La notizia della scomparsa di Enrico Valenti, fondatore del mitico Gruppo 80 e creatore di Uan, Five, Four e tanti altri indimenticabili pupazzi della tv anni ’80 e ’90, è un colpo al cuore per tutti noi cresciuti a pane e Bim Bum Bam. È come se un pezzo della nostra infanzia si fosse spento, lasciandoci però un’eredità incalcolabile di sogni, risate e pomeriggi trascorsi davanti alla televisione, rapiti da quel mondo di gommapiuma, stoffa e magia. Enrico Valenti nasce a Milano nel 1954 e si forma nel teatro di figura, il mondo dell’animazione di pupazzi, ben lontano da quello dei cartoni animati. Il teatro Buratto, con spettacoli come Cipì, L’arca di Braccio di Ferro, Il Granbuffone, fu il suo primo palcoscenico. Ma Valenti non si fermò alle scene teatrali: il suo talento visionario lo portò presto a esplorare le potenzialità della televisione, un medium allora in piena espansione.
Nel 1980 fonda il Gruppo 80 insieme a Kitty Perria. Quella compagnia di animazione diventò un laboratorio magico, un luogo in cui la gommapiuma prendeva forma, gli occhi finti brillavano di vera vita e le voci si trasformavano in anime capaci di entrare nel cuore di milioni di bambini. Da quel laboratorio, fra l’odore della colla e il fruscio delle stoffe, nacquero personaggi iconici: Five, la mascotte di Canale 5; Four per Rete 4; Vitamina per Caffelatte; Frittella e MicMac per Italia 7; e ovviamente lui, l’intramontabile Uan, il cane rosa mascotte di Italia 1, protagonista assoluto di Bim Bum Bam.
La storia della creazione di Uan sembra uscita da un film: durante una cena fra amici, un consiglio buttato lì – “perché non fate un cane?” – e in laboratorio, per caso, un rotolo di peluche rosa avanzato. Nessuno avrebbe immaginato che quel colore “provvisorio” sarebbe diventato definitivo, e che proprio quell’esperimento avrebbe conquistato i bambini di tutta Italia, superando ogni aspettativa.
Uan non era solo un pupazzo. Era uno di noi. Un amico che faceva battute, sbuffava, si arrabbiava, giocava e a volte si commuoveva. E dietro quella vitalità c’erano le mani, la voce e l’intelligenza artistica di Enrico Valenti e del suo team. Valenti amava lavorare dietro le quinte, senza protagonismi, ma il suo genio traspariva da ogni movimento, da ogni sorriso strappato a chi lo guardava. Il successo travolgente di Bim Bum Bam non fu solo il risultato di un fortunato incastro televisivo, ma di una totale libertà creativa: Valenti e i suoi collaboratori avevano carta bianca, potevano sperimentare, inventare, creare un linguaggio nuovo per la tv dei ragazzi.
Nonostante gli anni d’oro, Valenti era un uomo lucido, consapevole della natura effimera del successo televisivo. Non si faceva illusioni sul mondo dello spettacolo, sapeva che la riconoscenza era merce rara e che i riflettori prima o poi si spengono. Ma non ha mai smesso di amare il suo lavoro. Anche quando il Gruppo 80 si è sciolto e Bim Bum Bam ha chiuso i battenti, lui ha continuato a creare, a costruire pupazzi per collezionisti, a fare consulenze, a trasmettere il mestiere.
Negli ultimi anni, Valenti aveva assistito con sorpresa e commozione al revival nostalgico degli anni ’80 e ’90. I bambini cresciuti, ormai adulti, tornavano a parlare di Uan, di Five, di quei pomeriggi passati a ridere con Bonolis, Licia Colò, Manuela Blanchard, Carlo Sacchetti, Debora Magnaghi, e naturalmente Cristina D’Avena. Valenti, abituato a stare dietro le quinte, si era ritrovato suo malgrado di nuovo al centro dell’attenzione, ma sempre con quella modestia e quell’orgoglio un po’ schivo che lo contraddistingueva.
Quello che rende immortale l’eredità di Enrico Valenti non è solo la fattura tecnica dei suoi pupazzi, ma il cuore che ci ha messo. Non c’era solo il divertimento, ma anche una visione: l’idea che i bambini meritassero uno spazio fatto di leggerezza, ironia, complicità. Un luogo dove rifugiarsi per mezz’ora al giorno e dimenticare i compiti, le piccole ansie quotidiane, le regole dei grandi.
Sapere che oggi, nelle teche del Castello dei Burattini di Parma, sopravvivono alcuni di quei pupazzi – non gli originali primissimi, certo, ma fratelli di gommapiuma di quelli visti in tv – ci ricorda quanto il lavoro di Valenti sia diventato parte della nostra memoria collettiva. Non è solo nostalgia. È riconoscenza.
Enrico Valenti ci lascia a 71 anni, ma ci lascia circondati da amici colorati che hanno reso più bello crescere. E adesso, mentre immaginiamo Uan che lassù fa battute al suo creatore, un po’ ci viene da sorridere, anche se con le lacrime agli occhi.
Ciao Enrico, e grazie. Grazie per averci insegnato che la magia esiste, e a volte ha le orecchie flosce, il pelo rosa e un sorriso birichino.
Se anche voi avete amato Uan e i personaggi del Gruppo 80, raccontateci i vostri ricordi nei commenti qui sotto o condividete questo tributo sui vostri social. Facciamo in modo che l’eredità di Enrico Valenti continui a vivere, anche solo con una risata, un “ciao Uan!” o un abbraccio nostalgico ai pomeriggi passati davanti alla tv.
Lady Oscar è uno degli anime più amati di sempre nel nostro bel Paese, se non il più amato, senz’altro come repliche. Cosa si può dire ancora che non si sappia già di quella che è forse la protagonista più famosa degli anime di sempre, amata anche dai non otaku, tanto che ogni anno dal 12 al 14 luglio sui social ci si scatena con hastags per ricordare il suo grande amore per André finalmente realizzato e la tragica morte di entrambi?
Le rose di Versailles, il manga che ha ispirato l’anime, realizzato da Riyoko Ikeda a partire dal 1972, è considerato ancora oggi un classico del genere, da leggere e rileggere, capace davvero di forgiare l’immaginario e di essere coraggioso, proponendo un personaggio di eroina fuori dagli schemi, che ha fatto scuola, al centro di una storia d’amore veramente struggente, che fece scalpore nel Paese del Sol levante perché per la prima volta in un shojo si vedevano i due protagonisti fare l’amore, consumazione commovente di un sentimento purtroppo destinato a finire troppo presto.
Lady Oscar anime, diretto prima da Tadao Nagahama e Osamu Dezaki, nonostante la cura estrema con cui fu realizzato e che lo rende ancora oggi memorabile, non fu assolutamente un successo in Giappone, tanto che gli iniziali 52 episodi previsti furono ridotti a 40. Solo nel 1986, sette anni dopo la prima, sfortunata messa in onda, la serie fu riproposta sull’onda del successo ottenuto dal disegnatore Shingo Araki per I cavalieri dello zodiaco, trovando allora un suo posto nel fandom nipponico, a cui sono seguite pubblicazioni di art book e della splendida colonna sonora fino ad oggi, in attesa di un più volte annunciato remake animato per ora fermo.
In Italia è ancora oggi uno dei grandi successi degli anime di sempre, ancora celebrata da cosplayer, autori di fanfiction, fanart, gruppi sui social e eventi, e il manga è uscito in più edizioni a partire dagli anni Ottanta. Il tutto senza contare il rock drama realizzato da Andrea Palotto e lo spettacolo teatrale e il fan film de I Giocolieri delle Stelle, altri tributi davvero ad una storia che non smette mai di stancare.
Una storia comunque coraggiosa, politicamente scorretta in un momento in cui si vuole censurare tutto quello che fa emozionare in nome di non voler offendere nessuno, capace di parlare di morte, amore, libertà, giustizia, passioni totalizzanti (come dimenticare la famosa e conturbante dichiarazione d’amore di André ad Oscar?) rinunciando al lieto fine, anzi lasciando nella disperazione gli appassionati con uno dei più tragici anche se catartici finali di sempre, ma lasciando dentro non poco, anche a chi oggi a distanza di decenni lo ricorda come uno dei punti fermi della sua infanzia e adolescenza, un classico da rivedere e rileggere sempre.
C’è qualcosa nell’aria. E no, non è solo il profumo di pop-corn nei multisala o l’eco dei ruggiti preistorici di qualche T-Rex hollywoodiano. È una vibrazione strana, misteriosa, che arriva dal deserto del Nevada e si insinua tra le pieghe della cultura pop e dei nostri sogni più paranormali. L’Area 51 sta per tornare sotto i riflettori, e questa volta lo farà con il botto, grazie a una nuova pellicola in lavorazione che promette di mischiare giornalismo d’inchiesta, atmosfere anni Ottanta e il fascino intramontabile delle cospirazioni aliene.
A prendere le redini di questo nuovo progetto è Colin Trevorrow, regista e produttore che ha già dimostrato di saper maneggiare con disinvoltura miti cinematografici di proporzioni giurassiche. Dopo aver dato nuova linfa vitale alla saga di Jurassic World, Trevorrow ha deciso di lanciarsi in un’avventura completamente diversa ma altrettanto densa di mistero e suggestione: un thriller ambientato nell’iconico e impenetrabile scenario dell’Area 51, prodotto in collaborazione con la casa di produzione di Ryan Reynolds, Maximum Effort, e distribuito da Paramount Pictures.
Un viaggio nei misteri del deserto del Nevada
Secondo quanto riportato da Deadline, il film sarà ambientato alla fine degli anni Ottanta e seguirà le vicende di un giornalista di Las Vegas che, in un’epoca dominata da fax, segreterie telefoniche e soprabiti in pelle, riesce a far emergere per primo la storia – o meglio, la leggenda – dell’Area 51. Un’impresa che, all’epoca, significava toccare con mano uno dei tabù più assoluti della difesa americana. Una sorta di Indiana Jones dell’ufologia, insomma, in una corsa contro il tempo tra documenti top secret, avvistamenti sospetti e magari, chissà, anche qualche incontro ravvicinato del terzo tipo.
Non si conoscono ancora dettagli sul cast, né tantomeno un titolo ufficiale o una data di uscita. Ma una cosa è certa: alla sceneggiatura ci stanno lavorando Thomas e William Wheeler, una coppia di autori con la penna affilata e la mente aperta alle suggestioni più audaci. La loro sfida sarà quella di ricreare il clima paranoico e affascinante dell’epoca, tra Guerra Fredda e cultura pop, unendo i puntini tra realtà storica, segreti militari e mito collettivo.
Area 51: tra mito, segreti e cultura nerd
Ma perché l’Area 51 continua ad esercitare su di noi un fascino così potente? Situata nel cuore desertico del Nevada, a circa 150 km a nord-ovest di Las Vegas, questa base militare è stata per decenni il simbolo per eccellenza del mistero a stelle e strisce. Ufficialmente nota come Nevada Test Site – 51 e parte integrante del complesso della Nellis Air Force Base, l’Area 51 nasce in piena Guerra Fredda come centro per il collaudo di velivoli sperimentali.
Eppure, ciò che l’ha resa una leggenda vivente sono proprio le ombre che la circondano. Nonostante l’ammissione ufficiale della sua esistenza sia arrivata solo in tempi recenti, da decenni l’Area 51 è al centro di una miriade di teorie del complotto. Si parla di alieni, di navicelle spaziali recuperate (ciao, Roswell!), di tecnologie sconosciute e perfino di viaggi nel tempo. Nomi in codice come “Dreamland”, “Paradise Ranch”, “Watertown Strip” e “Homey Airport” aggiungono quel tocco da spy story alla John le Carré, mentre il famigerato spazio aereo proibito denominato “The Box” ha alimentato ancora di più il senso di inaccessibilità e mistero.
Nel 2009, alcune dichiarazioni rilasciate da ex funzionari autorizzati hanno gettato un po’ di luce su ciò che realmente accadeva (e forse accade ancora) tra le sabbie del Groom Lake: test di jet militari avanzatissimi, esperimenti ad alta segretezza, moduli lunari e sviluppi tecnologici che sembrano usciti da un romanzo di Philip K. Dick. Ma si sa, ogni verità svelata non fa che generare nuove domande. E nuove storie.
Un ritorno all’epoca d’oro delle cospirazioni
Il progetto di Trevorrow arriva in un momento perfetto per tutti noi appassionati di fantascienza, cospirazioni e cultura nerd. L’aria è satura di nostalgia anni ’80 e ’90, tra reboot di The X-Files (con tanto di coinvolgimento di Gillian Anderson e Ryan Coogler) e una generale riscoperta di tutto ciò che è “weird”. Il thriller sull’Area 51 si preannuncia quindi come un perfetto omaggio a quell’epoca, ma anche come un modo per riflettere – in chiave spettacolare – su quanto sia sottile il confine tra verità e leggenda.
Cosa ci aspetta dunque in questo nuovo viaggio cinematografico? Sicuramente una buona dose di tensione, atmosfere retrò, misteri irrisolti e, si spera, un pizzico di quel fascino alieno che ha reso l’Area 51 una delle icone più potenti dell’immaginario collettivo. Il binomio Trevorrow-Reynolds potrebbe rivelarsi una vera bomba, capace di mescolare il gusto per l’azione con un’ironia intelligente e sottile, perfetta per parlare di cospirazioni con il sorriso sulle labbra… e lo sguardo rivolto al cielo.
E voi? Siete pronti a riaprire i dossier segreti dell’Area 51 e a tuffarvi in questa nuova avventura cinematografica? Credete davvero che “loro” siano già tra noi? Raccontatecelo nei commenti qui sotto, condividete questo articolo sui vostri social e preparatevi: la verità potrebbe essere molto, molto più vicina di quanto pensiate.
Il 17 e 18 maggio 2025, Roma ospiterà uno degli eventi più attesi per gli appassionati di collezionismo vintage: la Fiera del Giocattolo Vintage, meglio conosciuta come Toy Lab. Questo evento straordinario, che si terrà al Mercatino di Conca d’Oro, si preannuncia come un’occasione imperdibile per tutti coloro che sono appassionati del mondo dei giocattoli d’epoca, del modellismo, dei retro games e di molto altro. Con ingresso gratuito e orario continuato dalle 9:00 alle 19:30, la fiera offre un’opportunità unica di tuffarsi in un viaggio nostalgico tra pezzi da collezione, oggetti rarissimi e tesori nascosti, che promettono di far battere il cuore di ogni appassionato.
Negli ultimi anni, il collezionismo di giocattoli vintage ha conosciuto una vera e propria impennata. Sempre più adulti, che magari avevano messo da parte la loro passione per i giocattoli dell’infanzia, hanno riscoperto la bellezza di questi oggetti, spesso legati a ricordi speciali. Il fascino di collezionare giochi che un tempo erano compagni di giochi o simboli di momenti felici è ormai diventato un fenomeno che abbraccia diverse generazioni. Non si tratta solo di nostalgia, ma di un profondo apprezzamento per il valore storico e culturale di questi oggetti, che raccontano la storia di un’epoca, dei suoi cambiamenti sociali e delle evoluzioni tecnologiche e artistiche. E quale migliore occasione di un evento come Toy Lab per esplorare questo mondo affascinante?
Durante la fiera, sarà possibile scoprire una vasta gamma di giocattoli d’epoca che hanno segnato la crescita di intere generazioni. Tra i pezzi più ricercati ci saranno modellini di automobili, trenini elettrici, bambole, action figures e robot, ma anche giochi iconici come i Playmobil, i Lego e le console retro. Il periodo d’oro del collezionismo vintage, compreso tra gli anni ’50 e ’80, sarà rappresentato con una selezione di pezzi esclusivi che ci riportano ai decenni in cui il mondo dei giocattoli esplose, spinto dall’influenza crescente dei media, come la televisione e il cinema. Non mancheranno, inoltre, pezzi provenienti dal Giappone e dagli Stati Uniti, autentici oggetti da collezione che ogni appassionato sogna di avere nella propria raccolta.
Ma Toy Lab non è solo un’opportunità per ammirare questi straordinari giocattoli; è anche un’occasione unica per fare affari. I collezionisti, soprattutto quelli più esperti, sanno quanto sia difficile trovare oggetti rari o pezzi particolarmente introvabili. Tuttavia, grazie alla presenza di numerosi espositori e collezionisti privati, sarà possibile esplorare una varietà di articoli che spaziano dai più comuni ai più rari, difficili da reperire anche nei mercatini delle pulci o sui negozi online. Ogni collezionista sa che la ricerca è una delle fasi più affascinanti di questo hobby, e trovare finalmente un pezzo tanto desiderato è una soddisfazione senza pari.
Inoltre, Toy Lab rappresenta molto più di un semplice mercato: è un vero e proprio laboratorio della memoria, dove ogni giocattolo racconta una storia e conserva un valore che va oltre il suo aspetto materiale. Questi oggetti sono testimonianze di un passato che, seppur lontano nel tempo, merita di essere preservato e tramandato. Il collezionismo di giocattoli vintage, infatti, non è solo una questione di accumulare oggetti, ma di conservare la memoria storica di un’intera epoca. Ogni giocattolo che abbiamo avuto, ogni oggetto che collezioniamo, è una parte del nostro patrimonio culturale e sociale. Toy Lab offre l’opportunità di guardare con occhi nuovi a questi tesori, facendo in modo che anche le future generazioni possano apprezzarli.
Se siete appassionati di modellismo, retro gaming, bambole, treni elettrici o semplicemente vi piacciono i giochi da tavolo vintage, Toy Lab è l’evento che fa per voi. Grazie all’ingresso gratuito, sarà un’occasione imperdibile per trascorrere una giornata immersi nel mondo del giocattolo vintage, esplorando gli affascinanti stand, scoprendo pezzi unici e incontrando altri appassionati che, come voi, vivono questa passione in modo coinvolgente.
L’appuntamento del 17 e 18 maggio 2025 è quindi un’occasione davvero unica per riscoprire la magia dei giocattoli d’epoca e per fare un vero e proprio viaggio nel passato. La fiera non è solo un’occasione per aggiungere un nuovo pezzo alla propria collezione, ma anche un modo per rivivere i ricordi della propria infanzia, confrontarsi con altri appassionati e apprezzare l’incredibile evoluzione del mondo del giocattolo attraverso gli anni. Se anche voi siete tra coloro che amano collezionare oggetti dal valore storico, Toy Lab al Mercatino di Conca d’Oro di Roma è un evento che non potete assolutamente perdere.
Immaginate di fare un salto nel passato, non solo nel tempo ma anche nell’immaginario di una generazione che ha vissuto l’apice degli anni ’80. Siamo a Brindisi, in Puglia, dove il Caffè 80 ha trasformato una semplice attività in un omaggio straordinario al film cult “Ritorno al Futuro”. Questo bar, incastonato tra Brindisi e Lecce, è un vero e proprio tempio della nostalgia, dove ogni angolo racconta la storia di Marty McFly, Doc Brown e delle loro incredibili avventure temporali.Federica Fanciullo, la giovane proprietaria, ha fatto del suo locale un angolo dedicato a una delle pellicole più amate di tutti i tempi, creando un ambiente che non è solo un bar, ma un vero e proprio museo. La passione per “Ritorno al Futuro” le è stata trasmessa dal padre sin da bambina, e oggi questa eredità è diventata il cuore pulsante del suo progetto. Gli avventori che varcano la porta del Caffè 80 non si trovano solo davanti a un caffè, ma si immergono in un viaggio sensoriale che li porta direttamente nel 1985, l’anno in cui il film fece il suo ingresso trionfale nei cinema.
Nel locale, ogni dettaglio è pensato per far rivivere l’atmosfera unica del film. Tra oggetti da collezione, memorabilia e riferimenti visivi sparsi in ogni angolo, si può ammirare una riproduzione fedele della Torre dell’Orologio, l’oggetto simbolo delle avventure di Marty. Ma il vero gioiello del bar è la DeLorean, l’iconica macchina del tempo utilizzata dai protagonisti, che non manca di incantare chiunque la veda. La DeLorean è custodita gelosamente nel garage adiacente al bar, ed è un vero e proprio pezzo da collezione per gli appassionati. L’auto, mantenuta in perfette condizioni, permette ai visitatori di vivere un’esperienza da “viaggiatori nel tempo”, almeno per qualche minuto, con tanto di foto ricordo.
Federica ha deciso di trasformare il suo bar in un punto di riferimento per tutti i fan del film.
“Ci chiamavano Caffè 80 e avevamo la DeLorean, così ho avuto un’idea lampo, proprio come ‘Doc’ nel film, e ho deciso di rivoluzionare il bar… Abbiamo cominciato a esporre tutta l’oggettistica per sognare ancora, l’unica cosa che sembra essere rimasta gratis…”.
Il Caffè 80 è un vero e proprio rifugio per chiunque abbia un legame con la cultura degli anni ’80 e con il film che ha segnato un’intera generazione. Da action figures a t-shirt, passando per portachiavi e gadgets a tema, il bar è una vera e propria miniera di oggetti che evocano ricordi e citazioni indimenticabili. “Grande Giove!” è solo uno degli slogan che riecheggiano tra i tavoli, e non mancano i clienti che, magari sorseggiando un cappuccino, si lasciano andare a battute come quelle che i protagonisti del film ripetevano a memoria. Federica, con un entusiasmo contagioso, continua a portare avanti la tradizione, affermando che il bar non è solo un modo per celebrare il film, ma anche un luogo dove i fan possono vivere la loro passione in modo tangibile. Non solo un bar, dunque, ma una vera e propria macchina del tempo, che, pur senza il flusso canalizzatore, riesce a far rivivere l’emozione di un’epoca d’oro del cinema. Il Caffè 80 è il posto perfetto per chi desidera scoprire o riscoprire la magia di “Ritorno al Futuro”, un viaggio nel passato che non ha bisogno di una DeLorean per essere vissuto.
The Luckiest Man in America, uscito nelle sale americane il 4 aprile 2025, è un thriller che non si limita a raccontare una storia di inganno e fortuna, ma offre un’analisi profonda dell’ambizione, della disperazione e delle scelte che definiscono la vita di un uomo. Diretto da Samir Oliveros, noto per il suo lavoro su Bad Lucky Goat, il film è basato su eventi reali e si immerge nel clamoroso scandalo che ha sconvolto l’America negli anni ‘80, quando Michael Larson, un uomo apparentemente ordinario, ha sfidato le regole del famoso game show Press Your Luck. La trama segue Michael Larson (interpretato da Paul Walter Hauser), un camionista disoccupato e venditore di gelati che, grazie alla sua incredibile capacità di memorizzare e prevedere le sequenze del quiz, riesce a vincere milioni di dollari nel programma televisivo. Ma ciò che all’inizio sembra un colpo di fortuna incredibile si trasforma rapidamente in un dramma, quando i produttori del programma cominciano a sospettare che qualcosa non vada. La crescente tensione che ne scaturisce e la caccia all’uomo che si sviluppa dietro le quinte creano una narrazione ad alta suspense, alimentata da un protagonista che non è solo un truffatore, ma un uomo in cerca di una redenzione impossibile.
La performance di Paul Walter Hauser è, senza dubbio, il cuore pulsante del film. Conosciuto per i suoi ruoli in I, Tonya e Richard Jewell, Hauser dà vita a un Michael complesso e sfaccettato, capace di alternare momenti di estrema vulnerabilità a una determinazione incrollabile. L’interpretazione di Hauser regala al film una carica emotiva che, anche quando la trama si tuffa nei più familiari tropi della storia del perdente che ce la fa, riesce a mantenere l’interesse del pubblico.
Samir Oliveros, con la sua regia, è abile nel creare una tensione palpabile che si costruisce gradualmente. Il film, purtroppo, non è immune da alcuni cliché legati alla figura dell’eroe che sfida il sistema, ma la combinazione di suspense e umorismo nero riesce a darne una sfumatura originale. In particolare, l’intreccio tra il lato oscuro del sogno americano e la miseria quotidiana di Michael è raccontato con una sorta di ironia che, pur non dissipando mai la drammaticità della situazione, rende il film accessibile a una vasta gamma di spettatori.
Ciò che distingue The Luckiest Man in America da altri thriller del genere è il modo in cui la storia, pur attingendo a temi ben noti, non si limita a raccontare la scalata di un uomo ai vertici del successo, ma esplora anche la sua discesa nella paranoia e nell’auto-distruzione. Il film riesce a farci riflettere sul prezzo della fortuna e su quanto sia effimera la realizzazione dei sogni, soprattutto quando si affrontano le regole di un sistema che non perdona.
Il cast di supporto, composto da nomi come Walton Goggins, David Strathairn, Maisie Williams e Shamier Anderson, aggiunge profondità e varietà alla narrazione. Ogni personaggio, dal produttore Peter Tomarken (interpretato da Goggins) al misterioso Chuck (Shamier Anderson), arricchisce il racconto di sfumature e conflitti, creando un contrasto interessante con il protagonista. La recitazione di Maisie Williams, che interpreta Sylvia, la figura enigmatica che si lega a Michael, è particolarmente notevole, seppur il suo ruolo possa sembrare un po’ marginale rispetto agli altri.
Un altro aspetto interessante del film è la sua ambientazione negli anni ’80, un periodo in cui i quiz televisivi erano una delle principali forme di intrattenimento e il sogno americano sembrava ancora un obiettivo accessibile a tutti. Oliveros sfrutta questo contesto per unire nostalgia e critica sociale, ma senza mai scadere nel banale. La ricostruzione dell’epoca, con il suo stile visivo e la colonna sonora, aiuta a immergere lo spettatore in un’epoca che, pur distante nel tempo, è ancora ricca di fascino e potenziale cinematografico. The Luckiest Man in America è un thriller avvincente che offre molto più di una semplice storia di truffa e fortuna. È una riflessione sul prezzo del successo, sulla pervasiva sensazione che il sistema sia manipolabile da chi ha la giusta astuzia e sul destino di un uomo che tenta di sfidare le leggi della probabilità. Con una regia solida, una sceneggiatura che tiene alta la tensione e un’interpretazione magistrale di Paul Walter Hauser, il film si rivela una scelta obbligata per gli appassionati di thriller psicologici e di storie vere che fanno riflettere. Se cercate un film che mescoli suspense, nostalgia e introspezione, The Luckiest Man in America è la pellicola che fa per voi.
Era il 5 aprile 1985 quando nei cinema italiani arrivava Ladyhawke, una pellicola destinata a scolpire il proprio posto nel cuore degli appassionati di fantasy. Diretto dal maestro Richard Donner, già celebre per opere come Superman e I Goonies, questo film si distingue per la sua combinazione unica di romanticismo, magia e avventura, incorniciata da un’ambientazione medievale da sogno.
Al centro di Ladyhawke c’è una trama avvincente che intreccia amore, vendetta e redenzione, raccontata attraverso le vicende di un trio di protagonisti straordinario. Rutger Hauer interpreta il carismatico cavaliere Etienne Navarre, Michelle Pfeiffer è la splendida e misteriosa Isabeau d’Anjou, mentre Matthew Broderick porta leggerezza e arguzia nel ruolo del ladruncolo Philippe Gaston, detto “il Topo”.
Il film è stato girato in Italia, sfruttando alcune delle location più suggestive del paese. Tra queste spicca Rocca Calascio, in Abruzzo, un luogo che sembra uscito direttamente da una fiaba. Questa scelta non fu casuale: Richard Donner aveva originariamente pianificato di girare in Cecoslovacchia, ma la burocrazia legata ai permessi lo spinse a optare per il nostro paese. Dopo mesi di ricerche, il regista individuò località come Campo Imperatore, il Castello di Torrechiara e Castel del Monte, perfette per catturare l’essenza magica del medioevo. Curiosamente, nel doppiaggio italiano, la città centrale della vicenda, Aguillon, diventa Aquila, un riferimento diretto alla città abruzzese.
La trama di Ladyhawke è tanto semplice quanto avvincente. Il ladruncolo Philippe Gaston (detto le Rat, il Topo) riesce a fuggire dalle prigioni della fortezza di Aguillon (Aquila, nell’originale) poco prima della sua esecuzione; durante la fuga dalla città rischia di venire nuovamente catturato dalle guardie dello spietato Vescovo ma in suo aiuto accorre l’ex capitano della guardia Etienne Navarre che, battendosi contro i suoi vecchi soldati, lo porta al sicuro. Navarre è sempre accompagnato da un bellissimo falco (che in realtà è una poiana codarossa), al quale è molto legato. L’ex capitano afferma di aver aiutato Philippe a scappare perché lui ha un compito, uccidere il Vescovo e, essendo il Topo l’unico ad essere riuscito a fuggire dalla prigione di Aguillon, è l’unico che lo può condurre in città: Philippe accetta con estrema riluttanza e viene legato da Navarre perché non scappi. Philippe tenta una fuga notturna ma si ritrova davanti un feroce lupo nero che, però, si ammansisce totalmente alla presenza di una splendida giovane donna apparsa dal nulla. Alcune notti dopo, Philippe (legato da Navarre perché non tenti nuovamente la fuga) viene liberato dalla stessa donna e fugge. La mattina successiva, Philippe è nuovamente rintracciato dai soldati del Vescovo ma in suo soccorso giungono nuovamente Navarre e il falco che, nello scontro che ne segue, rimangono feriti. Navarre rimane misteriosamente sconvolto per la sorte del volatile e ordina a Philippe di portarlo presso un monaco di nome Imperius in quanto lui non può farlo. Anche il monaco rimane esterrefatto dalla sorte del falco e si accinge a prestargli tutte le cure possibili; sebbene Imperius abbia ordinato a Philippe di non entrare nella stanza in cui si trova il volatile, il giovane lo fa ma, invece del falco trova la giovane donna che lo aveva salvato, con una freccia conficcata nella spalla, proprio come il falco. Imperius racconta al ragazzo che, all’incirca due anni prima, Isabeau d’Anjou giunse ad Aguillon per via della morte di suo padre e, nonostante molti si fossero innamorati di lei per la sua bellezza, lei ricambiò solo l’amore di Navarre. I due amanti dovettero, però, mantenere segreto il loro sentimento perché anche il Vescovo era innamorato di lei e, data la sua malvagità, non avrebbe mai tollerato l’idea di saperla felice con un altro uomo. I due furono però involontariamente traditi dal loro confessore (lo stesso Imperius) in quanto questi, ubriaco, confessò al Vescovo la loro relazione. Il malvagio prelato, allora, pur di far sì che i due non si potessero amare, stipulò con Satana in persona un patto che avrebbe condannato Isabeau a essere un falco di giorno e Navarre un lupo (lo stesso che aveva visto Philippe) la notte. La mattina dopo, i soldati del Vescovo attaccano le rovine del castello e Philippe aiuta Isabeau a fuggire assistendo di persona alla sua metamorfosi. Navarre giunge in loro soccorso e li salva. Imperius rivela a Philippe e Navarre che ben presto ci sarà l’opportunità di rompere la maledizione e far tornare normali i due innamorati, poiché ci sarà “Una notte senza il giorno e un giorno senza la notte”. Per permettere che la maledizione abbia fine, però, Navarre deve rinunciare al suo desiderio di vendetta sul Vescovo (se uccidesse il prelato la maledizione durerebbe in eterno). Philippe poi segue Navarre ad Aguillon. Si fermano a dormire e, mentre Philippe si stiracchia, arriva in picchiata il falco che anziché poggiarsi sul braccio di Navarre, si posa su quello di Philippe che aveva fatto di tutto per proteggerlo.Dopo tre giorni, il gruppo giunge ad Aguillon e Navarre ordina a Imperius di uccidere il falco se avesse udito le campane della chiesa suonare poiché ciò avrebbe significato il fallimento e l’uccisione di Navarre stesso. Philippe, nel frattempo, giunge in chiesa attraverso le fogne (grazie alle quali era fuggito) per aprire il portone della chiesa e permettere a Navarre di entrare; Philippe ha con sé anche la grande spada a due mani di Navarre, al quale aveva fatto credere di averla persa (e a cui il capitano teneva moltissimo in quanto simbolo del suo casato e strumento col quale avrebbe ucciso il Vescovo), per farlo desistere dal suo piano di omicidio. Navarre entra in chiesa e uccide, proprio grazie alla spada che Philippe all’ultimo momento gli passa, il capitano della guardia che aveva preso il suo posto e, convinto che Imperius abbia ucciso Isabeau perché le campane avevano effettivamente suonato, si appresta a uccidere il Vescovo. In quel momento avviene un’eclissi solare («Una notte senza il giorno e un giorno senza la notte») e Isabeau compare improvvisamente, umana. La maledizione ha quindi termine, ma il perfido Vescovo tenta di uccidere la donna; Navarre, prontamente, lancia la spada contro il malvagio prelato e lo uccide. Imperius e Philippe vengono ringraziati dai due giovani che sono finalmente liberi di vivere la loro vita insieme.
La produzione di Ladyhawke non fu priva di ostacoli. Il ruolo di Etienne Navarre era inizialmente destinato a Kurt Russell, che lasciò il progetto poco prima delle riprese, lamentando incompatibilità con l’approccio leggero del film e la logistica complicata delle riprese in Italia. La parte passò quindi a Rutger Hauer, già noto per il suo ruolo iconico in Blade Runner. Hauer, inizialmente considerato per il ruolo del cattivo, accettò con entusiasmo la sfida di interpretare un eroe romantico, conferendo al personaggio una profondità che contribuì al successo del film.
La colonna sonora, composta da Andrew Powell e prodotta da Alan Parsons, è un altro elemento distintivo di Ladyhawke. Mescolando orchestrazioni medievali con sintetizzatori moderni, la musica crea un’atmosfera unica che è rimasta impressa nella memoria degli spettatori. Sebbene questa scelta abbia diviso la critica al momento dell’uscita, oggi la colonna sonora è considerata parte integrante del fascino del film.
Il successo di Ladyhawke non si limita al botteghino: il film è diventato un classico cult, adorato da generazioni di fan. La sua forza risiede nella capacità di raccontare una storia senza tempo con personaggi memorabili, dialoghi spiritosi e un’estetica visiva mozzafiato. A quasi quattro decenni dalla sua uscita, Ladyhawke continua a incantare, ricordandoci il potere del cinema di trasportarci in mondi lontani e farci credere nella magia dell’amore eterno.
Cioè c’era, e c’è ancora! La storica rivista che ha segnato la crescita di milioni di adolescenti italiani, specialmente ragazze, sta vivendo una vera e propria rinascita. Dopo l’iniziale preoccupazione suscitata dalla sospensione del formato pocket, il 2025 segna un nuovo capitolo per il magazine, che ritorna in edicola con una versione rinnovata, più grande e accattivante: Cioè Max.
L’ultimo numero di Cioè era uscito a dicembre 2024, portando con sé voci di una possibile chiusura che avevano messo in apprensione i numerosi fan della rivista. Tuttavia, in un messaggio sui canali social, Cioè ha tranquillizzato i suoi lettori con un annuncio che spiegava come la rivista non sarebbe sparita nel nulla, ma semplicemente avrebbe fatto una pausa. “Quest’anno abbiamo deciso di allungare un po’ le nostre vacanze… Sicuramente ne avevamo bisogno per ricaricarci… Ma volevamo anche pensare a cosa fare nelle prossime settimane”, scriveva il post, facendo intendere che la pausa serviva per riorganizzare il futuro della pubblicazione. Con il nuovo anno, l’attesa dei lettori è finalmente finita: Cioè Max è arrivato in edicola con il numero di marzo, pronto a riconquistare il cuore delle sue lettrici.
“L’editore, in linea con le richieste del mercato editoriale, ha sospeso le pubblicazioni dello storico formato pocket di Cioè, ma ha mantenuto il brand attivo sui canali social, introducendo il nuovo formato Cioè Max, disponibile in edicola”, ha dichiarato Marco Iafrate, Direttore della rivista, spiegando il cambiamento. Questo nuovo formato non è solo più grande, ma è anche pensato per essere più coinvolgente e visivamente accattivante, con un’attenzione particolare ai contenuti che i lettori più giovani amano: cultura pop, interviste esclusive, test, e tantissimi approfondimenti sui personaggi più amati.
Il numero di Cioè Max di marzo non si limita a riprendere le tradizioni, ma le evolve, facendo un omaggio a quelle storiche icone che hanno segnato decenni di cultura musicale. Un esempio su tutti: la bellissima pagina dedicata ai Duran Duran, che li ritrae nell’anno del loro debutto, 40 anni fa, riprendendo una storica copertina di Cioè dedicata proprio alla band. Ma le novità non si fermano qui: il nuovo numero include anche le interviste esclusive con artisti come Olly, Alex Wyse, Sarah Toscano e Settembre, accompagnate da un’accurata selezione di test e rubriche pensate per coinvolgere e divertire le lettrici. E per chi non può fare a meno dei gadget, il numero offre due maxi poster di Damiano David e Irama, un set di penne e uno di gioielli.
L’uscita del nuovo formato ha certamente suscitato un’ondata di nostalgia tra coloro che hanno seguito Cioè fin dai suoi primi numeri nel lontano 1980, quando la rivista fece il suo debutto. Con il passare degli anni, Cioè ha accompagnato le adolescenti italiane, diventando un punto di riferimento per le generazioni più giovani, grazie al suo mix di moda, musica, cinema, e gossip. Durante gli anni ‘80, Cioè raggiunse un picco di vendite che superava le 300.000 copie per numero, e i suoi poster e gadget erano un must-have per ogni ragazza che si rispettasse. La rivista ha documentato, con i suoi contenuti esclusivi, i sogni e le storie delle star, da Leonardo DiCaprio a Avril Lavigne, da Renato Zero ad Anna Pettinelli, che curava una delle rubriche più amate, L’Eco dei Sorcini.
Nel 2009, Cioè passò sotto l’ala della Panini, che ha continuato a farla evolvere pur mantenendo intatta la sua essenza. Sebbene gli anni recenti abbiano portato sfide nuove, in un mondo editoriale sempre più dominato dal digitale e da una crisi delle edicole, Cioè non si è mai fermata. Ha sempre saputo reinventarsi, continuando ad essere il punto di riferimento per le giovani generazioni. L’ultimo numero del 2024, con l’intervista esclusiva a Robbie Williams, rappresentava simbolicamente il passaggio di testimone di una rivista che aveva incarnato per decenni lo spirito della cultura pop. La sua continuazione in formato Cioè Max non è solo un modo per adattarsi ai tempi, ma una prova della sua capacità di restare rilevante.
In una mossa che conferma la volontà di rimanere al passo con i tempi, Cioè sta anche ampliando il suo raggio d’azione. A partire dal 2025, in partnership con l’Agenzia Spaziale Italiana (ASI), la rivista lancerà una nuova pubblicazione di giochi enigmistici, pensata per coinvolgere i giovani in modo divertente ed educativo, e avvicinarli alla divulgazione scientifica. Una collaborazione che sottolinea la voglia di essere sempre più inclusivi e innovativi, guardando al futuro e alle nuove generazioni.
Cioè è, quindi, ancora qui, e forse non se n’è mai andata davvero. La sua storia, pur cambiando forma, continua a far parte della cultura popolare italiana, segnando ogni generazione che cresce con essa. Se un tempo le pagine di Cioè erano il luogo dove si sognava e si scoprivano nuovi miti, oggi continuano a farlo in un formato rinnovato, ma sempre con la stessa passione per il mondo che ruota attorno ai giovani, alla musica, e alla cultura pop. Cioè non è solo una rivista, è un pezzo di storia che non smette mai di evolversi.
Cioè: domande e risposte
E mentre attendiamo comunicazioni ufficiali, non possiamo che approfittarne per ringraziare questa rivista per averci fatto sognare, ridere, emozionare. Per strapparvi un sorriso, con un pizzico di magia, torniamo indietro nel tempo, all’adolescenza. Siamo a metà degli anni ’90 e Cioè è il giornale più letto in Italia dai teenager: Questa è una serie di domande rivolte da alcune giovani lettrici agli “esperti” di sessuologia della rivista: le domande sono vere, mentre le risposte sono date da ChatGpt in vena di risate.
1. … Sono alta 156 cm e ho un seno quasi impercettibile, ma nel resto sono ben sviluppata. Mia mamma e più bassa di me e mio padre è circa172 cm: quando potranno venirmi le prime mestruazioni? (Scilla’85)
ChatGPT. Tranquilla, le mestruazioni arriveranno quando il tuo corpo deciderà di mandare l’invito ufficiale. Non c’entra l’altezza, il seno o se hai vinto la lotteria genetica della famiglia. Quando accadrà, sarà il tuo momento magico… con crampi inclusi!
2. Sono troppo magra; vorrei sapere quali sono gli alimenti che fanno crescere il seno e le gambe. (Magrina’84)
ChatGPT: Alimenti per far crescere il seno? Purtroppo, neanche un’intera fabbrica di Nutella farà il miracolo. Quanto alle gambe, prova a mangiare… e correre, così magari si allungano!
3. E’ vero che lo sperma ai ragazzi esce solo di notte? (Curiosa)
ChatGPT: No, lo sperma non è una creatura notturna tipo un vampiro. Può uscire anche di giorno, basta che il proprietario sia d’accordo.
4. Ho provato a mettere un assorbente interno, ma non sono riuscita a farlo entrare: e perché sono vergine o perché non sono normale? (Arietina’85)
R: Forse l’assorbente interno non si è presentato come si deve. Non preoccuparti: essere vergine non significa essere a prova di tampone. Riprova con calma, e magari leggi le istruzioni!
5. E’ possibile fare l’amore quando si è vergini? (D.V.’83)
ChatGPT: Certo che si può, ma il dettaglio importante è con chi. E sì, verginità e amore non si annullano a vicenda, se te lo stavi chiedendo.
6. Io e una mia amica ci siamo sempre chieste: le donne primitive avevano il ciclo? E come facevano senza assorbenti? (Dubbiose)
ChatGPT: Sì, le donne primitive avevano il ciclo. E no, non avevano Tampax, ma probabilmente avevano il dono della sopportazione che oggi noi possiamo solo sognare.
7. E’ vero che se il ciclo arriva dopo i 14 anni non si possono avere figli? (Disperata’85)
ChatGPT: Assolutamente falso. Il ciclo che arriva tardi non è un biglietto per il club delle “senza figli”. Respira, ok?
8. E’ vero che per far crescere il seno bisogna mangiare molti funghi? (Anonima’88)
ChatGPT: Funghi? Certo, e magari aggiungi anche un bel pentolone di pozione magica. Non funziona, ma ti farà sentire molto Harry Potter.
9. Salve, sono una vostra lettrice che da un po’ di tempo ha una voglia matta di fare l’amore e ci pensa sempre: e normale? (Lisa’82)
ChatGPT: Normalissimo. Sei umana, non un robot. Al massimo, sei un robot con software aggiornato al pacchetto “ormoni attivi”.
10. Cara dottoressa, ho una curiosità: una ragazza vergine che fa l’inseminazione artificiale, rimane ancora vergine? Se si, quando partorirà, non essendoci stata rottura dell’imene il bambino potrà nascere normalmente? In questo caso c’è rischio di perdere la verginità? Se si, vuol dire che e meglio partorire con il cesareo? (Ariete’83)
ChatGPT: Sì, una ragazza può rimanere vergine con l’inseminazione artificiale. No, il bambino non nascerà da un portale magico. E no, non è necessario il cesareo per “salvare la verginità”. Seriamente, rilassati.
11. Cara dottoressa, sono fidanzata da circa un anno. Noi non facciamo ancora del sesso, ma abbiamo qualche problema. Lui vorrebbe che ogni giorno uscisse dello sperma dal suo organo genitale, io però ho paura che possa procurargli dei problemi in futuro. E’ vero? E quali possono essere? (Martina ’83)
ChatGPT: Quindi lui vuole che il suo organo genitale produca giornalmente… tipo una fabbrica? Beh, digli che il suo corpo ha un piano di produzione autonomo. Non c’è rischio di guasti, promesso.
12. Cara dottoressa, casualmente ho saputo da un’amica che si può rimanere incinta non solo attraverso i rapporti sessuali, ma anche in altri modi. Per esempio, se lui e’ appiccicato a lei ed eccitato, lo sperma può fuoriuscire e passare attraverso gli indumenti fino alle parti intime. E’ vero? (Laura)
ChatGPT: No, lo sperma non ha poteri da supereroe per attraversare tessuti e compiere miracoli. Se fosse così, avremmo bisogno di assorbenti antiproiettile.
13. Cara dottoressa, sono un ragazzo di 18 anni e sono molto sorpreso dal mio corpo [ma chi sei, ET?] perché involontariamente, il mio organo genitale, va in erezione in qualsiasi momento e mi provoca forti disagi. (Bingo ’80)
ChatGPT: Il tuo organo genitale si comporta esattamente come dovrebbe: un po’ troppo entusiasta, ma niente che l’età e un po’ di autocontrollo non risolveranno.
14. Cara dottoressa, purtroppo non sono ancora soddisfatta del mio seno. Porto la seconda misura, ma ho i capezzoli molto lunghi e grossi, quasi più del seno. Ho provato a schiacciarli con reggiseni stretti, a lavarli con acqua fredda… ma niente. Ogni Estate porto dei bikini imbottiti per coprirli. Cosa posso fare? (Anna’82)
ChatGPT: Hai capezzoli lunghi? Congratulazioni, hai un tratto unico. Schiacciarli e lavarli con acqua fredda non li trasformerà in bottoni. Accettali: sono tuoi!
15. Un amico di mio fratello è molto carino, mi ha convinta a fare l’amore senza preservativo poiché non avevo ancora le mestruazioni. Una settimana dopo mi sono arrivate e poi ho cominciato a mettere su chili e pancia. Sono incinta? (Alexia’86)
ChatGPT: Sì, potresti essere incinta. La prossima volta, però, magari scegli un metodo anticoncezionale prima di convincerti.
16. Cara dottoressa non ho ancora le mestruazioni. Poiché mi masturbo da quando sono piccola, non e’ che sono diventata sterile? (Disperata’83)
ChatGPT: No, la masturbazione non ti ha reso sterile. Se fosse così, metà della popolazione mondiale sarebbe estinta. Rilassati.
Freaky Tales, il nuovo film di Anna Boden e Ryan Fleck, si presenta come una vera e propria immersione nel cuore pulsante degli anni ’80, un decennio iconico che ha plasmato la cultura pop mondiale. Un’ode alla Bay Area di Oakland, la pellicola si configura come un’antologia ricca di personaggi eccentrici e storie intrecciate, che si muovono tra le strade di una città attraversata da tensioni sociali, sfide personali e una carica di energia tipica del periodo.
Un Viaggio nel Passato
In un periodo storico preciso, nel 1987, Freaky Tales dipinge un affresco vivace di Oakland, una città che è stata crocevia di tante culture, idee e cambiamenti. Quattro storie, tutte legate da un filo conduttore di caos e incontri fortuiti, offrono al pubblico uno spaccato unico della vita urbana negli Stati Uniti. Dalla scena musicale hip-hop alle luci fluorescenti dei video noleggi, dai leggendari atleti NBA ai poliziotti corrotti, passando per le tensioni tra bande e il fervore di una gioventù ribelle, il film porta in scena un caleidoscopio di esperienze che definiscono un’epoca.
Il film è, infatti, un tributo a tutto ciò che ha caratterizzato la cultura pop degli anni ’80: non solo la musica e la moda, ma anche il cinema, lo sport e la politica. Ogni personaggio, ogni vicenda, si intreccia e si fonde come un mixtape che rievoca le note di un’epoca che non smette di affascinare. L’intento di Boden e Fleck è chiaro: raccontare la società di quel tempo attraverso uno sguardo dinamico e disinibito, un tributo che vuole essere tanto affettuoso quanto critico.
Un Cast da Urlo
L’incredibile cast, capitanato da Pedro Pascal, Ben Mendelsohn e Tom Hanks, è il cuore pulsante di Freaky Tales. Pascal, che veste i panni di Clint, e Mendelsohn, nel ruolo enigmatico de “Il Tipo”, sono due volti familiari che, con la loro intensità, danno vita a personaggi complessi e contrastanti. Al loro fianco, Jay Ellis, che esplode in un ruolo significativo, è uno degli attori più interessanti della pellicola, portando sullo schermo un’interpretazione che è al tempo stesso feroce e tenera.
Una delle sorprese più piacevoli è l’apparizione di Normani, che, nel suo debutto cinematografico, dimostra una naturalezza che si sposa perfettamente con il suo personaggio, Entice, una giovane donna che si fa largo tra le difficoltà della vita con grinta e determinazione. Non manca poi il tocco di Tom Hanks, che, nel ruolo di Hank, il proprietario di un videonoleggio, aggiunge una sfumatura di nostalgia che ci riporta a un’epoca in cui il cinema era ancora una magia da scoprire in una cassetta.
La presenza di altri volti noti come Dominique Thorne, Jack Champion, e Angus Cloud, non fa che arricchire un mosaico di talenti che contribuiscono a costruire un’ambientazione vivace e stratificata. Ogni personaggio porta con sé una storia, un ricordo, un sogno infranto, e tutti si ritrovano a incrociarsi in un vortice di situazioni che sfociano in scontri e confronti mozzafiato.
Un’Esperienza Cinematografica Unica
Il formato antologico permette una grande libertà creativa, con ogni segmento che si sviluppa in modo indipendente pur mantenendo una coerenza narrativa. Ogni racconto si intreccia con gli altri, creando un effetto domino che alla fine ci regala un quadro complesso, ma che non manca di essere al contempo fluido e coinvolgente. Le storie si svolgono a ritmo serrato, senza mai annoiare, e ogni scena sembra una parentesi di vita che ci catapulta senza preavviso nei sogni e nelle delusioni degli anni ’80.
Il tocco di Boden e Fleck, già noti per il loro lavoro su Mississippi Grind e Captain Marvel, si fa sentire nella capacità di mescolare generi diversi, passando dal dramma alla commedia, dal thriller alla riflessione sociale, il tutto senza mai perdere di vista la sfumatura ironica che permea il film. La regia è fluida, precisa, ma sempre in grado di captare il respiro di una città in fermento, dove il passato e il futuro sembrano scontrarsi in un eterno gioco di specchi.
La Musica Come Protagonista
Non può mancare un accenno alla colonna sonora, che gioca un ruolo fondamentale nell’identità di Freaky Tales. Curata da Raphael Saadiq, la musica è un elemento che accompagna le immagini con una selezione di brani che vanno dal rap all’R&B, dal funk al rock. Ogni traccia è una finestra sonora che ci immerge ulteriormente nell’atmosfera degli anni ’80, regalando quel senso di familiarità che fa di Freaky Tales un film che non è solo da vedere, ma da vivere. Con un cast stellare, una regia attenta e una sceneggiatura che non ha paura di esplorare le contraddizioni dell’umanità, la pellicola di Anna Boden e Ryan Fleck si configura come uno dei tributi cinematografici più interessanti agli anni ’80. Se avete mai desiderato rivivere la magia di quel decennio, Freaky Tales è il viaggio che non potete perdervi.
Negli ultimi decenni, il mondo dell’animazione ha subito una trasformazione radicale, passando dai classici cartoni della nostra infanzia nerd a prodotti moderni caratterizzati da ritmi serrati e stimoli visivi incessanti. Secondo la neuropsichiatra Zabina Bhasin, questa evoluzione non ha necessariamente giovato alle nuove generazioni: anzi, i cartoni animati del passato sembrano avere un impatto più positivo sullo sviluppo cognitivo dei bambini rispetto a quelli contemporanei. La differenza principale risiede nella qualità della narrazione, nei valori trasmessi e nel modo in cui queste opere interagiscono con la mente infantile.
Tra gli anni ’60 e gli anni ’90, l’animazione visse una sorta di epoca d’oro, con serie che ancora oggi occupano un posto speciale nella memoria collettiva. Titoli come “Goldrake”, “Saint Seiya”, “Heidi”, “Candy Candy”, “Lupin III”, “Occhi di Gatto”, “Doraemon”, “Anna dai Capelli Rossi”, “Holly e Benji”, “Mila e Shiro”, “Sailor Moon” e “Ken il Guerriero” erano più di semplici prodotti di intrattenimento: erano strumenti di crescita, veicoli di insegnamenti morali e fonte di ispirazione per i giovani spettatori. Anche i classici occidentali, come “Scooby-Doo”, “Gli Antenati” e “Tom & Jerry”, pur avendo un taglio comico e leggero, offrivano spunti di riflessione sulla società e sulla famiglia.
Ma cosa rendeva questi cartoni così speciali?
Innanzitutto, il ritmo narrativo. A differenza delle produzioni moderne, spesso frenetiche e caratterizzate da un montaggio rapido, i cartoni dell’epoca concedevano più spazio all’approfondimento emotivo e alla costruzione dei personaggi. Le transizioni erano fluide, i dialoghi ben strutturati e i momenti di pausa non erano riempiti da effetti sonori invadenti. Questo approccio permetteva ai bambini di sviluppare una maggiore capacità di concentrazione e di apprendere in modo più efficace.
Inoltre, la componente didattica era molto più marcata rispetto a oggi. Molti cartoni erano progettati con l’intento di educare, come “Siamo Fatti Così”, che spiegava il funzionamento del corpo umano in modo chiaro e accessibile, oppure “Heidi”, che insegnava il valore della semplicità e dell’amore per la natura. Anche nelle serie d’azione come “Dragon Ball”, “Thundercats” o “I Cavalieri dello Zodiaco”, il messaggio di fondo era spesso legato all’amicizia, al coraggio e alla perseveranza.
Un altro aspetto fondamentale era la qualità dell’animazione. Le produzioni degli anni ’80 e ’90 si distinguevano per i disegni dettagliati e le animazioni curate, spesso realizzate con tecniche tradizionali che conferivano un tocco artistico unico. Anche i personaggi erano più sfaccettati e realistici rispetto alle figure stereotipate che popolano molti cartoni moderni. Gli eroi non erano semplici archetipi, ma individui con debolezze, paure e sogni. Lady Oscar, ad esempio, incarnava un modello di indipendenza e forza femminile in un’epoca in cui le protagoniste femminili erano spesso relegate a ruoli secondari.
Oggi, invece, i cartoni animati tendono a essere più commerciali e orientati al consumo. Molte serie sembrano progettate con l’obiettivo principale di vendere giocattoli e accessori, piuttosto che raccontare una storia significativa. La CGI, sebbene offra possibilità tecniche avanzate, ha portato spesso a una semplificazione delle animazioni e a una perdita di quel calore artigianale che caratterizzava i cartoni del passato.
Un fenomeno interessante che potrebbe rappresentare una risposta a questa deriva è la “Slow TV”, una corrente che promuove esperienze visive più rilassate e meno caotiche.
Cartoni come “Winnie The Pooh”, “Franklin la Tartaruga” e “The Little Bear” incarnano perfettamente questa filosofia, proponendo trame lineari e ambientazioni serene, in netto contrasto con la frenesia di molte produzioni attuali. Questa tendenza potrebbe offrire ai bambini un’alternativa più sana e bilanciata, riducendo l’iperstimolazione e migliorando la loro capacità di autoregolazione.
Ma quali sono i rischi legati ai cartoni moderni?
Secondo la dottoressa Bhasin, la velocità delle scene, i colori sgargianti e i suoni aggressivi possono avere conseguenze negative sul cervello in via di sviluppo. L’iperstimolazione può portare a difficoltà di concentrazione, irritabilità, sintomi di ansia e iperattività. Inoltre, molti bambini che crescono con contenuti troppo frenetici mostrano difficoltà a gestire la noia senza uno schermo, sviluppando una dipendenza precoce dai dispositivi digitali.
Per questo motivo, è importante che i genitori scelgano con attenzione i contenuti che i loro figli guardano. Se sei un genitore appassionato di animazione, potresti riscoprire insieme ai tuoi bambini i classici del passato, offrendo loro un’esperienza più equilibrata e arricchente. Il futuro del loro cervello potrebbe dipendere proprio da questa semplice scelta: optare per un racconto ben costruito e significativo, piuttosto che per un prodotto pensato solo per attirare l’attenzione con stimoli continui. In un mondo che corre sempre più veloce, forse la vera rivoluzione è tornare a guardare i cartoni con il ritmo e la magia di un tempo.
Nel panorama videoludico sempre più ricco di titoli indie, Class 3, Third Grade emerge come una perla rara per tutti gli amanti delle storie coinvolgenti, dei misteri e delle emozioni che solo un’avventura psicologica può regalare. Questo gioco, creato dal talentuoso sviluppatore giapponese Jacob Honda e in arrivo su Steam a marzo 2025, promette di condurre i giocatori in un’esperienza che mescola nostalgia, sogno e realtà, una vera e propria riflessione sul passare del tempo e sul significato delle memorie d’infanzia.
Il protagonista, conosciuto solo come “I”, si ritrova intrappolato in un mondo dove le barriere tra il sogno e la realtà sono completamente sfumate. In una vita ordinaria, che sembra procedere senza scossoni, il protagonista comincia a sognare frequentemente la propria infanzia. Un giorno, mentre si trova in viaggio, accade qualcosa di straordinario: si ritrova misteriosamente nella sua vecchia stanza da bambino, in un mondo dove i ricordi di un tempo ormai lontano cominciano a prendere forma, restituendo emozioni che erano diventate vaghe nel corso degli anni. La nostalgia e l’ansia si mescolano, mentre “I” è costretto a confrontarsi con il proprio passato. La domanda che ci si pone a questo punto è: riuscirà a ritornare nel mondo reale e, soprattutto, come questa esperienza cambierà la sua vita?
Class 3, Third Grade è un’avventura in prima persona, un vero e proprio escape game in 3D, in cui i giocatori esploreranno la stanza d’infanzia del protagonista, raccogliendo oggetti e risolvendo enigmi per riuscire a fuggire dal labirinto della memoria. La stanza, che si configura come l’intersezione tra passato e presente, è un ambiente ricco di dettagli, perfetta ricostruzione degli anni ’80. Chi ha vissuto in quel periodo troverà un’atmosfera familiare, che richiama il mondo dei bambini di quel tempo, con colori, oggetti e suoni che ci trasportano indietro nel tempo.
Quello che colpisce subito è la cura con cui gli sviluppatori hanno creato ogni angolo di questo mondo nostalgico. Non si tratta solo di una riproduzione dei luoghi fisici, ma anche di un racconto ambientato in un periodo specifico, una vera e propria immersione in un tempo che non c’è più, ma che molti ricorderanno con affetto. La scelta degli anni ’80 non è casuale, è il periodo di una generazione che ha vissuto un’infanzia semplice, ma al contempo difficile, segnata anche dalla crudezza della vita quotidiana.
Il gioco non si limita a far esplorare l’ambiente, ma invita anche a riflettere sul significato di questi ricordi. Ogni oggetto che il protagonista raccoglie non è solo un mezzo per avanzare nel gioco, ma un pezzo di una storia personale che si fa strada tra il gioco e la memoria del giocatore. La trama, infatti, non è lineare: le scelte del giocatore influenzeranno profondamente la narrazione, determinando diversi finali. Ogni decisione, ogni piccolo passo fatto all’interno di quella stanza, spinge il protagonista a confrontarsi con il suo passato, portandolo a scoprire verità che pensava di aver dimenticato.
Un altro aspetto che rende Class 3, Third Grade affascinante è la possibilità di vivere questa storia non solo come un’esperienza personale, ma anche come una riflessione collettiva. Il gioco si rivolge alla “generazione dell’era glaciale”, cioè quei giocatori che hanno vissuto l’infanzia negli anni ’80 e che, come il protagonista, potrebbero sentirsi sopraffatti dalle quotidiane “riunioni di fine giornata”. In un mondo che cambia in continuazione, le esperienze di chi ha visto passare decenni di trasformazioni sociali e culturali si riflettono anche nei temi di Class 3, Third Grade. La scomparsa di un pollo nel capanno degli animali della scuola, per esempio, non è un episodio banale, ma un ricordo che segna la crescita, come a ricordare quanto anche i piccoli eventi possano avere un impatto duraturo su una persona.
Con un prezzo di 4,99 euro (680 yen),Class 3, Third Grade è una proposta accessibile che saprà conquistare chi cerca un gioco che va oltre l’intrattenimento. La possibilità di vivere una storia intima e commovente, con un forte impatto emotivo e una trama che stimola la riflessione, è ciò che rende questo titolo speciale. Inoltre, il supporto per le lingue inglese e giapponese amplia la sua portata a una comunità di giocatori globale, permettendo a molti di entrare in sintonia con la narrazione.
Class 3, Third Grade è un’esperienza che mescola l’avventura, la nostalgia e la riflessione. Se siete appassionati di giochi che vi sfidano a pensare e vi portano a rivivere emozioni passate, questo titolo è senza dubbio da tenere d’occhio. Non solo per la sua estetica retrò e il mistero che si cela dietro la storia, ma anche per la profondità emotiva che promette di regalare a chi avrà il coraggio di affrontare il proprio passato attraverso gli occhi del protagonista. Per chi non vede l’ora di immergersi in questo viaggio nel tempo, l’uscita di Class 3, Third Grade su Steam è fissata per marzo 2025. Intanto, restate aggiornati attraverso il canale Telegram di Akiba Gamers per tutte le novità riguardanti il gioco e molto altro.
Buttando lo sguardo sulla panoramica della cinematografia di fantascienza, molti sono i film che si sono ispirati ad altrettanti famosi romanzi o cicli di romanzi dello stesso genere, come IO Robot, Fanteria dello Spazio e Io sono Leggenda. Tra la miriade di film, voglio parlarvi di uno dei film più spettacolari e visionari che sia mai apparso sul grande schermo che proprio oggi compiie quarant’anni: Dune.
Ben prima del capolavoro di Denis Villeneuve, il 14 dicembre 1984 prese vita il primo capitolo della saga letteraria omonima di Frank Herbert, considerato da molti, uno dei “libri impossibili” da poter trasporre sul grande schermo, però nonostante le varie differenze che ci possano essere state tra i libri e la realizzazione finale del film, lo stesso Herbert si definì soddisfatto del prodotto finale: la saga di Dune fu estremamente importante per la genesi di Star Wars come ha dichiarato lo stesso George Lucas “Senza Dune, Guerre Stellari non sarebbe mai esistito“, se volete approfondire ecco qui l’articolo di Satyrnet.
Podotto dalla casa italiana De Laurentiis e diretto da David Lynch, il film è ambientato nell’anno 10191: l’umanità si è diffusa tra le stelle del cosmo e si è riunito un vasto Impero Galattico chiamato Landsraad, che nonostante l’avanzata scienza tecnologica, l’impero è retto da una società politica che si basa sul feudalesimo, ove a capo di tutto vi è l’Imperatore e sotto di lei le grandi casate nobiliari hanno il comando dei loro rispettivi pianeti, rendendo conto ovviamente all’Imperatore. Tra tutti i pianeti dell’Impero 4 sono quelli che hanno una maggior influenza da poter decidere le sorti dell’universo, il pianeta Kaitain capitale dell’impero con al comando l’Imperatore Padishah Shaddam IV, il pianeta Giedi Primo appartenente alla casata degli Harkonnen con a capo il Barone Vladimir Harkonnen, nemico giurato della casata degli Atreides, il pianeta Caladan appartenente alla casata Atreides con a capo il Duca Leto Atreides, la cui carismatica popolarità sempre in aumento, stà pian piano minando l’autorità dell’Imperatore Shaddam IV provocando la gelosia di quest’ultimo. Ed infine il pianeta Arrakis chiamato anche Dune, popolato dal misterioso popolo dei Fremen, una tribù che ha uno strano rapporto con la Spezia e che sono gli unici in grado di cavalcare i giganteschi vermi delle sabbie; su questo pianeta si alternano le varie casate per poter estrarre la Spezia, un elemento fondamentale, che consente ai navigatori della Gilda Spaziale di poter distorcere lo spazio e il tempo e consentire di poter viaggiare nello spazio, senza di essa il viaggio interstellare sarebbe impossibile, per questo Dune non appartiene a nessuna casata e nel periodo in cui soggiornano hanno la responsabilità dell’estrazione della preziosa Spezia perché continui a defluire, ultimamente era la casata Harkonnen che presiedeva Dune, ma ora e la casata degli Atreides che stà per prenderne il posto per tale compito, con il beneplacito dell’Imperatore, anche se egli ordisce alle spalle con la complicità degli Harkonnen per distruggere definitivamente la sempre più popolare casata degli Atreides. Il Duca Leto Atreides prende finalmente il possesso del pianeta Arrakis accompagnato da suo figlio ed erede Paul e dalla sua concubina Lady Jessica, appartenente quest’ultima alla sorellanza delle Bene Gesserit, un ordine sacerdotale che da millenni grazie ad una serie di incroci genetici tra le varie casate alla creazione del Kwisatz Haderach “l’essere supremo” che governerà l’universo, però Lady Jessica con il compito di procreare solo figlie femmine su ordine delle Bene Gesserit, per amore del suo Duca Leto, ella decise di generare un maschio, un erede per il suo amato Duca, Paul, sconvolgendo così il millenario piano della sorellanza.
Giunti su Arrakis, il Duca Leto fa sentire la sua benevola influenza sulla popolazione Fremen, aumentando così la sua popolarità in seno all’Impero, passano così le settimane e a parte qualche piccola azione di sabotaggio da parte degli Harkonnen, le giornate per casato degli Atreides scorrono tranquille e senza ulteriori incidenti. Però tutto questa parvenza di tranquillità è solo una tattica, infatti il Barone Harkonnen con la complicità segreta dell’imperatore che gli ha fornito come appoggio militare alcune delle sue truppe Sardaukar, l’élite dell’esercito imperiale; si preparano per attaccare in forze il casato Atreides con le difese abbassate e di sterminarlo completamente. Il piano riesce e le forze congiunte sia degli Harkonnen che dell’Imperatore riescono a sgominare completamente le truppe del Duca Leto e a far prigioniero il Duca stesso che il figlio Paul e Lady Jessica. Su ordine del Barone Harkonnen Paul Atreides e sua madre Lady Jessica, vennero imbarcati su un veicolo aereo e abbandonati nel deserto, mentre il corpo inerme del Duca venisse portato alla sua presenza per avere la gioia e il piacere di poterlo torturare e strappargli dalle mani il sigillo ducale del casato Atreides. Però non tutto va come il Barone sperava, infatti dopo aver ucciso il Duca, egli si accorge che Leto non ha con se il sigillo che senza di esso il Barone Harkonnen non può vantare diritti sul Ducato degli Atreides, e nel frattempo Paul riesce a liberare sua madre uccidendo i suoi carcerieri e a prendere possesso del veicolo, mettendosi così in salvo, anche se la fuga è di breve durata in quanto finiscono dentro una tempesta di sabbia, impossibilitati al volo, i due sopravvissuti fanno un rovinoso atterraggio di fortuna, e dopo aver preso le tute distillianti all’interno dell’aereo si dirigono all’esterno per cercare un rifugio sicuro, e qui mentre stanno sistemando il loro kit di sopravvivenza, Paul trova l’anello di suo padre Leto, il sigillo Ducale del casato Atreides, così che Paul possa poi un giorno rivendicare l’onore degli Atreides in nome di suo Padre. Mentre trovano rifugio tra le rocce, Lady Jessica e Paul si imbattono in una tribù Fremen ribelle, qui vengono accolti nella tribù e Paul pian piano ne ottiene la fiducia e radunando anche le altre tribù Fremen le organizza per effettuare attacchi lampo contro le installazioni di estrazione della Spezia gestiti dagli Harkonnen. Gli attacchi cominciano a dare i frutti sperati, infatti l’afflusso di Spezia, elemento indispensabile per i viaggi Interstellari, comincia pian piano a diminuire, costringendo l’Imperatore Shaddam IV su forti pressioni della Gilda Spaziale ad intervenire personalmente contro la ribellione Fremen capeggiata dal misterioso Mahdi, su Arrakis.
Nel frattempo Lady Jessica prende il posto della reverenda Madre delle Bene Gesserit presso i Fremen mentre suo figlio Paul beve l’acqua della vita e prende coscienza di se raggiungendo e superando il piano di cosapevolezza delle Bene Gesserit rivelado di essere lui il Kwisatz Haderach delle profezie. Il momento è giunto mentre le truppe dell’Imperatore e le forze degli Harkonnen sono riunite nella principale roccaforte di Arrakis, Paul guida l’assalto di tutte le popolazioni Fremen contro gli invasori e anche grazie agli enormi vermi della sabbia che i Fremen utilizzano come cavalcature, riescono a sconfiggere sia le truppe Harkonnen che i Sardaukar imperiali, nello scontro muore il Barone Vladimir Harkonnen, mentre l’Imperatore e i membri della Gilda Spaziale vengono presi prigionieri dai Fremen; qui scoprono che il capo dei Fremen il famoso Mahdi altri non è che Paul Atreides e che intima l’Imperatore di lasciare il pianeta Arrakis sotto il suo completo comando senza nessun tipo di rivendicazione e che sia Paul e il resto del casato Atreides che i Fremen non sono più sotto iol giogo dell’Impero e della Gilda Spaziale, se queste condizioni non saranno accettate e se verranno sucessivamente violati, l’afflusso di Spezia verrà interrotto, provocando il caos in tutto l’Impero, infatti Paul esclama davganti a tutti “chi controlla la Spezia, controlla l’Universo”, facendo così diventare Arrakis il centro stesso non dell’Impero.
Nonostante le difficoltà per poter rendere al meglio l’adattamento su grande schermo dell’opera di Frank Herbert, le cui differenze tra film e romanzo sono evidenti, il genio visionario di David Lynch, con un cast di attori d’eccezione come Jurgen Prochnow, Kyle MacLachlan, Max Von Sydow, Patrick Stewart e grazie anche ad un sapiente utilizzo della fotografia, delle enormi scenografie da parte di Anthony Master (2001 Odissea nello Spazio) e dei costumi, non che anche grazie agli effetti speciali tra cui alcuni curati dal grande Carlo Rambaldi (E.T. l’Extraterrestre), egli è riuscito a dirigere al meglio per poterla trasportare sul grande schermo, come detto in precedenza lo stesso autore Herbert ne fu molto soddisfatto, in quanto anche egli riteneva impossibile che una delle sue opere potessero essere trasposte in film per il grande schermo. La cosa positiva e che quasi la totalità della produzione e italica ad opera della Dino de Laurentiis, e nonostante durante la messa in onda nei cinema, non abbia avuto una grande accoglienza, negli anni venire divenne un vero e proprio cult.
L’Incredibile Hulk, la serie televisiva che ha segnato un’epoca, ha un posto speciale nei cuori di chi è cresciuto negli anni ’80 e ’90, quando le maratone di programmi TV nei giorni di malattia (più o meno finte) erano la norma, e i supereroi dominavano le mattinate, anche se lontani dal glamour dei moderni canali di streaming. Decenni prima del Marvel Cinematic Universe (MCU) e del DC Universe, il piccolo schermo aveva già accolto i supereroi, e tra questi l’iconico Hulk, personaggio tormentato che ha preso vita in una serie che ha influenzato più di una generazione di appassionati. La serie televisiva L’incredibile Hulk (1977-1982), creata da Kenneth Johnson, ha portato sul piccolo schermo la storia di Bruce Banner, un brillante scienziato che, dopo un tragico incidente, diventa l’alter ego di un mostro verde dalla forza sovrumana, noto appunto come Hulk. Interpretato da Bill Bixby nel ruolo di David Banner (il nome scelto per la serie, che si discosta dal fumetto originale), e da Lou Ferrigno nei panni di Hulk, il programma si è distinto per il suo approccio realistico e umano, lontano dalle atmosfere fantasiose che dominavano i fumetti.
David Banner è un medico e scienziato che, dopo aver perso la moglie in un incidente stradale, si dedica anima e corpo alla ricerca sulle radiazioni gamma, sperando di scoprire come l’energia possa essere utilizzata per potenziare la forza umana. Durante un esperimento, una massiccia overdose di radiazioni gamma trasforma Banner in un mostro verde, un gigante dalla forza impressionante, che si scatena ogni volta che l’uomo si arrabbia. Ma la trasformazione ha un prezzo: una volta che Hulk emerge, David perde il controllo, e la sua intelligenza ritorna a uno stadio primitivo. Questo porta Banner a diventare un fuggitivo, in cerca di una cura e costretto a spostarsi continuamente da una città all’altra, sempre sotto l’ombra di Jack McGee, un giornalista che lo insegue ossessivamente, determinato a smascherare la verità.
La serie esplora il lato umano di David Banner, il suo conflitto interiore e la lotta per trovare un equilibrio tra il suo alter ego e il suo sé originale. Hulk, pur portando distruzione, è anche una sorta di “eroe involontario”, che interviene nelle situazioni più disperate per risolvere i problemi delle persone che incontra durante i suoi viaggi.
Personaggi indimenticabili e un cast iconico
Bill Bixby, noto per la sua capacità di trasmettere emozioni e per il suo sguardo tormentato, interpreta magnificamente David Banner, l’uomo che lotta contro la sua natura e il suo destino. Lou Ferrigno, ex campione di body-building, porta sullo schermo un Hulk imponente e fisicamente impressionante, diventando un’icona per tutti coloro che amano la figura del gigante verde. Ferrigno non era solo un attore, ma anche una fonte di ispirazione per chi, come lui, è affetto da sordità parziale, ma non si è mai lasciato limitare dal suo handicap.
La serie ha avuto una grande influenza nella cultura popolare, anche per la sua capacità di trattare temi universali come la solitudine, la lotta per la propria identità e la condanna di una scienza che si pone al di sopra dei limiti morali. Nonostante l’apparente semplicità della trama, L’incredibile Hulk è riuscita a lasciare un segno indelebile grazie alla profondità psicologica dei personaggi.
Un finale epico e i film TV successivi
La serie si è conclusa nel 1982 dopo cinque stagioni e 80 episodi, ma l’incredibile Hulk non è mai scomparso dal cuore dei suoi fan. Il personaggio è tornato nel 1988 con tre film per la televisione: La rivincita dell’incredibile Hulk (1988), dove appare Thor in una delle sue prime incarnazioni live-action, Processo all’incredibile Hulk (1989), che vede l’introduzione di Daredevil, e La morte dell’incredibile Hulk (1990), dove Banner, dopo una lunga lotta con la sua condizione, affronta una tragica fine.
Nonostante le ingenuità tipiche delle serie dell’epoca, L’incredibile Hulk è riuscito a superare le limitazioni tecnologiche e a creare una connessione emotiva con il pubblico, con una narrazione che univa il dramma psicologico alla tensione del supereroe. La morte di Hulk, che segna anche la fine della sua lotta contro la trasformazione, è un momento che lascia senza fiato: “Finalmente… sono libero”, dice Banner, concludendo il suo viaggio tormentato.
Un’eredità che continua
L’incredibile Hulk televisivo ha senza dubbio creato una base solida per l’Hulk che conosciamo oggi, pur essendo distante dalle sfumature moderne del personaggio nel MCU. La serie ha trattato tematiche sociali e psicologiche che risuonano ancora oggi con chi cerca di capire il conflitto interiore tra l’essere umano e la bestia dentro di sé. Anche se non ha avuto la stessa portata epica delle saghe cinematografiche moderne, L’incredibile Hulk rimane una pietra miliare nel panorama dei supereroi televisivi, una serie che ha segnato la fine di un’era e l’inizio di una nuova visione per i supereroi sul piccolo schermo.
In definitiva, L’incredibile Hulk è una serie che rimane impressa nella memoria di molti, un simbolo di quel periodo d’oro delle serie TV dove i supereroi erano una parte essenziale della cultura popolare, ben prima che le moderne tecnologie e i super budget cinematografici rendessero i supereroi mainstream. Per chi ha avuto la fortuna di vederlo in onda, Hulk rappresenta non solo un mostro verde, ma un simbolo di speranza e redenzione, il cui eco è ancora forte nelle serie moderne e nei film.
Quarant’anni fa, il 25 novembre 1984, usciva nel canale tv americano ABC, “L’Avventura degli Ewoks”, il primo vero spin-off della saga di Star Wars, un film che aveva come protagonisti non i soliti personaggi dell’immaginario della Galassia lontana lontana creata da George Lucas: bensì gli Ewoks, la specie di dolci e letali orsetti che sono stati determinanti nella sconfitta del malvagio Imperatore Palpatine “fondamentale.
Diretto da John Korty su soggetto e produzione esecutiva di George Lucas, e si colloca cronologicamente alla saga tra l’Episodio V “L’Impero colpisce ancora” e l’Episodio VI “Il ritorno dello Jedi”, slegandosi completamente dalla trama principale, si può considerare una specie di spin-off della saga di Star Wars, infatti nel film non compaiono ne personaggi e nemmeno accenni della guerra tra Impero e Ribellione, ma si tratta di un avventura completamente dedicata agli Ewoks.
Trama
Tanto tempo fa in una galassia lontana lontana … sulla Luna Boscosa di Endor, la vita scorre piacevolmente nel villaggio degli Ewoks, una delle popolazioni indigene che abitano il pianeta, infatti questi esseri viventi dall’aspetto di piccoli orsacchiotti, sono riusciti a costituire una società tribale che vive in completa armonia con la natura che gli circonda, essi vivono di quello che le foreste possono offrire, dal cibo, al materiale per fabbricare le loro capanne e i loro attrezzi.
Però questa tranquillità viene presto spezzata, infatti dal cielo precipita un grosso oggetto fiammeggiante, schiantandosi poi al suolo, prendendo questo avvenimento come un fosco presagio, e anche spinti dalla curiosità, alcuni Ewoks organizzano in fretta una spedizione per andare a vedere che cosa è successo.
Intanto nel punto dove è caduto l’oggetto, si scopre che in realtà è un astronave spaziale, che per colpa di un malfunzionamento si è trovata costretta ad un atterraggio di fortuna verso l’unico pianeta abitabile della zona, la Luna Boscosa di Endor appunto. A bordo dell’astronave vi sono quattro persone, i coniugi Towani con i loro figli Mace il maggiore e Cindel la più piccola; dopo l’atterraggio forzato, i quattro escono dall’astronave per verificare sia i danni che per esplorare la zona, ma non fanno in tempo che vengono aggrediti da un gigantesco essere mostruoso, Mace e Cindel riescono a fuggire, mentre i loro genitori vengono catturati e portati via.
Durante la fuga Mace e Cindel si scontrano con gli Ewoks che erano stati mandati a controllare l’origine del corpo celeste caduto; dopo un primo momento di diffidenza da parte di Mace e degli Ewoks, Cindel capisce subito le intenzioni pacifiche di quesi simpatici orsetti, e tutti e due vengono accompagnati nel loro villaggio per riposarsi e per rifocillarsi, durante il soggiorno presso il villaggio, pian piano riescono entrambi, umani ed Ewoks a farsi capire a vicenda, così i due ragazzi vengono a scoprire che i loro genitori sono stati attaccati da Gorax, un gigantesco mostro che da anni semina il panico e la distruzione tra le tribù degli Ewoks e che se i loro genitori sono nelle sue mani, allora il loro fato è segnato.
Mace non si da per vinto e vole convincere gli Ewoks a dargli una mano per liberare i suoi genitori, Wicked uno degli Ewoks che li anno accolti, li accompagna dal vecchio saggio del villaggio, egli rivela a loro l’ubicazione dell’abitazione di Gorax, una grotta all’interno di un alta montagna; decisi a salvare i genitori Mace e Cindel si dirigono verso il covo di Gorax, ma non vanno da soli, infatti Wicked con alcuni suoi compagni tra cui Chiukha Trok un Ewoks di un altro villaggio, li accompagnano nella loro avventura.
Dopo molte peripezie e aver superato diversi pericoli, il gruppo di coraggiosi si trova davanti alla loro meta, la grotta di Gorax, appena entrano nella grotta Cindel e Mace aiutano i genitori a scappare dalla gabbia dove sono rinchiusi, e insieme ai loro amici Ewoks riescono ad eliminare Gorax facendolo precipitare dalla montagna.
Mace, sua sorella Cindel, Wicked ed il gruppo di coraggiosi Ewoks che gli ha accompagnati e insieme ai genitori dei ragazzi finalmente liberati, giungono al villaggio e tutti la tribù organizza una grande festa osannandoli come eroi, e accettando i quattro umani come nuovi membri della tribù e della famiglia degli Ewoks.
Nonostante ci siano scene di combattimento contro Gorax, questo film per la televisione è stato pensato prevalentemente per un pubblico molto giovane, rivolto ai bambini, visto che dopo l’uscita de “Il Ritorno dello Jedi” questi coraggiosi orsetti avevano riscosso un grande successo tra i piccoli fan della saga; infatti nonostante la principale componente fantascientifica, la trama sembra più una classica favola con tanto di orco cattivo, però è riuscito a rendere bene la caratterizzazione degli Ewoks, mantenendo un completo distacco dalla saga originale di Star Wars, così che abbiamo potuto avere un assaggio della cultura e dello stile di vita di questi simpaticissimi orsetti, e dove la presenza umana; nonostante il punto cardine della trama sia il salvataggio dei genitori di Mace e Cindel, è solo marginale, e questo film fosse una delle tante avventure degli Ewoks.
Pur essendo un film Tv, in esso vi è un buon uso di effetti speciali, e un ottimo utilizzo del Make-up per la creazione non solo degli Ewoks, rendendoli anche più differenti facendoci capire il ruolo che hanno presso la loro società e la tribù di appartenenza, ma anche con l’introduzione di altre creature del pianeta, e la fotografia è stata magistralmente ottimizzata tanto che sembra di rivedere al 100% il pianeta del Episodio VI, cosa che per altri spin-off difficilmente riesce. Per battere il ferro finché era caldo, e per sfruttare ancora la popolarità di Star Wars, nel 1985 ne venne anche girato un sequel sempre per la televisione intitolato “Il Ritorno degli Ewoks”.
Per chi ama Star Wars alla follia, per chi adora gli Ewoks oppure le creaturine coccolose come loro, per chi piacciono i film fantastici a lieto fine, questo è un film che merita almeno una visione nella vita, almeno per i fan a 360° di Star Wars, così da poter dire, “ma io l’ho visto quel film!”; comunque scherzi a parte, nonostante sia stato realizzato solo per la televisione e non coi mezzi da film cinematografico, con i pregi che vi ho citato prima, esso è una pellicola che si può considerare a pieni voti come cult e va inserito con onore nella time line dell’Universo Espanso di Star Wars
Nel panorama fumettistico italiano, Sandcastle rappresenta una delle proposte più originali degli ultimi anni, riuscendo a fondere elementi di graphic novel e musical in un unico progetto coinvolgente. Scritto da Dario Santarsiero e Fabrizio Fontanelli, e disegnato da Filippo Novelli (fondatore del blog Detti e Fumetti) , il graphic novel si distingue per la sua trama avvincente e l’intensa colonna sonora, che accompagna e amplifica l’esperienza narrativa. Un’opera che non si limita a essere un semplice fumetto, ma diventa un’esperienza immersiva grazie alla sua peculiarità: un graphic musical che si sviluppa sui toni della musica dei Mardi Gras.
Sandcastle, infatti, non è solo una storia disegnata, ma un progetto multimediale che include anche un album musicale degli stessi Mardi Gras, una rock band italiana dal respiro internazionale. Pubblicato da Underground Simphony Records, il CD omonimo include otto brani che, oltre a esprimere la forza del gruppo musicale, fungono da colonna sonora per il fumetto, rendendo i due oggetti – il graphic novel e il disco – indissolubili. La band, celebre per il suo sound che spazia tra il classic rock e le influenze più moderne, ha creato una base sonora che arricchisce la trama di Sandcastle, spingendo il lettore a vivere la storia attraverso un’ulteriore dimensione sensoriale.
La vicenda narrata in Sandcastle si svolge a Jersey City negli anni ’80 e ruota attorno a due protagonisti, Cecilia e Nicholas Amato, fratelli legati da un rapporto complesso, ma profondo. La loro vita, già segnata dalla solitudine e dalle difficoltà, subisce una svolta drammatica quando Cecilia diventa vittima di un’aggressione. Questo evento funge da catalizzatore per la trasformazione di Nicholas, un giovane geniale ma spesso emarginato e bullizzato, che, dopo aver affrontato il dolore e la sofferenza per quanto accaduto alla sorella, intraprende un percorso di crescita personale e di vendetta. La lotta contro chi ha osato fare del male alla sua famiglia è la forza che guida Nicholas verso una rivelazione interiore che lo porta a combattere non solo contro il male esterno, ma anche contro il proprio passato.
Il graphic musical esplora temi universali come la vendetta, il coraggio, e il potere dell’amore familiare. La storia si intreccia con il contesto storico e sociale degli anni ’80, un periodo di cambiamento e tensioni, e il fumetto non esita a trattare con toni forti e decisi la violenza, il bullismo e la criminalità, rappresentata dalla figura del mafioso Don Nate Caruso, un affarista senza scrupoli legato alla mafia italo-americana. I colpi di scena sono tanti, e la trama, purtroppo, non si fa mancare momenti di grande sofferenza per i protagonisti, che si trovano a dover affrontare non solo le difficoltà esterne, ma anche quelle emotive e psicologiche che accompagnano ogni grande trasformazione.
L’opera si distingue non solo per la sua forza narrativa ma anche per l’arte visiva di Filippo Novelli, che con il suo tratto caratteristico riesce a rendere in modo perfetto l’atmosfera cupa e tesa della storia. Il disegno, incisivo e dettagliato, cattura i momenti di tensione e quelli di riflessione, accompagnando il lettore in un viaggio emotivo senza esclusione di colpi. Inoltre, Novelli non è nuovo al mondo del fumetto e ha fondato il blog Detti e Fumetti, dove ha dato voce a numerosi autori e ha sviluppato una passione per l’arte del fumetto che traspare in ogni pagina di Sandcastle.
Per gli appassionati di musica, la colonna sonora è uno degli aspetti più affascinanti di Sandcastle. I Mardi Gras, con il loro sound energico e potente, si sono immersi completamente nella storia, riuscendo a tradurre le emozioni e i toni del racconto in un linguaggio musicale che aggiunge un ulteriore strato alla trama. Le otto tracce dell’album si intrecciano con le vicende dei personaggi, creando un’esperienza narrativa che supera i confini del fumetto tradizionale. Le canzoni non sono solo un sottofondo: esse sono protagoniste della storia, accompagnando e commentando gli eventi con le loro sonorità intense, che spaziano dal rock più energico al blues e al soul.
Sandcastle è un’opera ambiziosa che riesce a mescolare con maestria vari linguaggi artistici. La forza emotiva della storia, unita alla potenza visiva del disegno e alla suggestiva colonna sonora, la rende un’opera completa, da vivere e ascoltare. Disponibile su Amazon, è un prodotto che non solo piacerà agli amanti del fumetto, ma anche a chi cerca una storia che tocchi corde più profonde, affrontando temi universali come la vendetta, la redenzione e l’amore familiare.
In un mondo in cui spesso ci troviamo a fronteggiare il male e l’oscurità, Sandcastle ci invita a riflettere su come, talvolta, sia l’amore per i nostri cari a darci la forza per reagire e cambiare il nostro destino. Come dicono i Mardi Gras, essere parte di questo progetto è un’emozione incredibile, e non è da tutti riuscire a vedersi trasformati in protagonisti di una storia che mescola musica e fumetto, immagini e suoni, in un mix che coinvolge mente e cuore.
