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I Will Find You: Sam Worthington corre contro il destino nel nuovo thriller Netflix tratto da Harlan Coben

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Una fotografia può distruggere una condanna, riaprire una ferita mai rimarginata e trasformare un uomo spezzato nell’unica persona disposta a sfidare il mondo intero pur di ottenere una risposta. È esattamente da questa scintilla che prende forma I Will Find You, la nuova serie thriller Netflix ispirata all’omonimo romanzo di Harlan Coben, uno degli autori più amati dagli appassionati di misteri, crime drama e racconti costruiti per tenere il lettore con il fiato sospeso fino all’ultima pagina.

Per chi segue da anni l’universo narrativo di Coben, il suo nome rappresenta quasi una garanzia. Ogni storia sembra partire da una situazione apparentemente chiara per poi sgretolare, episodio dopo episodio, ogni certezza. Segreti familiari, identità nascoste, bugie sedimentate nel tempo e verità capaci di ribaltare completamente la prospettiva dello spettatore sono diventati il marchio di fabbrica di uno scrittore che ha saputo conquistare milioni di lettori in tutto il mondo e costruire una collaborazione estremamente fortunata con Netflix. Dopo successi come The Stranger, Stay Close, Fool Me Once e Gone for Good, arriva una produzione che promette di spingere ancora più in là l’intensità emotiva tipica delle sue opere.

I Will Find You | Official Trailer | Netflix

Al centro della vicenda troviamo David Burroughs, interpretato da Sam Worthington. La sua esistenza è stata annientata da una tragedia impossibile da accettare. Condannato all’ergastolo per l’omicidio del figlio Matthew, David vive da anni dietro le sbarre portando sulle spalle il peso di un’accusa che continua a proclamare falsa. Per il mondo è un assassino. Per la giustizia il caso è chiuso. Per lui, invece, il dolore non ha mai smesso di bruciare.

Poi arriva una fotografia. Un’immagine apparentemente normale che però contiene qualcosa di sconvolgente. In quella foto compare un ragazzo che assomiglia incredibilmente a Matthew. Troppo per essere una coincidenza. Troppo per essere ignorato. Da quel momento la storia accelera come un treno senza freni. David comprende che tutto ciò che credeva di sapere potrebbe essere falso. Se suo figlio è vivo, allora qualcuno ha costruito un inganno gigantesco. Se Matthew respira ancora da qualche parte, allora l’uomo che sta marcendo in carcere non è soltanto innocente: è la vittima di una cospirazione che coinvolge persone molto più potenti e pericolose di quanto immaginasse. La ricerca della verità lo spinge verso una scelta estrema. Evadere. Non per conquistare la libertà, ma per ritrovare suo figlio.

Ad accompagnarlo in questa corsa disperata troviamo Rachel, interpretata da Britt Lower, già apprezzata dagli spettatori grazie alla serie Severance. Rachel non è soltanto la cognata di David. È una giornalista investigativa che decide di mettere a rischio la propria carriera e la propria sicurezza per scoprire cosa si nasconde dietro quel mistero apparentemente impossibile. La loro alleanza li trascina progressivamente dentro una rete di segreti, criminali, depistaggi e rivelazioni che sembrano estendersi ben oltre il caso iniziale. Ad affiancarli compare anche Hayden, interpretato da Milo Ventimiglia, figura destinata ad avere un ruolo cruciale all’interno della vicenda.

Quello che rende I Will Find You particolarmente interessante non è soltanto la componente investigativa. Harlan Coben ha sempre dimostrato una straordinaria abilità nel trasformare i thriller in racconti profondamente umani. I suoi protagonisti non combattono soltanto contro assassini, complotti o misteri irrisolti. Combattono soprattutto contro il senso di colpa, il dolore e la paura di aver perso per sempre ciò che amano.

David Burroughs incarna perfettamente questa filosofia narrativa. Non è un eroe invincibile né un detective geniale. È un padre devastato dalla perdita, un uomo che si aggrappa a una possibilità quasi impossibile pur di non arrendersi all’idea che suo figlio sia davvero scomparso.

Questa dimensione emotiva sembra emergere con forza anche dal nuovo trailer, che alterna momenti di grande tensione a sequenze più intime, lasciando intravedere una serie capace di mescolare suspense e dramma personale con un equilibrio molto vicino a quello dei migliori romanzi dello scrittore americano.

Dietro le quinte troviamo una squadra creativa particolarmente solida. Lo showrunner è Robert Hull, già noto per il suo lavoro su Quantum Leap e God Friended Me. Al suo fianco lavorano produttori e sceneggiatori che conoscono bene i meccanismi del thriller seriale contemporaneo e che dovranno affrontare una sfida non semplice: trasferire sullo schermo tutta la tensione costruita da Coben senza perdere la complessità psicologica dei personaggi.

Un aspetto particolarmente significativo riguarda l’ambientazione. I Will Find You rappresenta infatti una sorta di cambio di passo per l’universo televisivo di Harlan Coben su Netflix. Molte delle produzioni precedenti erano state adattate e ambientate in diversi paesi europei, contribuendo a creare una dimensione internazionale molto riconoscibile. Questa volta, invece, la storia torna completamente alle sue radici statunitensi.

La scelta potrebbe sembrare marginale, ma in realtà modifica profondamente il tono della narrazione. Le atmosfere americane, il sistema giudiziario, la cultura dei media investigativi e la dimensione suburbana che spesso caratterizza i romanzi di Coben diventano elementi centrali dell’identità della serie.

Per gli appassionati di thriller televisivi, l’arrivo di I Will Find You rappresenta uno degli appuntamenti più interessanti della stagione. Netflix continua infatti a investire con decisione nel genere mystery-crime, un settore che negli ultimi anni ha dimostrato una capacità quasi inesauribile di coinvolgere il pubblico globale.

Basta osservare il successo delle produzioni tratte dalle opere di Coben per capire quanto questo modello funzioni ancora oggi. Lo spettatore contemporaneo ama sentirsi detective, formulare teorie, sospettare di ogni personaggio e mettere continuamente in discussione ciò che vede sullo schermo. Pochi autori riescono a sfruttare questa dinamica meglio di Harlan Coben.

La sensazione è che I Will Find You possieda tutti gli ingredienti per diventare uno dei thriller più discussi degli ultimi tempi: un protagonista tormentato, una tragedia familiare apparentemente irrisolvibile, una fotografia che cambia tutto, una fuga disperata, una cospirazione sempre più grande e quella costante sensazione che la verità sia nascosta proprio davanti agli occhi dello spettatore.

Il 18 giugno segnerà l’inizio di questa nuova caccia alla verità. E conoscendo il modo in cui Harlan Coben ama giocare con le aspettative del pubblico, viene quasi spontaneo pensare che la domanda più importante non sia se David riuscirà a ritrovare suo figlio, ma quanto sarà sconvolgente ciò che scoprirà lungo il cammino.

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25 maggio 1977: Una nuova saga, una nuova era.

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C’era una volta, no … troppo scontato; Questa volta la favola ha inizio con un’altra frase, una favola che diventerà più famosa di tutte le altre: una frase che ben presto sarebbe entrata nell’immaginario collettivo. “Tanto tempo fa in una galassia lontana lontana… “.  Non è la solita introduzione fiabesca, ma l’inizio di una saga che avrebbe superato le barriere del tempo e dello spazio, trascendendo il genere fantascientifico e dando vita a un fenomeno globale. Questa è la storia di Star Wars e di come una semplice idea divenne una delle saghe più iconiche e influenti della storia del cinema.

Il creatore di questa rivoluzione, George Lucas, era già noto nel mondo del cinema per il suo lavoro su “American Graffiti” (1973), che gli era valso due nomination agli Oscar e una ai Golden Globe. Tuttavia, era l’idea di una saga spaziale che stava per catapultarlo alla ribalta internazionale. Negli anni ’70, la fantascienza era considerata un genere di nicchia, costoso e rischioso, riservato a pochi audaci. L’industria cinematografica dell’epoca, dominata da film come “Tutti gli uomini del presidente”, “Rocky” e “Casanova” di Fellini, non sembrava particolarmente propensa a investire in opere di fantascienza, ritenute costose e difficili da produrre.

Eppure, il 25 maggio 1977, il film “Star Wars”, conosciuto in Italia come “Guerre Stellari”, fece il suo ingresso nelle sale cinematografiche, dando inizio a una nuova era. Ma come nacque questa pietra miliare del cinema?

La risposta si trova all’inizio del 1973, quando Lucas, influenzato dalle avventure di Flash Gordon, dal romanzo “Dune” e dalle epiche storie di samurai di Akira Kurosawa, in particolare da “La fortezza nascosta”, iniziò a dar vita a ciò che inizialmente era un semplice racconto dal titolo “The Journal of the Whills“, che raccontava la storia dell’apprendista C.J. Thorpe come allievo del “Jedi-Bendu” Mace Windy. Frustrato dal fatto che la sua storia fosse troppo complessa da capire, Lucas scrisse un trattamento di tredici pagine chiamato The Star Wars. Nel 1974, ampliò questo trattamento in un’abbozzata sceneggiatura, che comprendeva elementi come i Sith, la Morte Nera e un giovane protagonista chiamato Annikin Starkiller. Nella seconda versione, Lucas semplificò la storia e introdusse l’eroe proveniente dalla fattoria, cambiando il nome in Luke. A questo punto il padre del protagonista è ancora un personaggio attivo nella storia, e la Forza è diventata un potere sovrannaturale. La versione successiva rimosse il personaggio del padre e lo rimpiazzò con un sostituto, chiamato Ben Kenobi.Nel 1976 venne preparata una quarta bozza per le riprese. Il film venne intitolato “Le avventure di Luke Starkiller, come narrate nel Giornale dei Whills, Saga I: Le Guerre stellari“. Durante la produzione, Lucas cambiò il cognome di Luke in Skywalker e modificò il titolo, inizialmente “The Star Wars”, in “Star Wars”.  Accompagnato dal maestro , da Han Solo, Chewbacca e da due droidi, Luke intraprendeva una missione per salvare la principessa Leia e l’alleanza ribelle dall’oppressione dell’Impero Galattico e dal temibile signore dei Sith, Darth Vader.

Nonostante il sostegno cruciale di amici come Steven Spielberg, noto per il suo film “Duel”, e del produttore Alan Ladd Jr., la produzione era scettica. Solo 40 cinema negli Stati Uniti accettarono di proiettare il film, e il budget di 11 milioni di dollari sembrava un azzardo. La pellicola fu un enorme rischio, e in caso di insuccesso avrebbe potuto segnare la fine della carriera di Lucas, che stava ancora cercando di affermarsi.

L’accoglienza della critica fu estremamente discorde: Roger Ebert descrisse Guerre stellari come un’ “esperienza extra-corporea”, comparando gli effetti speciali della pellicola a quelli di 2001: Odissea nello spazio. Pauline Kael, del The New Yorker, criticò il film, dicendo che “Non c’è respiro, non c’è poesia e non ha nessun appiglio emotivo”. Jonathon Rosenbaum, del Chicago Reader, affermò: “Nessuno di questi personaggi ha profondità, e tutti sono usati come elementi di sfondo”; Stanley Kauffmann del The New Republic scrisse che “Il lavoro di Lucas è ancora meno inventivo de L’uomo che fuggì dal futuro.” In Italia la trilogia non venne ben accolta dalla critica. Ne è un esempio il parere che ne dà Morando Morandini, che la descrive come un’opera vuota: “Guerre stellari è uno dei film che più hanno influenzato l’industria dello spettacolo cinematografico, sebbene sia legittimo domandarsi se sia stata un’influenza positiva o negativa”. Per ulteriori curiosità su come fu accolto questo primo episodio della saga di George Lucas vi consigliamo di leggere QUESTO approfondimento!

Nonostante le cririche, il destino riservava una sorpresa. “Star Wars” non solo superò le aspettative, ma segnò un punto di svolta per il cinema. Con il suo successo straordinario, incassò nel mondo 775,5 milioni di dollari, trasformando radicalmente l’industria e salvando la 20th Century Fox dalla crisi finanziaria. La saga, che oggi conosciamo come “Star Wars Episodio IV: Una Nuova Speranza”, divenne una pietra miliare del cinema moderno e della cultura pop.

Lucas, con la sua visione innovativa, non solo creò una saga leggendaria, ma diede vita a nuovi standard nel settore cinematografico. L’Industrial Light & Magic (ILM), fondata per realizzare gli effetti speciali di “Star Wars”, è oggi una delle aziende leader nel campo degli effetti visivi, mentre il sistema audio THX e il Dolby Surround sono diventati standard del settore.

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Il 25 maggio 1977, il Grauman’s Chinese Theatre di Hollywood Boulevard di Los Angeles divenne il palcoscenico di una rivoluzione cinematografica. Oggi, a distanza di oltre 45 anni, “Star Wars” continua a essere un punto di riferimento imprescindibile nella cultura pop e nel cinema. Se desiderate scoprire ulteriori dettagli o avete curiosità sulla storia di questa straordinaria saga, non esitate a lasciare un commento. La Forza è ancora viva, e le sue leggende continuano a ispirare e affascinare.

AULAMANGA, Cinema & Tv

Alice nel Paese delle Meraviglie Dive in Wonderland: l’anime evento di P.A. Works arriva al cinema

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L’animazione giapponese di alta qualità si prepara a invadere i nostri schermi con una forza dirompente, portando con sé quel carico di meraviglia e introspezione che solo i grandi maestri del Sol Levante sanno maneggiare con tale maestria. Gli appassionati di ogni generazione farebbero bene a segnare sul calendario una data fondamentale, perché il 25 gennaio segna l’arrivo nelle sale italiane di Alice nel Paese delle Meraviglie: Dive in Wonderland. Questo lungometraggio, conosciuto in patria come Fushigi no Kuni de Alice to -Dive in Wonderland-, rappresenta una sfida stilistica e narrativa di altissimo livello, portata nel nostro Paese grazie alla distribuzione europea di ADN. Molti di noi associano questo nome alla celebre piattaforma di streaming dedicata agli anime, ma vederli ora operare con tale decisione sul fronte cinematografico è un segnale chiarissimo di quanto il mercato stia evolvendo e di quanta voglia ci sia di cinema d’autore anche in ambito animation. L’uscita italiana si configura come un evento speciale di tre giorni in sale selezionate, comprese quelle del circuito The Space, puntando tutto sulla lingua originale giapponese con i sottotitoli. Si tratta di una mossa coraggiosa e pensata per noi, per la community nerd che vuole godersi ogni singola sfumatura recitativa senza filtri, restituendo al film la sua potenza espressiva più pura e viscerale.

P.A. Works firma questo progetto e già solo questo nome dovrebbe far saltare sulla sedia chiunque segua l’industria con un minimo di passione. Parliamo di uno studio che ha costruito un legame quasi simbiotico con il proprio pubblico, puntando su un’eleganza visiva che non è mai fine a se stessa ma sempre al servizio di un’emotività profonda. In Dive in Wonderland, lo studio prende uno dei pilastri della letteratura occidentale, quel mito di Lewis Carroll che ha plasmato l’immaginario di intere generazioni, e lo rilegge attraverso una lente squisitamente nipponica. Non aspettatevi la solita trasposizione didascalica, perché qui Alice diventa un’esperienza iniziatica, un viaggio psicologico che trasforma la fiaba in una ricerca d’identità moderna.

La vera protagonista di questa avventura non è l’Alice che tutti conosciamo, ma Rise, una ragazza dei nostri giorni, una studentessa in cui è fin troppo facile rispecchiarsi. Rise vive quella sensazione di sospensione e smarrimento tipica di chi sta cercando la propria strada in un mondo che corre troppo velocemente. La sua vita cambia drasticamente quando entra in possesso di una lettera lasciata da sua nonna, un piccolo oggetto che funge da bussola e chiave simbolica per l’ignoto. Questo pretesto narrativo abbatte le barriere tra il quotidiano grigio e il fantastico più sfrenato, trascinando Rise in un Paese delle Meraviglie dove le leggi della fisica e della logica si piegano al volere dell’inconscio. In questo scenario onirico, Rise incontra Alice, che qui assume il ruolo di guida enigmatica, quasi una proiezione ideale, mentre intorno a loro orbitano i volti iconici che abbiamo amato fin dall’infanzia. Il Bianconiglio è più trafelato che mai, la Regina di Cuori mostra un lato di crudeltà quasi magnetica e lo Stregatto si conferma quel maestro di ambiguità e ironia che ci ha sempre affascinato.

Il legame con l’opera originale di Carroll del 1865 resta solido ma intelligente. Quella miniera di simboli che ha influenzato cinema, musica e persino i nostri videogiochi preferiti viene qui onorata con una consapevolezza rara. Pensando al passato, la nostra memoria corre subito alla storica serie degli anni Ottanta di Nippon Animation, un ricordo che profuma di infanzia e pomeriggi passati davanti alla TV. Tuttavia, Dive in Wonderland decide di non adagiarsi sugli allori della nostalgia e sceglie una via più complessa, facendo scontrare e dialogare due mondi narrativi differenti. Il Paese delle Meraviglie si trasforma in un vero e proprio territorio mentale, un’arena dove le paure e i desideri più nascosti prendono forma. Questa chiave di lettura rende il film incredibilmente attuale, parlando direttamente a chi oggi si sente perso e cerca nel fantastico uno strumento per interpretare la propria realtà.

Toshiya Shinohara siede in cabina di regia e la sua presenza è una garanzia assoluta per chi ha amato opere come The Aquatope on White Sand o Black Butler. Il suo tocco si avverte nella gestione chirurgica dei tempi emotivi, capace di passare da esplosioni visive mozzafiato a momenti di silenzio introspettivo che colpiscono dritto allo stomaco. Accanto a lui, la sceneggiatura di Yūko Kakihara dona un equilibrio perfetto tra ritmo e approfondimento dei personaggi, confermando il talento già mostrato in successi come Il monologo della Speziale. La narrazione scorre fluida nonostante le bizzarrie tipiche di Wonderland, sostenuta da una struttura emotiva che non cede mai il passo alla confusione.

Il cast vocale originale completa l’opera con performance che definire stellari è poco. Nanoka Hara presta la voce a Rise con una sensibilità incredibile, mentre Maika Pugh interpreta Alice infondendole quel carisma misterioso che il ruolo richiede. Attorno a loro si muovono veterani del calibro di Kappei Yamaguchi e Toshiyuki Morikawa, nomi che per noi geek sono vere e proprie leggende del doppiaggio giapponese. Ogni battuta e ogni respiro contribuiscono a creare un’atmosfera densa, supportata da un comparto visivo che è un vero trionfo per gli occhi. Le geometrie impossibili del Paese delle Meraviglie e l’uso sapiente del colore trasformano ogni frame in un quadro, un sogno lucido dove la colonna sonora di kotringo si insinua con melodie ipnotiche che mescolano moderno e fiabesco.

Questo film non è solo un regalo per i fan sfegatati di P.A. Works o per chi ha Alice tatuata sul cuore, ma è un’opera che parla a chiunque creda ancora nel potere delle storie come strumento di crescita. È una reinterpretazione audace che dialoga con il presente, dimostrando che i grandi classici non invecchiano mai se sanno cambiare pelle. Il cinema sta per diventare un portale verso un altro mondo e noi siamo pronti a varcare la soglia senza voltarci indietro.

Siete pronti a perdervi insieme a Rise in questa nuova, incredibile versione del Paese delle Meraviglie? Mi piacerebbe sapere se anche voi, come me, sentite ancora quel brivido lungo la schiena quando la cultura pop giapponese decide di sfidare i giganti della letteratura occidentale. Fateci sapere nei commenti quali sono le vostre aspettative e se andrete in sala a godervi questo spettacolo in lingua originale.

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Heidrun Schleef: la voce invisibile del cinema italiano – tra Moretti, Muccino e la magia delle parole che diventano immagini

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Quando ho incontrato Heidrun Schleef, era una di quelle giornate romane in cui il tempo sembra sciogliersi nella luce, e anche la frenesia della città rallenta. L’ho raggiunta in un bar nei pressi della Piramide, durante una sua pausa pranzo, ed è stato come entrare in una scena scritta da lei stessa: ironia sottile, sguardo attento, parole calibrate come se ogni frase fosse già un frammento di sceneggiatura. Heidrun è tedesca di nascita ma italiana d’adozione, e la sua voce – morbida, curiosamente musicale – tradisce un amore autentico per il cinema e per il linguaggio, in tutte le sue sfumature. Parlare con lei significa attraversare decenni di cinema d’autore italiano, quello che ha saputo raccontare l’animo umano con una sensibilità quasi chirurgica. Sceneggiatrice di punta, Heidrun Schleef ha firmato copioni che oggi fanno parte della memoria collettiva del nostro cinema: dai lavori con Mimmo Calopresti a quelli con Michele Soavi, Roberta Torre, Michele Placido, Gabriele Muccino e – soprattutto – Nanni Moretti. Ed è proprio con lui che ha raggiunto uno dei vertici della sua carriera: “La stanza del figlio”, Palma d’Oro a Cannes nel 2001, David di Donatello, Nastro d’Argento, Ciak d’Oro per il miglior film, e Globo d’Oro per la migliore sceneggiatura. Un’opera scritta a sei mani insieme a Moretti e Linda Ferri, in cui la delicatezza dell’elaborazione del lutto si fonde con la lucidità della narrazione cinematografica. Nel corso della sua carriera, Heidrun Schleef ha ricevuto due Nastri d’Argento del Sindacato Nazionale Giornalisti Cinematografici Italiani: uno per la miglior sceneggiatura con “Ricordati di me” di Gabriele Muccino, l’altro per il miglior soggetto originale con “La parola amore esiste” di Mimmo Calopresti. Due opere diversissime, ma accomunate da un tema centrale nel suo cinema: la fragilità dei rapporti umani e l’impossibilità di comunicare davvero, anche quando si parla la stessa lingua.  La sua filmografia è una costellazione di emozioni trattenute, di personaggi che cercano un posto nel mondo, di famiglie che si disgregano e si ricompongono con fatica. In un certo senso, Heidrun Schleef ha raccontato meglio di molti altri l’Italia che cambia, le sue paure, la sua bellezza contraddittoria. E lo ha fatto sempre con uno sguardo che non giudica, ma ascolta.

Puoi raccontare come hai iniziato questo lavoro  ? Hai viaggiato parecchio?

Si. Prima ho vissuto a New York con un fidanzato italiano, cercavamo di lavorare nella campo artistico , io come regista, lui come musicista. Però costava troppo vivere lì. Allora abbiamo deciso di trasferirci a Roma. Peccato. New York era una città interessante.  Sono riuscita superare gli esami del centro sperimentale di cinematografia del corso di regia, perché appunto volevo diventare una regista. Però, siccome lavoravo molto alla sceneggiature di amici e colleghi, alla fine il mio destino è stato diverso.  Ironia della sorte nel mio corso c’era Virzì che stava nel corso di sceneggiatura ed è poi diventato regista.

Poi per cinque anni ho lavorato come lettrice di copioni per la Fininvest ora Medusa. Insomma ho sempre lavorato.

Una organizzazione armata terroristica di estrema sinistra di stampo comunista. Nata come associazione politica extraparlamentare formata da fuoriusciti da Lotta Continua, i cui membri maturarono la scelta della lotta armata. Una organizzazione seconda per dimensioni alle sole Brigate rosse, attiva tra il 1976 e il 1981 principalmente a Torino, Milano, Firenze e Napoli.)

Determinate è stato il tuo esordio con il regista Mimmo Calopresti alla stesura della “La seconda volta” 1995 Un film prodotto e interpretato dal già famoso Nanni Moretti. Un esordio importante, di peso, con un argomento scottante come quello del terrorismo.

Si. La sceneggiatura  fu abbastanza complessa Tramite una ragazza che lavorava in produzione  ho conosciuto Mimmo Calopresti che cercava collaboratori per scrivere una storia sui terroristi rossi di Prima Linea… artivamo da fatti reali Mimmo è stato un documentarista. Avevamo la consulenza di alcuni capi:  Sergio Segio e Susanna Ronconi, ex Br, che intervistavamo in carcere. «Prima Linea non è un nuovo nucleo combattente comunista, ma l’aggregazione di vari nuclei guerriglieri che finora hanno agito con sigle diverse»… La sceneggiatura ultimata vinse un bando importante con un finanziamento economico del Ministero, L’articolo 28, poi diventato 8, senza il 2, purtroppo non utilizzato perché abbiamo cambiato la storia.

Avevamo conosciuto una ragazza in semilibertà. Non aveva partecipato alle uccisioni,  che ci ha raccontato che era stata seguita da un uomo… lei pensava che la stesse corteggiando. Invece poi ha scoperto che l’uomo era interessato a lei perché era stato gambizzato dal suo gruppo…La storia era interessante e originale e ci credevamo molto.

Avendo rinunciato al finanziamento pubblico, abbiamo cominciato a mandare il copione in giro a diverse produzioni. Inaspettatamente Nanni Moretti ci lasciò un messaggio in segreteria.  Aveva letto il copione ed era interessato a realizzarlo. Credevamo fosse un scherzo Invece era veramente lui…Il film è andato bene, è stato selezionato e candidato alla Palma d’oro a Cannes.  Vinse un David di Donatello, come migliore attrice a Valeria Bruni Tedeschi e come produzione a Moretti e Barbagallo della Sacher.  Vinse  anche un ciak d’oro come Migliore opera prima  Un Premio Flaiano come migliore interpretazione femminile.

Poi hai collaborato alle sceneggiature di molte opere prime ?

Si. Sono diventata la “regina delle opere prime”…e non mi è dispiaciuto..le trovo anche interessanti.  I registi sono al loro debutto,  sono  più in ascolto e meno condizionati dal mercato.

Un padre psicoanalista, una madre dolce e affettuosa, due figli adolescenti: legami familiari attraversati dalle luci e dalle ombre di una vita vissuta insieme. Finché l’irruzione del dolore non mette alla prova anche gli affetti più profondi.

Dopo hai lavorato ancora con Nanni Moretti ?

Si. Dopo un po’ di anni, mi ha chiamato per scrivere  insieme a Linda Ferri  la “Stanza del figlio” Scritto nel 2001, ottenne la Palma d’oro a Cannes e David di Donatello come miglior film…  E’ stata però una lavorazione molto faticosa, durata ben due anni e mezzo.

Poi con Nanni ho lavorato solo sul soggetto del film”Il Caimano”del 2006.  Premi: David di Donatello come miglior  film, regia, attore protagonista e produttore.

Bruno Bonomo vede la propria casa produttrice vicina al baratro del fallimento. La salvezza sembra giungere da un copione che gli viene sottoposto da una giovane regista, Teresa, che racconta la storia di Silvio Berlusconi.

…Però fu sceneggiato successivamente  da Francesco Piccolo e Federica Pontremoli.

Penso che sia stato profetico rispetto al rapporto di Berlusconi con la giustizia…come lo è stato anche il film  “Habemus Papa” rispetto alla crisi e le dimissioni di Papa Benedetto XVI

Invece come è stato il rapporto con Muccino ?

Molto buono. Mi chiamato lui per il film “Ricordati di me” del 2003

Lo reputo uno dei migliori film suoi.

Era arrivato già con un trattamento del film. Aveva le idee molto chiare, è stata una buona collaborazione. Anche se per esempio la scelta iniziale della voce fuori campo è stata sua, io non l’avrei messa. Il film ha vinto tra l’altro anche un nastro d’argento alla migliore sceneggiatura. Muccino e Schleef.

Il film racconta le aspirazioni soffocate e la vita complicata e deludente dei componenti di una famiglia borghese in crisi . Tutti cercano di dare un nuovo senso alle proprie vite. Però nessuno accetta la volontà di separazione del padre.

Come consideri il lavoro di sceneggiatore in Italia? E’ diverso l’approccio alla scrittura di un film rispetto ad una serie Tv ?

Certo che è diverso. In Italia c’è una visione più da autore del film, dove il regista scrive e propone anche il soggetto.

Io spesso nel mio lavoro mi devo confrontare con le idee dei registi che sono il motore del film.

In America non è sempre così. Come non è così nelle varie serie prodotte dalle televisioni e dalle piattaforme.

Lì il regista viene chiamato per ultimo.

 Che ne pensi dei film di genere?

Non mi interessano molto Non sono un amante dei film di genere, anche come spettatrice,  spesso mi annoiano.

Ps.Però il suo ex compagno con cui ha avuto un figlio  è stato Michele Soavi un bravo regista di genere, ex collaboratore di Dario Argento e di Aristide Massaccesi, produttore del suo primo film: Deliria, un bel debutto di film thriller che vinse un premio ad Avoriaz.

Con quali registi recenti ti sei trovata bene?

Con Michel Zampino…mi sono trovata molto bene. Metà francese e metà italiano  Abbiamo lavorato insieme  anche nel film Governance – Il prezzo del potere è un film del 2021 che ha vinto il Globo D’oro come migliore sceneggiatura  a Michael Zampino,  Giampaolo G. Rugo e Heidrun Schleef…

Puoi parlare allora del un tuo prossimo film in uscita?

Sempre con Michel Zampino abbiamo scritto la storia di un fantino e del suo cavallo, liberamente ispirato al romanzo “Laghat, il cavallo normalmente diverso” di Enrico Querci,j “un’immersione nel mondo delle corse: con uno stile fortemente documentaristico, con l’alternanza di momenti spettacolari delle corse a momenti più intimisti.

Scusa. Ora però devo andare via… il  lavoro mi aspetta a casa e ho un appuntamento. Ciao.

Pausa pranzo finita.

Cinema & Tv

La Guerra dei Mondi ritorna su Prime Video: il classico di H.G. Wells in modalità “Amazon”

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C’era una volta un libro di H.G. Wells. Un romanzo rivoluzionario, visionario, capace di evocare il terrore cosmico con tripodi che schiacciavano Londra e raggi termici che annientavano ogni speranza. Poi ci fu Orson Welles, con il suo celebre radiodramma, e successivamente Spielberg, che trasformò l’invasione in una sinfonia di caos e adrenalina. E oggi? Oggi c’è “War of the Worlds: Revival” su Amazon Prime Video. Uscito il 30 luglio 2025, questo film ha deciso di riscrivere le regole della fantascienza… e purtroppo non nel modo che speravamo. Se pensavi di trovare una nuova, avvincente trasposizione del classico di Wells, con alieni che fanno tremare le fondamenta della Terra, città in fiamme e umanità sul baratro, ti conviene chiudere quella maledetta app di Prime Video. Il titolo ti attira, la locandina ti intriga, c’è perfino Ice Cube nel cast. Ma appena premi play, vieni risucchiato in un buco nero di noia, confusione e sconcerto. Non è un film. È una lezione su cosa non fare quando si vuole reinventare un caposaldo della narrativa di genere.

Will Radford lavora dietro le quinte del mondo. Ufficiale del Department of Homeland Security, è una delle menti operative dietro “Goliath”, un programma di sorveglianza globale in grado di monitorare ogni essere umano sulla Terra. Ma quando un misterioso hacker, noto come Disruptor, mette in scacco i sistemi federali, Will si trova catapultato in un’operazione congiunta con l’FBI. L’obiettivo? Scovare l’identità del pirata informatico prima che sia troppo tardi. Il tempo, però, si esaurisce rapidamente. Un giorno, all’improvviso, il cielo si apre. Piogge di meteoriti colpiscono le grandi città del mondo, e da essi emergono gigantesche macchine aliene, assetate di distruzione. Insieme a un’amica della NASA, Will arriva alla sconvolgente verità: quella in corso non è una semplice catastrofe… ma un’invasione extraterrestre. Il Presidente degli Stati Uniti ordina la risposta militare. Le forze armate globali si uniscono. I primi scontri sembrano promettenti, ma Will nota un dettaglio che nessuno vuole vedere: i mostri meccanici non attaccano a caso. Sembrano seguire uno schema, convergere su centri dati strategici. E poi la scoperta che ribalta ogni cosa: le creature inviano sciami di entità simili a insetti per “drenare” i dati dai server, potenziando le loro capacità e neutralizzando la difesa umana. È allora che Will scopre l’identità del nemico che cercava: Disruptor altri non è che suo figlio Dave, un hacker geniale e ribelle, con un conto in sospeso con il governo. Dave condivide con lui un file segreto, una bomba informativa che rivela l’impensabile: gli alieni non sono nuovi arrivati. Sono già stati sulla Terra. E “Goliath”, il programma voluto dal direttore Donald Briggs, ha attivato proprio il segnale che li ha richiamati. Tradito dal sistema che ha giurato di servire, Will affronta Briggs, che giustifica le sue azioni in nome della sicurezza nazionale. Ma la verità è più amara: l’arroganza umana ha firmato la condanna del pianeta. Briggs blocca Will fuori dal sistema, ma padre e figlio uniscono le forze. Con il supporto della giovane biologa Faith – figlia di Will e sorella di Dave – riescono a reintrodursi nella rete e caricare un virus progettato per distruggere le macchine aliene. Il piano sembra funzionare… ma gli alieni si adattano, reagiscono, contrattaccano. Quasi tutti i membri del team vengono eliminati. Dave è l’unico sopravvissuto. Con un ultimo disperato colpo di reni, Will e Faith raggiungono il cuore del sistema: il bunker sotto la sede del DHS, dove si trova Goliath. Lo disattivano appena in tempo, evitando un bombardamento nucleare pianificato per impedire che gli alieni prendano il controllo dell’IA. E poi… silenzio. Quando la tempesta si placa, la Terra è in ginocchio ma viva. Le creature sono sconfitte. Will e Dave diventano simboli della resistenza. Briggs viene arrestato per violazione della Costituzione e crimini contro l’umanità. Faith viene celebrata per aver decifrato il linguaggio genetico delle creature, contribuendo in modo decisivo alla vittoria. Il governo propone a Will di guidare una nuova era della sorveglianza globale, stavolta “etica”, rispettosa della privacy. Ma lui rifiuta.

Tutto accade dietro uno schermo. E non è una metafora.

Nel film l’invasione aliena non arriva con esplosioni o navistellari: arriva… via Zoom. Tutto – letteralmente tutto – accade attraverso uno schermo. Nessun contatto diretto, nessuna tensione palpabile: solo notifiche, dashboard, videochiamate traballanti e feed digitali che raccontano la fine del mondo come fosse una diretta Twitch andata storta. Ice Cube, nei panni di Will Radford, è l’analista di sicurezza più immobile della storia del cinema: inchiodato al suo laptop, osserva la catastrofe come fosse una riunione di condominio in perenne lag. Il regista Rich Lee tenta di trasformare un film catastrofico in una riflessione digitale sull’informazione e il controllo, ma il risultato è più noioso di un aggiornamento software. Ogni scena è filtrata da un’interfaccia: Alexa ti annuncia l’apocalisse, FaceTime è l’unico modo per comunicare con i propri cari, e persino gli attacchi alieni avvengono fuori campo, forse per risparmiare sul budget. Ci sono momenti in cui si intravede un’idea interessante – come l’invasione vista come colonizzazione delle nostre vite digitali – ma resta tutto appena accennato, soffocato da una scrittura debole e una messa in scena piatta.

Il film sembra voler essere serio, ma l’effetto è involontariamente comico: a un certo punto, Ice Cube usa un drone Amazon per difendersi. Il momento clou? Una sparatoria a bassa risoluzione tra due finestre di chat. Il messaggio? Forse che siamo troppo passivi, troppo legati agli schermi per reagire al disastro. Ma se davvero voleva essere una critica sociale, allora perché è tutto così vago, così anonimo?

Alla fine resta solo una sensazione: quella di aver assistito a un’occasione sprecata, un progetto che aveva (forse) qualcosa da dire, ma ha scelto il modo peggiore per farlo. Una Guerra dei Mondi senza guerra. E senza mondi. Solo pixel.

Cinema & Tv

“The Accountant 2” – Un Thriller d’Azione Che Riesce a Superare l’Originale

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Con “The Accountant 2”, Gavin O’Connor torna a dirigere il sequel del suo thriller d’azione del 2016, confermando la sua abilità nel creare storie ad alta tensione, ma con un tocco più umano e profondo. Il ritorno di Christian Wolff, interpretato da Ben Affleck, si inserisce in un contesto che non solo amplifica la componente d’azione, ma esplora anche nuove dinamiche emotive, con uno sguardo più intimo sui suoi rapporti familiari e sul suo mondo interiore. Il film, che ha debuttato al South by Southwest Festival nel marzo 2025, è stato accolto con entusiasmo dalla critica e ha raggiunto notevoli traguardi al botteghino, battendo le aspettative di incasso rispetto ad altri recenti film di Affleck, come “The Last Duel” e “Hypnotic”. La trama si sviluppa in modo intrigante, mescolando il riciclaggio di denaro con la caccia ad una famiglia scomparsa, il tutto in un contesto di vendetta e cospirazioni internazionali. Ma ciò che colpisce davvero è come la storia mantenga il ritmo serrato e, allo stesso tempo, riesca a sviluppare i personaggi in modo ricco e complesso.

Una Narrazione Multilivello e un Affleck a Tutto Tondo

Il punto forte di “The Accountant 2” è, senza dubbio, la performance di Ben Affleck. L’attore, nel ruolo di Christian Wolff, continua a rappresentare una delle figure più affascinanti del thriller moderno, dando spessore a un personaggio che, pur essendo un genio della matematica e del crimine, è anche profondamente segnato dalle sue difficoltà personali e relazionali, in particolare con il suo fratello assassino, Braxton, interpretato da Jon Bernthal. Il rapporto tra i due fratelli, lontani ma mai veramente separati, diventa il nucleo emotivo del film, con momenti di tensione, ma anche di sincera riconciliazione. La chimica tra Affleck e Bernthal è palpabile e rende ogni scena che li vede protagonisti estremamente coinvolgente. La performance di Bernthal è, infatti, uno degli aspetti più positivi del film, contribuendo a una profondità che arricchisce la narrazione.

Tuttavia, il cast di supporto, sebbene competente, non è altrettanto equilibrato. Cynthia Addai-Robinson, nel ruolo dell’agente Medina, risulta un po’ meno incisiva rispetto alle altre interpretazioni principali, limitandosi a muovere la trama senza aggiungere molto alla complessità della storia. Al contrario, Daniella Pineda offre una performance straordinaria nei panni di Anaïs, una figura enigmatica e letale, che porta una nuova intensità al film e completa la già potente presenza di Affleck e Bernthal.

Azioni, Commedie e Legami Fraterni: Un Equilibrio Riuscito

Gavin O’Connor, già regista di “The Way Back”, dimostra ancora una volta la sua maestria nell’alternare toni diversi, mescolando sequenze d’azione mozzafiato con momenti di leggera comicità e intensi scambi emotivi. Sebbene il film si mantenga fedele alle radici del thriller d’azione, non mancano momenti di riflessione, come quando Christian si trova a fronteggiare non solo nemici esterni, ma anche le sue lotte interiori. La sua abilità nel risolvere problemi complessi, sia attraverso la matematica che l’intuizione, è affiancata da una narrazione che esplora la sua vulnerabilità emotiva.

O’Connor non esita ad arricchire il film con un’ulteriore evoluzione del personaggio di Christian, in cui la giustizia, la vendetta e la redenzione si intrecciano in un racconto che, pur basandosi su premesse di azione e adrenalina, non perde mai di vista la profondità psicologica dei protagonisti. Eppure, a sorpresa, anche un certo senso di umorismo emerge dalla dinamica tra i due fratelli e dalla presenza di Justine, il personaggio interpretato da Allison Robertson, che si inserisce nel gruppo con un’intelligenza pratica e un’indole tenace.

Un Successo da Prime Video e un Futuro Incerto

“The Accountant 2” ha già superato i 50 milioni di dollari a livello globale, ma la vera prova sarà il suo successo su Prime Video, dove potrebbe continuare a guadagnare visibilità e apprezzamento, proprio come il suo predecessore. Nonostante la sua distribuzione principalmente cinematografica, il film sembra destinato ad avere una lunga vita sulla piattaforma di streaming, che potrebbe far lievitare ulteriormente il suo successo.

In questo contesto, la domanda sorge spontanea: un “The Accountant 3” è possibile? Dopo l’accoglienza positiva, le porte per un ulteriore capitolo sembrano effettivamente aperte. Se la sceneggiatura di questo sequel si destreggia con audacia tra più fili narrativi, pur rischiando qualche passo falso, ciò che rimane indelebile è la capacità del film di costruire tensione, emozione e azione in un mix che cattura il pubblico e lo tiene incollato allo schermo fino all’ultimo minuto.

Un Sequel che Rende Giustizia al Primo Film

“The Accountant 2” è, senza dubbio, uno di quei rari sequel che non solo riprende i punti di forza del suo predecessore, ma riesce a elevarli. Con un Ben Affleck straordinario e una storia che evolve su più livelli, il film si rivela un avvincente thriller che non si limita a essere un semplice susseguirsi di azioni spettacolari, ma che va a fondo nella psicologia dei suoi personaggi. Il risultato finale è un film che, pur rispettando la natura adrenalinica del genere, riesce a mescolare efficacemente intrighi, emozioni e relazioni personali. Un’opera che, sebbene non priva di imperfezioni, rimane una visione affascinante per chi cerca una narrativa intelligente e ben costruita.

Cinema & Tv

La Tigre e il Dragone Diventa una Serie TV: Nuove emozioni su Prime Video

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La notizia che La tigre e il dragone diventerà una serie televisiva è un segno evidente che questa storia, intrisa di emozione, tradizione e azione, ha ancora tanto da raccontare. Dopo aver conquistato il pubblico con la sua versione cinematografica, il celebre film di Ang Lee, ispirato al romanzo Wòhǔ Cánglóng di Wang Dulu, prenderà vita in un nuovo formato destinato a Prime Video. Lo sviluppo della serie è già in corso, e le aspettative sono alle stelle per un adattamento che promette di ampliare e approfondire l’universo narrativo che ha già incantato milioni di spettatori.

La serie si concentrerà sugli stessi personaggi che hanno dato vita al film, in particolare Shu Lien e Mu Bai, due guerrieri intrappolati tra un amore proibito e il conflitto interiore tra il desiderio di onorare la tradizione e quello di adattarsi a un futuro che sembra inesorabilmente diverso. La tensione tra conservazione e innovazione, tra cuore e mente, tra passione e dovere, è il motore narrativo che farà da filo conduttore all’intera serie. Non mancheranno paesaggi mozzafiato, caratteristici della Cina rurale, e scene d’azione spettacolari che richiamano l’estetica tanto amata del film, arricchendo l’esperienza visiva con la possibilità di esplorare più a fondo il mondo delle arti marziali e dei suoi protagonisti.

La sceneggiatura della serie sarà affidata a Jason Ning, il quale, oltre a scrivere, si occuperà anche della produzione. Con un team di produttori d’eccezione come Ron D. Moore, già noto per i suoi lavori su Battlestar Galactica e For All Mankind, e Maril Davis, insieme ai produttori Roy Lee di Vertigo Entertainment, e Hong Wang e Qin Wang dello Wang Dulu Estate, la serie si preannuncia come un progetto ambizioso che porterà nuova linfa vitale alla storia. Sony Pictures Television, grazie alla collaborazione con Moore e Ning, sarà lo studio responsabile della produzione, già impegnato con altri adattamenti importanti, come quello del videogioco God of War.

Questa serie non è solo un adattamento di un film leggendario, ma una nuova opportunità per esplorare il ricco mondo creato da Wang Dulu. Il romanzo La tigre e il dragone fa parte di una serie di cinque libri, e quindi c’è ancora molto materiale da esplorare. La serie offrirà probabilmente l’occasione di scoprire nuovi personaggi, nuove trame e nuovi conflitti, il che alimenta ulteriormente l’entusiasmo per il progetto.

Nonostante il film originale abbia segnato un punto di riferimento nel genere wuxia, la serie televisiva ha il potenziale per arricchire l’universo di La tigre e il dragone con una narrazione più profonda, un approfondimento psicologico dei suoi protagonisti e una maggior attenzione agli aspetti sociali e filosofici che permeano la trama. In un’epoca in cui la serialità sta guadagnando sempre più spazio rispetto al cinema tradizionale, questo adattamento promette di raggiungere nuove vette, portando sul piccolo schermo la stessa magia che ha reso il film di Ang Lee un capolavoro immortale.

Le aspettative sono alte: la storia di Shu Lien, Mu Bai e Jen, con le loro lotte interiori, le loro passioni e il loro destino segnato dalla tradizione e dal conflitto, è destinata a continuare a emozionare e affascinare, mantenendo vivo un mondo che, seppur lontano nel tempo e nello spazio, ha ancora tanto da dire.

Archivio Eventi Nerd e Cosplay (1999–2025), Cinema & Tv

Meg LeFauve Racconta il Fenomeno “Inside Out” all’Università Cattolica di Milano: Un’Open Lecture Imperdibile

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Martedì 29 aprile 2025, alle ore 16.30, Milano ospiterà un evento imperdibile per tutti gli appassionati di animazione e sceneggiatura. Meg LeFauve, una delle figure più influenti nel panorama dell’animazione e della scrittura cinematografica, sarà protagonista di una Open Lecture all’Università Cattolica del Sacro Cuore. L’incontro, dal titolo “The Long Journey to Inside Out and Inside Out 2”, rappresenta un’occasione unica per scoprire i retroscena del fenomeno Inside Out, il capolavoro animato della Pixar che ha conquistato milioni di spettatori in tutto il mondo.

Meg LeFauve, sceneggiatrice e produttrice di entrambi i capitoli della saga, terrà questa lectio pubblica presso l’Aula Pio XI della sede milanese dell’Università Cattolica, a Largo Gemelli 1. Il suo intervento si inserisce all’interno del programma del Master in International Screenwriting and Production (MISP) e della Laurea Magistrale “The Art and Industry of Narration”, diretti dal prof. Armando Fumagalli. Entrambi i corsi sono da più di venti anni fucine di talenti che lavorano nel mercato globale della scrittura per il cinema, la televisione e l’editoria, nonché della produzione audiovisiva.

Meg LeFauve ha contribuito alla scrittura di Inside Out (2015) insieme al regista Pete Docter e a Josh Cooley, e ha curato la sceneggiatura di Inside Out 2 (2024), lavorando con il regista Kelsey Mann e lo sceneggiatore Dave Holstein. La saga racconta la crescita della giovane Riley Andersen, alle prese con le proprie emozioni, esplorando temi universali come il cambiamento, le relazioni familiari e la complessità della mente umana. Le emozioni principali, rappresentate nei primi due capitoli dal personaggio di Gioia, Rabbia, Paura, Tristezza e Disgusto, sono arricchite nel secondo film da nuovi protagonisti come Ansia, Invidia, Imbarazzo, Ennui e Nostalgia, portando a una riflessione ancora più profonda sul mondo interiore di ogni individuo.

Classe 1969 e originaria dell’Ohio, Meg LeFauve ha avuto una carriera ricca di successi e sfide creative. Prima di dedicarsi alla sceneggiatura per Pixar, è stata presidente della casa di produzione cinematografica Egg Pictures, fondata da Jodie Foster, e ha contribuito alla realizzazione del film The Dangerous Lives of Altar Boys. La sua carriera si è poi arricchita con collaborazioni in progetti come Il viaggio di Arlo (2015), Captain Marvel (2019) e Il drago di mio padre (2022), consolidandola come una delle sceneggiatrici più apprezzate di Hollywood.

Il successo di Inside Out è stato travolgente: il film ha vinto l’Oscar, il Golden Globe e il BAFTA come miglior film d’animazione, incassando globalmente quasi 860 milioni di dollari. Ma il sequel ha superato ogni aspettativa, arrivando a incassare quasi 1,7 miliardi di dollari, diventando il film d’animazione con il maggior incasso di sempre e il nono di tutti i tempi. In Italia, Inside Out 2 ha ottenuto un successo straordinario, risultando il film più visto della stagione 2023/2024 e il quinto di tutti i tempi al box office nazionale.

Durante la sua lectio, Meg LeFauve condividerà con il pubblico la genesi di questo capolavoro cinematografico, rivelando aneddoti e curiosità sulla sua creazione, dalla concezione iniziale del progetto alla realizzazione finale. Gli studenti del corso di Laurea Magistrale “The Art and Industry of Narration” e del MISP avranno l’opportunità di ascoltare da una delle voci più autorevoli del settore, che racconterà come la Pixar sia riuscita a coniugare emozioni universali con una narrazione innovativa e coinvolgente.

Oltre alla LeFauve, la laurea magistrale “The Art and Industry of Narration” e il MISP vedono la partecipazione di altri grandi nomi del panorama internazionale. Tra questi, John Truby, uno dei maggiori consulenti per la scrittura di storie a Hollywood, Bobette Buster, autrice e consulente che ha lavorato su alcuni dei film più iconici della storia del cinema, e Jeff Melvoin, noto showrunner di serie come Alias e Designated Survivor. A questi si aggiunge la sceneggiatrice italiana Gaia Violo, che ha scritto per la serie thriller Absentia e attualmente lavora alla nuova stagione di Star Trek.

La Laurea Magistrale in “The Art and Industry of Narration” si distingue per il suo focus sull’industria dell’animazione e sui prodotti destinati al pubblico più giovane. Il Master in International Screenwriting and Production si svolge interamente in inglese e ha formato numerosi professionisti che lavorano oggi in produzioni internazionali di successo, come DOC – Nelle tue mani, Un passo dal cielo, Don Matteo, Leonardo, Medici – Masters of Florence, e molte altre.

L’Università Cattolica offre anche borse di studio per supportare gli studenti interessati a intraprendere questo percorso formativo di eccellenza. Le iscrizioni per la prossima edizione del MISP si apriranno nella primavera del 2026, e gli studenti selezionati avranno l’opportunità di formarsi in un ambiente che coniuga creatività e formazione pratica. Questo incontro non sarà solo un’opportunità per gli appassionati di animazione di scoprire i segreti dietro il fenomeno Inside Out, ma anche un’occasione unica di apprendere dai grandi maestri dell’industria cinematografica, capaci di trasmettere il loro sapere e la loro esperienza alle nuove generazioni di sceneggiatori e produttori. Non resta che segnare in agenda questa imperdibile lectio per il 29 aprile 2025: un appuntamento che promette di arricchire non solo gli appassionati di cinema, ma anche chi vuole capire meglio le dinamiche che stanno dietro al successo di una delle saghe di animazione più amate di sempre.

Approfondimenti, Books + Comics

Tenebrosa: Un Viaggio Nell’Oscurità e Nella Redenzione

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Immaginate di dover intraprendere una guerra privata, armati di spada, ma senza l’illusione di salvare principesse o di diventare eroi leggendari. Questo è il mondo di Tenebrosa, un fumetto che, pur nell’apparenza di un’avventura fantasy, si fa portatore di riflessioni più profonde, esplorando il peso del passato, il retaggio familiare e la lotta contro i propri mostri interiori. Pubblicato in Italia da Sergio Bonelli Editore, Tenebrosa non è la solita storia di cavalieri e draghi, ma una narrazione che sfida le convenzioni del genere, restituendo una visione originale e potente, in grado di catturare anche i lettori più scettici. La trama di Tenebrosa ruota attorno a due protagonisti tutt’altro che tradizionali: Arzhur, un cavaliere errante disilluso e tormentato dal suo passato, e Islen, una principessa dalle capacità straordinarie, costretta a portare il peso delle colpe di sua madre e del suo regno. Se vi aspettate la classica fiaba medievale, con la principessa da salvare e il cavaliere senza macchia, preparatevi a una sorpresa. Hubert, lo sceneggiatore, intreccia una storia che, pur mantenendo le sembianze di un’avventura fantasy, affronta temi ben più complessi, dove la ricerca della redenzione, l’autosacrificio e la consapevolezza del proprio passato si mescolano in un affresco emotivamente ricco.

Arzhur, il cavaliere cinico e disilluso, non è il classico eroe che si lancia in battaglia per salvare il mondo. La sua spada non serve a una causa nobile, ma piuttosto a proteggere se stesso, a tentare di ricostruire la propria esistenza dopo aver subito troppe sconfitte. Tuttavia, Hubert ci mostra che c’è molto di più sotto la superficie di questo personaggio. La vera forza di Arzhur non risiede nella spada che impugna, ma nel lato umano e vulnerabile che emerge lentamente durante le sue vicissitudini. Le sue azioni, pur spesso segnate dalla paura o dall’incertezza, sono la testimonianza di un uomo che, nonostante tutto, cerca la sua strada verso la redenzione.Islen, dal canto suo, non è certo la tipica principessa che aspetta passivamente il proprio salvatore. La sua figura è complessa, sfaccettata, e porta con sé un potere che la rende ben più di una semplice erede di un regno. Figlia di una madre dai poteri oscuri, Islen ha ereditato non solo la corona, ma anche le maledizioni che essa comporta. Rifiutando un matrimonio combinato e ribellandosi al padre, si ritrova ad affrontare un destino che non ha scelto, ma che è costretta a portare. Ma ciò che la rende davvero unica non è solo il suo ruolo di principessa in pericolo, ma il suo incredibile potere, che la trasforma in un personaggio ben più complesso di quanto ci si aspetterebbe da una fiaba.

La storia di Tenebrosa si dipana con un ritmo che alterna momenti di tensione ad altri di profonda introspezione. Lungi dall’essere una narrazione lineare, l’avventura prende forme diverse, guidando il lettore attraverso un viaggio che è tanto fisico quanto emotivo. Arzhur e Islen, inseguiti dal re e costretti a fuggire attraverso terre selvagge e pericolose, sono più che semplici fuggitivi: sono portatori di segreti dolorosi, legati indissolubilmente al loro passato e al peso delle loro famiglie. In questo contesto, Tenebrosa diventa una riflessione intima e personale sui mostri che ognuno di noi porta dentro di sé, e sulle scelte che ci definiscono, per il bene o per il male.

L’aspetto visivo di Tenebrosa è magistralmente curato da Vincent Mallié, il cui tratto rende perfettamente l’atmosfera cupa e opprimente della storia. Le sue illustrazioni, ricche di ombre e luci, non solo catturano l’essenza del mondo in cui i protagonisti si muovono, ma contribuiscono a enfatizzare le emozioni e i conflitti interni che li tormentano. Ogni pagina è un capolavoro visivo, dove l’espressione dei volti, il gioco di luci e ombre, e la composizione delle scene creano un impatto emotivo forte, coinvolgendo il lettore in un’esperienza visiva che va oltre la mera lettura.

Il tema centrale della saga, il retaggio familiare, è affrontato con grande sensibilità. Arzhur e Islen, due reietti che sfuggono alle loro origini, si trovano a dover fare i conti con un passato che non possono cambiare, ma che è destinato a seguirli. Le loro storie personali, così diverse eppure intrecciate dal destino, sono un racconto di lotta e di tentativi di liberarsi dalle catene della loro eredità. La domanda che Hubert pone al lettore è chiara: quanto siamo disposti a fare per redimerci e per liberare noi stessi dai mostri che ci portiamo dentro?

In questo contesto, Tenebrosa non è solo una storia di cavalieri, principesse e battaglie. È un racconto di crescita, di consapevolezza e di confronto con se stessi. Ogni passo che Arzhur e Islen compiono, ogni pericolo che affrontano, li porta non solo verso la salvezza fisica, ma verso una comprensione più profonda della loro natura e delle loro scelte. Non c’è una risposta facile, non c’è un lieto fine che appiana tutte le difficoltà. Al contrario, la fine della storia è un momento di riflessione dolorosa, ma anche di emancipazione, che lascia il lettore con una sensazione di crescita e trasformazione.

Tenebrosa è quindi una lettura imperdibile per tutti gli appassionati di fumetti che cercano qualcosa di più di un semplice racconto di avventura. Con la sceneggiatura di Hubert e le illustrazioni di Vincent Mallié, l’opera si distingue per la sua originalità, per la sua capacità di mescolare il fantasy con un’introspezione psicologica rara nel genere. Non aspettatevi una storia scontata: Tenebrosa è un’esperienza che va vissuta, che esplora i lati più oscuri dell’animo umano, e che, con maestria, ci porta a riflettere su chi siamo e su ciò che siamo disposti a fare per cambiare.

In conclusione, Tenebrosa non è solo un fumetto fantasy, ma un’opera che parla di scelte, di redenzione e di mostri interiori. Un racconto che, sotto le spoglie di una fiaba oscura, si fa riflessione sulle nostre paure e sul nostro destino. Un viaggio che, seppur doloroso, porta con sé una speranza di crescita, di comprensione e di emancipazione. Se cercate un fumetto che sappia andare oltre la superficie, Tenebrosa è la lettura che fa per voi.

Cinema & Tv, Gaming

Margot Robbie raddoppia: dopo Barbie, il film su Monopoly!

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Monopoly diventa un film grazie a Margot Robbie, e l’annuncio è già un segno che ci troviamo di fronte a un progetto ricco di potenziale. Dopo il trionfo mondiale di Barbie, che ha conquistato il pubblico con la sua visione unica e l’approccio irriverente al fenomeno culturale della bambola, l’attrice e produttrice australiana non ha intenzione di fermarsi. Se con Barbie ha ridefinito i confini del cinema popolare, ora punta a fare lo stesso con un altro gigante della cultura popolare: Monopoly, il celebre gioco da tavolo che da quasi novant’anni stimola l’istinto immobiliare di generazioni di giocatori.

L’idea di un adattamento cinematografico di Monopoly non è nuova, ma l’ambizioso coinvolgimento di Margot Robbie e del suo studio, LuckyChap, trasforma il progetto in qualcosa di molto più interessante di una semplice trasposizione di un gioco. Dopotutto, il legame che abbiamo con questo gioco è forte, quasi viscerale. Chi non ha mai fatto una partita con gli amici o la famiglia, tra l’entusiasmo di acquistare la proprietà più ambita o la frustrazione di finire in prigione? È un gioco che ha alimentato interminabili discussioni e, soprattutto, ha dato vita a quella sana competizione che può anche sfociare in rivalità familiari.

Creato nel 1935 da Charles Darrow, Monopoly è uno dei giochi da tavolo più popolari di tutti i tempi. Con oltre un miliardo di copie vendute e tradotto in più di 47 lingue, è diventato un’icona del nostro immaginario collettivo. Il suo fascino risiede nella sua semplicità apparente, che nasconde una complessità di dinamiche economiche e psicologiche, oltre a offrire momenti di tensione e di intrighi tra i giocatori. Da quando è stato acquisito da Hasbro, il gioco ha visto innumerevoli edizioni e varianti, rendendolo un marchio davvero globale.

L’annuncio di Robbie non ha sorpreso chi conosce il suo approccio audace al cinema. Dopo aver portato sul grande schermo un’interpretazione tanto giocosa quanto profonda del fenomeno Barbie, ora sembra voler esplorare un altro grande marchio, sempre con l’intenzione di darle una forma innovativa. Insieme ai suoi partner produttivi di LuckyChap, ha deciso di concentrarsi su un adattamento che potrebbe sfruttare al massimo la riconoscibilità e il potenziale di Monopoly. E c’è da scommettere che non sarà solo una trasposizione fedelissima del gioco da tavolo, ma un’opera che ne esplorerà la psicologia e i conflitti, facendo emergere il lato oscuro e, per così dire, “famigliare” di questa competizione. Dopo tutto, se c’è qualcosa che Monopoly sa fare è scatenare il conflitto tra parenti e amici, un aspetto che potrebbe trovare spazio anche in una trama cinematografica.

A dare un’impronta decisiva a questo progetto ci saranno anche John Francis Daley e Jonathan Goldstein, sceneggiatori e registi di Dungeons & Dragons – L’onore dei ladri (2023), una pellicola che ha riscosso un buon successo di pubblico e critica per il suo approccio leggero e ironico al mondo dei giochi da tavolo. Il duo ha già collaborato con Hasbro, e la loro esperienza con Dungeons & Dragons lascia ben sperare per un risultato simile anche con Monopoly, grazie a quella combinazione di avventura, commedia e spirito di squadra che ha caratterizzato il loro lavoro precedente. Inoltre, l’approccio divertente e leggero che hanno portato in Game Night – Indovina chi muore stasera? dimostra che sono i registi ideali per gestire il mix di tensione e ironia che un film su Monopoly potrebbe richiedere.

Nel frattempo, sebbene i dettagli sulla trama siano ancora scarsi, la domanda sorge spontanea: come si adatterà il gioco da tavolo alle esigenze di una sceneggiatura cinematografica? La possibilità di esplorare le dinamiche familiari e le rivalità che si generano durante una partita di Monopoly potrebbe rivelarsi un terreno fertile per una narrazione ricca di colpi di scena e umorismo. Immaginiamo il Monopoly Man come uno dei protagonisti, magari portato in vita da un attore come Ryan Gosling, come suggerito da alcuni fan. Chi non vorrebbe vedere il visconte delle proprietà immobiliari più famose d’America interpretato da un attore così carismatico?

La notizia è quindi decisamente intrigante. Monopoly diventa più che un semplice gioco, si trasforma in un fenomeno che potrebbe essere ripensato per una nuova generazione, in un mondo dove i giochi da tavolo e i videogame si intrecciano sempre più frequentemente con la cinematografia. Margot Robbie, con il suo talento e la sua capacità di interpretare e produrre storie fuori dagli schemi, sembra essere la persona giusta per affrontare questa sfida. Chissà cosa ne uscirà fuori. Una cosa è certa: il film su Monopoly avrà sicuramente molto da dire su come, in un mondo dominato dal denaro e dalle proprietà, l’unica vera cosa che conta sono i legami che ci uniscono, anche quando il gioco si fa duro.

Approfondimenti, Cinema & Tv

Roberto Orci: L’Ultima Frontiera di un Visionario della Fantascienza

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Roberto Orci ci lascia troppo presto, a soli 51 anni, portandosi via una mente brillante capace di ridefinire il concetto di blockbuster. La sua morte, avvenuta il 25 febbraio 2025 a causa di una malattia renale, segna la fine di un’epoca per Hollywood e per tutti gli appassionati di cinema e televisione che hanno seguito con entusiasmo le sue opere.

Nato a Città del Messico il 20 luglio 1973, Orci ha incarnato il sogno americano con un percorso fatto di talento, perseveranza e un pizzico di ribellione. Figlio di un padre messicano e di una madre cubana, si è spostato con la famiglia tra il Canada, il Texas e infine Los Angeles, dove avrebbe trovato il suo destino nell’industria dell’intrattenimento.Era ancora uno studente quando incontrò Alex Kurtzman, il sodale con cui avrebbe scritto pagine memorabili della fantascienza e dell’azione contemporanea. Insieme, i due hanno plasmato il linguaggio cinematografico degli anni 2000 con titoli come “The Island”, “The Legend of Zorro”, “Mission: Impossible III”, “Transformers” e “Star Trek”.

Ma il genio di Orci non si limitava al grande schermo. La sua influenza si è estesa anche al panorama televisivo con contributi fondamentali in serie iconiche come “Hercules”, “Xena – Principessa Guerriera”, “Alias” e, soprattutto, “Fringe”, uno show che ha ridefinito il genere sci-fi con una profondità narrativa e una complessità emotiva rare.

Il suo stile era inconfondibile: storie intrise di mistero e azione, personaggi che sfidavano i propri limiti, trame che mescolavano sapientemente scienza e finzione. Non c’era progetto a cui Orci mettesse mano che non avesse l’ambizione di essere qualcosa di più di un semplice intrattenimento. Hollywood lo aveva riconosciuto come una delle personalità latine più influenti nel 2007, ma il suo impatto andava ben oltre le etichette e le liste di prestigio.

Eppure, dietro il successo c’era un uomo complesso. Il suo percorso personale è stato segnato da momenti difficili, inclusa la lotta contro l’alcolismo, un demone con cui aveva avuto il coraggio di confrontarsi pubblicamente. Era un visionario, ma anche un essere umano pieno di contraddizioni. Lo dimostrano le controversie legali che lo hanno accompagnato fino alla fine della sua vita, con la causa in corso tra lui e la sua ex moglie, l’attrice Adele Heather Taylor.

Ciò che rimane, al di là delle ombre personali, è un’eredità artistica che ha ridefinito il cinema di genere. Ha co-sceneggiato i primi due “Transformers”, contribuendo a rendere la saga un fenomeno globale. Ha dato nuova linfa a “Star Trek”, restituendo a Kirk, Spock e compagni un posto di rilievo nel panorama cinematografico moderno. Ha prodotto successi come “Now You See Me”, “Ender’s Game” e “The Proposal”, dimostrando una versatilità capace di spaziare tra azione, thriller e commedia.

Ma forse l’aspetto più toccante di Orci non era il suo talento dietro la macchina da scrivere, bensì la sua generosità. Il fratello, J.R. Orci, lo ha descritto come un uomo dal “cuore senza confini” e dall'”anima splendida”, qualcuno che non esitava a prendersi cura di chiunque fosse in difficoltà, inclusi i cani abbandonati a cui dava rifugio. Il suo fedele compagno, Bogey, rimane il simbolo di un uomo che, tra i riflettori e le sceneggiature adrenaliniche, trovava spazio per la dolcezza e l’empatia.

La sua scomparsa lascia un vuoto immenso, uno di quelli che non si colmano con un semplice tributo. Si potranno riguardare i suoi film, riscoprire le sue serie, rileggerne le interviste, ma la sensazione sarà sempre la stessa: quella di aver perso troppo presto un autore che aveva ancora molto da raccontare. Hollywood piange Roberto Orci, e con essa lo fanno tutti coloro che hanno amato i suoi mondi di celluloide, le sue storie epiche e le sue visioni audaci. Addio, Roberto. Il cinema non sarà più lo stesso senza di te.

Foto di copertina di Gage Skidmore, CC BY-SA 3.0

Cinema & Tv, Gaming

Just Cause Arriva al Cinema: L’Adrenalina del Videogioco in un Film Esplosivo

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Il videogioco Just Cause sta per fare il suo grande salto sul grande schermo, promettendo di portare con sé l’esplosiva combinazione di adrenalina, acrobazie spettacolari e storie di ribellione che hanno conquistato milioni di appassionati nel mondo del gaming. Sviluppato da Avalanche Studios, il franchise è noto per la sua azione frenetica, i mondi aperti mozzafiato e una libertà d’azione senza pari, che ha permesso ai giocatori di vivere avventure selvagge in contesti esotici e pieni di caos.

La saga di Just Cause ha visto finora quattro capitoli principali, ognuno dei quali ci ha immersi in un mondo ancora più vasto e ricco di possibilità. Il primo gioco, Just Cause (2006), ci portava sull’isola fittizia di San Esperito, dando il via a una serie che sarebbe diventata celebre per la sua libertà totale e l’approccio destrutturato alle missioni. Nel secondo capitolo, Just Cause 2 (2010), i giocatori venivano trasportati sull’arcipelago di Panau, dove la fluidità del gioco e la varietà delle missioni portavano l’esperienza a un livello superiore. Il terzo gioco, Just Cause 3 (2015), ha spostato l’azione sull’isola mediterranea di Medici, introducendo il wingsuit, che ha permesso a chi giocava di librarsi nel cielo con una libertà mai vista prima. Infine, Just Cause 4 (2018) ha portato il tutto a un nuovo livello con una mappa ancora più grande e l’introduzione di un sistema meteorologico dinamico che rendeva ogni partita unica e imprevedibile.

Il protagonista di tutta la serie è Rico Rodriguez, un agente segreto con il compito di abbattere regimi corrotti in nazioni immaginarie. Armato fino ai denti con armi, veicoli e gadget iconici, tra cui il gancio per arrampicarsi e il parapendio, Rico è sempre pronto a seminare il caos in modo spettacolare. Sebbene la trama dei vari giochi non fosse mai il punto forte, la vera forza di Just Cause risiedeva nella possibilità di distruggere ogni cosa con una creatività sfrenata, rendendo ogni partita un’esperienza intensa e liberatoria.

Ora, il franchise si prepara a conquistare il grande schermo, grazie a una collaborazione con Universal Pictures annunciata nel maggio 2024. Questo non è il primo tentativo di adattamento cinematografico: nel 2010 era stato annunciato un film intitolato Just Cause: Scorpion Rising, ma il progetto non è mai andato oltre la fase iniziale. Questa volta, però, sembra che l’adattamento stia finalmente prendendo forma, con un team di alto livello al lavoro.

La sceneggiatura del film sarà curata da Aaron Rabin, che ha già lavorato su progetti come la serie Jack Ryan di Prime Video e Secret Invasion, la serie Marvel che ha diviso i fan. A dirigere la pellicola sarà Ángel Manuel Soto, regista di Blue Beetle, che porterà la sua visione dinamica e coinvolgente a un film che promette di essere una vera e propria scarica di adrenalina visiva. La produzione è supervisionata da David Leitch e Kelly McCormick, noti per aver lavorato a pellicole come John Wick e Atomic Blonde, mentre le sequenze d’azione saranno curate dalla leggendaria squadra di stunt 87 Eleven, che ha reso iconiche le scene di combattimento di John Wick.

Anche se una data ufficiale di uscita non è ancora stata fissata, le aspettative sono altissime. Con effetti speciali all’avanguardia, una produzione di altissimo livello e una squadra di talento pronta a portare sullo schermo tutta l’adrenalina che i fan si aspettano, Just Cause ha tutte le carte in regola per diventare uno dei film più attesi dell’anno.

In un’epoca in cui il cinema si ispira sempre di più ai videogiochi, adattamenti come quello di Just Cause dimostrano che i mondi virtuali non sono più solo il regno dei gamer. Stanno conquistando anche il grande schermo, offrendo a una nuova generazione di spettatori l’opportunità di vivere esperienze di azione pura e avventure mozzafiato. Se questa tendenza dovesse continuare, potremmo trovarci di fronte a una nuova era di film tratti dai videogiochi, capaci di emozionare e intrattenere tanto quanto i giochi che li hanno ispirati.

Cinema & Tv

Never Too Late: la Serie Teen Italiana che ci proietta nel Futuro Distopico

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Ci sono momenti in cui una serie TV si presenta con una premessa così affascinante da accendere subito la nostra curiosità, ma poi, quando il sipario si alza, ci rendiamo conto che le promesse sono state solo un’illusione. Never Too Late, debuttata su RaiPlay il 22 novembre 2024, appartiene purtroppo a questa categoria. Un esperimento che aveva tutte le carte in regola per diventare una serie di fantascienza memorabile, ma che finisce per arrendersi a una narrazione inconsistente e a scelte creative troppo banali.

 

“Never Too Late”: Un’Occasione Persa nel Futuro Distopico

Ambientata nel 2046, in una Sardegna devastata dal collasso climatico, la trama ruota attorno alla scarsità di ossigeno e alla creazione di un “green lockdown” da parte delle Milizie Verdi, un’organizzazione paramilitare che governa con pugno di ferro. I protagonisti sono un gruppo di adolescenti figli di ribelli, decisi a scoprire cosa si nasconde dietro la riserva naturale di Nur, l’ultimo polmone verde del pianeta. Sembra una premessa perfetta per una riflessione sul cambiamento climatico e sull’umanità alla deriva, ma la realtà del prodotto finito è molto meno brillante.

La serie fatica a creare una visione coerente del futuro. La distopia proposta non riesce a convincere: la costruzione del mondo è vaga e priva di quel respiro che ti fa sentire davvero immerso in un’altra realtà. Invece di un futuro plausibile, Never Too Late sembra più un collage di idee confuse, messe insieme senza una vera logica narrativa o scientifica. I dettagli, poi, sono spesso trascurati. Per esempio, come può un mondo in cui l’ossigeno è scarso permettere ai personaggi di fumare tranquillamente sigarette senza che qualcuno sollevi obiezioni? È un’inezia, ma sono proprio questi dettagli che minano la sospensione dell’incredulità.

Eppure, Never Too Late ha un lato positivo: il cast. Arianna Becheroni e Roberto Nocchi, nei panni dei figli dei ribelli, dimostrano una discreta intensità, ma la sceneggiatura non fa altro che soffocare il loro talento. I loro personaggi sono mal sviluppati, con dialoghi che sembrano tratti da un copione generico, senza il minimo accenno di profondità o originalità. Le dinamiche tra i ragazzi potrebbero essere interessanti, ma finiscono per sfilacciarsi in una banalità che non crea mai una vera connessione emotiva.

Poi ci sono i villain. Ah, i villain… Il generale Piras, interpretato da Antonio Gargiulo, è più un cartone animato che un antagonista serio, con una performance che fa crollare ogni illusione di credibilità. Se fossero stati scritti con maggiore attenzione, avrebbero potuto essere una critica sociale affilata, ma finiscono per essere solo un fastidioso elemento di disturbo.

Il vero tallone d’Achille della serie, però, è la sceneggiatura. I dialoghi sono spesso un miscuglio di frasi fatte, piene di espressioni che appaiono fuori luogo e che spezzano l’immersione. L’uso di termini da cultura americana come “Bingo!” o “Si vede lontano un miglio” stona terribilmente in un contesto che dovrebbe essere grigio e drammatico. La trama, poi, è un susseguirsi di eventi forzati e poco credibili, che mettono in evidenza tutte le contraddizioni del progetto.

In conclusione, Never Too Late rappresenta una grossa occasione persa per il panorama sci-fi italiano. Un tentativo apprezzabile, ma che si perde in un mare di incertezze. Se solo la serie avesse avuto una sceneggiatura più solida e un budget maggiore, sarebbe potuta diventare una proposta interessante. Invece, rimane un prodotto mediocre, che non riesce a risvegliare l’immaginazione né a far riflettere sul futuro del nostro pianeta. Per chi cerca qualcosa di più di una semplice visione leggera, questo è un viaggio che vale la pena intraprendere solo se non ci sono alternative migliori.

 

Cinema & Tv

Crazy Rich Asians 2: Tutto ciò che dovete sapere sul sequel della commedia romantica che ha fatto storia

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Se nel 2018 Crazy Rich Asians è stato un fulmine a ciel sereno nel panorama cinematografico, è ora il momento di fare il bis con il sequel. L’incredibile successo del film, che ha guadagnato 239 milioni di dollari e ha lanciato stelle come Constance Wu, Henry Golding e Awkwafina, ha acceso l’attesa per il seguito. Il regista Jon M. Chu, che ha già portato il film al successo con il suo stile brillante, ha confermato che Crazy Rich Asians 2 è finalmente in cantiere. Ma, come spesso accade nei sequel, non sono mancate le sorprese, con qualche cambiamento in corso d’opera.

Jon M. Chu: “Non riporterò tutti indietro se non ne vale davvero la pena”

Jon M. Chu è tornato a parlare del sequel e ha già dato il tono delle aspettative: il ritorno di alcuni personaggi è tutto da vedere. In parole povere, il regista non ha intenzione di “far tornare tutti” a meno che non ci sia una vera ragione per farlo. Con il suo solito approccio di precisione e attenzione ai dettagli, ha dichiarato di voler una sceneggiatura che non solo regga il confronto con il primo film, ma che mantenga lo stesso livello di urgenza emotiva che ha reso Crazy Rich Asians così coinvolgente. Ecco, quindi, che la scrittura sarà al centro del progetto, e sembra che il lavoro sul copione sia ancora in corso.

La trama di Crazy Rich Asians 2: Rachel scopre chi è davvero

Il sequel si ispira al romanzo China Rich Girlfriend di Kevin Kwan, che si svolge a Shanghai e prosegue la storia di Rachel Chu (Constance Wu) e Nick Young (Henry Golding). Nel secondo capitolo della saga, Rachel è pronta a sposare Nick, ma, come nelle migliori storie d’amore, niente è mai facile. La trama segue Rachel alle prese con la scoperta della sua vera identità biologica e con l’immersione nel mondo sfarzoso e competitivo di Shanghai. Un mix perfetto di segreti di famiglia, drammi e nuove sfide, il tutto condito con il lusso che solo Crazy Rich Asians sa regalare.

Chi tornerà nel cast? Forse sì, forse no, ma è troppo presto per dirlo

Se speravate in un ritorno di Michelle Yeoh, Awkwafina e degli altri personaggi amati, preparatevi a una buona dose di incertezze. Nonostante le voci circolino, Chu ha sottolineato che l’apparizione di alcuni attori dipenderà dal ruolo che avranno nel sequel. Con l’incertezza che aleggia su chi tornerà e chi no, però, ci sono buone probabilità di rivedere Constance Wu nei panni di Rachel e Henry Golding come Nick. I fan incalliti della saga saranno sicuramente felici di rivedere i protagonisti, ma c’è da aspettarsi qualche cambiamento e aggiustamento nel cast, a seconda di come la trama si sviluppi.

Sceneggiatura: Un cambiamento che potrebbe essere una ventata d’aria fresca

Per il sequel, la sceneggiatura sarà nelle mani di Amy Wang, che prenderà il posto degli autori del primo film, Adele Lim e Peter Chiarelli. La decisione di cambiare sceneggiatori arriva dopo qualche divergenza economica, ma Wang, con il suo bagaglio di esperienze, promette di portare una nuova energia nella storia. Se la sceneggiatura del primo film era stata un elemento chiave per il successo, il compito di Wang non è certo da poco. Il suo obiettivo sarà quello di mantenere viva l’intensità emotiva che aveva incantato il pubblico, ma con una nuova prospettiva, forse un po’ più fresca e moderna.

Quando inizieranno le riprese? E dove?

Le riprese di Crazy Rich Asians 2 sono in programma per l’inizio del 2025, e la produzione prenderà vita in location mozzafiato come la Malesia, Singapore e, naturalmente, Shanghai. Il film promette di restare fedele al suo spirito esotico e lussuoso, continuando a trasportare il pubblico in un mondo di ricchezze, drammi familiari e amori impossibili. Non possiamo che immaginare che ogni scena sarà un’opera d’arte visiva, piena di colori, eleganza e… ovviamente, tanto, tanto oro.

Dove guardare Crazy Rich Asians? Non è mai troppo tardi!

Se non avete visto il primo film o se volete solo rinfrescarvi la memoria (e magari sognare un po’ di lusso), Crazy Rich Asians è disponibile per il noleggio su Prime Video, iTunes e Tim Vision. Sfortunatamente, non è attualmente su Netflix, ma comunque, che ci vuoi fare? È un film che merita di essere visto, magari mentre aspettate il sequel, per farvi venire la giusta dose di nostalgia e prepotente voglia di scoprire cosa succederà a Rachel, Nick e tutti gli altri.

Cosa aspettarsi da Crazy Rich Asians 2?

Senza troppi spoiler (anche perché è tutto un po’ misterioso), Crazy Rich Asians 2 ha tutte le carte in regola per diventare un altro grande successo. Con una trama che mescola amore, identità e dramma familiare, e con la promessa di mantenere quella magia unica che ha fatto tanto parlare del primo capitolo, il sequel ha tutte le potenzialità per accontentare i fan. Quindi, preparatevi a un’altra immersione nel mondo dei lussi sfrenati e delle complicazioni romantiche: la storia di Rachel e Nick non è affatto finita. E, con un po’ di fortuna, il sequel ci regalerà nuovi colpi di scena che non vediamo l’ora di scoprire!

Cinema & Tv

Transformers One: torna il franchise con un film d’animazione epico!

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Dopo un’attesa che sembrava eterna, “Transformers One” è finalmente tra noi, e sorprendentemente, è un capolavoro inaspettato che rivoluziona il nostro rapporto con questo iconico franchise. Questo film d’animazione non solo rappresenta un ritorno alle origini, ma promette di svelare il passato inedito di due leggende: Optimus Prime e Megatron. In un audace colpo di scena, la storia dell’eterna guerra tra Bene e Male viene riscritta, azzerando tutti i precedenti film e proponendo un’origin story fresca e coinvolgente.

Il titolo “Transformers One” evoca un viaggio profondo nelle radici di una rivalità che ha segnato per sempre il destino di Cybertron. La trama si concentra sulle origini di Optimus Prime e Megatron, un tempo amici fraterni e ora acerrimi nemici. Questa narrazione va oltre la semplice cronaca di eventi; è un’analisi della loro evoluzione emotiva, un’immersiva esplorazione delle complessità che hanno trasformato due compagni inseparabili in avversari giurati. La tragica svolta del loro rapporto viene raccontata con maestria, rendendo il film non solo un’epopea di azione, ma anche una profonda riflessione sulle scelte e le loro conseguenze.

“Transformers One” riesce a sorprendere, superando il pregiudizio su una possibile virata infantile che avrebbe potuto ridurre la pellicola a un semplice prodotto riciclato. Al contrario, il film si distingue per la sua qualità tecnica e narrativa, dimostrando che l’animazione può essere molto più di un semplice intrattenimento per bambini. Lo stile visivo, ispirato alle serie animate degli anni ’80, non rinuncia a osare, coinvolgendo lo spettatore con una trama ben congegnata e una caratterizzazione di Cybertron e dei suoi abitanti incredibilmente affascinante e credibile.

Il cast vocale di “Transformers One” è stellare, con interpretazioni che promettono di rimanere nella memoria dei fan. Chris Hemsworth dà voce a un giovane Optimus Prime, mentre Brian Tyree Henry interpreta il giovane Megatron, D-16. La sempre affascinante Scarlett Johansson presta la sua voce a Elita-1, un personaggio forte e complesso che arricchisce la trama, evidenziando le dinamiche di potere e le sfide affrontate dai personaggi femminili nel mondo dei Transformers. Ogni personaggio chiave, da Sentinel Prime a Starscream, è interpretato da voci di grande talento, con Laurence Fishburne che presta la sua gravità a Alpha Trion, un personaggio saggio e influente.

Sotto la direzione di Josh Cooley, premio Oscar per “Toy Story 4”, il film beneficia di un equilibrio perfetto tra azione frenetica e momenti di riflessione. Cooley riesce a portare alla luce le complessità psicologiche dei personaggi, rendendo ogni interazione più intensa. La sceneggiatura di Andrew Barrer e Gabriel Ferrari è ricca di colpi di scena e dialoghi incisivi, approfondendo il legame emotivo tra i protagonisti. La produzione, sostenuta da nomi di peso come Lorenzo di Bonaventura, Michael Bay e Steven Spielberg, assicura un alto livello di cura e visione ambiziosa.

Ma “Transformers One” non è solo un’aggiunta al franchise; è una rivoluzione nella narrazione di una saga amata da milioni. Il film affronta temi di sfruttamento del lavoro, inganno politico e le tensioni tra diplomazia e violenza, offrendo una visione profonda di cosa significhi essere un eroe. La narrazione prende sul serio il dilemma tra Bene e Male, delineando i personaggi oltre la loro iconografia tradizionale. “Transformers One” si configura come un capitolo imprescindibile nella storia del franchise, portando la narrazione a nuove vette. Preparati a essere travolto da un’avventura che mescola azione, emozione e colpi di scena in un’epopea che lascerà tutti senza fiato. Non perdere l’appuntamento con i robot più famosi del cinema: il viaggio di “Transformers One” è destinato a rimanere nel cuore dei fan per molto tempo.