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Gremlins 2 – La nuova stirpe compie 35 anni: tra citazioni, umorismo e follia a Manhattan

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“Gremlins 2 – La nuova stirpe” compie 35 anni e, nonostante non abbia mai raggiunto la stessa fama del suo predecessore, è diventato un cult del cinema anni ’90. Diretto da Joe Dante e distribuito nelle sale italiane il 13 luglio 1990, il sequel di “Gremlins” (1984) si distacca dal classico horror per famiglie, abbracciando una comicità più demenziale e parodistica, e sfruttando appieno le potenzialità degli effetti speciali dell’epoca. Il film, purtroppo, non ottenne il successo sperato al botteghino, ma è rimasto nella memoria degli appassionati per la sua irriverente visione del mondo e per la galleria di nuove e grottesche creature che popolano il suo universo.

A distanza di sei anni dall’originale, Joe Dante porta di nuovo sul grande schermo il piccolo Gizmo e i suoi malefici simili, stavolta in una frenetica e caotica Manhattan. La trama di “Gremlins 2 – La nuova stirpe” ci riporta a New York, dove Billy (Zach Galligan) e Kate (Phoebe Cates) lavorano nella Clamp Enterprises, un grattacielo che diventa teatro di disastri quando i gremlins fanno il loro ritorno. La storia si sviluppa attorno a un evento tragicomico: l’anziano signor Wing muore e il negozio che custodisce Gizmo viene abbattuto per far posto all’edificio della Clamp. All’interno di questo grattacielo si nasconde ancora il mitico mogwai, e quando finisce nelle mani sbagliate, inizia una catena di eventi che porterà alla nascita di una nuova generazione di gremlins, ancora più pericolosi e inaspettati.

Un cambiamento significativo rispetto al primo film riguarda l’umorismo. Se “Gremlins” si affidava a un tono più cupo, arricchito da un’ironia nera, il sequel si orienta verso un linguaggio più leggero e decisamente campy. Dante infatti non si limita a continuare la storia, ma la rielabora in chiave meta-cinematografica, usando la trama per fare satira sul fenomeno dei sequel, dei remake e dei fenomeni mediatici dell’epoca. In questa versione, l’ironia si fa pungente, prendendo in giro personaggi pubblici come Donald Trump, magnati dei media come Ted Turner, e l’intero sistema della televisione via cavo, per non parlare delle citazioni a film iconici come “Il mago di Oz” e “Il maratoneta”.

La novità assoluta di questo capitolo risiede nel suo approccio al gore e al comico, che, pur mantenendo l’anarchia tipica della serie, abbandona la violenza dark per virare su uno stile più spinto nelle gag e nei riferimenti culturali. Le mutazioni dei gremlins, da vampiro a pipistrello, da intellettuale a ragno gigante, non sono solo bizzarre ma anche un esplicito omaggio all’evoluzione dei generi cinematografici e agli effetti speciali. Grazie al lavoro di Rick Baker, premio Oscar per il trucco e gli effetti speciali, “Gremlins 2” ci regala una straordinaria serie di trasformazioni che, seppur grottesche, affascinano per la loro innovazione visiva.

Ma nonostante questi pregi, “Gremlins 2” non riesce a eguagliare il fascino dell’originale. Il primo film aveva il merito di mescolare perfettamente umorismo nero e horror, riuscendo a mantenere il tono giusto anche durante le scene più inquietanti. Al contrario, il sequel spesso sfocia nel puro nonsense, creando un’atmosfera più da cartone animato che da film di genere, tanto che alcuni spettatori si sono trovati spiazzati da un cambiamento di tono così radicale. La critica ha accolto il film con recensioni contrastanti, e la pellicola ha fallito al botteghino, rimanendo un episodio isolato nella saga.

Il vero cuore di “Gremlins 2” risiede nella sua capacità di ridicolizzare il concetto stesso di sequel, con una serie di riferimenti e citazioni che non solo mettono alla berlina il fenomeno hollywoodiano, ma offrono anche una riflessione sulla proliferazione di film che puntano su più franchise per attrarre il pubblico. Dante, con il suo stile unico, non ha mai nascosto il suo amore per il cinema e per l’assurdo, e questo sequel si conferma come una delle sue opere più personali, pur essendo meno “importante” del primo film.

Alla fine, nonostante i suoi difetti, “Gremlins 2” rimane una perla da riscoprire per chi ha voglia di divertirsi con una satira fuori dagli schemi, capace di parlare con intelligenza del cinema, della cultura popolare e del fandom, mentre esplora il caos e la follia che solo i gremlins possono creare. Il film, pur non avendo ottenuto il successo sperato, si è guadagnato nel tempo uno status di culto, soprattutto tra gli appassionati di cinema nerd e di horror demenziale, che lo apprezzano per la sua bizzarria e il suo spirito dissacrante.

Cinema & Tv

Scrubs sta per tornare: il revival della serie culto è più vicino che mai, e noi nerd siamo pronti a tornare al Sacro Cuore

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“I’m no Superman” cantava Lazlo Bane nel 2001, aprendo ogni episodio di quella che sarebbe diventata una delle serie TV più amate e sottovalutate dell’inizio millennio: Scrubs – Medici ai primi ferri. Una sigla che oggi torna a farsi sentire tra le pieghe della nostalgia collettiva, perché sì, il Sacro Cuore potrebbe davvero riaprire le sue porte. E questa volta, non è solo una voce di corridoio: il revival di Scrubs è ufficialmente in sviluppo. Una notizia che ha fatto vibrare le corde emotive di milioni di fan, pronti a tornare in quel microcosmo ospedaliero dove si ride, si piange e si cresce.

Dopo anni di voci, mezze conferme e sogni spezzati, il creatore della serie Bill Lawrence — lo stesso che ci ha conquistato recentemente con Ted Lasso e Shrinking — è al lavoro su quella che è stata definita una “nuova iterazione” della serie. Non è ancora chiaro se si tratterà di un vero revival, di un reboot o di un ponte tra vecchio e nuovo, ma quello che è certo è che l’entusiasmo è già alle stelle. La produzione è nelle mani di 20th Television, sotto l’ombrello della ABC, che aveva già accolto le ultime due stagioni dello show dopo il passaggio dalla NBC. E non si tratta di un semplice progetto vago: Zach Braff, l’indimenticabile J.D., ha ufficialmente firmato per tornare.

Una notizia che ha subito scatenato i fan di vecchia data, convinti che con lui anche gli altri attori storici — Sarah Chalke (Elliot), Donald Faison (Turk), John C. McGinley (Dr. Cox) e Judy Reyes (Carla) — non tarderanno a salire a bordo. E così, come ogni grande “legacy sequel” che si rispetti, anche Scrubs potrebbe abbracciare un mix esplosivo: i personaggi originali da un lato, una nuova generazione di specializzandi dall’altro. Un passaggio di testimone narrativo, ma anche emotivo.

Del resto, da quando Scrubs ha salutato il piccolo schermo nel 2010, il panorama televisivo è cambiato radicalmente. Le serie da 22 episodi a stagione sono diventate una rarità, e il futuro della nuova versione potrebbe passare da una piattaforma streaming, probabilmente Hulu — la stessa dove approderà anche il reboot di Buffy l’Ammazzavampiri. Non ci sono ancora date ufficiali per l’inizio delle riprese o la messa in onda, ma le trattative sono in corso. E intanto, ci basta sapere che il motore è acceso.

Ma cosa aspettarci da questo nuovo Scrubs? Bill Lawrence ha lasciato intendere che non si tratterà di un semplice ritorno nostalgico. Al contrario, l’idea è quella di raccontare cosa è successo ai protagonisti storici nel tempo, introducendo al contempo nuovi personaggi, nuove dinamiche e nuovi drammi, in un contesto medico profondamente cambiato dopo l’era pandemica. Immaginate il Dr. Cox come mentore ruvido ma affettuoso per un giovane medico alle prime armi, o Elliot alle prese con la conciliazione tra carriera e famiglia. Le possibilità narrative sono infinite, e se trattate con la sensibilità che ha sempre contraddistinto la serie, potrebbero regalarci episodi indimenticabili.

Ovviamente, l’ombra della famigerata nona stagione aleggia ancora sul progetto. Quel tentativo di rinnovare la serie con un cast semi-nuovo e una formula diversa si rivelò un mezzo disastro, tanto che molti fan la ignorano completamente, considerandola un fuori canon. Lo stesso Lawrence ha riconosciuto l’errore, e tutto lascia pensare che questa volta non cadrà nello stesso tranello. Non sarà un taglia-e-cuci pasticciato, ma un’evoluzione naturale, fedele all’anima della serie.

Un’anima che è sempre stata profondamente umana. Scrubs non è mai stata solo una comedy ospedaliera. È stata una serie capace di alternare il surreale al commovente, la risata allo schiaffo emotivo. Ha parlato di burnout prima che diventasse una parola alla moda, ha trattato il lutto con delicatezza, ha reso epica la quotidianità di medici imperfetti. E lo ha fatto con uno stile narrativo unico: montaggi musicali da brivido, sogni ad occhi aperti, dialoghi interiori e un’ironia che sapeva quando fare spazio al silenzio.

La sua eredità è viva ancora oggi. Lo dimostra il successo del podcast Fake Doctors, Real Friends, in cui Zach Braff e Donald Faison commentano gli episodi della serie tra risate e aneddoti di backstage. Lo dimostrano le pubblicità in cui compaiono insieme, rievocando la “bromance” che ha fatto scuola. Ma soprattutto, lo dimostra il fatto che, dopo 15 anni, siamo ancora qui a parlarne. A desiderare quel ritorno, a fantasticare su cosa sia successo a J.D., Turk, Carla ed Elliot.

E c’è di più: il revival di Scrubs potrebbe essere l’occasione giusta per restituire alla serie il posto che merita nel pantheon della televisione. Perché, diciamocelo, troppo spesso viene dimenticata nelle classifiche accanto a giganti come Friends o How I Met Your Mother, quando in realtà ha saputo spingersi più in là, più in profondità. Con meno clamore, forse, ma con una verità che ancora oggi ci commuove.

Ora tocca a Disney Television Studios trovare l’incastro giusto tra accordi, diritti e tempistiche. Bill Lawrence, nonostante un contratto attivo con Warner Bros. Television, è coinvolto, anche se probabilmente non sarà lo showrunner principale. Ma finché lui ci mette la sua visione, e il cast originale ci mette il cuore, abbiamo tutti gli ingredienti per qualcosa di magico.

Perché Scrubs ci ha insegnato che non bisogna indossare un mantello per essere degli eroi. Basta esserci, ascoltare, accettare di non avere tutte le risposte. E questo messaggio, oggi più che mai, è attuale. È necessario. È potente.

Quindi sì, siamo pronti a tornare. Pronti a perderci di nuovo nei corridoi folli del Sacro Cuore, tra gag assurde e riflessioni esistenziali. Pronti a ridere, piangere e ricordare quanto sia bello sentirsi a casa anche solo per 22 minuti.

E voi? Che ne pensate di questo revival? Avete anche voi il cuore che batte più forte solo all’idea di rivedere J.D. e Turk in azione? Raccontatemi le vostre emozioni, condividete l’articolo sui vostri social e fateci sapere se anche voi non vedete l’ora di tornare là dove tutto è iniziato. Perché ogni tanto, anche noi nerd abbiamo bisogno di una dose di umanità, e Scrubs ce l’ha sempre saputa dare.

Cinema & Tv

“Pesci Piccoli 2”: La Seconda Stagione Arriva su Prime Video dal 13 Giugno 2025

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Quando il piccolo schermo si tinge di colori assurdi e la realtà si mescola con la finzione, ecco che ci ritroviamo davanti a un’altra stagione che promette di farci ridere, riflettere e, soprattutto, divertirci. Stiamo parlando di Pesci Piccoli 2, la seconda stagione della serie comedy che ha fatto impazzire i fan della prima stagione, disponibile dal 13 giugno 2025 in esclusiva su Prime Video. Un progetto che è partito da idee semplici, per poi evolversi in qualcosa di più grande, fino a diventare un vero e proprio fenomeno, in parte grazie al talento e alla creatività del gruppo The Jackal.

L’agenzia che conquista sempre più spazio

Nel cuore della seconda stagione, ritroviamo la piccola agenzia pubblicitaria di provincia che ha visto nascere tanti sogni, ma anche mille difficoltà. Gestita dai membri storici del team – Ciro (Ciro Priello), Fabio (Fabio Balsamo), Aurora (Aurora Leone), Fru (Gianluca Fru) e Greta (Martina Tinnirello) – l’agenzia si trova a un bivio importante. Greta, che ha sempre puntato a portare l’agenzia a livelli più alti, si prepara a sfidare la realtà per realizzare il suo sogno di espandere il business a livello nazionale, con l’aiuto di Fabio, che, con la sua saggezza, cercherà di dare stabilità alla situazione. Nel frattempo, Aurora vive un momento di cambiamento importante, segnato da un addio doloroso, che la spingerà a concentrarsi sulla propria carriera.

Ma non è tutto qui. Ciro e Fru si trovano ad affrontare il lato più personale e profondo dei loro caratteri, esplorando il difficile tema dell’accettazione di sé in un mondo in cui la perfezione sembra la regola. Le situazioni surreali che la serie ci regala sono il perfetto contraltare alla delicatezza e ai temi drammatici, creando un mix perfetto di risate e riflessioni. Senza dimenticare l’episodio speciale ispirato alla Melevisione, un tributo che promette di sorprendere e divertire anche i più nostalgici.

Il ritorno di un cast stellare, con nuove guest star

Se la trama è interessante, il cast non è da meno. Pesci Piccoli 2 non delude: oltre al ritorno dei protagonisti, che ormai sono diventati dei veri e propri punti di riferimento nel panorama della comicità italiana, la serie accoglie alcune guest star d’eccezione. Tra queste, troviamo il maestro della musica italiana, Beppe Vessicchio, e Danilo Bertazzi, che arricchiranno il racconto con il loro carisma e la loro presenza unica. La regia di Francesco Ebbasta, Alessandro Grespan, Danilo Carlani e Alessio Dogana, unita alla scrittura di Francesco Ebbasta, Alessandro Grespan, Alessandro Bosi e Mary Brugiati, permette alla serie di esplorare nuovi orizzonti, pur mantenendo il tono irriverente e ironico che l’ha contraddistinta fin dall’inizio.

Un successo che cresce, tra emozioni e premi

Il successo della prima stagione non è stato solo una sorpresa, ma una conferma del talento e della creatività di The Jackal e Mad Entertainment. Uscita il 8 giugno 2023, la prima stagione di Pesci Piccoli ha ricevuto il riconoscimento del Ciak d’Oro 2024 come miglior serie under 30, un trionfo che ha dato alla produzione un’iniezione di fiducia per affrontare la seconda stagione. In effetti, questa nuova stagione non solo raddoppia il numero degli episodi, ma si fa anche più ricca nei contenuti, esplorando ancora di più la bellezza dell’imperfezione e la diversità, tematiche che, mescolate con il giusto tono di comicità, riescono a colpire il pubblico nel profondo.

Perché non puoi perderti “Pesci Piccoli 2”

La bellezza di Pesci Piccoli sta proprio nell’equilibrio tra la risata più sfrenata e la riflessione sincera su temi come l’accettazione di sé e la ricerca di un’identità in un mondo che ti vuole perfetto. La serie sa essere leggera e allo stesso tempo profonda, con la giusta dose di surreale che ti fa sorridere anche nei momenti più drammatici. La seconda stagione promette di superare le aspettative, con un cast che cresce e si arricchisce di volti nuovi e storici, e una trama che si evolve mantenendo vivo l’animo che ha conquistato i cuori di tutti.

Dal 13 giugno 2025, non perdete l’opportunità di continuare a seguire le disavventure di questa agenzia che, tra idee, risate e pochissimo budget, è riuscita a fare la differenza. Perché, alla fine, Pesci Piccoli è una serie che ci ricorda che anche le agenzie più piccole, con la giusta dose di passione, possono aspirare a conquistare il mondo.

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Mythic Quest: addio a una serie cult che ha unito il mondo dei videogiochi alla commedia brillante

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Ah, Mythic Quest… quanti pomeriggi passati con una tazza di tè, il gatto acciambellato sulle ginocchia e quell’inconfondibile mix di risate, cringe e momenti inaspettatamente toccanti a farmi compagnia sul divano. Quando ho letto la notizia della cancellazione della serie da parte di Apple TV+, ammetto che mi è venuto un groppo alla gola. Nonostante fossi consapevole che ogni serie, prima o poi, arriva al capolinea, speravo segretamente che il team di sviluppatori più disfunzionale e geniale della televisione potesse restare con noi ancora un po’. Ma, come in ogni buon videogioco, arriva il fatidico “Game Over”… o forse no?

La notizia, riportata in esclusiva da Variety, parla chiaro: Mythic Quest chiude i battenti dopo quattro stagioni e uno spin-off, Side Quest. Ma in pieno spirito da patch day, ci sarà un “aggiornamento” dell’episodio finale, una sorta di DLC narrativo che promette di essere il nostro vero addio. Una mossa che solo chi conosce profondamente la community dei gamer poteva concepire. Non si chiude una saga senza un ultimo, epico, contenuto extra.

Come appassionata di serie TV — ma anche e soprattutto come nerd cresciuta a pane e joystick — Mythic Quest è stato per me più di una semplice comedy. Era un ritratto affilato, intelligente e sorprendentemente emotivo del mondo dello sviluppo videoludico, visto attraverso l’ottica delle persone che lo abitano. Parliamo di Ian Grimm, il visionario e narcisista creativo interpretato da Rob McElhenney, di Poppy Li, la geniale e insicura ingegnera che è stata la vera spina dorsale dello studio, e di David Brittlesbee, il dirigente senza polso ma con tanta, tanta voglia di essere preso sul serio. E poi ancora Rachel, Dana, Brad, Carol, Jo… ognuno un piccolo frammento di umanità, con le proprie manie, fragilità e sogni.

La serie era nata nel 2020, proprio a ridosso della pandemia, e forse anche per questo ha saputo parlarci in modo così diretto. L’episodio “Quarantine”, girato interamente da remoto con gli iPhone, è stato un capolavoro non solo di creatività produttiva, ma anche di narrazione empatica. Mai mi sarei aspettata di commuovermi guardando una videoconferenza tra colleghi che, isolati nelle proprie case, cercavano di mantenere viva la connessione — emotiva, prima ancora che lavorativa.

Certo, non tutto è stato perfetto: ricordiamo la controversia che ha coinvolto F. Murray Abraham, che ha portato alla sua esclusione dal cast dopo la seconda stagione. Ma anche in questi scossoni produttivi, la serie ha saputo adattarsi e reinventarsi, mantenendo sempre quel tono ironico, a tratti cinico, ma mai disumanizzante. Mythic Quest ha avuto il raro talento di fare satira senza disprezzo, ridendo con i suoi personaggi e non di loro.

E poi c’era Side Quest, lo spin-off in quattro episodi che ci ha regalato una prospettiva nuova e necessaria, raccontando le storie dei personaggi “minori” — ma chi è davvero secondario, in un ambiente creativo come quello di uno studio videoludico? Questo esperimento antologico è stato un piccolo gioiello, e ha dimostrato che l’universo narrativo di Mythic Quest aveva ancora tantissimo da offrire, anche oltre il core cast.

A colpirmi di più, però, è stata la dichiarazione finale dei produttori: “I finali sono difficili. Ma con la benedizione di Apple, abbiamo apportato un ultimo aggiornamento al nostro ultimo episodio, così da poter dire addio, invece di dire semplicemente game over.” Queste parole risuonano fortissimo per chi, come me, ha vissuto Mythic Quest non solo come una serie da binge-watchare, ma come un piccolo universo di riferimento. Un po’ come quando finisci un RPG che ti ha tenuto compagnia per mesi e, pur sapendo che la storia è finita, ti ritrovi a vagare per la mappa solo per dire addio ai luoghi e ai personaggi che hai amato.

Non sappiamo esattamente perché Apple abbia deciso di concludere la serie ora, né se sia stata una scelta dettata dagli ascolti o da esigenze produttive. Quello che è certo, però, è che Mythic Quest ha lasciato un’impronta. Ha parlato a chi ama i videogiochi ma anche a chi ha conosciuto il caos (e la magia) di lavorare in team creativi. Ha riso delle nostre ossessioni, ha mostrato il lato tossico dell’ego, ma anche il potere delle connessioni autentiche. E lo ha fatto senza mai perdere il suo stile tagliente e profondamente umano.

Ora non ci resta che attendere questo “episodio finale aggiornato”, sapendo che sarà davvero l’ultima partita. E nel frattempo, mi chiedo: quanti altri studi, quanti altri team come quello di Mythic Quest esistono là fuori? E soprattutto: chi sarà il prossimo a raccontarne la storia?

Se anche voi avete amato questa serie tanto quanto me, raccontatemi cosa vi mancherà di più. Ian e Poppy? Le follie di Brad? Le citazioni nerd nascoste nei dialoghi? Condividete l’articolo sui social e fatemi sapere: qual è stato il vostro momento preferito di Mythic Quest?

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Alexander e il terribile, orribile, abominevole ma veramente bruttissimo viaggio

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“Alexander e il Terribile, Orribile, Abominevole ma Veramente Bruttissimo Viaggio” è una commedia che promette di portare allegria e risate a tutta la famiglia. Ispirato al celebre libro per ragazzi di Judith Viorst, “Alexander and the Terrible, Horrible, No Good, Very Bad Day”, il film offre un’interpretazione fresca e divertente di una storia che ha già conquistato i cuori di molti. Diretta da Marvin Lemus e scritta da Matt Lopez, la pellicola si inserisce nel filone delle commedie familiari, con un tocco esotico e culturale che arricchisce la trama.

La trama si sviluppa attorno a una famiglia ispano-americana di origini colombiane e messicane, che, dopo aver perso il contatto con le proprie radici, intraprende un viaggio in macchina che, come era prevedibile, va completamente storto. A capitanare l’intera avventura è Alexander, il giovane protagonista, che si trova a dover affrontare il caos che scaturisce da una serie di eventi sfortunati. Solo lui, “la pecora nera” della famiglia, potrà trovare il modo di riunire tutti i membri del nucleo familiare, con il cuore e la testa orientati a riportare ordine nel disastro che si è venuto a creare.

Nel cast, accanto alla star Eva Longoria nei panni della madre Val, figura Thom Nemer come il giovane Alexander, un ragazzino che crede fermamente di essere il più sfortunato del mondo. Al suo fianco, Jesse Garcia nel ruolo di Frank, il padre impegnato a gestire un ristorante in difficoltà, e Paulina Chávez nel ruolo di Mia, la sorella adolescente presa dai suoi problemi e dalle sue emozioni. In un tocco di grande umorismo e nostalgia, Cheech Marin dà vita al nonno Gil, un personaggio che aggiunge quella sfumatura di tradizione e carattere che arricchisce la dinamica familiare. Il cast include anche altri volti noti come Rose Portillo (Lidia Garcia), Harvey Guillén, Cristo Fernández, e la partecipazione speciale di Michelle Buteau.

Il viaggio che la famiglia Garcia intraprende non è solo fisico, ma anche un viaggio emotivo. L’avventura si snoda tra imprevisti comici e situazioni assurde, portando alla luce le dinamiche di una famiglia che, pur nelle sue difficoltà, cerca di rimanere unita. L’antico idolo maledetto che diventa il catalizzatore di tutti gli eventi sfortunati trasforma quello che doveva essere un viaggio rilassante in un susseguirsi di disavventure che mettono alla prova ogni membro della famiglia. La sceneggiatura sa come sfruttare al meglio il tema della “sfortuna”, trasformandolo in un mezzo per esplorare le difficoltà familiari, ma sempre con una leggerezza che non sacrifica mai il divertimento.

Il film si inserisce perfettamente nel genere delle commedie familiari, con una struttura che si sviluppa attraverso una serie di gag e situazioni esilaranti. Non mancano, però, anche momenti di riflessione più profondi. Il personaggio di Alexander, interpretato con molta intensità da Thom Nemer, è un ragazzo che si sente costantemente inadeguato e sfortunato, un sentimento che molti giovani spettatori potranno facilmente identificare. La sua convinzione di essere vittima di una maledizione familiare lo rende un protagonista che si trova in una sorta di “lotta” contro il mondo intero, ma, come è facile immaginare, sarà proprio lui a portare la famiglia alla realizzazione che l’unico vero “incantesimo” da spezzare è quello delle proprie paure e insicurezze.

Eva Longoria, nel ruolo della madre Val, offre una performance vivace e spigliata, riuscendo a bilanciare la sua figura materna con un tocco di autoironia che rende il suo personaggio ancor più umano e vicino agli spettatori. La sua interazione con i membri della famiglia, soprattutto con il marito Frank (interpretato da Jesse Garcia), aggiunge una dimensione di realismo alla trama, che nonostante il tono comico, esplora le difficoltà di conciliare la vita familiare con le proprie ambizioni e problemi personali.

“Alexander e il Terribile, Orribile, Abominevole ma Veramente Bruttissimo Viaggio” è una pellicola che non si limita a far ridere. Dietro le risate, c’è una lezione universale sulla resilienza e sulla capacità di affrontare le difficoltà con un sorriso. Ogni evento sfortunato che accade alla famiglia Garcia è un invito a guardare il lato positivo della vita, anche quando tutto sembra andare storto. La commedia, pur nel suo approccio leggero, non manca di esprimere un messaggio profondo: le disavventure fanno parte della vita, ma ciò che conta davvero è come le affrontiamo, insieme.

Il film si conclude con una serie di gag divertenti, tra cui una scena di bloopers che, con la sua spontaneità, aggiunge un ulteriore livello di divertimento e rende la visione ancora più piacevole. Se c’è una cosa che “Alexander e il Terribile, Orribile, Abominevole ma Veramente Bruttissimo Viaggio” sa fare bene, è quella di coinvolgere il pubblico in un’esperienza leggera ma gratificante, che lascia anche una piccola riflessione su come ogni famiglia, nonostante le difficoltà, possa crescere e imparare a convivere con le proprie imperfezioni. Un film perfetto per una serata di relax, da gustare in compagnia di chi si ama.

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The Studio: una visione esilarante e cinica di Hollywood, tra risate e fallimenti

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Nel vasto panorama delle produzioni televisive contemporanee, The Studio emerge come una delle proposte più interessanti e audaci del 2025. Creata e diretta da Seth Rogen ed Evan Goldberg, la serie si tuffa nel cuore pulsante di Hollywood, mettendo in scena il dietro le quinte di una casa cinematografica ormai in crisi: i Continental Studios. Con una visione cinica e spietata dell’industria del cinema, ma anche con una comicità frizzante, The Studio si propone come una riflessione ironica sul mondo del cinema e dei suoi protagonisti, siano essi artisti narcisisti o dirigenti corporate disposti a tutto per non affondare.

Il personaggio principale, Matt Remick, interpretato dallo stesso Rogen, è il nuovo capo della casa di produzione, chiamato a risollevare le sorti di una società che sta lottando per rimanere a galla. Un compito arduo in un settore che sta affrontando cambiamenti economici e sociali rapidi e, per certi versi, inarrestabili. Lungi dall’essere il tipico eroe che si getta nel fuoco per salvare la nave, Matt è un uomo che vive il cinema con una passione viscerale, ma che finisce per trovarsi intrappolato in un mondo dove ogni decisione può essere una minaccia per la sua carriera e per la stabilità dei suoi studi. Con un senso di panico costante sotto il suo abito elegante, Matt e il suo team di dirigenti lottano contro le proprie insicurezze, mentre si confrontano con la vanità degli artisti e la freddezza dei colleghi dell’alta direzione, in una serie di incontri surreali e tensioni sempre più esplosive.

Il mondo di The Studio è quello delle feste sfrenate, delle visite sul set e delle riunioni di marketing, dove ogni mossa potrebbe portare alla gloria o alla rovina. In questo turbinio di decisioni affrettate e scontri di ego, Matt cerca disperatamente di restare ancorato alla sua passione per il cinema, ma la sua lotta sembra destinata a scontrarsi con la dura realtà del business. La sua carriera, che dovrebbe essere il lavoro della sua vita, rischia di diventare la sua definitiva rovina.

Accanto a Seth Rogen, che interpreta il protagonista con una miscela di vulnerabilità e sarcasmo, troviamo un cast di attori di grande talento, tra cui Catherine O’Hara, Ike Barinholtz, Chase Sui Wonders e Kathryn Hahn. Ma le sorprese non finiscono qui: The Studio vanta una lunga lista di guest star, tra cui Paul Dano, Bryan Cranston, Rebecca Hall, Zac Efron, Martin Scorsese, Charlize Theron e molti altri, ognuno dei quali contribuisce a rendere ancora più imprevedibile e ricca la trama della serie.

La serie ha ricevuto un’accoglienza entusiasta dalla critica, con un indice di gradimento del 98% su Rotten Tomatoes, che l’ha definita “piuttosto intelligente da impressionare anche i cinefili più studiosi”. In effetti, The Studio non è solo una parodia dell’industria cinematografica, ma anche una critica sociale che mette in luce le sue contraddizioni, le sue fragilità e la sua incrollabile vanità. La serie combatte la buona battaglia per una Hollywood migliore, ma lo fa con l’ironia di chi sa che, alla fine, ogni tentativo di redenzione può essere vano in un mondo dove l’apparenza e il successo sono tutto.

La miniserie è distribuita da Apple TV+, con i primi due episodi rilasciati il 26 marzo 2025. L’attesa è palpabile, e il debutto al SXSW ha solo accresciuto la curiosità intorno a questa produzione. Rogen e Goldberg, noti per il loro approccio irriverente e imprevedibile, sembrano avere trovato la formula giusta per raccontare un mondo di luci e ombre, senza mai prendersi troppo sul serio.

In un’epoca in cui il cinema e la televisione sono in continua evoluzione, The Studio si propone come una commedia che guarda alla realtà dell’industria con occhi nuovi, rendendo la risata una lente attraverso cui osservare la crisi di un sistema che, pur essendo in costante cambiamento, rimane sempre intrinsecamente legato alla sua natura egoica e spietata. E, mentre si ride delle disavventure dei suoi protagonisti, non si può fare a meno di chiedersi se, alla fine, anche Hollywood non stia cercando di salvare se stessa da un fallimento inevitabile.

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Cosa vuol dire RomCom? Amore, Umorismo e Magia made in Japan

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Quando si parla di RomCom, ovvero commedia romantica, molti potrebbero pensare a una storia leggera e spensierata, spesso infarcita di battute esilaranti e cuori che si intrecciano, ma il genere nasconde in realtà una complessità che va ben oltre la superficie. Come donna appassionata di anime giapponesi, trovo che le RomCom siano un riflesso affascinante della dualità tra il romantico e il comico, un equilibrio delicato che si traduce in storie che, pur affrontando l’amore e le sue complicazioni, non mancano mai di offrire anche un pizzico di umorismo. È interessante come, dietro ogni risata, ci sia spesso un messaggio profondo sull’amore, la crescita personale e le difficoltà della vita.

Una RomCom non è solo una semplice storia d’amore. Anzi, se dovessi definirla con un’unica parola, sarebbe “equilibrio”. La relazione romantica è al centro, ma senza l’elemento comico perderebbe il suo fascino. Le dinamiche umoristiche, che siano un malinteso divertente o una serie di situazioni imbarazzanti, sono parte integrante del viaggio emotivo dei protagonisti. E non è raro che una RomCom esplori anche temi più profondi, come il dolore, la solitudine o la crescita personale, senza mai perdere quel tocco di leggerezza che fa ridere e riflettere al contempo.

Ma cos’è che rende davvero una RomCom giapponese così speciale? In una cultura dove l’amore spesso non si esprime direttamente, le RomCom nel mondo degli anime e dei manga sanno mescolare il romanticismo più puro con situazioni inaspettate e, spesso, comiche, che spezzano la tensione e donano al pubblico un respiro. La combinazione di battute argute, giochi di parole e situazioni assurde può sembrare superficiale, ma se ci si fa caso, queste scelte sono sempre legate alla crescita dei personaggi. L’equilibrio tra questi due mondi è ciò che rende le RomCom giapponesi così affascinanti, e molte di queste serie hanno raggiunto un culto che va ben oltre il pubblico che si aspetta solo risate e cuoricini.

Un perfetto esempio di questa alchimia è Kaguya-sama: Love Is War. Qui, le relazioni non sono semplici, sono battaglie psicologiche, in cui i protagonisti, Kaguya e Miyuki, non si limitano a cercare di dichiararsi il loro amore: la loro guerra mentale diventa una strategia complessa e, allo stesso tempo, fonte di situazioni estremamente divertenti. Ogni episodio è un susseguirsi di colpi di scena e risate, ma sotto la superficie c’è una narrazione di crescita e vulnerabilità che non è mai banale. È uno di quei casi in cui l’umorismo non è solo una distrazione, ma un mezzo per esplorare la complessità emotiva dei personaggi.

Allo stesso modo, The Quintessential Quintuplets ci mostra una storia che, inizialmente, può sembrare la classica “harem comedy”, ma che si distingue per la profondità dei suoi personaggi e la delicatezza con cui vengono trattate le dinamiche familiari e romantiche. Futaro, il protagonista, non è solo il tutor delle cinque sorelle gemelle, ma diventa anche il punto di riferimento per una crescita emotiva che si intreccia con ogni relazione che costruisce con ognuna di loro. Ogni battuta, ogni situazione esilarante, serve da supporto a un legame che si sviluppa in modo sincero e commovente, dove le risate non offuscano mai l’importanza delle connessioni che vengono create.

Nel mondo degli anime, la RomCom non si ferma alle dinamiche più leggere. Blue Box, per esempio, è una serie che unisce il romanticismo con il mondo dello sport, creando una narrazione che si sviluppa tra imbarazzi adolescenziali e il confronto con le proprie insicurezze. La relazione che si sviluppa tra Taiki e Chinatsu è dolce, ma anche carica di tensione emotiva, e anche qui, l’umorismo gioca un ruolo fondamentale nel rendere le interazioni tra i due protagonisti memorabili.

E poi c’è A Sign of Affection, che offre una prospettiva unica sulla comunicazione e l’amore. La protagonista, una giovane donna sorda, si innamora di un ragazzo che non conosce la cultura dei non udenti. La bellezza di questa storia sta nel modo in cui l’amore viene rappresentato come una forma di comunicazione che va al di là delle parole, ed è affascinante come il contesto romantico e comico si intreccino in modo naturale, portando la serie a toccare anche temi sociali con una delicatezza che non scade mai nel melodramma.

In fondo, che cos’è una RomCom se non un riflesso della vita stessa? Si ride, si piange, si cresce e, soprattutto, si ama. Le serie che combinano romanticismo e umorismo in modo equilibrato sono quelle che riescono a rimanere nel cuore degli spettatori, perché ci ricordano che anche nei momenti più difficili, l’amore e il sorriso possono essere la nostra salvezza.

Cinema & Tv

“Tu quoque”: La commedia che sfida il tempo con Maurizio Battista

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“Tu quoque” è una commedia che gioca con il paradosso del tempo, il destino e la capacità di reinventarsi, portando sul grande schermo il talento unico di Maurizio Battista. Il film, che sarà nelle sale dal 3 al 9 aprile, segna l’approdo di Battista al cinema, dopo un imponente successo teatrale che ha visto il suo spettacolo “MB Show – Il Gran Varietà” conquistare oltre 70.000 spettatori. Il regista Gianni Quinto, che firma anche il soggetto e la sceneggiatura assieme allo stesso Battista, orchestra una narrazione che mescola il comico con il surreale, unendo il ritmo serrato della risata a una riflessione sull’identità, la famiglia e la fortuna.

Maurizio Battista, noto per la sua capacità di trasformare la quotidianità in uno spettacolo di comicità irresistibile, si trova nel ruolo di Massimo Quinto, un uomo di mezz’età con la vita appesa a un filo: pieni di debiti, un matrimonio finito male e un rapporto compromesso con il figlio. La sua esistenza prende una piega drammatica quando scopre di avere pochi mesi di vita. Un colpo di scena, però, lo catapulta nel 44 a.C., dove, grazie a un incidente che riscrive le leggi del tempo e dello spazio, salva la vita a Giulio Cesare, diventando il suo più fidato alleato. Quello che inizia come un avvenimento straordinario si trasforma rapidamente in un viaggio emotivo e comico, in cui Massimo scopre che, nonostante i secoli che li separano, lui e Cesare hanno molte più cose in comune di quanto avrebbero mai potuto immaginare.

La forza di “Tu quoque” risiede proprio nell’abilità di Battista di far emergere il lato umano e la comicità dei personaggi, rendendo ogni scena un incrocio di risate e riflessioni. Massimo, pur trovandosi in un’epoca lontana, riesce a stravolgere la vita della Roma antica con il suo approccio moderno e disincantato, lasciando un segno non solo nelle vicende storiche, ma anche nel cuore degli spettatori. Le gag che scaturiscono da questa anacronistica collisione tra tempi e culture sono esilaranti, ma non mancano momenti di sorprendente introspezione. In un’epoca in cui l’ironia è spesso la chiave per sdrammatizzare il dolore, Massimo diventa una sorta di moderno Cesare, capace di portare speranza e cambiamento anche nelle situazioni più difficili, sia nella Roma antica che nella sua vita personale.

Accanto a Battista, il cast di “Tu quoque” include attori del calibro di Paolo Triestino, Francesca Antonelli, Giorgio Caputo, Milena Miconi, Guglielmo Poggi, Jane Alexander, e molti altri, che danno vita a una serie di personaggi che arricchiscono la trama con le loro interpretazioni vivaci e diversificate. La Roma antica, ricostruita con dettagli curati dalla scenografia di Federica Luciani e Andrea Fiaschi, fa da sfondo alle disavventure comiche di Massimo, creando un contrasto affascinante tra la maestosità storica e la follia delle situazioni in cui il protagonista si trova coinvolto.

La regia di Gianni Quinto, un maestro nel coniugare il comico con il drammatico, riesce a dare al film un ritmo che alterna momenti di riflessione a gag di grande impatto. La sceneggiatura, scritta a quattro mani da Quinto e Battista, è un perfetto equilibrio tra umorismo e riflessione sul tempo, sull’identità e sulla ricerca di un riscatto, temi che emergono con naturalezza senza mai appesantire il tono generale del film. La fotografia di Antonio Scappatura cattura magnificamente i contrasti tra l’antico e il contemporaneo, mentre la colonna sonora curata da Giorgio Lorito e Francesco Tosoni accompagna il viaggio emotivo e comico del protagonista con una musicalità che rispecchia le sfumature della pellicola.

“Tu quoque” è quindi più di una semplice commedia: è una riflessione sul tempo che scorre e sulle possibilità che la vita ci offre, anche quando sembra essere troppo tardi. Massimo, nella sua avventura nell’antica Roma, trova non solo una nuova dimensione del sé, ma anche la possibilità di cambiare il proprio destino. Il titolo stesso, “Tu quoque”, richiamando l’iconica frase di Cesare, suggerisce l’incontro di due mondi lontani, ma più simili di quanto si possa pensare. Alla fine, il film ci invita a riflettere sul nostro rapporto con il passato e con le scelte che, a volte, ci sembrano irreversibili.

Con un cast brillante, una regia attenta e una sceneggiatura che sa mescolare comicità e riflessione, “Tu quoque” è un film che non solo farà ridere, ma che lascerà anche un’impronta duratura nel cuore degli spettatori. Una commedia che sa essere, con leggerezza, un affresco della condizione umana, capace di regalare risate, ma anche spunti di riflessione su temi universali e sempre attuali.

Cinema & Tv

Epiphany: Kristen Wiig e Bill Murray protagonisti di una commedia romantica tra risate e riflessioni

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Il cinema è un universo fatto di storie che ci fanno ridere, riflettere e, a volte, ci conducono in viaggi emozionanti dove l’imprevisto e l’improbabile si incontrano. È proprio in questo spirito che nasce Epiphany, una nuova commedia che promette di essere tanto sorprendente quanto divertente. Con un cast d’eccezione, composto da Kristen Wiig (già celebre per il suo ruolo in Le amiche della sposa) e Bill Murray (un’icona immortale di Ghostbusters), il film si prepara a conquistare il pubblico con una trama che mescola romanticismo, risate e una buona dose di follia.

La storia di Epiphany, diretta da Max Barbakow (già noto per la brillante commedia Palm Springs – Vivi come se non ci fosse un domani), ruota attorno a Favorite Ives, un’ereditiera e icona della moda interpretata da Kristen Wiig. Immaginate una giovane donna abituata al lusso e al glamour, che, all’improvviso, si ritrova senza soldi e minacciata dai creditori. Per evitare il fallimento totale e preservare la sua posizione sociale, Favorite intraprende una disperata ricerca di due settimane per trovare un marito ricco che la salvi dalla rovina finanziaria. Una corsa contro il tempo che la porta a incontrare Oz Bell, un miliardario e genio della matematica interpretato da Bill Murray.

La storia si sviluppa attorno al curioso e affascinante scambio che si instaura tra i due protagonisti. Se, da un lato, Favorite ha disperato bisogno dei soldi di Oz per sfuggire alla sua disastrosa situazione economica, dall’altro Oz ha bisogno della sua energia e spontaneità per riscoprire la gioia di vivere, che nel tempo ha perso. Questo incontro inaspettato sembra destinato a cambiare le vite di entrambi, ma la vera domanda è: possono queste due anime così diverse trovare qualcosa di più? Può l’amore sbocciare da un incontro casuale e, soprattutto, da una ricerca disperata di sopravvivenza?

La sceneggiatura di Epiphany porta la firma di Mitch Glazer, noto per aver scritto film cult come S.O.S. fantasmi, e la trama ha tutte le carte in regola per catturare l’attenzione di chi ama le commedie romantiche con un tocco di intelligenza e originalità. A produrre il film ci pensano The Gotham Group, con Lee Stollman ed Ellen Goldsmith-Vein, mentre Kristen Wiig e Bill Murray non si limiteranno a interpretare i protagonisti, ma svolgeranno anche il ruolo di produttori esecutivi insieme a Jillian Apfelbaum e Margot Hand.

Un aspetto che renderà ancora più interessante Epiphany è la collaborazione internazionale che accompagna il progetto. Rocket Science si occuperà della distribuzione internazionale, mentre CAA Media Finance e Range Media Partners gestiranno i diritti negli Stati Uniti. Il film verrà presentato ufficialmente questa settimana al European Film Market di Berlino, un’occasione perfetta per farlo conoscere a livello mondiale.

Kristen Wiig, che recentemente ha ricevuto una nomination agli Emmy per la serie Palm Royale, è un’attrice che ha fatto della versatilità la sua cifra stilistica. È capace di passare con naturalezza da ruoli comici a quelli drammatici, come ha dimostrato anche nel suo lavoro più recente. Bill Murray, dal canto suo, non ha bisogno di presentazioni. Il suo fascino e la sua unicità lo rendono uno degli attori più amati e rispettati di Hollywood. Entrambi, con la loro chimica sullo schermo, promettono di regalarci una performance memorabile, capace di farci ridere e, al contempo, riflettere sull’assurdità della vita quotidiana.

Max Barbakow, già regista di Palm Springs, ha dichiarato che Epiphany è una “deliziosa esperienza rara”, una storia che riesce a farci ridere, emozionare e riflettere sugli aspetti più assurdi della vita. Secondo lui, l’alchimia che si creerà tra i due protagonisti, due “unicorni originali” come li ha definiti, offrirà uno spunto per esplorare temi come la ricerca di felicità, l’amore e il contrasto tra il denaro e la realizzazione personale.

Il regista sembra aver colto perfettamente il cuore della storia, che non è solo una commedia leggera, ma un viaggio che ci porta a riflettere su cosa accade quando si incrociano due mondi così diversi, ma destinati a confluire in un’avventura sorprendente. Per chi ha amato Palm Springs, un film che ha conquistato il cuore del pubblico con la sua ironia tagliente e la profondità emotiva, Epiphany sembra essere un altro capitolo in questa nuova onda di commedie sofisticate e ricche di spunti di riflessione.

In attesa di vedere come si svilupperà questa commedia, i fan di Kristen Wiig e Bill Murray possono sicuramente aspettarsi un’interpretazione brillante e un film che promette di intrattenere con intelligenza e umorismo. Se amate il mix tra commedia romantica e una buona dose di riflessioni sull’esistenza, Epiphany potrebbe essere proprio il film che stavate aspettando. Con una trama che gioca su equilibri delicati tra risate, riflessioni e quel tocco di magia che solo un film con questi protagonisti sa offrire, Epiphany è destinato a diventare una delle commedie più attese dell’anno.

Cinema & Tv

Heart Eyes: L’Ironico Slasher di San Valentino che Non Volevamo Ma Che Aspettavamo

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Il 7 febbraio 2025, pochi giorni prima che le vie si riempiano di cuori e cioccolatini, una proposta cinematografica decisamente fuori dagli schemi si prepara a irrompere nelle sale. Heart Eyes è il film che potrebbe cambiare per sempre il modo in cui vediamo il giorno di San Valentino, almeno per chi ama l’horror con un tocco di ironia. Una commistione tra slasher e commedia nera, che promette di regalare brividi e risate in un mix perfetto per gli amanti del genere. Prodotto da chi ha già lavorato a pellicole come M3GAN e My Best Friend’s Exorcism, il film gioca con le convenzioni dell’horror, con una trama che mescola paura e ironia, mentre ci accompagna in un viaggio inaspettato proprio nel cuore del periodo più romantico dell’anno.

La trama di Heart Eyes è un cocktail esplosivo di suspence e battute, dove il protagonista non è un semplice assassino, ma un killer dai tratti macabri, noto come “Heart Eyes”. Questo serial killer ha una missione singolare: uccidere coppie di innamorati durante la festa di San Valentino. Con una serie di omicidi brutali che hanno attraversato diverse città negli anni, la storia arriva a Seattle, dove Ally, una giovane designer interpretata da Olivia Holt, si trova nel mirino di questo inquietante personaggio. Dopo una delusione amorosa, Ally ha giurato di tenersi lontana da tutto ciò che riguarda il romanticismo, ma la sua vita prende una piega inaspettata quando incontra Jay (Mason Gooding), un affascinante collega designer con cui deve collaborare. Quello che inizia come un semplice progetto lavorativo si trasforma in una lotta per la sopravvivenza, mentre il killer Heart Eyes inizia a perseguitarli.

Un Cast Da Brivido

Nel cast troviamo un mix affiatato di volti noti e giovani promesse. Mason Gooding, già visto in Scream VI e nella serie Love, Victor, è il protagonista maschile, affiancato da Olivia Holt, conosciuta per il suo ruolo in Cruel Summer. A completare il gruppo, troviamo Jordana Brewster, famosa per il suo ruolo in Fast & Furious, e Devon Sawa, volto iconico del cinema horror, soprattutto per i suoi ruoli in Final Destination e Chucky. Questa combinazione di attori esperti e giovani talenti garantisce una performance dinamica, in grado di mantenere alta l’attenzione del pubblico.

La regia è affidata a Josh Ruben, un nome ormai noto agli appassionati di film che mischiano horror e ironia. Ruben ha già dimostrato di saper giocare con questi due elementi in passato, con film come Blood Relatives e A Wounded Fawn, e Heart Eyes sembra essere il suo terreno di gioco ideale. La sua abilità nel dosare tensione e comicità si riflette in ogni scena, creando un film che sa come farti ridere mentre stringi le mani sulla poltrona.

Un San Valentino Sanguinoso e Sarcastico

Il film non è solo un omaggio ai classici slasher come Scream o I Know What You Did Last Summer, ma si diverte anche a giocare con le aspettative del pubblico. Non manca il romance, certo, ma è trattato con un’irriverenza che rende la trama fresca e spiazzante. L’umorismo è uno degli ingredienti principali: le battute, le situazioni assurde e gli scontri tra i protagonisti con il killer aggiungono un tocco di parodia, ma senza mai perdere il ritmo del terrore.

Le riprese di Heart Eyes sono state girate in Nuova Zelanda, il che ha contribuito a creare scenari mozzafiato, lontani dai soliti clichè delle location hollywoodiane. La colonna sonora, curata da Jay Wadley, si unisce perfettamente al tono del film, con brani che amplificano la tensione, mantenendo sempre alta l’adrenalina.

La Critica e l’Accoglienza

Nonostante qualche critica riguardo al ritmo e ad alcuni momenti di umorismo un po’ forzato, Heart Eyes ha ricevuto una buona accoglienza dalla critica, che ha apprezzato la sua capacità di unire due mondi apparentemente inconciliabili come l’horror e la commedia romantica. A livello commerciale, il film si è già fatto notare, incassando 8,5 milioni di dollari nelle prime settimane di distribuzione e confermando l’interesse di un pubblico pronto ad esplorare nuove forme di intrattenimento durante la festa degli innamorati.

Heart Eyes è senza dubbio una proposta intrigante per chi è stanco delle solite storie d’amore zuccherose e cerca qualcosa di più audace per il proprio San Valentino. Un film che unisce paura, risate e un pizzico di romanticismo, pronto a farvi battere il cuore… ma con un bel po’ di inquietudine. Se volete un San Valentino diverso dal solito, fatto di sangue, sarcasmo e, naturalmente, suspense, non lasciatevi scappare questo slasher fuori dagli schemi. Heart Eyes è il film che vi farà ridere mentre vi farà anche chiedere: chi è davvero il mostro in questa storia?

Approfondimenti, AULAMANGA, Books + Comics

Dopo 10 anni si conclude il manga di Komi Can’t Communicate

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Dopo anni di successi, risate e riflessioni, il manga Komi Can’t Communicate di Tomohito Oda giunge finalmente alla sua conclusione, lasciando dietro di sé un’impronta indelebile nel cuore dei lettori. A partire dal debutto nel 2015, con un one-shot che ha immediatamente catturato l’attenzione, la serie ha preso vita in modo imprevedibile, raccontando la storia di Komi Shouko, una ragazza straordinariamente bella ma con un grave disturbo della comunicazione che le impedisce di stringere legami veri. Un tema universale che ha toccato milioni di cuori, specialmente quelli che, come me, sono appassionati di anime giapponesi e trovano nella crescita personale dei protagonisti un vero motore emotivo.

Komu Can’t Communicate non è solo una commedia scolastica, ma una vera e propria riflessione sulla solitudine, l’autostima e il potere dell’amicizia. Komi, pur essendo ammirata per la sua bellezza, vive intrappolata in un mondo di incomprensioni. La sua difficoltà di comunicare con gli altri, che la rende apparentemente distante e arrogante agli occhi degli altri, è una metafora perfetta di tante barriere invisibili che ci impediscono di avvicinarci gli uni agli altri. In questo contesto, Tadano Hitohito, il ragazzo “ordinario” che diventa il suo primo vero amico, rappresenta la speranza: il suo impegno per aiutare Komi ad aprirsi al mondo esterno è uno dei motori principali che spinge l’intera narrazione, dando vita a una delle storie di amicizia più toccanti e autentiche che abbia mai letto. Il rapporto tra Komi e Tadano non si sviluppa in modo forzato e romantico, come accade in tante altre storie, ma cresce in maniera naturale e progressiva, mostrando quanto possa essere difficile e al contempo splendido il cammino verso la comunicazione reciproca. Ogni piccolo passo che Komi fa, ogni timido tentativo di parlare o di stringere legami, diventa un trionfo emotivo. È una crescita lenta, ma emozionante, che ci accompagna per oltre sette anni di pubblicazione.

Oltre alla protagonista, è l’intero cast che rende Komi Can’t Communicate una lettura memorabile. Personaggi come Najimi Osana, l’amica d’infanzia di Tadano, e Rumiko Manbagi, la ragazza che inizialmente appare come una tipica gyaru e che si evolve in una delle amiche più sincere di Komi, aggiungono spessore alla storia. La varietà dei personaggi e la loro evoluzione, che si intrecciano in modo incredibilmente realistico, sono uno dei punti di forza del manga. Non sono solo comparse, ma veri e propri agenti di cambiamento nella vita della protagonista.

Nel 2021, l’adattamento anime di Komi Can’t Communicate ha portato la storia a una nuova dimensione, permettendo al pubblico internazionale di apprezzare le sue sfumature emotive. La serie, trasmessa su Netflix, ha subito raccolto un grande seguito, merito della sua animazione vivace, dei momenti comici ma anche di quelli più riflessivi. L’anime riesce perfettamente a catturare l’atmosfera leggera ma al contempo toccante del manga, amplificando le emozioni attraverso sequenze di grande impatto visivo e dialoghi che risuonano forte anche fuori dalla carta stampata. L’interpretazione dei personaggi, con la loro espressività accentuata, dona alla serie una visione che il manga da solo non poteva dare. L’effetto “chibi” dei personaggi, per esempio, è esaltato nell’anime in un modo che non solo diverte, ma aiuta anche a trasmettere il loro stato d’animo, a volte comico, a volte struggente.

Lo stile grafico di Tomohito Oda ha sempre diviso i lettori. Alcuni criticano l’uso eccessivo del chibi e delle espressioni esagerate, ma io trovo che queste siano scelte stilistiche che arricchiscono la lettura, enfatizzando le emozioni dei personaggi in un modo che rende il manga non solo divertente ma anche visivamente unico. Certo, ci sono alcune ripetizioni nelle tavole, dovute ai tempi stretti della pubblicazione, ma ciò non diminuisce la capacità dell’autore di trasmettere il cuore pulsante della storia. Anche se Komi Can’t Communicate è principalmente una commedia, il manga riesce a stupirci con dialoghi che, pur nella loro semplicità, offrono spunti di riflessione. Le conversazioni tra Komi e Tadano, per esempio, non sono mai solo leggere e divertenti, ma si arricchiscono di significato ogni volta che i due interagiscono. La loro amicizia non è mai unidimensionale: è fatta di piccoli gesti, di incomprensioni e, soprattutto, di crescita reciproca.

Con l’annuncio della conclusione del manga nel 2025, i lettori sono chiamati a dire addio a una delle storie più significative degli ultimi anni. Nonostante la fine di Komi Can’t Communicate, il messaggio che lascia nel cuore dei fan è quello di non arrendersi mai nella ricerca di legami autentici. Komi ha insegnato a ciascuno di noi quanto sia importante l’amicizia, la comunicazione e la comprensione reciproca, senza dimenticare che ogni piccolo passo verso gli altri è un trionfo personale.La fine della serie non segnerà però la fine dell’impatto che Komi Can’t Communicate ha avuto sulla comunità di lettori e spettatori. La speranza, per chi come me è cresciuto con questo manga, è che l’insegnamento di Komi e Tadano continui a risuonare anche al di fuori delle pagine del manga, dove la comunicazione e l’amicizia sono temi che toccano ognuno di noi, ogni giorno.

Cinema & Tv

Kinda Pregnant: La nuova commedia di Netflix con Amy Schumer, tra risate e situazioni surreali

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A febbraio, Netflix presenterà una commedia che sembra avere tutte le carte in regola per conquistare il pubblico con risate e riflessioni: Kinda Pregnant. Diretto da Tyler Spindel e scritto da Julie Paiva, il film vede Amy Schumer come protagonista, nei panni di Lainy Newton, una giovane insegnante single che si ritrova a vivere una serie di situazioni surreali, tra desideri di maternità e complicazioni amorose, in pieno stile Schumer.

La trama prende il via quando Lainy scopre che la sua migliore amica è incinta, scatenando in lei un turbine di emozioni, tra gelosia e paura di non riuscire mai a realizzare il suo sogno di diventare madre. La reazione di Lainy a questa notizia è decisamente inaspettata: decide di indossare un pancione finto per cercare di colmare il vuoto che sente dentro di sé. Ma proprio quando sembra che la situazione non possa diventare più assurda, un colpo di scena cambia tutto: Lainy incontra l’uomo dei suoi sogni, interpretato da Will Forte. E così, una finta gravidanza si trasforma in una vera e propria spirale di eventi, che metteranno alla prova il suo inganno e le sue emozioni. Lainy dovrà destreggiarsi tra il segreto del pancione e la nuova relazione, dando vita a una serie di situazioni che promettono di regalare molte risate.

Accanto alla Schumer, il film vanta un cast di comici e attori di talento che rendono Kinda Pregnant ancora più interessante. Jillian Bell, che già ci ha fatto ridere in pellicole come 22 Jump Street e Brittany Runs a Marathon, avrà un ruolo di grande rilievo, mentre Will Forte, noto per il suo lavoro in MacGruber e The Last Man on Earth, vestirà i panni dell’uomo che fa battere il cuore di Lainy. Il cast si arricchisce di nomi come Damon Wayans Jr., Brianne Howey, Chris Geere, Alex Moffat, Joel David Moore, Lizze Broadway, Urzila Carlson e Francis Benhamou, che contribuiscono a creare un gruppo affiatato che offrirà ulteriori spunti di comicità e dinamiche di gruppo.

La produzione di Kinda Pregnant vede Amy Schumer non solo come protagonista, ma anche come una delle produttrici del film, portando la sua esperienza e visione nella creazione di storie che uniscono risate e riflessioni più profonde. Il film è prodotto da Happy Madison Productions, la casa di produzione di Adam Sandler, che ha dato vita a molte delle commedie più amate del panorama cinematografico. Al fianco di Sandler, Tim Herlihy, Judit Maull, Kevin Grady ed Eli Thomas si sono uniti come produttori esecutivi, con il contributo di Molly Sims per Something Happy Productions.

Le riprese sono iniziate il 26 febbraio 2024 a New York, con alcune scene girate nel quartiere di Brooklyn, che offre lo sfondo perfetto per questa commedia vivace e frizzante. La scelta delle location contribuisce a dare autenticità e dinamismo alla storia, che gioca tra il comico e il sentimentale, senza mai perdere il ritmo e l’energia.

Il film arriverà su Netflix il 5 febbraio 2025, una data perfetta per una commedia che promette di portare una ventata di freschezza e risate in un mese che ha bisogno di una storia leggera e divertente. Kinda Pregnant è un mix irresistibile di umorismo, romanticismo e un pizzico di assurdità che toccherà temi universali come il desiderio di maternità e le complicazioni delle relazioni moderne. Non resta che aspettare il 2025 per scoprire come Lainy riuscirà a gestire il suo pancione finto e una storia d’amore che sembra essere, forse, più reale di quanto non sembri.

AULAMANGA, Cinema & Tv

Mi sono ritrovato a convivere con una kunoichi NEET arriva su ANiME Generation: risate e azione nell’anime del 2025

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Yamato Video accende il 2025 con una novità che promette di portare un’ondata di risate e situazioni assurde: Mi sono ritrovato a convivere con una kunoichi NEET (NEET Kunoichi to Nazeka Dōsei Hajimemashita), che debutta in simulcast il 4 gennaio su ANiME Generation, il canale tematico di Amazon Prime Video. Questo anime, tratto dal manga omonimo, mescola azione, umorismo e slice-of-life, e si presenta come una commedia romantica fuori dagli schemi. Il manga, pubblicato su No. 9 Comic, ha già conquistato i lettori con la sua trama esilarante e i suoi personaggi stravaganti.

Nel cuore della storia troviamo Tsukasa, un impiegato comune che, dopo essere stato attaccato da un demone, viene salvato dalla misteriosa Shizuri, una ninja che vive come una NEET (ovvero una giovane che non studia né lavora) e condivide una passione sfrenata per la cultura otaku. La strana convivenza tra i due darà vita a una serie di situazioni esilaranti: Shizuri protegge Tsukasa dai demoni, mentre lui si occupa delle faccende domestiche. Tra combattimenti, momenti quotidiani e divertenti gag, l’anime promette di intrattenere con un mix perfetto di azione e comicità.

Il cast vocale è una vera e propria festa per gli appassionati. Hinaki Yano dà voce a Shizuri, mentre Shōya Ishige interpreta Tsukasa. Ai Fairouz, nota per il suo ruolo di Power in Chainsaw Man, presta la voce a Ayame Momochi, e la veterana Yui Horie (già famosa per numerosi ruoli nel panorama anime) interpreta Saya Hazuki. Un cast che non mancherà di entusiasmare i fan.

Alla direzione dell’anime troviamo Hisashi Saito, noto per aver lavorato a Sora no Otoshimono, mentre la sceneggiatura è affidata a Takashi Aoshima, che ha già dimostrato il suo talento in serie come The 100 Girlfriends Who Really, Really, Really, REALLY Love You. Il design dei personaggi è curato da Masahiko Suzuki, mentre la colonna sonora è firmata da CMJK, noto per le sue composizioni in Eyeshield 21.

La serie si arricchisce anche di sigle travolgenti: l’opening “Neet In Jam🍓”, cantata dai REAL AKIBA BOYZ in collaborazione con Shōko Nakagawa, e l’ending “NEETopia”, interpretata da Hinaki Yano nei panni di Shizuri.

Le origini del manga risalgono al 2020, quando Kotatsu iniziò a pubblicarlo su Twitter. La serie ha poi trovato la sua collocazione su No. 9 Comic di Niconico Seiga, conquistando un pubblico sempre più ampio con la sua miscela unica di azione e umorismo. Attualmente, il manga conta quattro volumi.

Con NEET Kunoichi, Yamato Video conferma il suo impegno a portare simulcast stagionali anche in Italia, continuando a offrire nuove esperienze ai fan del genere. Sebbene alcune critiche siano emerse riguardo alla qualità e alla quantità dei titoli proposti, questa serie potrebbe essere la sorpresa leggera che mancava per iniziare il 2025 con il sorriso.

Il trailer ufficiale mostra un mix di azione e comicità, anticipando l’assurda dinamica tra Tsukasa e Shizuri. Tra costumi tradizionali e riferimenti alla cultura otaku, NEET Kunoichi si prospetta come un anime che saprà affascinare chi cerca una ventata di freschezza nel panorama degli anime invernali.

Gaming

Tali e Squali: Il Gioco di Carte che Ti Fa Squalo di Risate!

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Se c’è un gioco che promette di portare una ventata di freschezza, risate e competizione nella tua serata, è Tali e Squali – Il gioco di carte più squallidamente divertente che tu abbia mai visto! Creato dallo studio Supernova, questo gioco unisce strategia, bluff, e una buona dose di giochi di parole con il tema degli squali, creando un’esperienza ludica adatta a tutti, ma soprattutto agli appassionati di giochi di carte originali e divertenti.

In Tali e Squali, l’obiettivo è semplice ma coinvolgente: i giocatori devono cercare di restare con in mano solo le carte giuste, gli “Squelli!”, per chiudere la partita con un punteggio bonus. Ma attenzione, perché durante il gioco dovrai affrontare mille insidie, tra carte rubate, effetti speciali da attivare e indovinelli da risolvere, il tutto condito con battute e personaggi squallidi e carismatici.

Il Gioco: Divertimento, Strategie e Colpi di Scena!

Ogni partita di Tali e Squali si sviluppa attraverso tre azioni principali: pescare, fare Tali e Squali, e attivare effetti speciali. Cominciamo con la pesca: ad ogni turno, i giocatori sono chiamati a pescare una carta a caso da un altro giocatore. Ma attenzione, non sempre quello che troverai nella carta sarà utile per te, perché dovrai avere sempre gli squali giusti in mano. Ecco che entra in gioco il secondo passaggio, Tali e Squali, che ti permette di giocare una coppia di squali uguali per fare punti.

E non finisce qui, perché l’aspetto più esilarante e imprevedibile del gioco sono gli effetti speciali. Durante il gioco, infatti, ogni carta di squalo ha un effetto speciale che può capovolgere l’andamento della partita. Potresti dover rubare carte, indovinare chi ha uno squalo specifico, lanciare uno squaletto o, addirittura, prendere lo squaletto prima degli altri giocatori per non perdere punti! Ogni effetto è un colpo di scena che rende il gioco più emozionante e imprevedibile.

Squali Stravaganti: Personaggi che Non Dimenticherai!

A rendere ancora più divertente l’esperienza di Tali e Squali sono i suoi protagonisti: personaggi assurdi e memorabili che popolano il gioco, tra cui Squandalf, Sharkira, Pasqualo, e Pesce Cane. Questi squali hanno una personalità ben definita e aggiungono quel tocco di comicità che rende il gioco ideale per chi ama i giochi di parole e i personaggi bizzarri. Ogni carta, infatti, è un’ulteriore occasione per ridere e divertirsi, sia con amici che con la famiglia. La combinazione di battute esilaranti e meccaniche di gioco strategiche lo rende perfetto per chi cerca una sfida divertente senza prendere troppo sul serio la competizione.

Un Gioco Per Tutti: Famiglie, Amici e Appassionati di Giochi di Parole

Se sei alla ricerca di un gioco che possa intrattenere tutta la famiglia o i tuoi amici, Tali e Squali è quello che fa per te. La grafica colorata e la facilità con cui si possono imparare le regole lo rendono accessibile anche ai giocatori più giovani, senza rinunciare alla profondità di gioco che farà divertire anche i più esperti. La continua interazione tra i giocatori, il dover prendere decisioni rapide e le strategie da attuare per non rimanere con le mani vuote rendono ogni partita unica e mai noiosa.

La grande novità che porta Tali e Squali sul tavolo da gioco è la sua capacità di mescolare il divertimento da gioco di carte con una narrazione leggera e giocosa. Questo gioco si adatta perfettamente a chi cerca non solo un gioco da tavolo, ma anche un’occasione di socializzazione piena di risate e competizione amichevole. Non importa se stai giocando con la tua famiglia, con amici o con i tuoi compagni di gioco preferiti: Tali e Squali è un gioco che ti farà venire voglia di giocare ancora e ancora.

Quando Iniziare a Giocare?

Tali e Squali sarà disponibile dal 15 dicembre nelle migliori fumetterie e negozi di giochi da tavolo, pronto a conquistare il cuore degli appassionati e a farti divertire come mai prima. Se sei un amante degli squali, delle risate e dei giochi di carte che ti tengono sempre sull’attenti, non perderti questo incredibile gioco di carte. Prepara il tuo “Squelli!” e lasciati travolgere da un mare di divertimento e colpi di scena, che solo Tali e Squali sa offrire.

Che tu sia un giocatore esperto o un neofita, Tali e Squali è il gioco perfetto per aggiungere un po’ di pepe alla tua collezione di giochi da tavolo, con il suo mix irresistibile di strategia, fortuna e tanto, tanto umorismo!

Cinema & Tv

Dear Santa. La commedia natalizia diabolica con Jack Black in arrivo su Paramount+

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Il 25 novembre 2024, Paramount+ lancia un film che promette di scuotere il tradizionale spirito natalizio: Dear Santa. Diretto da Bobby Farrelly, uno dei due fratelli Farrelly dietro alcune delle commedie più folli e irriverenti degli ultimi decenni, il film mescola magia natalizia e umorismo demoniaco, dando vita a una commedia di Natale davvero unica nel suo genere.

La trama di Dear Santa prende il via da un piccolo, ma fatale errore di ortografia che cambia tutto. Liam Turner, un bambino che ha ancora una ferma fede in Babbo Natale, decide di scrivere una lettera al vecchio con la barba per dimostrare ai suoi amici che Babbo Natale esiste davvero. Ma, nel suo entusiasmo, il piccolo Liam commette un errore: invece di scrivere “Santa”, finisce per scrivere “Satan”. Così, anziché finire nella cassetta delle lettere di Babbo Natale, la sua missiva giunge al destinatario sbagliato: il Diavolo in persona (il sempre esilarante Jack Black), che si trova ad affrontare una situazione del tutto nuova per il suo status demoniaco. Onorato dalla richiesta, il Diavolo decide di fare visita al bambino, scatenando una serie di eventi che trasformano il Natale in un turbinio di sorprese e risate. Black, con il suo stile comico inconfondibile, regala al personaggio del Diavolo una comicità sopra le righe, rendendo Dear Santa una commedia che non ha paura di mischiare il sacro e il profano, sempre con il sorriso sulle labbra. Dopo tutto, chi ha detto che un po’ diabolico non possa essere anche divertente?

Oltre a Jack Black, il film vanta un cast stellare, con Keegan-Michael Key che si unisce alla festa insieme ad altri talenti come Brianne Howey, Hayes MacArthur, PJ Byrne, Jaden Carson Baker, Kai Cech e Austin Post. Un mix esplosivo di umorismo che si promette di regalare risate a non finire. Il ritorno dei fratelli Farrelly al lavoro insieme è un altro punto di interesse. Dopo dieci anni dal successo di Scemo & + Scemo 2, Peter Farrelly, che ha scritto la sceneggiatura, e Bobby Farrelly, regista del film, si riuniscono per portare una ventata di follia natalizia. L’intento non è quello di creare un film horror, ma di realizzare una commedia divertente che capovolga le aspettative e sorprenda il pubblico, in perfetto stile Farrelly.

La scelta di Jack Black per interpretare Satan è un vero colpo di genio. Secondo i fratelli Farrelly, Black è stato subito la prima e unica scelta per il ruolo. La sua abilità nel mescolare il comico e il surreale è perfetta per un personaggio che di solito incarna il lato oscuro e minaccioso. Quando Black ha letto la sceneggiatura, ha immediatamente accettato, dichiarando di essere “nato per interpretare questo ruolo”. È persino diventato così appassionato del progetto che ha inviato una foto ai Farrelly vestito da un “strano Babbo Natale”, un segno del suo entusiasmo per il film.

Con una trama originale e un cast eccezionale, Dear Santa si preannuncia come una delle commedie natalizie più interessanti di quest’anno. Il film, disponibile su Paramount+ dal 25 novembre, non è la solita storia di Natale con il lieto fine prevedibile, ma un’esperienza comica che mescola l’ironia con l’assurdo, portando in scena una versione del Natale che è tanto fuori dagli schemi quanto irresistibile. E se pensavate che fosse l’unico progetto natalizio di Jack Black, vi sbagliate: l’attore sarà anche nel cast di Minecraft: The Movie, in uscita nel 2025, un altro film che promette di spingere ancora più in là i confini della stravaganza.  Grazie a un cast fantastico e alla visione irriverente dei fratelli Farrelly, il film sembra destinato a diventare un nuovo classico delle festività, portando un po’ di caos e molta risata sotto l’albero. Se siete stanchi dei soliti film di Natale e cercate qualcosa di davvero originale, Dear Santa è il film che fa per voi.