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Quando Frodo tornò a Hobbiton: il matrimonio nella Contea che ha incantato il mondo

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Ci sono giorni che non sembrano appartenere al mondo degli uomini, ma a un tempo sospeso, in cui la luce filtra tra le foglie come un ricordo antico. Giorni in cui l’aria profuma di erba bagnata e di storie mai dimenticate. È accaduto in Nuova Zelanda, nel cuore verde di Matamata, dove due sposi hanno deciso di giurarsi amore eterno nel luogo dove il sogno di Tolkien ha preso forma: Hobbiton, la vera Contea costruita da Peter Jackson per Il Signore degli Anelli.
Là, tra le colline tonde come pani appena sfornati, le porte color smeraldo e le case scavate nella terra, si è compiuto un evento degno dei Canti di Beleriand: un matrimonio ispirato alla Terra di Mezzo, suggellato da un miracolo inatteso.

Durante la celebrazione, quando il vento soffiava lieve sui giardini di Bag End e le risa degli invitati si confondevano con il canto degli uccelli, è apparso lui. Elijah Wood. Frodo Baggins. L’eroe che portò l’Anello fino al Monte Fato. Senza clamore né annuncio, come un viandante giunto alla fine del suo viaggio, si è mescolato agli ospiti, portando con sé il silenzioso incanto di chi ha attraversato il confine tra mito e realtà.

Elijah Wood CRASHES Lord of the Rings-Themed Wedding

La scena — ripresa e diffusa in un video da Hobbiton Tours — è divenuta in poche ore un evento virale. Si vede l’attore avanzare tra gli invitati, il suo sorriso timido ma complice, mentre gli sposi si voltano increduli. C’è un momento di sospensione, quasi che il tempo si fermi. Poi il riconoscimento, la meraviglia, la commozione. Elijah li abbraccia come un vecchio amico che torna a casa dopo un lungo viaggio, augurando loro buona fortuna, proprio come avrebbe fatto un hobbit davanti a una tazza di birra al Green Dragon Inn.

E non è difficile immaginare che, per un attimo, tutti abbiano sentito di essere parte di una storia più grande. Come se la magia di Tolkien non fosse solo un’eco letteraria, ma una forza viva capace di attraversare i decenni e manifestarsi, quando meno te lo aspetti, tra i filari dei vigneti di Hobbiton.

La sposa, ancora commossa, ha raccontato ai giornalisti locali che “è stato surreale, come se Frodo in persona fosse tornato nella Contea per benedirci”. Lo staff di Hobbiton Tours ha spiegato che Elijah Wood si trovava lì in visita privata, e che l’incontro è stato un puro caso — o forse, direbbero gli Elfi, un disegno di Eru, una coincidenza che profuma di destino.

La fotografa Cath Ullyett, che ha immortalato la scena, ha descritto l’attore come “gentilissimo e perfettamente a suo agio tra la gente comune, come se fosse davvero uno di loro”. Le sue parole, semplici ma sincere, hanno un sapore tolkieniano: perché anche Frodo, nonostante tutto ciò che ha visto, rimase sempre un hobbit del Decumano Ovest, modesto e pieno di grazia.

Il video dell’incontro ha superato venti milioni di visualizzazioni, un numero che non rende giustizia all’incanto che trasmette. Perché non si tratta solo di un momento virale: è una piccola leggenda moderna, una fiaba che si racconta davanti al fuoco.
Quel giorno era cominciato sotto la pioggia, con un cielo grigio e basso che pareva uscito da un capitolo de Lo Hobbit. Ma, proprio come nelle migliori storie, poco prima della cerimonia le nuvole si sono aperte. Il sole ha baciato le colline, i fiori hanno ripreso colore e le porte tonde degli hobbit hanno brillato come gemme incastonate nella terra.

Gli invitati, vestiti da elfi, nani e contadini della Contea, hanno riso, danzato e bevuto, ignari che quel giorno sarebbe entrato nella leggenda del fandom tolkieniano. Alcuni giurano che, tra le colline di Matamata, si sia udito un’eco lontana — una risata di Gandalf o forse il richiamo di un’aquila.

Così, nel luogo dove tutto ebbe inizio, Frodo Baggins è tornato. Non con la spada o con l’Anello, ma con un sorriso. E ha ricordato al mondo che la magia non vive soltanto nei libri o nei film, ma nel cuore di chi crede che anche il gesto più piccolo possa cambiare il corso del futuro.

Perché, come direbbe Samvise Gamgee, “ci sono cose buone in questo mondo, padron Frodo, e vale la pena lottare per esse”. E quel giorno, a Hobbiton, due sposi lo hanno dimostrato: l’amore, quando è sincero, è la più potente delle magie.

Cinema & Tv

The Toxic Avenger: L’attesissimo reboot arriva finalmente al cinema con Elijah Wood

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Il 30 ottobre 2025 sarà una data che gli amanti del cinema di genere dovranno segnare in rosso sul calendario. Dopo un’attesa che ha superato ogni limite, alimentata da indiscrezioni, trailer fugaci e poster che hanno fatto discutere, il ritorno di The Toxic Avenger è finalmente imminente. Ma non si tratta di un semplice rifacimento. Il reboot diretto da Macon Blair (noto per l’acclamato I Don’t Feel at Home in This World Anymore) è un’operazione che promette di rispolverare un culto di nicchia e di riscriverne il mito, adattandolo ai tempi moderni con una carica sovversiva e una squadra di attori da far venire i brividi.

Quando si pensa a Toxie, è impossibile non tornare al 1984, anno in cui la geniale e folle Troma di Lloyd Kaufman diede alla luce un B-movie che ha ridefinito il concetto di cinema trash. Quel film, sporco, violento e satirico, era una parodia sferzante del mito del supereroe. Non era un capolavoro di tecnica o raffinatezza, ma la sua anarchia fatta di sangue finto, smorfie grottesche e ironia nichilista ha conquistato una generazione di outsider, elevando il trash a vera e propria forma d’arte e trasformando The Toxic Avenger in un manifesto della controcultura cinematografica. L’eredità di quel film è un peso non indifferente, e il rischio, con un reboot, era di perdere quella scintilla caotica che lo ha reso un cult. Fortunatamente, Blair sembra aver compreso a fondo la lezione. Il suo approccio non è un tentativo di imitazione, ma di reinterpretazione. Il nuovo film conserva intatto lo spirito dissacrante della Troma, pur aggiornando la narrazione. L’uscita, opportunamente programmata per la settimana di Halloween, si prepara a riportare in sala un eroe che più che combattere il crimine, ne è un prodotto deforme e grottesco.

THE TOXIC AVENGER (2025) Trailer ITA | Elijah Wood, Kevin Bacon | Film Horror

Il nuovo volto del mostro mutante

Al centro della nuova storia troviamo Winston Gooze, un uomo comune interpretato da un sorprendente Peter Dinklage. La sua vita, fatta di turni massacranti e invisibilità sociale, viene stravolta quando un incidente lo investe con scorie tossiche. Ma da quella melma e da quel corpo devastato non nasce solo un mostro, ma un vigilante tragico, un antieroe con un cuore tenero e una bussola morale che si contrappone alla corruzione. Non più solo la vittima goffa di un mondo crudele, il nuovo Toxie è un padre che difende suo figlio dai “predatori in giacca e cravatta”.

Il segreto del fascino di questo film non risiede unicamente nel suo lato più sanguinolento e splatter, ma nella sua capacità di parlare al presente. Se l’originale si faceva beffe del capitalismo selvaggio e delle industrie chimiche degli anni ’80, questo reboot affonda i denti nell’avidità delle multinazionali, nella corruzione politica e nella superficialità dei tempi odierni, mantenendo intatte le sue radici pulp. Un esempio perfetto è una scena che è già diventata virale: Toxie affronta una gang armata con nient’altro che un mocio intriso di melma verde, il tutto accompagnato da una colonna sonora synth-wave anni ’80. È un momento di trash d’autore che incarna perfettamente il perché amiamo il cinema di genere.

Un cast da sogno, o forse da incubo

A dare corpo e anima a questa reinvenzione, è stato assemblato un cast che sembra uscito direttamente da una fiera del “nerdverse”. Oltre a Dinklage nel ruolo del protagonista, troviamo Elijah Wood, che abbandona i panni di Frodo Baggins per incarnare un villain grottesco e inquietante. Kevin Bacon si diverte a interpretare un CEO corrotto e sadico, mentre Jacob Tremblay, un vero e proprio enfant prodige cresciuto a pane e horror, aggiunge una dose di dramma e vulnerabilità. Il cast si completa con Taylour Paige, che porta energia e cuore al lato emotivo della storia. È una squadra che non ha paura del ridicolo, anzi, lo cavalca con maestria, mescolando generi e registri in un modo che ha il potenziale di conquistare tanto i fan sfegatati dell’originale quanto i nuovi spettatori.

Le reazioni della critica, dopo il debutto al Fantastic Fest 2023, sono state entusiastiche. Le prime recensioni hanno parlato di un mix esplosivo che unisce la violenza tarantiniana alla comicità dark di serie come The Boys. L’alto gradimento su Rotten Tomatoes, che si attesta al 92%, è un segnale che il film funziona sia come omaggio che come prodotto originale. Il regista Macon Blair ha ribadito l’importanza dell’esperienza in sala: “Non volevamo relegarlo a una piattaforma streaming. The Toxic Avenger merita il cinema. È un film che vive del contatto con il pubblico, che deve essere visto in sala, tra risate, urla e applausi”.

L’antidoto al cinema dei supereroi patinati

In un panorama cinematografico dominato da cinecomic patinati e spesso autoreferenziali, Toxie rappresenta la mutazione di cui avevamo disperatamente bisogno. È un mostro che non indossa armature scintillanti, ma esibisce le sue cicatrici come medaglie. Non combatte con raggi laser, ma con la sua rabbia e un mocio sporco. È il perfetto antidoto a un universo supereroico che a volte sembra anestetizzato, una pellicola che ci ricorda che il trash, quando fatto con intelligenza, può essere più sovversivo e liberatorio di mille blockbuster.

Il ritorno di The Toxic Avenger è molto più di un semplice reboot: è un manifesto. È la prova che il cinema outsider può ancora farsi sentire, urlare, sanguinare e farci ridere mentre lo fa. La melma è viva, il culto continua, e il Vendicatore Tossico torna, più mostruoso e più umano che mai. E noi, nerd sfegatati, siamo pronti ad accoglierlo a braccia aperte, pronti a sporcarci di melma verde pur di seguirlo nella sua crociata contro un mondo marcio.

La Troma vive, la satira colpisce, e il mocio è già leggenda.

Siete pronti a farvi travolgere dal ritorno del Vendicatore Tossico? Qual è il vostro ricordo più assurdo del film originale? Raccontatelo nei commenti: la community nerd aspetta le vostre storie!

Cinema & Tv

“The Monkey”: L’horror che porta l’angoscia di Stephen King al grande schermo

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Il regista Oz Perkins, già noto per il suo lavoro su Gretel & Hansel, si lancia in un nuovo e inquietante progetto con The Monkey, una rivisitazione dell’omonimo racconto di Stephen King. Il film, che si inserisce nella tradizione del cinema horror psicologico, promette di non deludere gli appassionati del genere, regalando loro una storia che va oltre il semplice brivido. Con un’atmosfera tesa e un’interpretazione sapiente delle paure più profonde, The Monkey emerge come una delle opere horror più riuscite degli ultimi anni, capace di affascinare tanto i fan storici del maestro del brivido quanto i nuovi spettatori.

La Trama: Un Giocattolo Maledetto e la Paura del Destino Ineluttabile

La storia ruota attorno a una piccola scimmia giocattolo meccanica, un oggetto innocuo ma maledetto, che i gemelli Hal e Bill trovano da bambini nella soffitta di casa loro. Il giocattolo, che batte i suoi piatti ogni volta che viene mosso, diventa rapidamente l’artefice di una serie di tragedie inspiegabili. La sua maledizione è letale: ogni volta che la scimmietta suona, qualcuno muore in circostanze misteriose. Fin dalle prime scene, Perkins riesce a far emergere l’atmosfera sinistra che aleggia intorno all’oggetto. Quello che sembra un giocattolo innocente diventa presto un simbolo di terrore, una manifestazione della corruzione dell’infanzia, in un gioco beffardo del destino che si ripete ciclicamente.

La trama si sviluppa tra eventi tragici e misteriosi: la morte della madre dei ragazzi, la scomparsa del padre e una serie di morti che si susseguono nel tempo. L’iniziale apparente casualità delle tragedie lascia presto spazio alla rivelazione di un legame mortale con la scimmietta. I gemelli, terrorizzati e ormai adulti, capiscono che il giocattolo è la causa di un male che non li ha mai davvero lasciati, e decidono di separarsi nel tentativo di fuggire dal passato. Tuttavia, il male risorge, e il ritorno della scimmia riaccende il terrore, spingendo i due fratelli a confrontarsi con il loro passato e con una maledizione che non si può sfuggire.

Un Approccio Registico Distintivo: Psicologia e Suspense

La regia di Oz Perkins è uno degli aspetti più riusciti del film. Già con Gretel & Hansel, Perkins aveva dimostrato una straordinaria capacità di costruire tensione attraverso un’estetica raffinata e un’atmosfera che spingesse lo spettatore a riflettere prima di spaventarsi. In The Monkey, la sua regia si evolve, mischiando l’horror psicologico con tocchi di umorismo nero. La paura, in questo film, non è mai esplicitamente urlata: è un silenzioso crescendo che parte dal profondo, colpendo lo spettatore prima nella mente che nel corpo. La scena in cui la scimmia appare per la prima volta è l’emblema di questa filosofia: Perkins riesce a costruire un’atmosfera di paura crescente senza ricorrere a effetti visivi eccessivi, ma affidandosi a un’intensa e curata direzione artistica.

I momenti di terrore non derivano tanto dal gioco con gli spaventi immediati, ma piuttosto dalla sensazione di irreparabilità che accompagna la maledizione. La scimmietta non è solo un giocattolo, è la concretizzazione di un destino oscuro che non può essere sfuggito. La sua presenza è simbolica, quasi metafisica, diventando una sorta di memoria inquietante che perseguita i protagonisti, senza che possano mai veramente liberarsene.

Le Performance: Un Cast Che Sostiene il Peso della Paura

Il cast di The Monkey è eccezionale, con Theo James che dà vita a due personaggi cruciali, i gemelli Hal e Bill. Conosciuto per i suoi ruoli in Divergent e The White Lotus, James riesce a interpretare con successo il doppio ruolo dei fratelli separati, segnati dal trauma di una morte misteriosa e dalla sensazione di impotenza di fronte alla scimmia maledetta. La sua performance è la colonna portante del film: riesce a trasmettere non solo il terrore e la disperazione, ma anche il conflitto interiore che cresce nei protagonisti quando si rendono conto che la loro vita è destinata a essere segnata per sempre dal passato.

Tatiana Maslany, celebre per la sua performance in Orphan Black e She-Hulk, è un altro volto da sottolineare. Il suo personaggio, che funge da guida per i fratelli nella comprensione della maledizione, porta con sé una speranza in un mondo altrimenti dominato dal terrore. Maslany offre una performance solida, riuscendo a creare una figura che, pur nella sua determinazione, è a sua volta un riflesso della paura che permea l’intera storia.

Non si può non menzionare Elijah Wood, che in questo film dà vita a un personaggio misterioso, un collezionista ossessionato dagli oggetti maledetti. Il suo volto, segnato dalla sua carriera passata, si presta perfettamente al ruolo di figura inquietante, un uomo che sembra sapere più di quanto non dica, ma che in realtà è altrettanto prigioniero della maledizione della scimmia.

Il Legame con Stephen King: Un’Interpretazione Contemporanea del Maestro dell’Horror

Quando si parla di Stephen King, l’abilità di trasformare l’ordinario in qualcosa di orribile è sempre un elemento cardine. La scimmietta giocattolo di The Monkey è l’emblema di questa capacità. Un oggetto innocente, spesso simbolo di un’infanzia perduta, si trasforma in una forza maligna, un “alimento” per la paura. Il film rispetta fedelmente il cuore del racconto originale, ma riesce anche ad aggiungere un tocco personale grazie alla regia di Perkins. La sua visione non si limita a tradurre la storia di King sul grande schermo: la amplifica, mettendo in evidenza il lato psicologico e il peso del passato che non può mai essere esorcizzato.

Un Film Che Rimarrà a Lungo Nella Memoria

In conclusione, The Monkey è una delle migliori trasposizioni cinematografiche di un’opera di Stephen King degli ultimi anni. Non si tratta solo di un film horror che cerca di spaventare lo spettatore con effettacci visivi, ma di un racconto inquietante che gioca con la psicologia umana e con il tema dell’impossibilità di sfuggire a un destino maledetto. La regia di Perkins, il cast stellare e la sceneggiatura ispirata al genio di King rendono questo film un’esperienza viscerale e psicologicamente intensa. Se siete appassionati di horror che sa scavare nelle profondità dell’animo umano e che sa come costruire un’atmosfera di terrore silenzioso e crescente, The Monkey è sicuramente un film da non perdere.

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Elijah Wood protagonista al Gamics Cesena: dal 30 novembre al 1 dicembre 2024

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Forte del successo della scorsa edizione, sabato 30 novembre e domenica 1 dicembre 2024, Cesena Fiera si trasformerà nuovamente n un autentico paradiso per gli amanti del fumetto, dei videogiochi e della cultura pop. Il mitco Gamics Cesena, occuperà ben 16.000 metri quadrati di pura fantasia e intrattenimento, offrendo un’esperienza unica nel suo genere. Organizzato da Hidden Door S.r.l e Blue Raincoat S.r.l, con il patrocinio del Comune di Cesena, questo evento straordinario rappresenta un’importante opportunità per collezionisti e appassionati di esplorare le ultime novità e tendenze del settore.

Tra le star che parteciperanno all’evento, spicca Elijah Wood, uno degli attori più talentuosi della sua generazione. Con una carriera che vanta oltre 30 anni, Wood è noto per film iconici come Eternal Sunshine of the Spotless Mind e, sopratutto, per aver interpretato Frodo Baggins nella trilogia de Il Signore degli Anelli. Durante Gamics, i fan avranno l’opportunità di ottenere autografi e foto con lui, oltre a partecipare a un talk aperto, condotto da Mario Petillo. Non perdere l’occasione di incontrare questa icona del cinema!

Gamics Cesena offre molto di più che semplici stand di fumetti e gadget. I visitatori potranno scoprire un’area dedicata ai videogiochi di nuova generazione, insieme a una straordinaria sezione di retrogaming, che vanta ben 100 console vintage e oltre 100 cabinati da sala giochi. Per gli appassionati dei mattoncini, ci sarà un’area di oltre 2000 metri quadrati interamente dedicata, dove sarà possibile cimentarsi in attività creative e scoprire nuove costruzioni.

Non mancheranno anche eventi dal vivo, come il concerto di Cristina D’Avena, che si esibirà sabato 30 novembre. Questa icona delle sigle animate ha segnato l’infanzia di milioni di fan con le sue canzoni indimenticabili. Da Doraemon a Holly e Benji, Cristina incanterà il pubblico con uno show dal vivo che promette emozioni forti. Domenica 1 dicembre, il palco sarà riservato a Claudio Moneta, la voce italiana di Goku in Dragon Ball Super, nonché di altri celebri personaggi dei cartoni animati. Moneta, attore e doppiatore di grande esperienza, intratterrà il pubblico con aneddoti e curiosità sulla sua carriera. In aggiunta, il capitano Giorgio Vanni si esibirà con la sua band, i Figli di Goku, per un concerto che riproporrà i più grandi successi delle sigle animate.

I visitatori di Gamics Cesena potranno anche partecipare a gare di cosplay, dove talentuosi cosplayer di tutti i livelli mostreranno i loro costumi, con premi assegnati da una giuria d’eccezione. Inoltre, sono previsti workshop creativi e panel di discussione sulla TV dei ragazzi, rendendo l’evento un’ottima occasione per interagire e scoprire nuovi aspetti del mondo nerd. La sezione retro dei videogiochi sarà un must per i nostalgici, con cabinati arcade e retroconsole disponibili per il gioco libero. I partecipanti potranno rivivere i grandi classici degli anni ’80 e ’90, come Pac-Man, Metal Slug e Crash Bandicoot, senza la necessità di gettoni, per un divertimento senza limiti.

Con la sua combinazione di ospiti d’eccezione, eventi dal vivo e una vasta gamma di attività, Gamics Cesena si preannuncia come un weekend imperdibile per tutti gli appassionati di fumetti, videogiochi e cultura pop. Che si tratti di collezionare gadget unici, incontrare i propri idoli o semplicemente godere dell’atmosfera vibrante dell’evento, Gamics è il luogo dove i sogni diventano realtà. Non perdere l’occasione di essere parte di questo straordinario evento a Cesena Fiera!

Cinema & Tv, Glorie Nerd Vintage

The Toxic Avenger: Un Culto Trash che ha Definito la Troma

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Nel panorama cinematografico degli anni ’80, un film che sarebbe passato inosservato, se non fosse stato per la sua audacia e per la sua natura completamente fuori dagli schemi, ha lasciato un segno indelebile nella cultura popolare. Parliamo di The Toxic Avenger, il primo horror prodotto dalla Troma, distribuito nel 1984 e diretto da Lloyd Kaufman e Michael Herz. Un film che, sebbene inizialmente ignorato dal pubblico statunitense, ha rapidamente raggiunto lo status di cult movie grazie a una miscela esplosiva di commedia demenziale, splatter, e umorismo politicamente scorretto.

Costato appena 500.000 dollari, The Toxic Avenger è una pellicola che non ha avuto paura di sfidare le convenzioni cinematografiche, entrando a pieno titolo nel cuore degli appassionati di cinema di genere e diventando il simbolo stesso della Troma. Un logo, che ancora oggi rappresenta la casa di produzione, riporta l’immagine iconica di Toxie con in mano il suo inseparabile spazzolone, una figura che, tra il grottesco e il simbolico, è divenuta parte della cultura pop. Negli anni, il film ha continuato a far parlare di sé, tanto da spingere Kaufman e Trent Haaga a scrivere nel 2006 un romanzo ispirato alla pellicola, The Toxic Avenger: The Novel. La versione italiana del film, inizialmente distribuita in VHS dalla Bulldog Video, presentava una versione senza tagli, mentre le successive edizioni sono state edulcorate dalla censura.

Una Satira alla Superhero Story

Nel cuore della fittizia Tromaville, città segnata dalla corruzione e dall’illegalità, si svolge la storia di Melvin Ferd, un ragazzo timido e imbranato che lavora in un modesto centro fitness. La sua vita è un continuo tormento, tra le derisioni e le angherie dei giovani frequentatori della palestra. La sua esistenza prende una svolta drammatica quando, dopo una serie di scherzi crudeli, Melvin finisce accidentalmente in un contenitore di rifiuti tossici, subendo una trasformazione che lo renderà l’anti-eroe che la città stava aspettando: il Vendicatore Tossico, un mostro deformato che combatte il crimine con uno spazzolone.

La sua lotta contro i cattivi lo porta a incontrare Sarah, una giovane cieca, che diventerà sua compagna e musa. Lungo il cammino, Toxie combatte contro il crimine organizzato, sfidando la figura autoritaria del sindaco Belgoody, che nasconde un oscuro coinvolgimento nelle attività illecite di Tromaville. La pellicola non si limita a narrare la nascita di un supereroe, ma ribalta e parodia le convenzioni classiche del genere, dando vita a un mostro che, pur non avendo motivazioni morali, agisce per istinto contro la malvagità che lo circonda.

Stile: Un Viaggio nel Trash, tra Satira e Grottesco

Il vero cuore di The Toxic Avenger risiede nello stile e nell’estetica che definiscono la Troma. Il film è un perfetto esempio di come il trash possa diventare un linguaggio universale, capace di parlare a un pubblico che cerca, oltre alla violenza e al kitsch, anche una forma di critica sociale. Il mix di splatter, commedia nera e satira politica è il motore di una narrazione che sfida ogni tipo di convenzione, a partire dalla caratterizzazione del protagonista, che ha più in comune con un supereroe da fumetto che con un protagonista di un film tradizionale.

In The Toxic Avenger, l’azione è esasperata, i colori sono sgargianti, i costumi grotteschi, e la violenza, pur caricaturale, non conosce limiti. Il trucco esagerato e l’ambientazione da periferia si mescolano in un linguaggio visivo che è tanto amato dai fan del cinema di culto. Ma ciò che rende questo film davvero irresistibile è la sua essenza: una parodia dell’archetipo del supereroe che trasforma un individuo emarginato in una figura leggendaria, capace di risolvere i problemi della sua città attraverso azioni brutali e fuori controllo. È un guilty pleasure che, pur nell’assurdità delle sue azioni, lascia spazio alla riflessione sulla giustizia e sulla moralità.

Come osservato dal critico cinematografico Emiliano Morreale, The Toxic Avenger appartiene a quella particolare categoria di film che vengono apprezzati per la loro bruttezza, diventando fenomeni culturali grazie alla loro naturale appartenenza ai margini della produzione commerciale. E proprio in questa “imperfezione” sta il suo fascino, tanto da diventare un vero e proprio oggetto di nostalgia per gli amanti del genere.

L’eredità e il futuro di The Toxic Avenger

Nonostante la sua natura volutamente infantile e demenziale, The Toxic Avenger ha lasciato un’impronta indelebile nel panorama cinematografico. Il suo successo ha dato vita a un sequel, diviso in due parti, che ha consolidato la sua popolarità, e non solo tra gli appassionati del cinema trash. Nel 2023, un remake del film, diretto da Macon Blair e prodotto dalla Legendary insieme alla Troma, ha fatto il suo debutto al Fantastic Fest. Con un cast d’eccezione che include Kevin Bacon, Elijah Wood e Peter Dinklage nel ruolo di Toxie, questo nuovo adattamento promette di riportare il personaggio nel cuore della cultura pop, pur mantenendo la sua essenza grezza e irriverente.

Mentre il futuro del personaggio sembra garantito, ciò che rimane, oltre alla nostalgia per la pellicola originale, è il suo valore come oggetto di culto. Il film ha dato vita a un universo di appassionati che, come una vera e propria sottocultura, ne celebrano l’umorismo, la violenza e il messaggio politicamente scorretto. La figura di Toxie, tanto improbabile quanto leggendaria, continua a vivere, tanto nel cuore dei fan di ieri quanto nei nuovi arrivati, pronti a scoprire le perversioni di un’eroina dai tratti grotteschi ma straordinariamente affascinante.

Cinema & Tv

L.A. Rush: Elijah Wood entra nel videogioco per salvare sua figlia (e forse anche sé stesso)

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A volte basta una singola idea per accendere quella scintilla che ti fa dire: ok, questo non è il solito film. Un padre che si tuffa dentro un videogioco per salvare la propria figlia adolescente dal controllo di uno sviluppatore misterioso… e già qui la testa parte in automatico tra ricordi di notti passate davanti a una console, livelli impossibili, NPC inquietanti e quella sensazione strana che il gioco, a un certo punto, inizi a guardare te invece del contrario.

È esattamente da questa premessa che prende forma L.A. Rush, un progetto che sembra muoversi su una linea sottilissima tra crime, thriller tecnologico e immaginario cyberpunk, ma con una componente emotiva che rischia di essere la vera chiave di tutto. Perché sotto la superficie fatta di codice, mondi digitali e architetture virtuali, si nasconde una storia antica quanto il storytelling stesso: quella di un genitore disposto a tutto pur di non perdere ciò che ama.

E già così, diciamocelo, funziona.

Quando il gaming smette di essere gioco

Chi è cresciuto tra joystick, tastiere e sessioni infinite lo sa bene: il confine tra realtà e videogioco non è mai stato così netto come ci piace raccontarlo. Da Tron a Ready Player One, passando per Black Mirror, la cultura pop ha sempre flirtato con l’idea che il digitale possa diventare una prigione, una fuga o addirittura una nuova forma di esistenza.

L.A. Rush sembra inserirsi proprio in questo filone, ma con un twist più umano e meno “spettacolare per forza”. Qui non si tratta solo di vivere un’avventura virtuale, ma di affrontare una minaccia concreta: una mente, quella dello sviluppatore di giochi, che esercita un controllo inquietante su chi entra nel suo universo.

E la domanda arriva inevitabile, mentre immagini il protagonista varcare quella soglia digitale: cosa succede quando chi crea il gioco smette di essere un autore e diventa un burattinaio?

Elijah Wood e il fascino delle scelte fuori rotta

Negli ultimi anni Elijah Wood ha costruito una carriera che definire “imprevedibile” è quasi riduttivo. Dopo aver incarnato per sempre Frodo Baggins, avrebbe potuto scegliere la strada più semplice, quella delle produzioni sicure e rassicuranti. Invece ha fatto esattamente l’opposto.

Tra produzioni con la sua SpectreVision e film che flirtano con l’horror più disturbante e il cinema indipendente, Wood ha dimostrato un gusto quasi ossessivo per storie fuori dagli schemi. E L.A. Rush sembra perfettamente allineato a questa traiettoria: un progetto internazionale, stratificato, che unisce più sensibilità culturali e che punta su un’idea forte più che su una formula già testata.

Accanto a lui si muove un cast interessante, con volti come Jason Yee, Tielin Zhang e Wesley Wong, in un mix che riflette la natura globale del progetto. Non è solo una scelta produttiva, è quasi una dichiarazione d’intenti: questo non è un film pensato per un singolo mercato, ma per un immaginario condiviso.

Peng Chen e Jiahuang Peng: raccontare il mondo attraverso nuovi linguaggi

Dietro la regia troviamo Peng Chen e Jiahuang Peng, già noti per lavori che mescolano sensibilità autoriale e storytelling accessibile. Il loro passato, legato anche al pluripremiato Walking To School, suggerisce un approccio che potrebbe sorprendere chi si aspetta solo azione e spettacolo.

Perché sì, sulla carta L.A. Rush ha tutti gli elementi del thriller ad alta tensione, ma la sensazione è che il vero gioco si svolga altrove, nelle dinamiche psicologiche, nel rapporto padre-figlia, nel modo in cui il digitale amplifica paure e ossessioni.

E questo, per chi ama il cinema che prova a dire qualcosa oltre l’intrattenimento puro, è un segnale interessante.

Produzione globale, immaginario condiviso

Il progetto nasce come una co-produzione tra Nord America, Cina, Ucraina e Canada, un dettaglio che potrebbe sembrare puramente industriale ma che in realtà racconta molto del cinema contemporaneo.

Il mondo del gaming è già globale per definizione, e un film che parla di realtà virtuali e controllo digitale non può che riflettere questa dimensione. Le riprese a Los Angeles aggiungono quel tocco iconico che lega tutto a un immaginario cinematografico ben preciso, quasi a ricordarci che, anche quando parliamo di mondi virtuali, il cinema resta il primo grande “gioco” collettivo.

Dietro le quinte troviamo nomi solidi come il direttore della fotografia Jamie King, il production designer Roy Rede e il montatore Richard Halsey, professionisti che hanno già lavorato su progetti importanti e che potrebbero dare al film una forte identità visiva.

Un thriller che parla anche di noi

La parte più interessante, però, arriva quando si smette di guardare il film come “prodotto” e si inizia a leggerlo come specchio.

Perché L.A. Rush tocca qualcosa che riguarda tutti noi, anche chi non ha mai preso in mano un controller: la paura di perdere qualcuno in un mondo che non comprendiamo più.

La figlia adolescente intrappolata in un universo digitale non è solo un elemento narrativo, è una metafora potentissima di una generazione che cresce dentro piattaforme, giochi online, realtà virtuali sempre più immersive. E quel padre che decide di entrarci dentro, di sporcarsi le mani, di affrontare quel mondo invece di rifiutarlo… beh, è forse il vero eroe della storia.

Non quello che vince il gioco, ma quello che accetta di giocarci.

E adesso?

Al momento non esiste ancora una data ufficiale di uscita, e questo rende tutto ancora più interessante. Quel senso di attesa, quasi da trailer mentale, si amplifica ogni volta che emergono nuovi dettagli, nuove immagini, nuove suggestioni.

E forse è proprio questo il bello: L.A. Rush esiste già nella nostra immaginazione, come tutti i grandi concept che funzionano davvero.

Resta solo da capire se, una volta acceso lo schermo, riuscirà a trasformare quell’idea in qualcosa di memorabile o se resterà intrappolato nel livello più difficile di tutti: quello delle aspettative.

Nel frattempo la domanda resta lì, sospesa come un prompt che aspetta di essere confermato:

tu entreresti davvero in un videogioco per salvare qualcuno che ami?

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Dirk Gently – Agenzia di investigazione olistica

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Dirk Gently – Agenzia di investigazione olistica (Dirk Gently’s Holistic Detective Agency) è una serie televisiva statunitense creata da Max Landis per BBC America e basata sull’omonimo personaggio della saga di romanzi Dirk Gently’s Holistic Detective Agency di Douglas Adams, già autore della Guida galattica per gli autostoppisti. Interpretata da Samuel Barnett nei panni del detective Dirk Gently e Elijah Wood nei panni del suo riluttante assistente Todd. Il trailer della serie ha debuttato al San Diego Comic Con 2016. La serie ha debuttato negli Stati Uniti d’America il 22 ottobre 2016 ed è stata rinnovata per una seconda stagione di 10 episodi il 21 novembre 2016, purtroppo il 19 dicembre 2017 BBC America ha cancellato la serie.

Dirk Gently – Agenzia di investigazione olistica è un thriller comico che segue le bizzarre avventure dell’eccentrico detective “olistico” Dirk Gently e del suo riluttante assistente Todd, mentre affrontano un grande e apparentemente insensato mistero, attraversando percorsi improbabili con uno stuolo di personaggi selvaggi e a volte pericolosi, mentre ogni episodio li porta sempre più vicini alla verità. Ho trovato la prima stagione carina, mi ha abbastanza tenuta incollata allo schermo e la scelta degli attori mi è piaciuta. Anche qui sono stupita dal fatto che la serie sia stata cancellata  dopo la seconda stagione, lasciando in sospeso molti elementi. Per quanto riguarda la seconda stagione sembra molto più fantasy della prima, Dirk per qualche oscuro motivo è più “spento” del solito, spaesato di fronte al caos che ha portato nella vita dell’amico Todd, mentre quello entusiasta è proprio Todd, anche se forse lo è solo perché più concentrato nella ricerca della redenzione nei confronti della sorella e tormentato da continui attacchi di pararibulite (la malattia immaginaria da cui è affetta anche Amanda).

Ci saranno bacchette magiche, collegamenti tra mondi lontani alla Once Upon a Time. Si apre, infatti, un universo magico parodia delle fiabe, con due famiglie – i nobili Dengdamor e i villici dai capelli rosa Trost – in conflitto tra loro. Non manca il perfido Mago (John Hannah).

Qui l’interrogativo è appunto come questo mondo debba fondersi con la nostra realtà, nel frattempo Todd è ancora alla ricerca della sorella fuggitiva Amanda (Hannah Marks), in fuga dall’Ala Nera assieme a Vogel (Osric Chau). Sembra davvero Once Upon a Time, coi personaggi che si trovano catapultati in mondi diversi e portali magici. La connessione si trova invece in un oscuro limbo.

Nella casa chiave di tutto (la casa dentro la casa), ci sono i disegni di un bambino, ricoperti da carta da parati, questi mostreranno il cielo di Wendimoor con una luna antropomorfa, e nella foresta troviamo strani e valorosi protagonisti, intelligenti e talvolta sanguinari. Nonostante calzamaglie, capelli  rosa e bottoni nelle barbe, mentre il mondo reale sembra confuso e pavido a tratti infantile. Susan Boreton (Amanda Walsh), sarà una improbabile villain assieme al Mago.

Casalinga frustrata frutto di una infanzia rovinata e quindi pessima adulta si impossessa di una bacchetta magica che  le consente sì di migliorare la sua vita ma più di ricondurla a quello che sognava nella sua infanzia. Altri personaggi imbranati sono i due ufficiali di polizia, lo sceriffo Sherlock Hobbs (Tyler Labine), e la sua vice Tina Tevetino (Izzie Steele), ex-tossica. Per i due è tutto un grande gioco, seguendo Dirk e la sua squadra nel mistero che affonda le radici nell’America rurale degli anni ’60.

La stravolta Bart invece dimostra di perso troppo presto il conforto dell’amicizia con Panto Trost (Christopher Russell), testimoniando il tragico tradimento di Ken (Mpho Koaho), che punta alla scalata ai vertici dell’Ala Nera.

Un paio di cose mi hanno fatto pensare anche a Donny Darko, poi vedrete perché e a Dark, coi fenomeni elettromagnetici. Mi sento di consigliarne la visione, per quanto assurda questa serie possa essere ha del potenziale, quindi guardatela! Peccato che la cancellazione ci abbia lasciato con un palmo di naso. Di nuovo.

Qualche dettaglio in più: Gently nasceva nel primo romanzo intitolato Dirk Gently, agenzia di investigazione olistica, pubblicato in patria nel 1987, il seguito, La lunga oscura pausa caffè dell’anima  è del 1988, mentre resta incompleto Il salmone del dubbio, a causa della morte dell’autore.

Nel 2010 la BBC Four ha fatto uscire il pilot cui seguono gli altri tre episodi nel 2012. Anche qui la serie venne cancellata. La sceneggiatura di questa serie non è un adattamento di nessuno dei romanzi, ma riprende personaggi e situazioni già apparsi nei libri e li intreccia in una nuova storia incentrata sul detective Dirk. Howard Overman ha chiarito come lui non abbia nemmeno tentato di adattare la storia vista nei libri, in quanto «impossibile da adattare, specialmente con i fondi della BBC Four».

 

 

Cinema & Tv

The Last Witch Hunter – L’ultimo cacciatore di streghe: Vin Diesel tra magie, streghe e immortalità nel fantasy dark di Breck Eisner

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Se c’è un film che sembra uscito direttamente da un manuale di Dungeons & Dragons scritto con inchiostro digitale e colonna sonora di chitarre distorte, quello è The Last Witch Hunter – L’ultimo cacciatore di streghe. Diretto da Breck Eisner e interpretato da un trio che definire eclettico è riduttivo – Vin Diesel, Elijah Wood e Michael Caine – il film si propone come un action-fantasy intriso di magia, spade, incantesimi, immortalità e tanta, tanta CGI. Un’opera che tenta di coniugare l’epicità medievale con il fascino urban-dark della contemporaneità, oscillando tra l’eroismo da fumetto americano e la foschia nera da campagna di gioco di ruolo.

La storia prende il via nel Medioevo, quando Kaulder, un semplice uomo reso guerriero dalla disperazione, affronta la Regina delle Streghe, la responsabile della Peste Nera che sta devastando l’umanità. Dopo aver perso moglie e figlia, Kaulder guida un manipolo di combattenti fino al cuore del covo nemico, riuscendo nell’impresa di uccidere la Regina. Ma la vittoria ha un prezzo: la sovrana, morendo, gli scaglia addosso una maledizione, condannandolo all’immortalità. È un dono velenoso, che lo costringerà a vivere secoli di battaglie senza poter mai riabbracciare i suoi cari, trasformandolo in un cavaliere senza tempo.Saltiamo in avanti di circa 800 anni e ritroviamo Kaulder a Pittsburgh, ultimo baluardo dell’Ordine dell’Ascia e della Croce, un’organizzazione religiosa che controlla l’equilibrio tra umani e streghe. Queste ultime vivono ormai integrate, ma la tregua si regge su un patto fragile: niente magia nera contro gli uomini. Kaulder, con l’aiuto di un sacerdote che porta il titolo di Dolan (una sorta di assistente/archivista/esorcista di fiducia), continua a vegliare sul confine sottile tra ordine e caos. Ed è qui che il destino torna a bussare: il 36° Dolan muore in circostanze misteriose, lasciando il posto a un giovane successore interpretato da Elijah Wood. Ma dietro la sua scomparsa si nasconde qualcosa di più oscuro, qualcosa che riconduce direttamente alla Regina delle Streghe, pronta a risorgere e reclamare il mondo che le era stato strappato.Da questo punto in avanti, il film si trasforma in una caccia serrata che mescola action e fantasy urbano: Kaulder, armato della sua spada runica e della sua esperienza millenaria, si muove tra bar infestati da streghe, rituali occulti, maledizioni e intrighi che rievocano l’atmosfera delle campagne gotiche dei giochi di ruolo. Incontra Chloe, una strega Dreamwalker che ha la capacità di viaggiare nei ricordi e nei sogni, interpretata con un’energia che rompe un po’ la monotonia del protagonista dieseliano. La loro alleanza si rivelerà decisiva, perché solo scavando nei suoi stessi ricordi Kaulder scoprirà il segreto mai risolto: il cuore pulsante della Regina non è mai stato distrutto, e la sua esistenza è la chiave del suo ritorno.

Il film procede a ritmo serrato, senza concedere tregua allo spettatore. Le scene d’azione si susseguono con un montaggio che a volte sacrifica la chiarezza narrativa per l’impatto visivo, ma che riesce a mantenere alta l’adrenalina. Gli effetti speciali sono la vera colonna portante dell’opera: magie scintillanti, tempeste evocate con rune, creature demoniache e ambientazioni gotiche che sembrano un incrocio tra un concept art videoludico e le splash page di un fumetto dark fantasy. Visivamente il film è un banchetto per gli occhi nerd, e in questo non c’è nulla da discutere: il reparto tecnico ha fatto un lavoro sontuoso. Gli incantesimi hanno un peso, i giochi di luce sono suggestivi, e le atmosfere gotiche sono rese con coerenza estetica.

Sul piano recitativo, Vin Diesel regge bene il ruolo del cacciatore immortale, incarnando un eroe spigoloso e solitario. Il problema è che spesso cade nella sua solita posa da antieroe spocchioso, il che toglie un po’ di profondità a un personaggio che, almeno sulla carta, aveva un potenziale tragico notevole. Michael Caine porta la sua solita classe britannica, benché relegato a un ruolo più di contorno. Elijah Wood, invece, gioca con un’ambiguità che rende il suo Dolan 37 intrigante, soprattutto nello sviluppo finale. Nonostante questi buoni momenti, il film soffre di una sceneggiatura che non riesce a valorizzare la mitologia creata. La trama si appiattisce in cliché già visti, con colpi di scena prevedibili e una costante ricerca di un’atmosfera “dark a tutti i costi” che, alla fine, scivola più nel kitsch che nel perturbante.

L’orrore, che avrebbe potuto rappresentare un’interessante sfumatura, è praticamente assente: la Regina delle Streghe è minacciosa ma non terrorizza, le orde di insetti evocano disgusto più che paura, e l’oscurità che avvolge il film non genera brividi autentici. Siamo più dalle parti di un videogame dark-fantasy che di un horror gotico. Eppure il film ha ritmo, non annoia e mantiene la promessa di intrattenere chi cerca due ore di magie ed esplosioni. È un prodotto onesto, costruito su un’estetica potente ma con una scrittura che non osa davvero. Un’occasione mancata, perché con un po’ più di coraggio narrativo avrebbe potuto trasformarsi in un cult fantasy memorabile.

Alla fine, The Last Witch Hunter rimane una sorta di guilty pleasure nerd: non convince come storia, non spaventa come horror, non sorprende come fantasy, ma appaga l’occhio con un’estetica sontuosa e lascia il cuore a metà tra frustrazione e divertimento. Un film che ci ricorda quanto sia difficile dare vita a un universo fantasy originale nel cinema mainstream e quanto, allo stesso tempo, la voglia di epica dark continui a esercitare un fascino irresistibile. Vin Diesel come cacciatore immortale è un’icona che poteva brillare di più, ma anche così, tra rune, spade e regine risorte, ci regala almeno l’illusione di trovarci in una campagna di D&D trasposta sul grande schermo.

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La Compagnia dell’Anello

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Pochi film negli ultimi anni hanno creato un’atmosfera di fibrillante attesa come La compagnia dell’anello, atto primo della trilogia de Il signore degli anelli diretta da Peter Jackson e interpretato da Elijah Wood, Ian McKellen, Viggo Mortensen, Liv Tyler, Cate Blanchett, Ian Holm, Sean Bean, Christopher Lee. L’attesa è dovuta all’indiscusso valore della fonte letteraria, ovvero l’omonimo romanzo di John R.R. Tolkien divenuto, dalla sua pubblicazione (1954-55), testo di culto e libro per antonomasia del genere fantasy. La traslazione cinematografica del regista neozelandese ha l’indiscutibile merito di proiettarci senza sforzo apparente nell’arduo territorio del meraviglioso, direttamente all’interno del mito, con un sostanziale aiuto di effetti speciali ipertecnologici ma non invasivi ai fini della storia.

Il prologo narra come Sauron, re di Mordor, forgiò diciannove anelli magici per farne dono ai signori della Terra di Mezzo, tenendo per sé l’Unico, ovvero l’anello in grado di controllarli tutti, capace di dare il potere assoluto a chi lo porta. Il malvagio signore di Mordor tentò di portare le tenebre del suo regno nel mondo, ma fu sconfitto inaspettatamente da Isidur, che gli mozzò il dito con l’anello scemando il suo potere: il re degli uomini non riuscì a distruggere l’anello scagliandolo nel vulcano del monte Fato, lasciando al grande nemico una possibilità di riconquistare il potere. La trama prende avvio nella Contea degli hobbit con i festeggiamenti per il compleanno di Bilbo Baggins, l’ultimo tra i possessori dell’anello, che parte in viaggio e lascia il gioiello in eredità al giovane parente Frodo Baggins. Quest’ultimo scoprirà la natura dell’anello dal mago Gandalf, che lo avviserà del terribile pericolo che incombe su di lui, perché Sauron sta riorganizzando le sue sinistre armate ed è in cerca del monile perduto. Intorno a Frodo, eletto portatore dell’Unico, si formerà così la Compagnia dell’anello, composta dei vari esponenti della Terra di Mezzo: i tre hobbit Sam, Pipino e Merry, il mago Gandalf, il nano Gimli, l’arciere elfico Legolas, gli uomini Bormir e Aragorn, cavaliere ramingo, discendente di Isidur ed erede al regno di Gondor.

La compagnia dell’anello procede tra fughe serrate per le sterminate miniere di Moria, agguati nei picchi nevosi, una sosta nella spettacolare città degli Elfi, sanguinosi combattimenti, atti d’eroismo ed amicizia, e gli inevitabili momenti di confusione generati dal nefasto influsso dell’anello all’interno della stessa Compagnia.

Peter Jackson è riuscito nella ciclopica impresa ricreando nel dettaglio il complesso universo tolkieniano: la grande intuizione dello scrittore britannico era stata infatti quella di ambientare la sua sterminata saga in uno scenario creato ad hoc e studiato nei minimi particolari, ovvero la fabulistica Terra di Mezzo, non luogo fantastico all’interno del quale il lettore aveva l’impressione di perdersi – Tolkien aveva addirittura coniato un idioma elfico per amplificare il realismo del meraviglioso, dettaglio peraltro felicemente ripreso da Jackson -. Lo stesso effetto è all’opera anche nel primo tassello della trilogia de Il signore degli anelli, una lunga, fantastica e divertente avventura che procede a gran ritmo per quasi tre ore, interpretata da un cast perfettamente in parte e che promette nuove emozioni nella seconda e terza parte della saga filmica (Le due torri e Il ritorno del re), per le quali il countdown è già cominciato. Il film di Columbus è puro (magico) intrattenimento, La compagnia dell’anello, nonostante l’annesso carico di merchandising, si muove dalle parti del mito.

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Il Signore degli Anelli: curiosità dalla Terra di Mezzo

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Il Signore degli Anelli, in originale The Lord of the Rings, è una trilogia cinematografica fantasy del regista neozelandese Peter Jackson, basata sull’omonimo romanzo scritto da John Ronald Reuel Tolkien. Insieme a Ben-Hur e Titanic, Il Ritorno del Re è il film premiato con il maggior numero di premi Oscar, 11, e complessivamente la saga è la più vittoriosa della storia: 17 statuette. Questa serie di film è celebre per l’estremo realismo degli effetti speciali, realizzati dalla società neozelandese Weta, fondata da Peter Jackson.

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