le proprie convinzioni, con le proprie paure e con le proprie speranze. “Il Buco 2” è un film che lascia il segno, che non solo intrattiene, ma invita a un’introspezione profonda. Il Buco – Capitolo 2 non è solo un sequel, ma un’evoluzione di un’idea che ha il coraggio di mettere in discussione le strutture sociali e psicologiche dell’uomo. È un film che spinge i limiti del genere horror per esplorare territori molto più vasti e inquietanti. Con un cast straordinario, una regia impeccabile e un messaggio profondo, questo sequel non solo soddisfa le aspettative, ma le supera, offrendo un’esperienza cinematografica che rimarrà a lungo nella mente e nel cuore di chi avrà il coraggio di affrontarlo.

Books + Comics

The Grocery: Un Fumetto Crudo e Profondo che Racconta la Sopravvivenza nella Violenza Urbana

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Nel mondo del fumetto contemporaneo, poche opere riescono a colpire con la stessa intensità emotiva e narrativa di “The Grocery”, scritto da Aurélien Ducoudray e disegnato da Guillaume Singelin. Questo fumetto non è solo un racconto di violenza e sopravvivenza, ma un profondo affresco sulla disuguaglianza sociale, sulla corruzione e sulla lotta per la dignità. Con un mix di cinismo e realismo, “The Grocery” riesce a toccare corde sensibili e a trasportare il lettore in una realtà cruda e inquietante, dove l’innocenza si scontra con la brutalità della vita quotidiana.

La storia, ambientata a Baltimora, ruota attorno a un piccolo negozio di alimentari gestito dal padre di Elliott, un ragazzo appena trasferito nel quartiere. Quello che inizialmente sembra essere un semplice negozio di quartiere si rivela essere il punto nevralgico di un intreccio di eventi che coinvolgono bande di giovani e criminali spietati. Ma il cuore pulsante della trama è un uomo che, sopravvissuto miracolosamente alla sedia elettrica, intravede nella città un’opportunità di riscatto e potere. A poco a poco, i ragazzini del quartiere diventano pedine inconsapevoli in un gioco molto più grande di loro. Allo stesso tempo, un veterano della guerra torna a casa, solo per scoprire che il suo paese, la sua società, non sono più quelli che conosceva.

Il fumetto si distingue per il suo approccio narrativo tagliente e senza sconti. Ducoudray costruisce una trama complessa e stratificata, dove la violenza e la corruzione sono al centro della vita dei protagonisti. Non è solo un’analisi delle difficoltà quotidiane, ma anche una critica severa a una società che ha dimenticato i suoi emarginati, abbandonando intere generazioni al loro destino. La città di Baltimora non è semplicemente un luogo fisico: è un personaggio in sé, un’entità che respira e agisce attraverso i suoi abitanti, costretti a lottare per la sopravvivenza, ma anche per non perdere la propria umanità.

I disegni di Guillaume Singelin giocano un ruolo fondamentale nel conferire al fumetto la sua forza visiva e emotiva. Il suo stile, apparentemente semplice e quasi cartoonesco, crea un contrasto potente con la durezza della storia. I personaggi, dalle linee esagerate e stilizzate, sembrano usciti da un mondo infantile, ma le loro vite sono segnate da drammi profondi. Questo contrasto tra la forma leggera e i contenuti pesanti amplifica il senso di disorientamento e ingiustizia che permea la narrazione. È un’arte che non solo racconta, ma esprime visivamente la tensione tra il mondo dell’infanzia e quello della realtà violenta e corrotta.

“The Grocery” non è solo una riflessione sulla violenza e la corruzione, ma anche una denuncia sociale. Le storie dei personaggi si intrecciano in un affresco corale che tocca temi universali: la disuguaglianza sociale, la brutalità della guerra, la corruzione politica e il declino morale di una società che sembra incapace di reagire. Nonostante la disperazione che permea la storia, c’è anche un barlume di speranza: i protagonisti, pur soffrendo e lottando, cercano una via d’uscita, una possibilità di riscatto. È questa speranza che rende “The Grocery” un’opera incredibilmente umana, capace di parlare non solo di dolore, ma anche di resilienza.

La pubblicazione di “The Grocery” in Italia è un evento importante, e l’introduzione della collana “Cherry Bomb”, curata da Zerocalcare, ha il merito di portare al pubblico italiano opere di grande qualità, che altrimenti potrebbero restare sconosciute. Zerocalcare ha scelto con grande attenzione i titoli da includere in questa collana, e “The Grocery” rappresenta perfettamente la sua visione editoriale: un fumetto che non ha paura di esplorare i temi più difficili, ma che riesce comunque a mantenere una forte carica emotiva e una sincera umanità. “The Grocery” è dunque un’opera che ogni appassionato di fumetti dovrebbe leggere. La sua forza narrativa, la profondità dei suoi personaggi e l’efficacia dei disegni lo rendono un esempio straordinario di come il fumetto possa raccontare la realtà con una sincerità brutale, ma anche con una luce di speranza. Un fumetto che non ha paura di parlare della violenza, ma che sa anche come darle un contesto umano e universale, facendo di “The Grocery” una delle opere più significative

Cinema & Tv

Jackpot!: Un delirio comico tra capitalismo e sopravvivenza

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Siete pronti a scommettere la vostra vita per un jackpot milionario? In Jackpot!, l’ultimo film di Paul Feig, la sopravvivenza ha un prezzo molto alto. Awkwafina e John Cena formano un duo esplosivo in questa folle corsa per la sopravvivenza, dove il capitalismo spinge le persone ai limiti estremi.

La trama

In un futuro non troppo lontano, dove l’inflazione è alle stelle e la disuguaglianza sociale è dilagante, una lotteria mortale viene organizzata: chi vince il jackpot deve sopravvivere fino al tramonto, mentre tutti gli altri possono cercare di eliminarlo per intascare il premio. Katie (Awkwafina), un’attrice in difficoltà, si ritrova inaspettatamente a giocare per la sua vita, protetta dal burbero ma gentile Noel (John Cena).

Un’analisi critica

Jackpot! è molto più di un semplice film d’azione. La pellicola di Paul Feig è una satira sociale che mette in discussione i valori del capitalismo e le conseguenze della sete di potere e di ricchezza. Il confronto tra la protagonista, simbolo della speranza e della rinascita, e i villain, incarnazione della corruzione e dell’avidità, è al centro della narrazione.

Cosa funziona

  • Il duo comico: Awkwafina e John Cena formano una coppia esplosiva, con una chimica che funziona alla perfezione.
  • L’azione: Le sequenze d’azione sono ben coreografate e tengono lo spettatore con il fiato sospeso.
  • La satira sociale: Il film non ha paura di affrontare temi importanti come la disuguaglianza sociale e la corruzione.

Cosa si può migliorare

  • L’originalità: Alcuni elementi della trama potrebbero risultare già visti in altri film.
  • La profondità dei personaggi: Alcuni personaggi secondari potrebbero essere sviluppati in modo più approfondito.

Conclusione

Jackpot! è un film divertente e intelligente che riesce a intrattenere e a far riflettere allo stesso tempo. Nonostante qualche piccola pecca, è un’opera che merita di essere vista, soprattutto per gli appassionati di cinema d’azione e di commedie.

Cinema & Tv

Arcadian: Tra le tenebre della sopravvivenza, un’alba di speranza

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Nel tetro abbraccio di un futuro devastato, la luce della famiglia illumina il cammino verso la speranza.

Arcadian, nuova perla del cinema post-apocalittico, approda su Prime Video, catapultandoci in un mondo distrutto dove la notte regna sovrana e creature mostruose bramano l’oscurità.

Un padre, Paul (Nicolas Cage), e i suoi due figli, Joseph e Thomas (Jaeden Martell e Maxwell Jenkins), combattono strenuamente per sopravvivere in una realtà frammentata, dove la luce del giorno è l’unico baluardo contro le insidie della notte. Barricati nella loro fattoria fortificata, attendono l’alba con trepidazione, consapevoli che il calar del sole segna l’inizio di un incubo senza fine.

Un giorno, l’amore sbocciato tra Thomas e Rose (Sadie Soverall), una ragazza che vive in una fattoria vicina, li spinge a sfidare le regole della sopravvivenza. Un atto di temeraria imprudenza che sconvolge l’equilibrio precario della loro esistenza e li costringe ad affrontare un pericolo mortale.

Tra le rovine di un mondo collassato, Arcadian narra una storia di coraggio, sacrificio e amore fraterno. Un viaggio emozionante che esplora le profondità dell’animo umano, mostrando come la forza dello spirito possa trionfare anche nelle circostanze più avverse.

Nicolas Cage, lontano dai suoi eccessi recitativi, offre una performance intensa e misurata, confermando il suo talento versatile. Al suo fianco, un cast di giovani interpreti, tra cui spiccano Jaeden Martell e Maxwell Jenkins, regala interpretazioni convincenti e piene di pathos.

La regia di Benjamin Brewer, già collaboratore di Cage in I corrotti – The Trust, si distingue per la sua solidità e per la capacità di creare un’atmosfera opprimente e ricca di suspense.** Gli effetti speciali, seppur non esorbitanti, risultano efficaci e contribuiscono a rendere l’ambientazione post-apocalittica ancora più immersiva.

Nonostante una sceneggiatura che poteva essere perfezionata in alcuni punti, Arcadian conquista con la sua messa in scena coinvolgente e con la sua capacità di esplorare temi profondi con genuinità. Un film che si inserisce con personalità nel panorama del genere post-apocalittico, regalando emozioni autentiche e momenti di tensione adrenalinica.

Amanti del brivido e delle storie commoventi, preparatevi a immergervi nell’oscurità di Arcadian e a scoprire la luce che brilla nel cuore dell’umanità. Un viaggio emozionante che vi terrà con il fiato sospeso fino all’ultimo fotogramma.

Approfondimenti, AULAMANGA, Books + Comics, Cinema & Tv

Dr. Stone: un’avventura scientifica tra preistoria e futuro

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Un anime che unisce scienza, avventura e umorismo per un viaggio indimenticabile all’alba della civiltà.

Dr. Stone, tratto dall’omonimo manga di Boichi e Riichiro Inagaki, è uno degli anime più amati e famosi degli ultimi anni. Disponibile su Netflix, la serie ci catapulta in un mondo post-apocalittico dove la scienza diventa la chiave per la sopravvivenza e la ricostruzione della civiltà.

Un cataclisma globale e un risveglio inaspettato

Tutto ha inizio quando un misterioso evento pietrifica l’intera umanità. Millenni dopo, Senku Ishigami, un ragazzo dal genio scientifico eccezionale, si risveglia dal suo stato di statua di pietra. Determinato a riportare in vita l’umanità e a ricostruire la civiltà, Senku intraprende un’avventura epica insieme al suo fedele amico Taiju Okawa.

Dalla preistoria all’era spaziale: la scienza come arma di sopravvivenza

Privi di tecnologie moderne, Senku e i suoi compagni dovranno ingegnarsi per sopravvivere in un mondo selvaggio e ostile. Grazie alla sua conoscenza scientifica e al suo ingegno, Senku riuscirà a creare oggetti e strumenti sempre più complessi, partendo da zero. Dalla costruzione di fuochi e ripari di fortuna alla produzione di medicinali e armi, Senku dimostrerà che la scienza è la chiave per superare qualsiasi ostacolo.

Un cast di personaggi indimenticabili

Dr. Stone non è solo un’avventura scientifica, ma anche un racconto ricco di personaggi memorabili. Oltre a Senku e Taiju, incontreremo una serie di individui unici e variegati, ognuno con le proprie abilità e personalità. C’è Chrome, un ragazzo dotato di una memoria prodigiosa; Kohaku, una guerriera abile e coraggiosa; e Tsukasa Shishio, un leader carismatico ma spietato.

Un’opera che insegna e diverte

Dr. Stone è un anime che non solo intrattiene, ma anche insegna. Attraverso le avventure di Senku e dei suoi compagni, impariamo nozioni di fisica, chimica, biologia e ingegneria in modo semplice e divertente. La serie ci mostra come la scienza possa essere uno strumento potente per risolvere problemi e migliorare la nostra vita.

Un’animazione coinvolgente e una colonna sonora epica

Dr. Stone è realizzato dallo studio TMS Entertainment, noto per anime di successo come Detective Conan e Lupin III. L’animazione è di alta qualità e contribuisce a rendere l’esperienza visiva ancora più coinvolgente. La colonna sonora, composta da Yuki Kajiura, è epica e sottolinea perfettamente le emozioni e l’azione della serie.

Dr. Stone: un anime imperdibile per gli amanti della scienza, dell’avventura e del divertimento.