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Tessa Hulls vince il Premio Pulitzer 2025 con il graphic novel Feeding Ghosts – Un viaggio nelle memorie familiari

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Tessa Hulls ha appena conquistato uno dei più prestigiosi riconoscimenti letterari al mondo, il Premio Pulitzer 2025 per la categoria Memoir e Autobiografia, con il suo graphic novel Feeding Ghosts. Un’opera che non è solo un viaggio personale, ma un’incursione potente nelle profondità della storia, della memoria e dei traumi generazionali. Il graphic novel, che verrà pubblicato in Italia dalla casa editrice Tunué, si preannuncia come una lettura imprescindibile per gli appassionati di narrativa grafica e per tutti coloro che sono sensibili alle storie che raccontano la lotta per la sopravvivenza, l’esilio e la ricerca di sé.

Il Premio Pulitzer è un traguardo che sigilla un percorso artistico straordinario, ma ciò che rende Feeding Ghosts davvero speciale non è solo il riconoscimento ricevuto, bensì la sua capacità di mescolare la potenza evocativa del fumetto con la profondità di un racconto intimo e storico. La stessa amministratrice del Premio Pulitzer, Marjorie Miller, ha definito l’opera come “un’autentica fusione di arte e ricerca letteraria”, sottolineando la sua capacità di dare vita a tre generazioni di donne cinesi, attraverso i tratti di Tessa, sua madre e sua nonna. Un viaggio che esplora il trauma che si tramanda di madre in figlia, rivelando l’ombra persistente di storie familiari sepolte, ma non dimenticate.

Il graphic novel si addentra nella complessa e travagliata vita della nonna dell’autrice, Sun Yi, una giornalista di Shanghai che ha vissuto in prima persona le violenze e le difficoltà derivanti dalla vittoria comunista del 1949. Dopo essere fuggita a Hong Kong, Sun Yi ha scritto una memoria di grande successo sulla sua persecuzione, ma ha anche vissuto un crollo psicologico da cui non si è mai ripresa. Tessa Hulls, nel suo percorso di indagine sulle radici familiari, si è confrontata con questa eredità di sofferenza e ricerca di identità, mettendo a nudo il modo in cui i traumi delle generazioni precedenti riecheggiano nel presente. Un lavoro che ha richiesto quasi dieci anni di riflessione e ricerca, e che ora, con la sua pubblicazione, ha conquistato anche l’ambito Pulitzer.

Feeding Ghosts non è solo una memoria di famiglia, ma anche una riflessione sul significato di “casa”, su cosa significa appartenere a una cultura e affrontare le cicatrici lasciate dal passato. La Hulls racconta non solo la propria storia, ma una più ampia storia di esilio e identità, di amore e dolore, di donne che lottano per trovare la propria voce in un mondo che non smette mai di cambiare. Il graphic novel si erge così come un lavoro di straordinaria importanza, capace di unire le suggestioni visive del fumetto alla profondità del memoir, e conquistando riconoscimenti inaspettati come il National Book Critics Circle John Leonard Prize, l’Anisfield-Wolf Prize, e il Libby Award per il miglior graphic novel.

L’autrice, Tessa Hulls, è un’artista e scrittrice poliedrica che ha sempre vissuto al di fuori dei confini tradizionali, esplorando il mondo con un’energia quasi irrequieta che l’ha portata a calcare tutti e sette i continenti. Il suo lavoro, pubblicato in testate come The Washington Post e Atlas Obscura, ha suscitato l’interesse di una vasta audience, e ora il suo primo libro trova finalmente spazio in un catalogo d’eccezione come quello di Tunué. La Hulls, che ha ricevuto anche il Washington Artist Trust Arts Innovator Award, porta nel suo lavoro una visione che supera i confini della pura autobiografia per diventare un’opera che invita alla riflessione sulla memoria, sull’eredità culturale e sulla resilienza.

La pubblicazione di Feeding Ghosts in Italia arricchisce ulteriormente il già prestigioso catalogo della Tunué, casa editrice che ha recentemente accolto altre opere di valore come I Pizzly di Jérémie Moreau, vincitore del Premio Strega, e La vita che desideri di Francesco Memo e Barbara Borlini, premiato con il Manzoni. Con questa aggiunta, Tunué conferma il suo impegno nella promozione di graphic novel di altissimo livello, capaci di unire qualità narrativa e visiva, e di trattare tematiche universali con un linguaggio innovativo e coinvolgente.

Feeding Ghosts non è solo una lettura, ma un’esperienza emotiva e intellettuale che lascia il segno. Un’opera che ci ricorda quanto il personale sia anche politico, come ci insegna Ling Ma, autrice di Bliss Montage, che ha definito il libro “un’impresa audace e stupefacente”. Per Tessa Hulls, Feeding Ghosts è il suo ritorno a casa, un viaggio doloroso, ma necessario, che ci obbliga a confrontarci con il passato, con i suoi fantasmi e con l’amore che, nonostante tutto, riesce a tenerci uniti.

Hi-Tech, Storia & Misteri

Alla ricerca di Eva: Viaggio nel DNA per scoprire l’antenata comune dell’umanità

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In un tempo remoto, perduto fra le sabbie africane di decine di millenni fa, visse una donna di cui oggi non conosciamo il nome, l’aspetto, né le parole che usava per comunicare. Eppure, ogni essere umano vivente oggi porta dentro di sé una traccia inequivocabile di lei: minuscoli filamenti di DNA custoditi nei mitocondri, le centrali energetiche delle nostre cellule. Questa donna, che la scienza ha ribattezzato “Eva mitocondriale“, non è un personaggio biblico, ma un fatto biologico, una figura silenziosa incastonata nell’intreccio molecolare della nostra esistenza.

La scoperta dell’Eva mitocondriale ha rivoluzionato il modo in cui comprendiamo le nostre origini. A differenza del DNA nucleare, che si eredita da entrambi i genitori, il DNA mitocondriale (mtDNA) viene trasmesso quasi esclusivamente dalla madre. Ogni cellula del nostro corpo è quindi una sorta di capsula del tempo, che custodisce intatto questo patrimonio matrilineare. Analizzando le mutazioni accumulatesi nel mtDNA in persone di diverse etnie e provenienze geografiche, i genetisti hanno potuto ricostruire un albero genealogico che converge su un’unica donna vissuta tra i 99.000 e i 200.000 anni fa, molto probabilmente in Africa.

Ma Eva mitocondriale non era sola. Al contrario, condivise il suo mondo con migliaia di altre donne. Ciò che la rende speciale è il fatto che la sua linea matrilineare – quella che attraverso le figlie, e le figlie delle figlie, è giunta fino a noi – non si è mai interrotta. Tutte le altre si sono spezzate lungo il cammino dell’evoluzione. Questo non fu frutto di una superiorità biologica, bensì del caso, dello straordinario gioco della deriva genetica. In ogni generazione, bastava un solo passaggio fallito – nessuna figlia, o nessuna figlia fertile – perché una linea si estinguesse. E così, un filo invisibile ha attraversato millenni, collegando questa donna antichissima a ciascuno di noi.

Eva è, quindi, la più recente antenata comune matrilineare dell’umanità, ma non l’unica antenata. Molti altri uomini e donne del suo tempo hanno lasciato un’eredità genetica nel nostro DNA nucleare, ma solo lei ha lasciato il segno esclusivo e diretto nel nostro DNA mitocondriale.

Il concetto stesso di Eva mitocondriale affascina per la sua semplicità e potenza evocativa, ma si porta dietro una serie di complessità che sfidano le nostre certezze. Per esempio, l’identificazione di questa figura si basa su un’ipotesi fondamentale: che il DNA mitocondriale venga ereditato solo per via materna e non subisca ricombinazione. Tuttavia, alcuni studi recenti hanno messo in discussione questa assunzione. È stato osservato, in rare occasioni, che anche i mitocondri dello spermatozoo possano essere trasmessi al figlio, e vi sono prove di possibili eventi di ricombinazione tra mitocondri materni e paterni. Se questi fenomeni si dimostrassero frequenti, l’intera costruzione concettuale di un’Eva mitocondriale potrebbe sgretolarsi o, quantomeno, richiedere una radicale revisione.

Un altro nodo affascinante è il confronto con il cosiddetto Adamo cromosomiale-Y, il maschio da cui tutti gli uomini viventi oggi discenderebbero per via paterna. Curiosamente, Adamo sembra essere vissuto molto dopo Eva, circa 75.000 anni fa. Questa discrepanza temporale ha alimentato varie ipotesi: forse un secondo collo di bottiglia genetico ha decimato le linee paterne in un’epoca successiva, oppure la poligamia e la disparità riproduttiva maschile hanno accelerato la perdita delle linee Y. In ogni caso, le due figure non erano compagni di vita, né vissuti nella stessa epoca: sono piuttosto metafore scientifiche delle nostre radici biologiche, punti di partenza per riflessioni più ampie su come la vita si perpetua nel tempo.

Eva si inserisce anche in un contesto più ampio, quello della teoria “Out of Africa”, secondo cui l’Homo sapiens moderno si sarebbe originato in Africa per poi diffondersi nel resto del mondo. I dati genetici, in particolare la grande varietà di mtDNA tra le popolazioni africane, suggeriscono che l’umanità abbia trascorso molto più tempo sul suolo africano che altrove. Quando i gruppi migratori lasciarono l’Africa, portarono con sé solo una parte della ricchezza genetica originaria. La costruzione di alberi filogenetici – che mostrano come le linee di mtDNA si siano ramificate nel tempo – conferma questa narrazione, mostrando che tutte le diramazioni extra-africane derivano da una madre africana.

Naturalmente, la scienza non è mai statica. Le filogenie sono costruzioni probabilistiche, e nuove scoperte possono ribaltare ciò che oggi diamo per acquisito. Alcuni ricercatori hanno messo in discussione l’interpretazione africana dei dati, proponendo che anche popolazioni asiatiche possano essere compatibili con l’origine dell’Eva mitocondriale. Tuttavia, con l’affinarsi degli algoritmi e delle tecniche di sequenziamento, le prove a favore della culla africana dell’umanità si sono consolidate.

Resta un ultimo elemento, forse il più suggestivo. L’Eva mitocondriale non è l’antenata di un popolo, ma di tutti i popoli. È un simbolo biologico di unità umana, una testimonianza che tutti noi, a prescindere dal colore della pelle, dalla lingua o dalla cultura, siamo connessi da una stessa, antichissima radice. In un mondo diviso da confini, guerre e pregiudizi, pensare che le nostre cellule raccontino una storia comune potrebbe forse insegnarci qualcosa di essenziale: che la diversità che ci caratterizza è solo la manifestazione superficiale di un’unica grande storia condivisa.

E allora, forse, guardare a Eva non è solo un esercizio scientifico, ma anche un atto di riconciliazione con ciò che siamo stati. Un modo per ricordare che, se torniamo indietro abbastanza a lungo, ogni volto umano si riflette nell’altro.

Cinema & Tv

“Scissione” – Stagione 2: un viaggio intimo nell’identità fratturata

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Nel vasto panorama delle serie televisive contemporanee, poche riescono a combinare l’eleganza visiva, la potenza tematica e l’inquietudine esistenziale come “Scissione” (Severance). Dopo il debutto folgorante del 2022, la seconda stagione — nonostante una produzione travagliata e ritardi causati da tensioni creative e scioperi sindacali — torna finalmente su Apple TV+ e lo fa con una delicatezza chirurgica, portando lo spettatore ancora più a fondo nei meandri della mente divisa.

Dan Erickson, creatore e showrunner, dimostra un controllo narrativo impeccabile, mentre Ben Stiller e la direttrice della fotografia Jessica Lee Gagné plasmano un mondo visivo che è al tempo stesso glaciale e febbrile, freddo come i corridoi vuoti della Lumon e intenso come i volti sofferenti dei suoi personaggi. Non è semplice raccontare cosa accade in “Scissione”, non perché sia una serie criptica, ma perché ogni scena sembra portare il peso di significati molteplici, ogni gesto è una domanda sull’identità, ogni sguardo una frattura tra chi si è e chi si è costretti ad essere.

La stagione si apre con un ritmo volutamente più lento rispetto alla precedente. Non è un difetto, ma una scelta precisa: Erickson espande l’universo della Lumon Industries per dare respiro ai suoi personaggi, a quelle “personalità innestate” — gli Innie — che ora cominciano a interrogarsi sul loro diritto all’esistenza, al di là della funzione lavorativa che li giustifica. È un atto di ribellione, ma anche un grido d’identità. E qui, la scrittura trova la sua più grande forza: non si limita a raccontare un complotto aziendale, ma mette in scena una vera e propria guerra interiore tra il sé di superficie e quello profondo.

Al centro di tutto rimane Mark, interpretato da un Adam Scott semplicemente straordinario. La sua capacità di rendere tangibile la frattura tra il Mark “Outie”, segnato dal dolore e dalla malinconia, e il Mark “Innie”, costretto a recitare una versione sempre sorridente di sé, raggiunge qui il suo apice. Nel momento in cui entrambe le sue versioni iniziano a cercare la moglie Gemma (Dichen Lachman), creduta morta e invece legata in modi oscuri alla Lumon, la serie si trasforma in un dramma esistenziale travestito da thriller sci-fi. Il nono episodio, “The After Hours”, è un punto di svolta emotivo devastante, in cui Scott mette in scena lo scontro tra la consapevolezza e la negazione, tra amore e controllo.

Non meno centrale è la figura di Helly, incarnata con impeto e vulnerabilità da Britt Lower. Se nella prima stagione Helly era il simbolo della rivolta istintiva, ora è anche l’emblema della confusione affettiva: il suo legame con Mark si approfondisce, ma viene manipolato dalla sua controparte esterna, Helena Eagan, che continua a usare i sentimenti della propria metà “spezzata” per i fini della famiglia. Questo sdoppiamento, che potrebbe suonare forzato in un’altra serie, qui diventa straziante — come se ogni personaggio vivesse una tragedia greca intrappolata in un algoritmo aziendale.

Un altro arco narrativo che sorprende per maturità e sensibilità è quello di Dylan, interpretato da Zach Cherry. La possibilità concessa al suo Outie di vedere la moglie mentre è ancora “al lavoro” crea un cortocircuito emozionale toccante. Dylan diventa il primo esempio concreto di come le due versioni di una persona possano finalmente riconoscersi e accettarsi, portando una speranza che però viene subito messa in discussione da una struttura che si regge sulla negazione dell’individualità.

Ma è Irving, interpretato da un intenso John Turturro, a dominare con un arco narrativo che fonde amore, paranoia e sacrificio. Il suo rapporto con Burt (Christopher Walken) evolve in un secondo atto tragico e poetico, carico di tenerezza e rimpianto. L’ostinazione con cui Irving cerca la verità — e la bellezza con cui quella verità viene rivelata — rappresentano il cuore più puro della serie: il desiderio umano di capire chi siamo veramente, anche a costo della sofferenza.

La regia, firmata anche da Jessica Lee Gagné nell’episodio “Chikhai Bardo”, offre un linguaggio visivo sempre più vicino al cinema d’autore. Le atmosfere ricordano Eternal Sunshine of the Spotless Mind e Dollhouse, ma con una cifra tutta propria. Il loop narrativo che inizia con la corsa disperata di Mark e termina con quella liberatoria insieme a Helly è un colpo di genio che incapsula tutto il significato della stagione: dal panico alla speranza, dalla separazione alla riconnessione.

La serie non è priva di difetti. Alcune sottotrame, come quella di Harmony Cobel (Patricia Arquette), risultano allungate oltre il necessario. I momenti dedicati alla sua vita post-Lumon rallentano il ritmo in modo forse eccessivo, anche se trovano una loro ragione narrativa nell’ottavo episodio, dove il suo legame con l’azienda assume contorni più umani e meno ideologici. In compenso, Seth Milchick (Tramell Tillman) si rivela una figura sempre più interessante: il suo ruolo di aguzzino per necessità, costretto a mantenere l’ordine in un sistema che lui stesso non comprende più, regala momenti di grande tensione e ambiguità.

Visivamente, “Scissione” si conferma come una delle serie più affascinanti della televisione contemporanea. Le ambientazioni glaciali, i giochi di luce e la regia ipnotica trasformano ogni episodio in un’opera d’arte inquieta. L’episodio ambientato a Woe’s Hollow e quello nel villaggio di Sweet Vitriol sono esempi perfetti di come forma e contenuto possano fondersi per raccontare la desolazione interiore dei personaggi.

In definitiva, la seconda stagione di “Scissione” non è solo un ritorno riuscito: è un passo avanti nella costruzione di una mitologia moderna che parla di libertà, identità e amore in tempi di sorveglianza e alienazione. Ogni personaggio lotta per affermare la propria esistenza, ogni scena è una riflessione sul nostro rapporto con il lavoro, con la memoria, con il corpo. E se è vero che il finale lascia molte domande aperte, è altrettanto vero che ormai siamo pienamente coinvolti: come gli Innie, anche noi spettatori siamo diventati parte del sistema.

La buona notizia? La terza stagione è già stata annunciata. E dopo un finale così intenso, l’attesa non farà che aumentare il desiderio di tornare a varcare — ancora una volta — le porte della Lumon.

Cinema & Tv

Reinas: Un Dramma di Formazione tra Memoria e Speranza al Cinema dal 15 Maggio

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Uscirà nelle sale il 15 maggio con Exit Media l’acclamato Reinas di Klaudia Reynicke. Già presentato al Sundance Film Festival e premiato alla Berlinale e a Locarno, il film è un intenso dramma di formazione, un potente racconto tra memoria, identità e speranza.

Nell’estate del 1992, a Lima, tutto accade molto velocemente. Lucía e Aurora si preparano a lasciare definitivamente il loro paese insieme alla madre. Per partire, però, hanno bisogno che Carlos, il padre che ha sempre evitato le responsabilità genitoriali, firmi i loro documenti di uscita. A Carlos ha fatto comodo non fare il genitore, ma ora, se vuole conquistare l’amore delle sue figlie, deve dimostrare di meritarsi un posto nelle loro vite prima che partano.

Reinas si muove sullo sfondo del Perù dei primi anni Novanta, un paese segnato dalla crisi economica, dalla lotta contro il terrorismo e da un clima politico instabile. Quando infatti il presidente Alberto Fujimori compie un autogolpe nel 1992, sciogliendo il Parlamento e sospendendo la Costituzione, le libertà civili vengono represse e cresce il numero delle famiglie che scelgono l’esilio, inseguendo un futuro più sicuro oltreconfine. È in questo contesto che Klaudia Reynicke intreccia la sua storia personale – quella di una bambina che, come le protagoniste del film, ha lasciato il Perù per cercare una nuova vita altrove – con una narrazione cinematografica delicata, emozionante e sincera.

Dopo aver incantato il pubblico dei festival internazionali, Reinas, coproduzione Perù-Svizzera-Spagna, arriva al cinema come un viaggio intimo e universale sulla separazione, il desiderio di appartenenza e la forza delle donne che, anche in mezzo al caos, trovano il coraggio di scegliere il proprio destino.

Al montaggio, l’italiana Paola Freddi (Another End, Iddu), mentre nel cast, nel ruolo della nonna, spicca Susi Sánchez, volto noto del cinema di Pedro Almodóvar  (La pelle che abito, Julieta, Dolor y Gloria), affiancata da due straordinarie rivelazioni: Abril Gjurinovic e Luana Vega, giovani attrici che incarnano con autenticità lo sguardo puro e ribelle dell’adolescenza.

AULAMANGA, Books + Comics, KCulture

Dalla Corea all’Italia: Love is an Illusion! di Fargo arriva grazie a J-POP Manga

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L’universo dell’Omegaverse sta per accogliere un nuovo, travolgente successo in Italia. Il celebre manhwa coreano Love is an Illusion! di Fargo, già amatissimo dai fan del Boy’s Love grazie alla sua serializzazione su Lezhin Comics, farà il suo debutto sugli scaffali delle librerie italiane il 15 aprile grazie a J-POP Manga. I primi due volumi della serie saranno disponibili in un elegante cofanetto e già ora possono essere preordinati sul sito dell’editore. La pubblicazione proseguirà con uscite bimestrali, mantenendo il ritmo incalzante che ha reso celebre l’opera.

Love is an Illusion! non è una semplice storia d’amore, ma una vera e propria esplorazione delle dinamiche dell’Omegaverse, un sottogenere che mescola elementi di gerarchia sociale, biologia e passione. La trama ruota attorno a Hye-sung, un giovane che ha sempre creduto di essere un Alpha, la casta dominante di questo universo narrativo. Tuttavia, il destino gli riserva una rivelazione sconvolgente: è in realtà un Omega. Questa scoperta ribalta completamente la sua vita e le sue certezze, gettandolo in un vortice di emozioni e conflitti interiori. A complicare ulteriormente la situazione è Dojin, un Alpha dal carattere forte e sprezzante, che nutre un disprezzo profondo per gli Omega. Il loro incontro innesca una serie di eventi che porteranno a un’esplosione di tensione e attrazione, in un continuo gioco di sguardi, battibecchi e momenti di irresistibile chimica. Tra orgoglio, desiderio e un’irrefrenabile passione, Hye-sung e Dojin si ritroveranno a lottare contro il loro stesso destino.

La serie di Fargo ha visto la luce su Lezhin Comics tra gennaio 2018 e marzo 2021, conquistando rapidamente il pubblico grazie a un’arte raffinata, personaggi carismatici e una narrazione avvincente. Il successo di Love is an Illusion! è stato tale da generare anche un sequel, Love is an Illusion! – The Queen, iniziato nel febbraio 2022, che continua ad approfondire la vita e le relazioni dei protagonisti. L’opera ha ricevuto un’ampia accoglienza da parte della critica e della comunità BL, ottenendo un posto d’onore nella lista dei 40 manhwa imperdibili stilata dalla testata CBR. L’elogio va non solo alla qualità delle illustrazioni, ma anche alla profondità psicologica dei personaggi e alla capacità della storia di mescolare momenti di leggerezza e comicità con scene di intensa carica emotiva.

Grazie a J-POP Manga, Love is an Illusion! potrà finalmente raggiungere il pubblico italiano, ampliando l’offerta di titoli BL disponibili nel nostro paese. L’editore ha scelto un formato che farà la gioia dei collezionisti, con uscite a cadenza bimestrale e cofanetti che racchiudono due volumi alla volta, permettendo così ai lettori di immergersi appieno nella storia senza lunghe attese.Il primo box contenente i volumi 1 e 2 sarà disponibile in libreria, fumetteria e negli store online a partire dal 15 aprile. Per chi non vuole lasciarsi sfuggire questa edizione, il pre-order è già attivo sul sito dell’editore.

Se Killing Stalking, BJ Alex e Painter of the Night hanno conquistato il cuore degli appassionati del genere, Love is an Illusion! è destinato a seguire lo stesso percorso, grazie alla sua miscela esplosiva di dramma, romanticismo e sensualità. Con una storia che esplora l’identità, la scoperta di sé e le dinamiche di potere in una relazione, il manhwa di Fargo si prepara a lasciare il segno anche in Italia.

Il 15 aprile è una data da segnare in calendario per tutti i fan del BL e per chiunque voglia scoprire uno dei titoli più discussi e amati della scena coreana. Love is an Illusion! promette scintille, emozioni forti e una storia che non lascerà indifferenti. Preparatevi a lasciarvi travolgere dalla passione e dall’intensità di questo straordinario manhwa.

Books + Comics

“Io ti rifiaberò” di Vincenzo Pavone: Un Rinnovamento della Fiaba per i Lettori Moderni

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Le fiabe, sin dai loro albori, hanno svolto un ruolo fondamentale nel plasmare l’immaginario collettivo, diventando specchio delle paure, dei sogni e delle speranze che attraversano generazioni intere. Nonostante la loro origine antica e il legame profondo con le tradizioni, è innegabile che oggi il panorama culturale sia dominato da forme di intrattenimento sempre più digitalizzate, le quali sembrano sminuire la bellezza della lettura tradizionale. Eppure, in questo scenario moderno, “Io ti rifiaberò” di Vincenzo Pavone, pubblicato dal Gruppo Albatros Il Filo, si staglia come un faro luminoso che rinnova e reinventa la fiaba, capace di catturare l’immaginazione di lettori di ogni età con uno sguardo fresco, ricco di ironia e profondità.

Vincenzo Pavone, maestro di scuola primaria, porta nelle sue storie la sensibilità di chi, ogni giorno, si confronta con i giovani lettori. Il suo approccio alla fiaba è moderno eppure rispettoso delle sue radici tradizionali. Mantiene intatti gli archetipi classici – principesse e principi, fate benevole e streghe minacciose – ma li infonde di una leggerezza che parla al cuore del lettore contemporaneo. Ogni storia diventa, così, non solo un racconto, ma uno strumento di crescita, di introspezione, di scoperta. La magia della narrazione si fa guida, accompagnando chi legge attraverso emozioni e consapevolezze nuove, in un viaggio che si rinnova ad ogni pagina.

Ciò che colpisce di più in “Io ti rifiaberò” è la capacità dell’autore di parlare a tutti, grandi e piccoli, con la stessa forza. Le sue fiabe, pur nella loro apparente semplicità, sono attraversate da temi profondi e universali: la lotta tra il bene e il male, la necessità di superare le proprie paure, il viaggio come simbolo di crescita e maturazione. Pavone sa dosare sapientemente un linguaggio evocativo e ritmato, che richiama alla mente la tradizione orale, pur mantenendo una scrittura moderna che rispetta l’intelligenza e la sensibilità del lettore odierno. Ogni racconto diventa così un piccolo rito di ascolto, un invito a immergersi in un mondo dove il confine tra realtà e fantasia sfuma, lasciando spazio all’immaginazione e al sogno.

Una delle scelte più affascinanti di Pavone riguarda la rappresentazione dei suoi personaggi. Lontani dai rigidi stereotipi della fiaba tradizionale, le sue figure fiabesche sono ricche di sfumature psicologiche e caratteriali. Le streghe non sono solo malvagie, ma nascondono fragilità e vulnerabilità, rendendole più vicine alla realtà umana. Le fate, pur dotate di poteri straordinari, non sono onnipotenti, ma lottano con le loro difficoltà e insicurezze. I principi e le principesse, lontani dall’essere figure perfette, sono giovani in cammino, che affrontano i propri dubbi e paure. È proprio questo tratto umano che conferisce alla raccolta una dimensione educativa e profonda, capace di spingere chi legge a riflettere sulle scelte, sulle azioni e sulle loro implicazioni.

Tra le storie più significative spiccano racconti che si fanno simbolo di grandi temi universali. “La Strega Ragno”, ad esempio, racconta di una protagonista intrappolata in una ragnatela che rappresenta la paura dell’ignoto. Ma, attraverso l’intelligenza e la determinazione, riuscirà a liberarsi, scoprendo il valore della propria autonomia. In “La Fata Inverno”, Pavone affronta il tema del cambiamento e della ciclicità della vita, mostrando che anche nei momenti più freddi e difficili c’è sempre la promessa di un nuovo inizio. E in “La Strega Marionetta”, l’autore esplora l’identità e il libero arbitrio, mettendo in guardia contro i pericoli della manipolazione e della perdita di sé.

Ma “Io ti rifiaberò” non è solo un omaggio alla fiaba tradizionale, è anche un manifesto a favore della lettura come esperienza formativa e trasformativa. In un’epoca in cui la velocità e la frammentazione dell’attenzione sembrano dominare, Pavone invita il lettore a rallentare, a prendere tempo per immergersi in mondi fantastici che stimolano la creatività e il pensiero critico. In un mondo in cui la superficialità sembra prevalere, le fiabe diventano un atto di resistenza, un momento di intimità tra il lettore e la storia. Un legame profondo che rimane indelebile, anche quando il libro è chiuso.

“Io ti rifiaberò” è, in definitiva, un’opera che con delicatezza e astuzia rinnova la fiaba senza tradirne lo spirito. È un invito a sognare, ma anche a riflettere, a riavvicinarsi a un mondo antico e magico con uno sguardo contemporaneo. È la prova che la narrazione, quando è vissuta come strumento di crescita e di riscoperta, ha il potere di parlare all’anima e di rivelare la nostra umanità più profonda.

Cinema & Tv

The Woman in the Yard: Un’Inquietante Discesa nella Psiche Umana

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Blumhouse Productions è ormai un nome ben noto per gli amanti del genere horror, riuscendo a consolidarsi come una delle principali fucine di thriller psicologici e storie inquietanti che si spingono oltre i confini del semplice terrore visivo. Dopo il successo di cult come Paranormal Activity e Get Out, il marchio torna con un nuovo e ambizioso progetto: The Woman in the Yard. Diretto dal talentuoso Jaume Collet-Serra e scritto da Sam Stefanak, il film si preannuncia come un’esperienza cinematografica densa di suspense, mistero e tensione psicologica, purtroppo però soffrendo di alcuni limiti che ne frenano il potenziale.

Il cuore pulsante di The Woman in the Yard è la storia di Ramona, una madre vedova e ferita, interpretata da Danielle Deadwyler, che sta cercando di far fronte al dolore della perdita del marito, David (Russell Hornsby), morto in un incidente che ha coinvolto anche lei. A dover sopportare questa tragedia, Ramona si trova anche ad affrontare le difficoltà quotidiane legate all’educazione dei suoi figli, tra cui il giovane Taylor (Peyton Jackson) e la piccola Annie (Estella Kahiha). La vita di questa famiglia sembra già piegata dalla sofferenza, ma tutto cambia quando una figura misteriosa, vestita di nero e con il volto coperto da un velo, appare nel loro giardino. La presenza di questa donna segna l’inizio di un incubo che sfida ogni logica e minaccia di distruggere l’equilibrio mentale e familiare dei protagonisti.

Fin dal principio, The Woman in the Yard affascina per la sua premessa inquietante. La figura della donna in nero, che emerge senza preavviso, è un simbolo di terrore puro. La domanda che sorge spontanea, e che pervade l’intero film, è: chi è questa donna e cosa vuole da questa famiglia? Le risposte arrivano lentamente, ma non in modo chiaro e diretto. La paura, infatti, non si alimenta tanto da ciò che la figura in nero possa fare fisicamente, quanto piuttosto dalla sua presenza ossessiva e dalle implicazioni psicologiche della sua apparizione. La figura diventa un punto di riferimento per le angosce interiori della famiglia, un simbolo tangibile del terrore che nasce dall’incertezza e dalla solitudine.

L’aspetto che rende il film interessante è il modo in cui esplora temi di grande profondità emotiva, come il lutto, la solitudine e la perdita di sé. In particolare, la pellicola si concentra sulla figura di Ramona, una madre che si trova a dover sopravvivere alla scomparsa del marito, ma anche alla propria perdita di identità, travolta dalle esigenze e dalle aspettative che la società ripone in lei. Questo approccio, purtroppo, viene trattato in modo un po’ troppo diretto e talvolta forzato, impedendo al pubblico di immergersi pienamente nella psicologia del personaggio e della sua evoluzione. La sceneggiatura, infatti, a volte sembra incerta, con passaggi narrativi che sembrano troppo abrupti e che non riescono a dare il giusto sviluppo emotivo ai temi trattati.

Sul fronte delle interpretazioni, The Woman in the Yard è sicuramente arricchito dalla performance di Danielle Deadwyler, che riesce a dare vita a una Ramona complessa e piena di sfumature. La sua capacità di trasmettere il conflitto interiore, la tristezza e la frustrazione di una madre che cerca di non perdere se stessa è il cuore pulsante del film. Al suo fianco, Russell Hornsby, nei panni del marito deceduto, riesce a creare una presenza affettuosa e tormentata, seppur limitata dalla brevità del suo ruolo. Al contrario, altri membri del cast, come Okwui Okpokwasili, che interpreta la misteriosa antagonista, non riescono a rendere appieno la tensione psicologica che il loro personaggio dovrebbe evocare, finendo per risultare più maestosi che realmente spaventosi. In alcuni momenti, la performance di Okpokwasili manca di quel carisma minaccioso che un personaggio simile avrebbe dovuto trasmettere, riducendo la potenza della sua figura.

La regia di Jaume Collet-Serra, purtroppo, non riesce a mantenere costante l’intensità che ci si aspetterebbe da un thriller psicologico di questo tipo. Il regista, noto per la sua abilità nel creare atmosfere tese e disturbanti, ha fatto dei suoi precedenti lavori come Orphan – L’origine del Male un esempio di suspense ben gestita. Tuttavia, in The Woman in the Yard, nonostante l’atmosfera inizialmente carica di tensione, il ritmo della narrazione sembra spezzarsi in più occasioni, e alcune scelte visive non riescono a mantenere viva la suspense. Il film si sviluppa troppo lentamente in alcune fasi, mentre in altre sembra voler accelerare senza una preparazione adeguata. La costante sensazione di disorientamento, che potrebbe essere un punto di forza in un film del genere, finisce per sembrare più una scelta stilistica forzata, incapace di creare il tipo di coinvolgimento emotivo che si sarebbe voluto.

Nonostante il potenziale della trama e l’impegno delle sue star, The Woman in the Yard non riesce a mantenere una coerenza narrativa soddisfacente. La sceneggiatura di Stefanak sembra voler trattare temi complessi come la crisi psicologica e il senso di impotenza in modo troppo superficiale. Alcuni sviluppi narrativi, come un momento cruciale in cui Ramona scambia un cuscino per una persona, non vengono esplorati a fondo, e la trama salta rapidamente da una scena all’altra senza una vera connessione tra gli eventi. Questa mancanza di fluidità rende difficile per lo spettatore entrare in sintonia con i personaggi e con il loro conflitto interiore.

Se c’è un aspetto che sicuramente emerge in modo positivo è l’approccio del film alla maternità e alla condizione di una madre nera, un tema che raramente viene affrontato con la stessa sincerità e onestà. Il film non ha paura di esplorare le difficoltà nascoste dietro il ruolo materno, mostrando come l’identità di una donna possa svanire quando è costantemente messa al servizio degli altri. Questo tema, sebbene sia trattato con sincerità, non viene però sviluppato abbastanza in profondità da poter avere un impatto duraturo.

Cinema & Tv

Il fascino dei sogni e delle illusioni: On Swift Horses di Daniel Minahan

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Con On Swift Horses, il regista Daniel Minahan porta sul grande schermo l’intensa storia di passioni, desideri inespressi e segreti inconfessabili tratta dal romanzo Cavalli elettrici di Shannon Pufahl. Presentato in anteprima al Toronto International Film Festival del 2024 e in uscita nelle sale statunitensi il 25 aprile 2025, il film si propone come un dramma raffinato e suggestivo, capace di esplorare le fragili dinamiche dei rapporti umani e la ricerca dell’identità in un’America in bilico tra la promessa di un futuro migliore e il peso del passato.

Una trama di desideri repressi e passioni travolgenti

La storia segue Muriel (Daisy Edgar-Jones) e Lee (Will Poulter), una giovane coppia che cerca di ricostruirsi una vita in California dopo il ritorno di lui dalla guerra di Corea. Tuttavia, l’arrivo del carismatico e inquieto Julius (Jacob Elordi), fratello minore di Lee, scuote profondamente le loro esistenze. Ribelle e appassionato giocatore d’azzardo, Julius decide di partire per Las Vegas, dove trova lavoro in un casinò e si innamora di un collega, Henry. La loro relazione si sviluppa tra segreti e attimi rubati, in un motel anonimo che diventa rifugio e prigione al tempo stesso.

Parallelamente, anche Muriel intraprende un percorso di scoperta personale. Rimasta a San Diego, inizia a frequentare le corse dei cavalli e a giocare d’azzardo, trovando nella vicina Sandra una compagna che risveglia in lei sentimenti nuovi e inesplorati. La frase “È proprio vero quello che dicono della California, che tutte le possibilità sono a portata di mano” pronunciata da Muriel nel trailer riflette perfettamente il senso di illusione e libertà che pervade il film.

Un cast di talento e una regia evocativa

La forza del film risiede nella profondità delle interpretazioni del suo cast. Daisy Edgar-Jones, già nota per il suo ruolo in Normal People, offre una performance delicata e intensa, mentre Jacob Elordi, dopo il successo in Saltburn e Priscilla, conferma il suo talento interpretando Julius con una complessità magnetica. Will Poulter, conosciuto per il ruolo di Adam Warlock in Guardians of the Galaxy Vol. 3, aggiunge spessore emotivo a Lee, un uomo tormentato dall’incapacità di comprendere fino in fondo se stesso e chi lo circonda.

Daniel Minahan, con un’esperienza maturata in serie di grande impatto come American Crime Story e Homeland, dirige il film con uno stile raffinato e contemplativo, catturando con sensibilità le tensioni latenti tra i personaggi. La sceneggiatura, firmata da Bryce Kass, cerca di restituire la complessità emotiva del romanzo di Pufahl, immergendo lo spettatore in un’atmosfera sospesa tra il sogno e la disillusione.

Accoglienza e aspettative

Il debutto al Toronto Film Festival ha suscitato reazioni contrastanti. IndieWire ha elogiato il film definendolo “uno straordinario quadro, che intreccia momenti effimeri di magia con il dolore che inevitabilmente segue quando l’universo li porta via”, mentre ScreenRant ha evidenziato alcune debolezze della sceneggiatura, sottolineando tuttavia la straordinaria intensità delle interpretazioni. Collider, pur lodando la bellezza visiva del film, ha criticato la mancanza di un ritmo coerente e di un obiettivo chiaro.

Nonostante qualche riserva critica, On Swift Horses promette di essere un’opera affascinante e struggente, capace di conquistare il pubblico con la sua narrazione sensuale e malinconica. Un viaggio nelle profondità del desiderio e dell’identità, dove il confine tra la libertà e l’illusione si fa sempre più labile.

Cinema & Tv

“Elio” – La Nuova Avventura Pixar che Esplora l’Appartenenza tra le Stelle

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Il nuovo lungometraggio Disney e Pixar, “Elio”, promette di essere una delle pellicole più interessanti e sorprendenti degli ultimi anni. Il film, previsto per l’uscita nelle sale italiane nel giugno 2025, catapulta il pubblico in un’avventura intergalattica che, mescolando comico e drammatico, affronta temi universali come l’isolamento, il senso di appartenenza e la ricerca di sé.

La trama ruota attorno a Elio, un ragazzo introverso e appassionato di alieni, la cui vita prende una piega radicale quando viene teletrasportato nel Comuniverso, una sorta di organizzazione interplanetaria che raccoglie rappresentanti di galassie lontane. La premessa è già di per sé intrigante: il protagonista, spesso isolato dai suoi coetanei, si ritrova improvvisamente al centro di un malinteso cosmico che lo vede essere scambiato per l’ambasciatore ufficiale della Terra. Questo equivoco dà il via a una serie di eventi che porteranno Elio a dover affrontare creature eccentriche, sfide inaspettate e a cercare di dimostrare di essere all’altezza di un ruolo che, almeno inizialmente, non sente come proprio. Ma il cuore pulsante del film non è solo nelle sue situazioni comiche, ma anche nella riflessione profonda su cosa significhi sentirsi “parte di qualcosa”, un tema che tocca le corde più sensibili degli spettatori di tutte le età.

La pellicola segna un’importante evoluzione per Pixar, sia sul piano creativo che su quello produttivo. La regia di “Elio” è affidata a Adrian Molina, già noto per il suo lavoro in “Coco”, un autore che ha dimostrato una grande sensibilità nel trattare temi profondi con un tocco di leggerezza e magia. Questo approccio ha portato una nuova prospettiva al personaggio di Elio, dando vita a una profondità emotiva che non è solo una novità stilistica, ma anche un’importante caratteristica narrativa del film.

La scelta di un tema così rilevante come l’isolamento in un contesto spaziale ci fa riflettere su come la solitudine e la ricerca di connessione siano temi universali, che si adattano perfettamente al contesto dell’universo di “Elio”. Sebbene tematiche simili siano esplorate anche in altre opere Pixar, come nel caso di “Inside Out 2”, il film si distingue per la sua capacità di trattare il tema della solitudine in modo innovativo, mescolando emozioni genuine con situazioni assurde e, talvolta, esilaranti.

Dal punto di vista tecnico, “Elio” non è da meno rispetto ai grandi classici della Pixar. La colonna sonora promette di essere una delle più coinvolgenti della sua storia, capace di esaltare le emozioni dei personaggi, mentre le ambientazioni visive e il design dei personaggi alieni sono studiati per incantare lo spettatore, spingendo la meraviglia visiva al massimo. La varietà e l’unicità delle creature che popolano il Comuniverso sono il risultato di un lavoro meticoloso da parte degli artisti della Pixar, che hanno saputo dare vita a mondi straordinari dove ogni dettaglio ha il compito di enfatizzare la sensazione di sconfinata meraviglia tipica delle migliori avventure spaziali.

Il cast vocale del film è un altro punto di forza che non passa inosservato. Yonas Kibreab presta la sua voce al protagonista Elio, dando vita a un personaggio ricco di sfumature e contraddizioni. Al suo fianco, nomi di grande rilievo come America Ferrera, che interpreta la madre di Elio, e Jameela Jamil, che dà la voce a un importante personaggio alieno. Un team vocale che garantisce non solo una qualità interpretativa straordinaria, ma anche una varietà di accenti e timbri che contribuiscono a rafforzare la dimensione interplanetaria e cosmopolita del film.

“Elio” ha attraversato diverse difficoltà prima di giungere alla sua forma definitiva. Il film, inizialmente previsto per il 2024, ha subito un posticipo al 2025 a causa di una serie di sfide produttive e creative. Tuttavia, la Pixar sembra aver sfruttato questo tempo extra per perfezionare ogni aspetto del progetto, garantendo una pellicola all’altezza delle sue migliori produzioni.

Cinema & Tv

Top 10 film e serie TV attualmente più popolari in Italia – La classifica di JustWatch

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Il mondo dello streaming è in costante evoluzione, con nuove uscite e contenuti che catturano l’attenzione degli spettatori italiani. JustWatch, la più grande guida mondiale ai contenuti in streaming, continua a monitorare e aggregare i dati provenienti da centinaia di piattaforme di streaming.  L’ultima classifica italiana dei titoli più popolari riserva alcune sorprese e conferme, con un mix di novità intriganti e grandi classici che tornano a brillare sotto i riflettori.

Per i film, “The Substance” mantiene la vetta della classifica, imponendosi come il film più discusso del momento. La pellicola affronta il desiderio di perfezione in un thriller inquietante e provocatorio: un nuovo prodotto promette di creare una versione migliore di te stesso, più giovane, più bello, più perfetto. L’unica regola? Alternarsi, una settimana a testa. Un equilibrio che sembra perfetto… finché non lo è più. Un’opera audace che esplora i confini dell’identità e del controllo, tenendo il pubblico con il fiato sospeso.

Al secondo posto debutta “The Electric State”, una nuova entrata che porta gli spettatori in un’America retro-futuristica. Michelle, un’orfana adolescente, attraversa il West americano alla ricerca del fratello minore. Nel suo viaggio, si unisce a un eccentrico vagabondo e a un misterioso robot, dando vita a un’avventura che mescola emozione, fantascienza e scoperta.

Chiude il podio, salendo di una posizione, “A History of Violence”. Tom Stall è un tranquillo ristoratore di provincia che conduce una vita serena con la sua famiglia. Tuttavia, quando uccide due criminali per legittima difesa, la sua vita cambia radicalmente: il suo volto finisce su tutti i media, attirando l’attenzione di Carl Fogarty, un pericoloso boss della mafia irlandese. Il passato che Tom cercava di lasciarsi alle spalle torna a perseguitarlo, in un thriller intenso che esplora il peso della violenza e delle seconde possibilità.

Per le serie TV, “Adolescence” fa il suo debutto direttamente al primo posto, affermandosi come la serie più seguita della settimana. La storia segue Jamie, un tredicenne la cui vita viene stravolta quando viene arrestato con l’accusa di aver ucciso una sua compagna di scuola. Mentre la polizia indaga, la sua famiglia, il suo terapeuta e il detective incaricato del caso cercano di scoprire la verità, dando vita a un intenso dramma psicologico che esplora il peso del sospetto e le complessità dell’adolescenza.

Recupera una posizione e sale al secondo posto “Scissione”, il thriller psicologico che continua a tenere il pubblico con il fiato sospeso. Ambientato negli inquietanti uffici della Lumon Corporation, la serie segue Mark e il suo team di impiegati, sottoposti a un esperimento estremo: la loro memoria è divisa chirurgicamente tra vita privata e lavorativa. Ma quando un ex collega riemerge dall’esterno, la loro realtà inizia a sgretolarsi, portandoli a dubitare di tutto ciò che credevano di sapere. Con il suo stile visivo minimale e opprimente e una trama carica di tensione, “Scissione” si conferma un fenomeno di culto.

Chiude il podio, guadagnando due posizioni, “The White Lotus”. La nuova stagione della serie di Mike White sposta l’azione dalla Sicilia alla Thailandia, mantenendo il suo sguardo acuto e ironico sulle dinamiche di potere, desiderio e ipocrisia tra i ricchi ospiti di un lussuoso resort e il personale dell’hotel. Tra colpi di scena, tensioni crescenti e un cast stellare, “The White Lotus” continua a essere una delle serie più apprezzate e discusse del momento.

A questa pagina è presente la tabella contenente la classifica completa aggiornata in tempo reale e riferita agli ultimi 7 giorni anche oltre la 10ma posizione.

AULAMANGA, Cinema & Tv

The Darwin Incident: L’Anime Che Esplora il Confine Tra Umanità e Animalità

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“The Darwin Incident” è una serie che promette di scardinare le convenzioni e di spingere ogni spettatore a riflettere sul confine tra umanità e natura. Da quando Shun Umezawa ha dato vita al manga nel 2020, questa storia si è rapidamente conquistata il cuore dei lettori giapponesi e internazionali, diventando un vero e proprio fenomeno del panorama seinen. Con il suo mix di temi complessi come l’etica, l’identità e la biotecnologia, il manga ha ricevuto premi prestigiosi e un successo incredibile, con oltre 1,6 milioni di copie in circolazione, e ora sta per fare il suo grande debutto come adattamento anime, previsto per gennaio 2026. La notizia ha fatto impazzire i fan, che da tempo aspettano di vedere la storia di Charlie, l’essere metà scimpanzé e metà umano, animata e portata sul grande schermo.

L’ambientazione di The Darwin Incident prende il via in un contesto scientifico, quando un’organizzazione per i diritti degli animali compie un’operazione in un laboratorio di ricerca biologica. Qui, durante il suo intervento, viene scoperta una scimmia incinta che darà alla luce un essere unico nel suo genere: un “humanzee”, un ibrido tra un essere umano e uno scimpanzé. Questo essere, che verrà chiamato Charlie, viene adottato da una famiglia umana e cresce come un adolescente normale. Ma la sua vita non sarà mai come quella di un normale ragazzo, perché Charlie non è né completamente umano né completamente animale. La sua esistenza è il riflesso di un conflitto interno, un tormento che segnerà ogni sua interazione con gli altri.

Quando Charlie arriva al liceo, incontra Lucy, una ragazza introversa e discriminata dai suoi compagni, ma brillante e dal cuore puro. Tra i due nasce una solida amicizia, ma la serenità di Charlie viene messa in crisi da un gruppo di attivisti radicali, l’ALA (Animal Liberation Alliance), che lo vede come una figura centrale per la loro causa. L’ALA non esita a usare mezzi estremi, compreso il terrorismo, pur di raggiungere i suoi obiettivi. Con il passare del tempo, Charlie diventa un emblema della lotta tra l’umanità e il mondo animale, con la sua stessa esistenza che sfida le convenzioni della società. L’umanità lo considera un mostro, mentre i suoi “compagni” attivisti cercano di manipolarlo per i loro scopi, minando la sua già fragile identità.

La bellezza della trama di The Darwin Incident risiede proprio nel modo in cui esplora temi universali come l’accettazione, l’identità, l’esclusione e la lotta contro le etichette imposte dalla società. Charlie, intrappolato in un corpo che non appartiene né pienamente all’una né all’altra specie, è l’incarnazione delle difficoltà che molte persone vivono quotidianamente: essere considerati diversi e non avere un posto definito nel mondo. La sua storia tocca il cuore e spinge alla riflessione sulla nostra umanità e sulla società che spesso rifiuta ciò che non capisce o che è diverso.

Per quanto riguarda l’adattamento anime, le aspettative sono altissime. La serie sarà prodotta da Bellnox Films, un nome che ha suscitato interesse grazie alla sua recente ascesa nel panorama delle produzioni anime. La direzione dell’anime è affidata a Naokatsu Tsuda, un veterano dell’industria, noto per il suo lavoro su JoJo’s Bizarre Adventure: Golden Wind. Il design dei personaggi è stato affidato a Shinpei Tomooka, un artista che ha collaborato in passato con Kizumonogatari, e la musica sarà curata da Alisa Okehazama e Mariko Horikawa, nomi noti per le loro composizioni in Jujutsu Kaisen e Sumikkogurashi. Non c’è dubbio che la qualità visiva e sonora sarà straordinaria, e le prime immagini rilasciate sono già in grado di trasmettere la giusta atmosfera di mistero e tensione che permea la serie.

Un altro elemento che ha fatto molto parlare di sé è il misterioso personaggio di Rivera, che appare nel teaser trailer. Rivera, interpretato dalla voce di Akio Otsuka, uno degli attori più celebri del panorama giapponese, è destinato a essere il vero artefice della trama, colui che manipola gli eventi che coinvolgono Charlie. La sua figura sembra essere quella del burattinaio, ma le sue motivazioni sono ancora avvolte nel mistero. Questo aggiunge ulteriore intrigante suspense alla trama, aumentando l’attesa per il debutto della serie.

Il successo del manga e la sua capacità di trattare tematiche complesse con un linguaggio accessibile e coinvolgente sono senza dubbio tra i motivi per cui The Darwin Incident ha saputo conquistare il cuore di tanti. I premi vinti, come il Manga Taishō e l’Excellence Award al Japan Media Arts Festival, sono solo la conferma di un’opera che ha saputo toccare corde profonde e che ora si appresta a fare il suo ingresso nel mondo degli anime con una qualità che sembra essere all’altezza delle aspettative.

Nel frattempo, l’adattamento anime non fa altro che alimentare l’attesa. L’entusiasmo è palpabile tra i fan, e tutti si chiedono come sarà l’effetto che The Darwin Incident avrà sul piccolo schermo. Tra dilemmi morali, riflessioni sull’etica, e una storia che mescola scienza e società, l’anime di The Darwin Incident promette di essere un’esperienza indimenticabile, un’opera che farà parlare di sé per anni a venire.

Con l’uscita fissata per gennaio 2026, non vedo l’ora di immergermi in questo mondo, di vedere Charlie vivere le sue difficoltà, di scoprire come gli animatori riusciranno a rendere viva quella sensazione di solitudine che traspare dal suo essere “humanzee”, e soprattutto, di vedere come questa storia rifletterà su di noi, su ciò che siamo e su ciò che dovremmo essere come esseri umani. The Darwin Incident è più di un semplice anime: è una storia che ci invita a chiederci cosa significa essere umani, e se davvero lo siamo in un mondo che, a volte, ci sembra troppo confuso e spietato.

Books + Comics

Il Re Strega: un fantasy che sfida le convenzioni di genere e identità

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Martha Wells non scrive semplicemente un romanzo fantasy, ma costruisce un affresco narrativo che affonda le radici in una mitologia vibrante, dove la magia non è un mero strumento di potere, bensì un riflesso delle tensioni politiche, filosofiche e identitarie che attraversano il mondo in cui si svolge la vicenda. “Il Re Strega” si impone così non solo come una lettura avvincente, ma anche come un’opera che invita alla riflessione, ponendosi nel solco della grande tradizione del fantasy contemporaneo.

La storia prende avvio in modo spettacolare: Kai, un potente stregone, viene brutalmente assassinato e imprigionato in una trappola acquatica. Quando si risveglia secoli dopo, non ha memoria di ciò che è accaduto, né del tempo trascorso. Intrappolato ancora una volta, questa volta nelle mani di un mago intenzionato a sottrargli i suoi poteri, Kai si trova di fronte a interrogativi ben più profondi della semplice sopravvivenza. Chi è ora? La morte e la resurrezione lo hanno reso una persona diversa? E che ne è stato del mondo che ha lasciato dietro di sé?

Wells affronta queste domande con una scrittura evocativa e ricca di dettagli, dando vita a un worldbuilding tanto articolato quanto coerente. La magia che pervade l’universo di “Il Re Strega” non è un semplice espediente narrativo, ma si intreccia inestricabilmente con le dinamiche politiche e sociali del mondo in cui si muovono i personaggi. La magia diventa così un veicolo di cambiamento e di adattamento, specchio delle trasformazioni interiori ed esteriori che caratterizzano la società e gli individui. Come in un dramma shakespeariano, il potere si rivela un’illusione instabile, costantemente ridefinito da chi lo detiene e da chi lo brama.

Kai emerge come un protagonista straordinariamente umano, nonostante la sua natura sovrannaturale. Non è l’eroe tipico, sicuro di sé e del proprio destino, ma un uomo spezzato che deve fare i conti con le cicatrici del passato e con il senso di sradicamento che accompagna la sua rinascita. Il suo percorso è caratterizzato da una lotta interiore profonda, una ricerca di senso che lo rende affascinante e complesso. Accanto a lui si muovono personaggi altrettanto sfaccettati, come l’enigmatico Tahren, la potente e tormentata Ziede e l’ambiguo Bai, ognuno portatore di segreti e motivazioni che sfidano le tradizionali dicotomie di bene e male.

Ma ciò che rende “Il Re Strega” davvero innovativo è il suo approccio alla tematica dell’identità. In un periodo storico in cui le questioni di genere e di auto-definizione sono al centro del dibattito culturale, Wells inserisce nel suo racconto personaggi dal genere fluido o non conforme, utilizzando anche soluzioni linguistiche originali per evidenziare la loro identità. L’uso della “ə”, simbolo di una certa neutralità di genere, diventa un modo per sottolineare la fluidità dell’essere e la continua evoluzione dell’individuo.

Questo elemento non è un semplice vezzo stilistico, ma si lega profondamente al messaggio del romanzo: il cambiamento è inevitabile, e l’identità non è mai statica, ma si ridefinisce nel tempo. Wells ci invita a interrogarci su cosa significhi davvero essere se stessi in un mondo in continua trasformazione, in cui il passato pesa sulle nostre scelte ma non deve necessariamente determinarle.

“Il Re Strega” è, in definitiva, un romanzo che trascende i confini del fantasy tradizionale. Con il suo intreccio avvincente, la sua riflessione profonda sull’identità e il potere, e la sua scrittura evocativa, Martha Wells ci consegna un’opera che non solo intrattiene, ma che spinge il lettore a interrogarsi sulle grandi questioni dell’esistenza. Una lettura imperdibile per chi cerca non solo avventura e magia, ma anche una storia che parli, in modo sorprendentemente attuale, della natura umana. Un fantasy maturo e raffinato, che conferma ancora una volta il talento di Wells nel coniugare spettacolarità narrativa e profondità tematica.

Books + Comics

“La Mente che Cancella”: un albo Visionario nel Cyberpunk e nell’Intelligenza Artificiale

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Lo Scarabocchiatore Edizioni presenta una delle sue proposte più ambiziose: La Mente che Cancella, una storia di fantascienza che affonda le radici nel genere cyberpunk, scritta da Michele Masiero e illustrata da Giancarlo Olivares. Questa collaborazione si preannuncia come una delle più affascinanti e promettenti del panorama fumettistico recente, non solo per la qualità dei suoi autori, ma per i temi audaci che intende trattare. Ma prima di addentrarci nel cuore della storia, è necessario fare un passo indietro e considerare il contesto che rende La Mente che Cancella un’opera tanto attesa.

Michele Masiero, noto per il suo lavoro come Direttore Editoriale della Sergio Bonelli Editore e per la sua vasta esperienza nel panorama fumettistico italiano, si cimenta in un progetto che non è solo un viaggio narrativo, ma anche un vero e proprio atto di esplorazione mentale. Masiero, con la sua visione, riesce a creare una trama che si intreccia perfettamente con la riflessione sull’intelligenza artificiale, un tema che, soprattutto negli ultimi anni, ha catturato l’immaginario di numerosi autori e lettori. Non è solo una questione tecnologica quella che il fumetto esplora, ma una vera e propria introspezione sulle implicazioni etiche e filosofiche che questa IA porta con sé, sfidando il concetto stesso di umanità.

Al fianco di Masiero, troviamo Giancarlo Olivares, un nome ben noto agli appassionati di fumetti, in particolare per il suo lavoro su Dragonero e SezAnima, due serie che hanno riscosso grande successo tra i lettori di tutte le età. Olivares, con il suo stile inconfondibile, è l’autore ideale per portare visivamente in vita un mondo tanto complesso e futuristico quanto quello di La Mente che Cancella. Le sue tavole, dense di dettagli e con un ritmo che sfida il lettore a immergersi completamente nell’universo narrativo, non solo arricchiscono la storia, ma la trasformano in un’esperienza sensoriale a 360 gradi. L’atmosfera cyberpunk che pervade il fumetto è resa con maestria: tra città futuristiche, paesaggi distopici e una tecnologia opprimente, ogni disegno contribuisce a rendere tangibile un futuro tanto affascinante quanto inquietante.

Ma cosa rende La Mente che Cancella un’opera così speciale?

Non si tratta solo di una semplice storia di avventura o di lotta contro un sistema che manipola l’intelligenza artificiale. Si tratta di una riflessione profonda sul potere che la tecnologia ha nel modellare le nostre vite, la nostra memoria e, in ultima analisi, la nostra stessa identità. La storia ruota attorno al concetto di “cancellazione” – non solo quella digitale, ma anche quella psicologica e emotiva, in un gioco di specchi tra la mente umana e quella artificiale. In un mondo dove la memoria può essere manipolata, dove la verità può essere distorta e dove il confine tra ciò che è reale e ciò che è creato da un’intelligenza artificiale è sempre più sottile, La Mente che Cancella diventa una lettura imprescindibile per chi è interessato a esplorare le sfide tecnologiche del nostro tempo.

La trama si sviluppa tra colpi di scena avvincenti, dando vita a un racconto che non solo intrattiene, ma stimola anche riflessioni su temi più ampi e universali. Il fumetto, che parteciperà alla rassegna Del Comic(ON)OFF, uno degli eventi più seguiti del panorama fumettistico internazionale, è un’occasione perfetta per immergersi in un mondo che, pur essendo lontano nel tempo, sembra sempre più vicino nella realtà che ci circonda. Napoli, con il suo spirito creativo e la sua passione per la cultura pop, diventa quindi il palcoscenico ideale per questa straordinaria creazione.

Inoltre, la collaborazione con ComicCon di Napoli non è un semplice evento di lancio, ma un segno tangibile del crescente successo di Lo Scarabocchiatore Edizioni nel panorama fumettistico. La casa editrice si conferma come una realtà in grado di proporre opere che non solo intrattengono, ma che stimolano anche discussioni importanti sul futuro della società e della tecnologia. Non è la prima volta che la casa editrice collabora con un evento di tale portata, e la continua affermazione di questa partnership conferma la sua ambizione di spingersi sempre più lontano, portando la sua visione all’attenzione internazionale. La Mente che Cancella è un fumetto che merita attenzione, non solo per la sua qualità narrativa e visiva, ma anche per il coraggio con cui affronta temi complessi e attuali. Masiero e Olivares, con il loro talento e la loro visione, ci regalano un’opera che è al tempo stesso un’avventura avvincente e una riflessione filosofica profonda sul nostro futuro. Prepariamoci a essere catturati da questa storia che, senza dubbio, lascerà il segno nel panorama fumettistico contemporaneo.

Books + Comics

La geografia del danno di Andrea De Carlo: un viaggio tra memoria, mistero e identità

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Andrea De Carlo, con il suo nuovo romanzo “La geografia del danno”, ci regala un’opera che va ben oltre la semplice narrazione di una storia familiare. È un viaggio attraverso il tempo, un’indagine che scava tra le pieghe della memoria, tra documenti ritrovati, fotografie ingiallite e racconti tramandati di generazione in generazione. La sua abilità narrativa ci guida in un intreccio avvincente fatto di segreti, di viaggi e di destini intrecciati, in cui passato e presente si fondono in un affresco potente ed evocativo.

Il romanzo si apre con una rivelazione sconvolgente, un tassello che spinge l’autore a intraprendere un’indagine sulle radici della sua famiglia. De Carlo ci conduce nei primi decenni del Novecento, per poi retrocedere fino alla fine dell’Ottocento, in una storia che attraversa continenti e generazioni. Le vicende narrate ci portano dall’Italia al Cile, dalla Sicilia alla Tunisia, tra le rotte di migranti in cerca di fortuna e di un futuro migliore. La storia di una ragazza cilena che arriva a Genova alle soglie della Prima guerra mondiale si intreccia con quella di un giovane ingegnere navale che perde la testa per un’attrice di teatro, mentre una compagnia di commedianti sudamericani cela talenti straordinari e un misterioso crimine segna irrimediabilmente il destino di un uomo e della sua famiglia. Un evento violento, una coltellata che sfigura e distrugge, si rivela essere il punto di rottura che trasforma un intreccio familiare in un dramma carico di mistero e di implicazioni profonde.

Questa non è solo la storia degli antenati dell’autore, ma diventa la storia di tutti noi, un’esplorazione della memoria collettiva e del modo in cui il passato influenza il presente. Attraverso la sua prosa fluida e coinvolgente, De Carlo ci invita a riflettere su quanto le vite di chi ci ha preceduti possano determinare chi siamo oggi. La memoria familiare, spesso fragile e soggetta a distorsioni, emerge in tutta la sua potenza, rivelando un intreccio di affetti, ambizioni, delusioni e ferite mai del tutto rimarginate.

Uno degli aspetti più affascinanti del romanzo è il modo in cui la narrazione si sviluppa: attraverso una ricerca appassionata, un lavoro meticoloso di ricostruzione che attinge non solo ai documenti e alle testimonianze, ma anche all’intuizione e alla capacità di leggere tra le righe delle storie tramandate. De Carlo si fa investigatore del proprio passato, e nel farlo ci trascina in un viaggio che diventa anche nostro, spingendoci a interrogarci sulle nostre origini e su quanto le scelte, i dolori e le passioni dei nostri avi possano ancora vibrare dentro di noi.

Il romanzo è una lettura imprescindibile per chi ama le storie familiari, i misteri irrisolti e le indagini interiori. È un’opera che mescola il reale e il romanzato con grande maestria, in cui la verità storica si fonde con la potenza evocativa della letteratura. Andrea De Carlo conferma ancora una volta il suo straordinario talento nel restituire ai lettori storie avvincenti e profondamente umane, capaci di risuonare nell’anima di chi legge.

La presentazione del libro avverrà nell’ambito del progetto “Prendersi cura”, ideato dal Salone Internazionale del Libro di Torino in collaborazione con Esselunga. L’incontro, previsto per venerdì 14 marzo 2025 nella Sala Gonin della Stazione di Porta Nuova a Torino, offrirà al pubblico l’occasione di ascoltare direttamente dalla voce dell’autore il racconto di questa straordinaria opera, con la possibilità di un firmacopie finale. Un evento imperdibile per tutti gli appassionati di letteratura e per coloro che desiderano approfondire il tema della memoria e dell’identità attraverso la lente di una narrazione intensa e magistralmente costruita.

Cinema & Tv

Mickey 17, il nuovo film di Bong Joon-ho: un’affascinante Riflessione sull’Identità e il Libero Arbitrio

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Nel panorama cinematografico contemporaneo, pochi autori riescono a coniugare con tanta maestria l’intrattenimento di genere con una riflessione sociale profonda come Bong Joon-ho. Con il suo ultimo lavoro, Mickey 17, il regista sudcoreano si avventura nel territorio della fantascienza esistenziale, unendo il suo inconfondibile stile a tematiche complesse e a una narrazione che sfida le convenzioni del genere. Se da un lato il film conferma il talento visionario di Bong, dall’altro non raggiunge la perfezione di Parasite, rivelando alcune fragilità nella sua costruzione narrativa.

Adattamento del romanzo Mickey7 di Edward Ashton, il film ci trasporta su Niflheim, un pianeta ghiacciato dove il protagonista Mickey Barnes, interpretato da un magnetico Robert Pattinson, si ritrova intrappolato in un ciclo infinito di morte e rinascita. Mickey non è un comune essere umano, ma un “sacrificabile”, una figura creata per eseguire missioni ad alto rischio e destinata a essere rimpiazzata da un clone ogni volta che perde la vita. Il concetto stesso della sua esistenza solleva interrogativi inquietanti sul libero arbitrio, sull’identità e sulla natura dell’anima umana. Ma è proprio quando il sistema di rigenerazione si inceppa e viene stampato un secondo Mickey prima che il precedente sia morto, che la storia prende una svolta inaspettata.

Bong Joon-ho sfrutta questa premessa per costruire un film che è al tempo stesso una satira sociale e un’indagine filosofica sulla condizione umana. Il registro predominante è quello della commedia, e qui il regista dimostra una volta di più la sua abilità nel mescolare umorismo e dramma senza soluzione di continuità. Il film è pervaso da una comicità tagliente che spazia dal slapstick alla satira più sottile, con dialoghi brillanti e situazioni surreali che intrattengono lo spettatore dall’inizio alla fine.

Tuttavia, al di là della sua verve comica, Mickey 17 tocca corde emotive profonde. La sofferenza del protagonista, costretto a un’esistenza di sacrificio perpetuo, diventa una metafora potente della condizione dei lavoratori sfruttati, un tema caro a Bong Joon-ho che riecheggia il sottotesto politico di Snowpiercer e Parasite. Mickey è un uomo gentile e ingenuo, vulnerabile agli abusi del sistema e persino di sé stesso. La sua dolcezza e la sua fragilità fanno emergere un senso di empatia e rabbia nello spettatore, che vede in lui il simbolo di un’umanità condannata a essere un ingranaggio sacrificabile in una macchina più grande.

Il cast è un altro dei punti di forza del film. Robert Pattinson offre un’interpretazione sfaccettata e coraggiosa, dando al personaggio una vulnerabilità autentica che diventa ancora più interessante nel momento in cui Mickey 18 entra in scena. Il suo modo di parlare e i suoi gesti, inizialmente spiazzanti, trovano una giustificazione narrativa e rivelano l’intelligenza sottile del suo lavoro attoriale. Accanto a lui, Naomi Ackie porta sullo schermo un personaggio che funge da bussola morale della storia, anche se il film avrebbe potuto approfondire di più la sua relazione con Mickey. Steven Yeun, nei panni dell’amico Timo, offre una performance solida e carismatica, mentre Toni Collette si conferma un’attrice capace di coniugare ironia e intensità emotiva con grande naturalezza. L’unica nota stonata è Mark Ruffalo, il cui personaggio, Kenneth Marshall, appare troppo caricaturale rispetto al tono del resto del film. La sua interpretazione, volutamente grottesca, sembra appartenere a un’opera diversa, spezzando l’equilibrio narrativo e distraendo lo spettatore nei momenti in cui dovrebbe invece essere coinvolto.

Visivamente, Mickey 17 si avvale della maestria del direttore della fotografia Darius Khondji, che crea un’atmosfera opprimente e glaciale perfettamente in linea con il tono esistenziale della storia. La scelta di una palette cromatica cupa e sporca ha un suo preciso significato tematico, ma alla lunga risulta un po’ soffocante, togliendo dinamicità alla visione. Anche la scenografia di Fiona Crombie contribuisce a immergere il pubblico in questo futuro alieno e ostile, mentre i costumi di Catherine George delineano con intelligenza il divario sociale tra i vari personaggi.

Dal punto di vista narrativo, il film soffre di una certa dispersione. Bong Joon-ho introduce una moltitudine di tematiche – dallo sfruttamento lavorativo alla riflessione sull’anima, dalla politica del consenso alla crisi dell’identità – ma non tutte vengono sviluppate con la stessa efficacia. In alcuni momenti il film sembra volersi addentrare troppo in territori concettuali senza dare loro il giusto respiro, il che porta a una sensazione di sovraccarico. Inoltre, alcune scelte di sceneggiatura, come il modo in cui vengono svelate certe informazioni cruciali, risultano poco fluide, creando squilibri nel ritmo del racconto.

Nonostante queste imperfezioni, Mickey 17 rimane un’opera affascinante e provocatoria, un film che stimola la mente e il cuore anche quando non riesce a raggiungere le vette dei precedenti lavori di Bong Joon-ho. Non è Parasite, e forse nemmeno Snowpiercer, ma è un’altra dimostrazione del talento di un autore che non smette mai di sperimentare e di mettere in discussione le convenzioni del cinema contemporaneo. Se si accetta il film per quello che è – un’opera imperfetta ma ricca di idee, di umorismo e di momenti di autentica brillantezza – allora Mickey 17 merita sicuramente una visione attenta, magari più di una volta per coglierne appieno le sfumature.