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“Stretta al cuore” di Štěpánka Jislová: quando l’amore diventa una graphic novel sull’educazione sentimentale

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C’è una domanda che, prima o poi, tutti ci facciamo: perché l’amore non è come dovrebbe essere?
Da questo interrogativo nasce Stretta al cuore, la graphic novel di Štěpánka Jislová che ha conquistato più di dieci paesi e che Eris Edizioni porterà in anteprima a Lucca Comics & Games 2025. Un’opera che non parla solo d’amore, ma soprattutto della sua assenza, della sua ricerca e del suo significato, attraversando la vita di una donna che si racconta con coraggio, ironia e lucidità spietata.

Štěpánka Jislová, una delle voci più forti e consapevoli della scena fumettistica ceca contemporanea, costruisce un racconto autobiografico che è al tempo stesso intimo e collettivo. Dall’infanzia all’adolescenza fino all’età adulta, l’autrice ripercorre le tappe di un percorso sentimentale frammentato, fatto di aspettative disattese, delusioni ripetute e tentativi di ricominciare da sé. In questo viaggio a fumetti, le sue tavole diventano confessione e specchio: un diario illustrato che si apre e si espone senza paura, mostrando le ferite che spesso la cultura, la famiglia e la società infliggono alla nostra idea di amore.

La forza di Stretta al cuore non risiede solo nella narrazione, ma nella consapevolezza di chi scrive. Jislová non si limita a raccontare relazioni, ma indaga il modo in cui le abbiamo imparate — o, meglio, non le abbiamo mai imparate davvero. Manca una vera educazione sentimentale, e l’autrice la ricostruisce a posteriori, con la delicatezza di chi osserva se stessa come un personaggio in continua evoluzione. Ogni vignetta diventa un tassello di un mosaico emotivo che parla di solitudine, ma anche di riscatto, di accettazione e di liberazione.

Nel corso delle sue 200 pagine, Stretta al cuore intreccia introspezione psicologica e riflessione sociale, mescolando la tradizione del fumetto europeo con la sensibilità delle opere di Alison Bechdel e Liv Strömquist. Il tratto, elegante e malinconico, accompagna il lettore in un flusso visivo che alterna delicatezza e crudezza, come se ogni linea fosse una cicatrice e ogni colore una memoria.

Il libro è un vero trattato visivo sull’amore contemporaneo: parla di Tinder e di silenzi, di fantasmi emotivi e di autoanalisi, ma anche di come gli stereotipi di genere — quelli che definiscono “come deve essere” un uomo o una donna — diventino prigioni invisibili. Jislová ci mostra quanto sia difficile amare quando l’amore stesso è stato insegnato male, quando la teoria non corrisponde mai alla pratica, e quanto sia rivoluzionario imparare a voler bene senza distruggersi.

Eris Edizioni, che negli anni ha costruito un catalogo attento alle nuove forme del fumetto d’autore, porta Stretta al cuore in Italia come una delle opere più attese di Lucca Comics & Games 2025. Tradotta in oltre dieci lingue, dal francese al tedesco fino all’inglese e al portoghese, la graphic novel di Jislová è stata accolta come una delle rappresentazioni più sincere e potenti delle emozioni nel fumetto contemporaneo.

Stretta al cuore non è solo una storia d’amore — è una presa di coscienza. Un invito a guardarsi dentro senza filtri, a capire che la vulnerabilità non è debolezza, ma la base stessa di ogni relazione autentica. È una lettura che colpisce allo stomaco e allo stesso tempo accarezza, che lascia un segno e fa riflettere su quanto, ancora oggi, amare significhi disimparare tutto ciò che ci è stato imposto.

A Lucca, questa “autobiografia sentimentale a vignette” promette di essere uno degli eventi più discussi del festival. Perché Stretta al cuore è molto più di un fumetto: è un atto di sincerità artistica e umana, una confessione generazionale che attraversa i confini e si fa universale.
E, alla fine, quando si chiude l’ultima pagina, resta quella domanda sospesa — la stessa da cui tutto è partito — che risuona dentro di noi come un’eco familiare: perché l’amore non assomiglia mai a come dovrebbe essere?

Approfondimenti

L’ossessione per il “princess treatment”: tra favola e realtà

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Ti è capitato di scorrere il feed di TikTok e imbatterti in video che esaltano il “princess treatment”? Magari con ragazze che raccontano di essere viziate dai propri partner, coccolate con colazioni a letto e cene romantiche. Ecco, questo fenomeno sta letteralmente esplodendo tra i ventenni e i trentenni, e non è solo un trend passeggero. Ma perché? Che cosa spinge una generazione cresciuta a suon di femminismo a desiderare un ritorno alla cavalleria d’altri tempi

Da Bridgerton a TikTok: il romanticismo 2.0

Mentre le nostre madri e nonne combattevano per la parità, vedendo certi gesti come simboli di un mondo patriarcale, oggi il copione sembra essersi ribaltato. La Gen Z e i millennials più giovani sono affascinati da un tipo di romanticismo quasi cinematografico, influenzato da serie TV come Bridgerton o da film d’epoca. Insomma, in un’era di appuntamenti veloci, confusi e spesso “usa e getta” (grazie, app di dating!), un po’ di galanteria “old school” sembra quasi un lusso.

Come ha spiegato a BBC Myka Meier, esperta di galateo, “in un’epoca in cui gli appuntamenti possono sembrare transazionali, le storie d’amore vecchio stile sembrano speciali”. A conferma di ciò, Daniel Post Senning, autore di Manners in a Digital World, sostiene che i drammi d’epoca hanno davvero lasciato il segno sui giovani. Ma quali sono questi gesti da “trattamento da principessa”? Si va dal caffè a letto alla manicure pagata, dalla giacca sulle spalle alla prenotazione al ristorante preferito. Insomma, un mix di attenzioni e lusso.

Il “princess treatment” contro il “bare minimum”

Sui social, il concetto di “trattamento da principessa” viene spesso messo in contrapposizione con il “bare minimum”, ovvero il minimo indispensabile che un partner dovrebbe fare. Reel e video tutorial si sprecano per spiegare come distinguere le attenzioni extra dal “minimo sindacale” che non andrebbe nemmeno celebrato. E qui entra in gioco una figura molto discussa: la “trad wife”.

Queste casalinghe “tradizionali” incarnano una versione nostalgica e patinata dell’angelo del focolare. La più celebre? Courtney Palmer, che in un video virale da 8,3 milioni di visualizzazioni ha raccontato come suo marito non la faccia mai parlare con la cameriera o aprire le porte al ristorante. Il suo consiglio per ottenere il princess treatment? Semplice: vestiti in modo “appropriato”, accetta i complimenti con grazia, non ridere forte e, soprattutto, “lascia che tuo marito prenda il comando e si comporti da maschio”. La ricompensa, in cambio di questa passività, sono gioielli, abiti firmati e una vita bucolica e spensierata.

La passività è il prezzo da pagare?

Se da un lato il mondo delle trad wives sembra un’estremizzazione, dall’altro la fantasia di un ritorno alla galanteria è reale e diffusa. Ma c’è un rovescio della medaglia. Come ha notato Emma Beddington sul Guardian, il culto del princess treatment potrebbe essere più un’abile mossa di marketing che un vero desiderio. Il punto è: vale la pena rinunciare alla propria autonomia per una vita di “calma e premurosa passività”?

È significativo che l’aspirazione sia quella di essere “principessa” (giovane, bella e da salvare) e non “regina” (con lo scettro, il potere e l’indipendenza). La passività è un ingrediente centrale e, ammettiamolo, inquietante. Le donne che un tempo non pagavano conti e bollette lo facevano perché non avevano autonomia economica. Raccontarsi oggi che scegliere di essere “servite” sia una forma di empowerment è una narrazione pericolosa. Rinunciare all’indipendenza – sia essa economica, fisica o intellettuale – rende sempre vulnerabili.

Galateo, galanteria e gentilezza: è ora di fare chiarezza

Al di là degli estremi, la questione rimane: cosa desideriamo davvero? Forse non si tratta tanto di galanteria, ma di semplice gentilezza. E qui il vecchio Galateo ci può dare una mano, con una regola intramontabile: chi invita, paga. Semplice, no? Se vogliamo parlare di parità, non ha senso che solo uno dei due partner si faccia carico del conto.

Un sondaggio della rivista francese Elle ha rivelato che il 77% degli intervistati associa gesti come “servire prima una donna” a una forma di cortesia e non più a una galanteria sessista. Questo dimostra una consapevolezza crescente. Come ha sostenuto l’economista femminista Rebecca Amsellem, “se vivessimo in una società egualitaria, la galanteria sarebbe semplicemente cortesia. Sono le nostre radici in una società diseguale che rendono la galanteria problematica”.

Insomma, il punto non è rinunciare alle attenzioni, ma slegarle dagli stereotipi di genere. L’autentica galanteria, secondo l’accademica Jennifer Tamas, non ha sesso. È un gioco piacevole in cui uomini e donne possono essere interlocutori alla pari. Magari è questo il vero “princess treatment” a cui dovremmo aspirare: un mondo di gentilezza reciproca, dove nessuno deve rinunciare a se stesso per una favola.

Approfondimenti

Shrekking: cos’è la nuova tendenza nel dating e perché non funziona

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Preparate i popcorn, perché oggi ci immergiamo in una storia degna di un cinecomic, ma che purtroppo ha un finale decisamente meno eroico: l’ascesa, la caduta e la (speriamo) redenzione del “Shrekking”. Se siete come me, che passano le notti a fare binge-watching di film d’animazione e a scrollare ossessivamente le app di dating, sapete che a volte questi due mondi collidono in modi inaspettati. E l’ultimo trend, che fa ridere ma fa anche pensare, è proprio questo.

Il termine, come un meme che esplode all’improvviso, ha invaso il dating online. Per chi non avesse fatto il compito a casa, il nome deriva, ovviamente, dal capolavoro della DreamWorks, Shrek. Ricordate? La principessa Fiona, con il suo spirito ribelle, si innamora di un orco verde e scorbutico, dimostrando al mondo che l’amore vero non ha bisogno di principi azzurri impeccabili. È una favola, un inno all’amore che va oltre le apparenze. E qui sta il punto.

Nel mondo reale, però, il copione si fa un po’ più contorto. Lo “Shrekking” descrive la (triste) dinamica in cui una persona, magari stanca di essere ignorata dai “principi e principesse” da copertina, decide di puntare su qualcuno che, secondo gli standard convenzionali, è considerato “meno attraente”. La logica dietro questo calcolo non è romantica come nel film, ma piuttosto utilitaristica. È una specie di patto non scritto: “Se abbasso le mie aspettative sull’aspetto fisico, otterrò in cambio un partner più gentile, premuroso e devoto. Sarò la sua principessa, e lui sarà il mio devoto (e forse un po’ ingenuo) orco”.

Il tragico plot twist: quando il “Shrekkato” non è più un premio di consolazione

Amici miei, qui arriviamo al punto di svolta. E non è un bel punto. Se l’idea romantica di Fiona che si innamora del suo orco funziona alla grande sul grande schermo, nella vita reale il film si spegne prima dei titoli di coda. Scegliere un partner in base a questa logica è un po’ come comprare un’action figure di seconda mano e sperare che abbia superpoteri segreti: è un’aspettativa infondata.

La grande, amara verità è che non c’è nessuna correlazione tra l’aspetto fisico di una persona e il suo carattere. Nessun algoritmo magico assicura che una persona meno attraente sia automaticamente più sensibile, gentile o attenta. Anzi, a volte è l’esatto contrario. Chi si affida allo “Shrekking” sta in realtà commettendo un errore di fondo, basando una potenziale relazione su un presupposto superficiale e, diciamocelo, un po’ presuntuoso. È un modo per non affrontare la vera sfida: la fatica di trovare una connessione autentica. Invece di concentrarsi su ciò che conta davvero – i valori, la gentilezza, la disponibilità emotiva e la compatibilità – si finisce per cadere nella trappola di un calcolo sbagliato, che non tiene conto della complessità delle persone.

“Shrekked” e non tornare più indietro

Ma cosa succede quando siete voi la persona “Shrekked”? L’esperienza può essere devastante. Ci si sente come un personaggio secondario, scelto non per il proprio valore intrinseco, ma per un freddo calcolo utilitaristico, quasi come un premio di consolazione. La sensazione di essere un rimpiazzo o una seconda scelta è avvilente, come scoprire che il vostro eroe preferito è in realtà un cattivo sotto mentite spoglie.

La lezione da imparare, però, è fondamentale e ha il sapore di un grande finale di stagione: non c’è alcun motivo di tornare alle vecchie abitudini o di cedere al rancore. Al contrario, è il momento di un reboot. È l’occasione perfetta per ridefinire ciò che cercate in un partner. La vera sfida, sia per chi ha provato a fare “Shrekking” sia per chi lo ha subito, è imparare a guardare oltre la superficie, come un critico cinematografico che analizza ogni singolo fotogramma. L’attrazione fisica, ovviamente, ha il suo peso, ma non deve mai essere l’unico indicatore di come sarete trattati. L’attrazione vera, quella che fa tremare il cuore come una colonna sonora epica, nasce dalla sintonia, dai valori condivisi e dal rispetto reciproco. Quando due persone si connettono su questi livelli, l’attrazione reciproca può crescere spontaneamente, superando ogni stereotipo o pregiudizio legato all’aspetto fisico. E a quel punto, il finale, sarà un vero lieto fine, senza bisogno di nessun orco né di principesse in cerca di un premio di consolazione.

Cinema & Tv

Sirens: il potere e la seduzione nella dark comedy di Molly Smith Metzler

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C’è qualcosa di magnetico in Sirens, qualcosa che ti cattura già dalle prime inquadrature e non ti molla più. E non sto parlando solo del cast stellare o dell’ambientazione da sogno — o meglio, da incubo dorato — ma di quel senso di inquietudine elegante che solo certe serie sanno evocare. Da appassionata cronica di serie tv, quelle che mi fanno battere il cuore non sono solo storie ben scritte o interpretate magistralmente, ma quelle che sanno scavare. Dentro. Sotto la pelle. Nella psiche. E Sirens, ve lo dico subito, lo fa con una maestria sorprendente. Creata da Molly Smith Metzler — la stessa mente brillante dietro Maid, quella piccola grande gemma che ci aveva fatto piangere e riflettere — Sirens nasce dall’adattamento della sua pièce teatrale Elemeno Pea, ma qui assume proporzioni ben più ampie, visive e disturbanti. La serie, in arrivo su Netflix nel maggio 2025, si presenta come una dark comedy che si prende il lusso (e il rischio) di mescolare dramma psicologico, satira sociale e relazioni femminili intense in un weekend. Un solo fine settimana, eppure basta per tirare fuori il peggio e il meglio delle sue protagoniste.

La scena si apre a Cliff House, una tenuta meravigliosamente decadente incastonata su un’isola esclusiva. Sembra uscita da un sogno di Pinterest, ma in realtà è il palcoscenico di un incubo borghese. È qui che regna Michaela “Kiki” Kell (Julianne Moore), ex avvocato e ora icona dell’élite, sposata con un nobile milionario interpretato da Kevin Bacon. Michaela è sofisticata, elegante, ma c’è un vuoto che urla dietro ogni suo gesto perfetto. E come tutte le donne che cercano di tenere tutto sotto controllo, ha bisogno di qualcuno da dominare per sentirsi viva. Quel qualcuno è Simone (Milly Alcock), la sua assistente personale, una giovane donna con un passato che preferirebbe dimenticare e un presente che sta diventando pericolosamente irreale.

Ed è qui che entra in scena Devon, interpretata da una straordinaria Meghann Fahy. È la sorella maggiore di Simone e l’elemento di disturbo di un equilibrio che già traballa. Devon ha una vita incasinata, un padre malato da accudire, guai con la giustizia e una dipendenza che non è solo da sostanze ma anche da verità. Quando decide di raggiungere la sorella, non è solo per rivederla, ma per strapparla via da un ambiente che le puzza subito di manipolazione e culto. E non sbaglia, anche se il prezzo da pagare sarà altissimo.

La cosa che più mi ha colpita di Sirens è il modo in cui riesce a raccontare la disfunzione con eleganza. Ogni battuta, ogni sguardo, ogni dettaglio è costruito con chirurgica precisione. Non c’è nulla di casuale. Il rapporto tra Michaela e Simone è quasi vampirico, morboso, a tratti materno ma sempre sotto il segno del potere. Devon, nel suo essere ruvida e diretta, è la voce fuori dal coro, ma anche lei è una sirena: incantatrice, ferita, alla deriva.

E sì, parlo di sirene non a caso. La metafora del titolo è potentissima. Michaela, Simone e Devon sono sirene in senso mitologico, donne seducenti e pericolose, ma anche vittime del loro stesso canto. Ognuna cerca rifugio da qualcosa: dal passato, dalla solitudine, dal fallimento. E Cliff House diventa la loro scogliera: bellissima e letale. La morte del falco Barnaby, per quanto simbolica, non è affatto una forzatura. È un grido. Un’allerta. È l’annuncio che qualcosa sta per precipitare.

La scrittura di Metzler è pungente, intelligente, capace di far ridere amaramente anche nei momenti più tesi. Ma il vero punto di forza di Sirens è la sua visione femminile. Non parlo solo del fatto che le protagoniste siano donne — ormai non dovrebbe nemmeno essere una novità — ma del modo in cui sono scritte. Complesse, contraddittorie, vere. Sono donne che sbagliano, manipolano, amano e odiano allo stesso tempo. E soprattutto, sono donne che resistono, pur nella loro fragilità.

E qui permettetemi una riflessione personale. Spesso, quando una serie racconta storie di donne, lo fa in modo o troppo idealizzato o troppo miserabilista. Sirens invece trova il giusto equilibrio. Le sue protagoniste non cercano di essere buone o giuste: cercano di sopravvivere. E in questo, sono profondamente umane.

Il cast è un altro motivo per cui Sirens funziona così bene. Julianne Moore è semplicemente magnetica. Riesce a farti provare empatia anche per un personaggio che sulla carta dovrebbe farti rabbrividire. Meghann Fahy, già strepitosa in The White Lotus, conferma il suo talento con una Devon intensa e autentica. Milly Alcock, che abbiamo amato in House of the Dragon, si muove con disinvoltura tra vulnerabilità e calcolo. E poi ci sono Glenn Howerton, Felix Solis, Bill Camp, Kevin Bacon… ognuno perfettamente calato nel proprio ruolo, a completare una danza macabra di segreti, bugie e rivelazioni.

La regia dei primi episodi è affidata a Nicole Kassell, già nota per il suo lavoro in Watchmen, e si sente. La mano è sicura, l’atmosfera è densa, quasi claustrofobica, eppure bellissima da vedere. Ogni scena è un quadro. Ogni dialogo è una miccia.

Insomma, Sirens è la serie che aspettavo da tempo. Una storia che non ha paura di essere scomoda, che osa e riesce. È un viaggio nel lato oscuro del potere, nella fragilità delle relazioni, nella forza misteriosa e primitiva del legame tra sorelle. È una serie che vi farà discutere, riflettere, arrabbiare e forse anche commuovere. E soprattutto, vi resterà addosso.

E voi? Siete pronti a lasciarvi incantare dal canto di queste moderne sirene? Fatemi sapere che ne pensate nei commenti o condividete questo articolo sui vostri social: le storie migliori meritano di essere raccontate.

Approfondimenti, Cinema & Tv, Gaming

Mythic Quest: addio a una serie cult che ha unito il mondo dei videogiochi alla commedia brillante

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Ah, Mythic Quest… quanti pomeriggi passati con una tazza di tè, il gatto acciambellato sulle ginocchia e quell’inconfondibile mix di risate, cringe e momenti inaspettatamente toccanti a farmi compagnia sul divano. Quando ho letto la notizia della cancellazione della serie da parte di Apple TV+, ammetto che mi è venuto un groppo alla gola. Nonostante fossi consapevole che ogni serie, prima o poi, arriva al capolinea, speravo segretamente che il team di sviluppatori più disfunzionale e geniale della televisione potesse restare con noi ancora un po’. Ma, come in ogni buon videogioco, arriva il fatidico “Game Over”… o forse no?

La notizia, riportata in esclusiva da Variety, parla chiaro: Mythic Quest chiude i battenti dopo quattro stagioni e uno spin-off, Side Quest. Ma in pieno spirito da patch day, ci sarà un “aggiornamento” dell’episodio finale, una sorta di DLC narrativo che promette di essere il nostro vero addio. Una mossa che solo chi conosce profondamente la community dei gamer poteva concepire. Non si chiude una saga senza un ultimo, epico, contenuto extra.

Come appassionata di serie TV — ma anche e soprattutto come nerd cresciuta a pane e joystick — Mythic Quest è stato per me più di una semplice comedy. Era un ritratto affilato, intelligente e sorprendentemente emotivo del mondo dello sviluppo videoludico, visto attraverso l’ottica delle persone che lo abitano. Parliamo di Ian Grimm, il visionario e narcisista creativo interpretato da Rob McElhenney, di Poppy Li, la geniale e insicura ingegnera che è stata la vera spina dorsale dello studio, e di David Brittlesbee, il dirigente senza polso ma con tanta, tanta voglia di essere preso sul serio. E poi ancora Rachel, Dana, Brad, Carol, Jo… ognuno un piccolo frammento di umanità, con le proprie manie, fragilità e sogni.

La serie era nata nel 2020, proprio a ridosso della pandemia, e forse anche per questo ha saputo parlarci in modo così diretto. L’episodio “Quarantine”, girato interamente da remoto con gli iPhone, è stato un capolavoro non solo di creatività produttiva, ma anche di narrazione empatica. Mai mi sarei aspettata di commuovermi guardando una videoconferenza tra colleghi che, isolati nelle proprie case, cercavano di mantenere viva la connessione — emotiva, prima ancora che lavorativa.

Certo, non tutto è stato perfetto: ricordiamo la controversia che ha coinvolto F. Murray Abraham, che ha portato alla sua esclusione dal cast dopo la seconda stagione. Ma anche in questi scossoni produttivi, la serie ha saputo adattarsi e reinventarsi, mantenendo sempre quel tono ironico, a tratti cinico, ma mai disumanizzante. Mythic Quest ha avuto il raro talento di fare satira senza disprezzo, ridendo con i suoi personaggi e non di loro.

E poi c’era Side Quest, lo spin-off in quattro episodi che ci ha regalato una prospettiva nuova e necessaria, raccontando le storie dei personaggi “minori” — ma chi è davvero secondario, in un ambiente creativo come quello di uno studio videoludico? Questo esperimento antologico è stato un piccolo gioiello, e ha dimostrato che l’universo narrativo di Mythic Quest aveva ancora tantissimo da offrire, anche oltre il core cast.

A colpirmi di più, però, è stata la dichiarazione finale dei produttori: “I finali sono difficili. Ma con la benedizione di Apple, abbiamo apportato un ultimo aggiornamento al nostro ultimo episodio, così da poter dire addio, invece di dire semplicemente game over.” Queste parole risuonano fortissimo per chi, come me, ha vissuto Mythic Quest non solo come una serie da binge-watchare, ma come un piccolo universo di riferimento. Un po’ come quando finisci un RPG che ti ha tenuto compagnia per mesi e, pur sapendo che la storia è finita, ti ritrovi a vagare per la mappa solo per dire addio ai luoghi e ai personaggi che hai amato.

Non sappiamo esattamente perché Apple abbia deciso di concludere la serie ora, né se sia stata una scelta dettata dagli ascolti o da esigenze produttive. Quello che è certo, però, è che Mythic Quest ha lasciato un’impronta. Ha parlato a chi ama i videogiochi ma anche a chi ha conosciuto il caos (e la magia) di lavorare in team creativi. Ha riso delle nostre ossessioni, ha mostrato il lato tossico dell’ego, ma anche il potere delle connessioni autentiche. E lo ha fatto senza mai perdere il suo stile tagliente e profondamente umano.

Ora non ci resta che attendere questo “episodio finale aggiornato”, sapendo che sarà davvero l’ultima partita. E nel frattempo, mi chiedo: quanti altri studi, quanti altri team come quello di Mythic Quest esistono là fuori? E soprattutto: chi sarà il prossimo a raccontarne la storia?

Se anche voi avete amato questa serie tanto quanto me, raccontatemi cosa vi mancherà di più. Ian e Poppy? Le follie di Brad? Le citazioni nerd nascoste nei dialoghi? Condividete l’articolo sui social e fatemi sapere: qual è stato il vostro momento preferito di Mythic Quest?

Cinema & Tv

Black Bag – Doppio Gioco: quando il thriller incontra la sofisticatezza di Soderbergh

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Appassionati di spionaggio, manipolazioni mentali e giochi di potere, preparatevi: “Black Bag – Doppio Gioco” è il film che stavamo aspettando. Diretto da un maestro come Steven Soderbergh e scritto dall’acclamato David Koepp, questo thriller elegante e cerebrale promette di conquistare non solo chi ama l’azione, ma soprattutto chi adora le sfumature sottili delle relazioni umane. Con un cast da urlo che include Cate Blanchett, Michael Fassbender, Marisa Abela, Tom Burke, Naomie Harris, Regé-Jean Page e Pierce Brosnan, il film si presenta come un affascinante intreccio di fiducia, tradimenti e seduzione psicologica.

Black Bag – Doppio Gioco non è il classico thriller incentrato su inseguimenti mozzafiato e esplosioni spettacolari. No, Soderbergh ci prende per mano e ci trascina nel cuore oscuro dei rapporti umani, dove ogni sguardo, ogni parola e ogni silenzio possono significare la salvezza o la condanna. La trama ruota attorno a un gruppo di agenti segreti, ognuno mosso da desideri e obiettivi personali, in un mondo dove il confine tra amore e manipolazione è più sottile di un capello. La trama, apparentemente incentrata sul furto di un programma informatico (il famigerato Severus), si rivela presto solo un pretesto per esplorare temi più profondi: fiducia, lealtà, tradimento. Le dinamiche tra i personaggi assumono un’importanza primaria e diventano il vero fulcro emotivo del film. Soderbergh non ci dà certezze: ogni scelta, ogni alleanza può essere ribaltata da un momento all’altro, rendendo “Black Bag” un thriller sofisticato e avvincente come pochi.

Al centro di tutto troviamo la magnetica Kathryn St. Jean (una straordinaria Cate Blanchett) e George Woodhouse (un intenso Michael Fassbender), due tra i migliori agenti del settore. La chimica tra loro è palpabile, incandescente, ma è proprio questa complicità a diventare il loro tallone d’Achille quando i sospetti iniziano a infiltrarsi nella loro relazione. La narrazione si infittisce quando George riceve una lista di sospetti per una talpa all’interno del National Cyber Security Centre… e tra questi sospetti c’è anche la sua stessa moglie, Kathryn. Una dinamica che non può che farci venire in mente i migliori giochi mentali visti in pellicole come “La Talpa” o “Tinker Tailor Soldier Spy”. Marisa Abela è la vera rivelazione del film nei panni di Clarissa Dubose, esperta di comunicazioni cyber, intrappolata in un triangolo di passioni e tradimenti con Freddie Smalls (Tom Burke). Al loro fianco, una Naomie Harris impeccabile come la psicologa Dr. Zoe Vaughan, e il glaciale ma magnetico Regé-Jean Page nei panni del Colonnello James Stokes. Ogni personaggio è cesellato alla perfezione, dando vita a un intricato mosaico di alleanze e inganni che tiene incollati allo schermo.

Uno degli aspetti più affascinanti di Black Bag – Doppio Gioco è la sua scelta stilistica. Soderbergh, che si occupa anche della fotografia e del montaggio, adotta un’estetica minimalista: inquadrature fredde e taglienti, ambientazioni asettiche e costumi elegantissimi curati da Ellen Mirojnick che trasudano un lusso discreto fatto di maglioni a collo alto, giacche di pelle e accessori di classe. Un tocco di stile che richiama un certo cinema europeo anni ’70, sofisticato e tagliente.Anche la colonna sonora, firmata da David Holmes, è un piccolo capolavoro: ritmi jazzy e accenni noir che fanno da perfetto contrappunto all’atmosfera di tensione sotterranea che domina ogni scena. Non è tanto l’azione a tenere viva l’attenzione, quanto le conversazioni serrate, i dialoghi magistralmente scritti da Koepp e interpretati da un cast in stato di grazia. Le battute secche di Fassbender si scontrano con la sagace ironia di Blanchett, creando scintille che fanno vibrare tutta la narrazione.

Certo, chi si aspetta un film d’azione potrebbe rimanere spiazzato. Qui l’azione è ridotta all’osso, sostituita da sguardi carichi di sospetti e dialoghi tesi come fili di rasoio. Ma è proprio in questa scelta che risiede la forza di “Black Bag – Doppio Gioco”: non ci racconta solo una storia di spionaggio, ma ci immerge in un mondo di passioni segrete e giochi di potere dove è impossibile sapere di chi fidarsi.Alla fine, Steven Soderbergh dimostra ancora una volta di essere uno dei registi più intelligenti e camaleontici della nostra epoca. Black Bag – Doppio Gioco è un thriller raffinato, sensuale, avvolgente, capace di esplorare l’animo umano in modo profondo e mai banale. Un film che si fa amare per la sua eleganza visiva, la complessità dei suoi personaggi e la brillantezza della sua scrittura.Se siete nerd appassionati di storie di spie, ma anche di psicologia, relazioni tossiche e giochi di manipolazione, Black Bag – Doppio Gioco è assolutamente imperdibile. Voi l’avete già visto? Cosa ne pensate di questa nuova perla di Soderbergh? Scrivetelo nei commenti o condividete la recensione sui vostri social: il dibattito è aperto e non vediamo l’ora di sapere la vostra!

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Cosa vuol dire RomCom? Amore, Umorismo e Magia made in Japan

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Quando si parla di RomCom, ovvero commedia romantica, molti potrebbero pensare a una storia leggera e spensierata, spesso infarcita di battute esilaranti e cuori che si intrecciano, ma il genere nasconde in realtà una complessità che va ben oltre la superficie. Come donna appassionata di anime giapponesi, trovo che le RomCom siano un riflesso affascinante della dualità tra il romantico e il comico, un equilibrio delicato che si traduce in storie che, pur affrontando l’amore e le sue complicazioni, non mancano mai di offrire anche un pizzico di umorismo. È interessante come, dietro ogni risata, ci sia spesso un messaggio profondo sull’amore, la crescita personale e le difficoltà della vita.

Una RomCom non è solo una semplice storia d’amore. Anzi, se dovessi definirla con un’unica parola, sarebbe “equilibrio”. La relazione romantica è al centro, ma senza l’elemento comico perderebbe il suo fascino. Le dinamiche umoristiche, che siano un malinteso divertente o una serie di situazioni imbarazzanti, sono parte integrante del viaggio emotivo dei protagonisti. E non è raro che una RomCom esplori anche temi più profondi, come il dolore, la solitudine o la crescita personale, senza mai perdere quel tocco di leggerezza che fa ridere e riflettere al contempo.

Ma cos’è che rende davvero una RomCom giapponese così speciale? In una cultura dove l’amore spesso non si esprime direttamente, le RomCom nel mondo degli anime e dei manga sanno mescolare il romanticismo più puro con situazioni inaspettate e, spesso, comiche, che spezzano la tensione e donano al pubblico un respiro. La combinazione di battute argute, giochi di parole e situazioni assurde può sembrare superficiale, ma se ci si fa caso, queste scelte sono sempre legate alla crescita dei personaggi. L’equilibrio tra questi due mondi è ciò che rende le RomCom giapponesi così affascinanti, e molte di queste serie hanno raggiunto un culto che va ben oltre il pubblico che si aspetta solo risate e cuoricini.

Un perfetto esempio di questa alchimia è Kaguya-sama: Love Is War. Qui, le relazioni non sono semplici, sono battaglie psicologiche, in cui i protagonisti, Kaguya e Miyuki, non si limitano a cercare di dichiararsi il loro amore: la loro guerra mentale diventa una strategia complessa e, allo stesso tempo, fonte di situazioni estremamente divertenti. Ogni episodio è un susseguirsi di colpi di scena e risate, ma sotto la superficie c’è una narrazione di crescita e vulnerabilità che non è mai banale. È uno di quei casi in cui l’umorismo non è solo una distrazione, ma un mezzo per esplorare la complessità emotiva dei personaggi.

Allo stesso modo, The Quintessential Quintuplets ci mostra una storia che, inizialmente, può sembrare la classica “harem comedy”, ma che si distingue per la profondità dei suoi personaggi e la delicatezza con cui vengono trattate le dinamiche familiari e romantiche. Futaro, il protagonista, non è solo il tutor delle cinque sorelle gemelle, ma diventa anche il punto di riferimento per una crescita emotiva che si intreccia con ogni relazione che costruisce con ognuna di loro. Ogni battuta, ogni situazione esilarante, serve da supporto a un legame che si sviluppa in modo sincero e commovente, dove le risate non offuscano mai l’importanza delle connessioni che vengono create.

Nel mondo degli anime, la RomCom non si ferma alle dinamiche più leggere. Blue Box, per esempio, è una serie che unisce il romanticismo con il mondo dello sport, creando una narrazione che si sviluppa tra imbarazzi adolescenziali e il confronto con le proprie insicurezze. La relazione che si sviluppa tra Taiki e Chinatsu è dolce, ma anche carica di tensione emotiva, e anche qui, l’umorismo gioca un ruolo fondamentale nel rendere le interazioni tra i due protagonisti memorabili.

E poi c’è A Sign of Affection, che offre una prospettiva unica sulla comunicazione e l’amore. La protagonista, una giovane donna sorda, si innamora di un ragazzo che non conosce la cultura dei non udenti. La bellezza di questa storia sta nel modo in cui l’amore viene rappresentato come una forma di comunicazione che va al di là delle parole, ed è affascinante come il contesto romantico e comico si intreccino in modo naturale, portando la serie a toccare anche temi sociali con una delicatezza che non scade mai nel melodramma.

In fondo, che cos’è una RomCom se non un riflesso della vita stessa? Si ride, si piange, si cresce e, soprattutto, si ama. Le serie che combinano romanticismo e umorismo in modo equilibrato sono quelle che riescono a rimanere nel cuore degli spettatori, perché ci ricordano che anche nei momenti più difficili, l’amore e il sorriso possono essere la nostra salvezza.

Approfondimenti

Dov’è: oltre il puntino sulla mappa, la complessità delle relazioni umane

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Dov’è: l’app che traccia tutti, ma a quale prezzo?

“Dov’è”. Un’app, una certezza, un punto sulla mappa. Ma a quale prezzo? L’app di geolocalizzazione di iPhone, nata per ritrovare i dispositivi smarriti, si è trasformata in uno strumento per tracciare amici e familiari. Utile per i genitori apprensivi, certo, ma anche una potenziale minaccia alla privacy e alla fiducia.

Dov’è: un’arma a doppio taglio?

Genitori che tracciano i figli, partner che controllano ogni spostamento. “Dov’è” promette tranquillità, ma rischia di generare ansia e dipendenza. La comodità di sapere sempre dove sono gli altri si scontra con la necessità di fiducia e autonomia.

La fiducia ai tempi di “Dov’è”

La tecnologia ci offre la possibilità di sapere tutto, ma vogliamo davvero rinunciare all’ignoto? La fiducia si costruisce anche sull’imperfezione, sull’accettazione dei silenzi e delle omissioni. “Dov’è” rischia di trasformare le relazioni in un controllo costante, minando la libertà individuale e la spontaneità.

Oltre il puntino sulla mappa: la complessità delle relazioni

“Dov’è” ci dice dove sono le persone, ma non ci dice chi sono. Non ci dice cosa pensano, cosa provano, con chi sono veramente. La tecnologia può fornirci informazioni, ma non può sostituire il dialogo, l’empatia e la fiducia.

Books + Comics

Io che amo solo te. Il nuovo graphic novel di Giulia Argnani tra viaggi, sogni e scoperta interiore

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La talentuosa autrice di fumetti Giulia Argnani ha appena lanciato il suo nuovo graphic novel autoprodotto, Io che amo solo te, ora disponibile online. Quest’opera, che lei stessa ha descritto come un viaggio complesso e appassionante, tocca temi universali come la fine di una relazione e il coraggio di difendere i propri sogni. La sensibilità con cui Argnani affronta questi argomenti riflette pienamente la sua lunga esperienza nel mondo del fumetto, che l’ha portata a collaborare con case editrici di prestigio come Mondadori, Tunuè, Coniglio Editore, ELI Edizioni, Freebooks e Edizioni BD. Ma non finisce qui: la sua carriera eclettica comprende anche collaborazioni come storyboard artist per agenzie pubblicitarie e progetti d’animazione, tra cui le serie Puffins e Artic Friends, prodotte da Iervolino Entertainment. Attualmente, Giulia lavora per Bonelli Editore e insegna fumetto, trasmettendo alle nuove generazioni la passione e la competenza che la distinguono.

Io che amo solo te va è un racconto di scoperta e introspezione che segue i protagonisti, Federico e Sara, nel loro viaggio in macchina attraverso la penisola, da Milano alla Puglia. Sara è una drammaturga in erba scappata dalla sua terra natale, la Puglia, in cerca di successo. Federico è un pubblicitario in crisi lavorativa, ma soprattutto sentimentale perchè è appena stato lasciato dalla moglie. Durante questo viaggio, i due, si troveranno ad affrontare i fantasmi del loro passato ( lei la morte del padre quando era piccola) e lui quello che ha vissuto come un abbandono, da parte della madre) per arrivare alla meta con una consapevolezza nuova.

Come spesso accade nelle grandi narrazioni di viaggio, il percorso geografico che i due compiono attraversando da borghi antichi alle abbazie storiche e persino ai cimiteri, diventa una metafora del loro viaggio interiore. Sara e Federico, infatti, partono con delle convinzioni apparentemente solide su ciò che desiderano e su come intendono proteggere i loro sogni, ma l’incontro con il passato, le divergenze personali e le sfide emotive che emergono lungo il tragitto fanno crollare queste certezze una ad una. Tra momenti di forte complicità e accesi confronti, la loro relazione si trasforma in un terreno di confronto che lascia affiorare tutte le loro vulnerabilità, costringendoli a cercare l’unica risposta possibile.

Per Giulia Argnani, realizzare questo progetto ha significato mettersi alla prova in molti modi. Lei stessa racconta che scrivere la storia è stato un vero e proprio “viaggio” personale, tra entusiasmi e dubbi, fatto di continui ripensamenti e revisioni per rendere giustizia alla complessità dei personaggi. Dopo questo percorso, poter finalmente sfogliare la versione fisica del libro è stato per lei un momento di pura soddisfazione, il coronamento di un lavoro lungo e impegnativo.

Il talento di Giulia Argnani non si limita all’abilità tecnica o alla capacità di destreggiarsi tra generi diversi; risiede anche nella profondità emotiva con cui riesce a colpire chi legge. Le sue esperienze variegate l’hanno portata a sviluppare uno stile visivo e narrativo unico, capace di comunicare emozioni complesse attraverso dettagli visivi e scelte stilistiche mai scontate. È proprio questa sua sensibilità che rende i suoi lavori, compreso Io che amo solo te, coinvolgenti e indimenticabili.

Se amate i graphic novel che scavano nelle dinamiche interpersonali e usano il viaggio come metafora di crescita, Io che amo solo te è un’opera che merita davvero attenzione. Il modo in cui Giulia Argnani ha costruito la storia di Sara e Federico è destinato a toccare chiunque abbia mai vissuto la fine di una relazione o si sia trovato a difendere i propri sogni a costo di mettere tutto in discussione.

Approfondimenti, Hi-Tech

Ananas, anelli (pear ring) e app: l’evoluzione (strana) del corteggiamento

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Negli ultimi anni, il mondo degli appuntamenti ha subito una vera e propria rivoluzione. Se un tempo erano gli amici o i conoscenti a farci incontrare il futuro partner, oggi le dinamiche sono cambiate radicalmente grazie alle app di dating come Tinder e Bumble. Tuttavia, accanto a queste piattaforme digitali, stanno emergendo tendenze più stravaganti e, in qualche modo, nostalgiche. Una delle più curiose è quella dell’ananas nel carrello, una pratica virale che ha conquistato i supermercati spagnoli, ma che potrebbe presto espandersi a livello globale.

L’ananas nel carrello: una chiave per l’amore al Mercadona

Tutto è iniziato in Spagna, nel popolare supermercato Mercadona, dove l’ananas è diventato il simbolo non ufficiale dei single in cerca di compagnia. Ma attenzione, non si tratta di un ananas qualunque: per trasmettere il messaggio, deve essere posizionato a testa in giù nel carrello della spesa. In questo modo, si segnala la propria disponibilità ad avviare una conversazione e, chissà, magari anche a incontrare l’anima gemella.

Questo curioso segnale visivo si è rapidamente diffuso grazie ai social media, diventando una sorta di “codice segreto” tra le corsie del supermercato. Ma come tutte le mode virali, anche questa ha generato alcune conseguenze inaspettate, con giovani e meno giovani che passeggiano per i negozi con ananas in mano, senza nessuna intenzione di acquistarli, trasformando il Mercadona in un teatro di flirt e incontri improvvisati.

Trovare l’amore nel carrello: come funziona?

Il fenomeno dell’ananas nel carrello è tanto semplice quanto efficace: tra le 19 e le 20, orario di punta per la spesa, i single entrano nei supermercati armati del frutto esotico, segnalando la loro intenzione di incontrare qualcuno. Ma l’ananas non è l’unico elemento simbolico in questo nuovo rituale amoroso. Anche altri prodotti nel carrello possono lanciare messaggi subliminali: la cioccolata, ad esempio, rappresenterebbe un desiderio di romanticismo, mentre le conserve potrebbero indicare la ricerca di una relazione più seria e duratura.

Questa tendenza, nata per scherzo, si è presto trasformata in un fenomeno culturale, con Mercadona che ha colto al volo l’opportunità, pubblicando video ironici sui suoi canali social e cavalcando l’onda del successo.

La nostalgia dell’analogico: dagli ananas agli anelli Pear Ring

Se da un lato l’ananas è diventato il simbolo di una ricerca dell’amore che mescola analogico e digitale, dall’altro assistiamo all’emergere di un’altra tendenza, quella degli anelli Pear Ring. Questi colorati accessori promettono di riportare il fascino degli incontri casuali nell’era della tecnologia, contrassegnando i single come “disponibili” in modo visibile ma discreto, un po’ come accadeva negli anni ’90 con gli anelli a forma di semaforo: verde per “single”, rosso per “impegnato”.

Il Pear Ring tenta di risolvere la crescente insoddisfazione verso le app di dating, restituendo un senso di spontaneità agli incontri, che oggi, con lo swipe continuo, sembrano aver perso la loro magia. La domanda, però, è: queste tendenze funzionano davvero?

Le app di dating: un amore standardizzato?

Le app di dating hanno rivoluzionato il modo di incontrarsi, rendendo più semplice e veloce trovare potenziali partner. Tuttavia, hanno anche imposto un certo grado di standardizzazione nei rapporti umani, riducendo spesso l’incontro a una questione di immagine e pochi dettagli di profilo. Questo ha generato un’esperienza che, per molti, appare superficiale e alienante. Ecco perché molte persone stanno cercando nuove modalità per connettersi, sperimentando tendenze come l’ananas nel carrello o gli anelli Pear Ring. Si tratta di una reazione al dominio del digitale, un tentativo di riscoprire il fascino degli incontri casuali, faccia a faccia.

Perché le tendenze “strane” hanno successo?

Uno degli aspetti più interessanti di questi trend è il loro successo. Ma perché funzionano? In primo luogo, c’è un forte elemento di nostalgia: l’idea di tornare a un’epoca più semplice, in cui le relazioni si costruivano dal vivo e non attraverso uno schermo. In secondo luogo, c’è il gioco: le persone amano partecipare a rituali sociali che aggiungono un pizzico di divertimento e imprevedibilità alla loro quotidianità. Infine, c’è una chiara reazione alle app di dating: stanchi della superficialità degli incontri online, molti cercano alternative che sembrino più autentiche e meno legate a un algoritmo.

Il futuro del dating: digitale o analogico?

Il futuro delle relazioni amorose sembra destinato a oscillare tra questi due poli: da un lato, le app di dating continueranno a evolversi, migliorando l’esperienza utente con nuove funzionalità e una personalizzazione più profonda. Dall’altro, assisteremo probabilmente alla crescita di tendenze che ci riporteranno verso un’interazione più analogica, come gli incontri casuali nei luoghi più inaspettati, sia che si tratti di un supermercato o di un evento culturale.

Alla fine, il modo in cui scegliamo di trovare l’amore riflette i nostri tempi e le nostre esigenze. Che si tratti di un ananas posizionato strategicamente nel carrello della spesa o di un anello colorato, l’importante è essere aperti a nuove esperienze e affrontare ogni incontro con leggerezza e curiosità. Dopotutto, l’amore è un viaggio fatto di sorprese e avventure, e il segreto sta nel godersi ogni momento lungo il cammino.

Intelligenze Artificiali

Amore virtuale: quando la realtà incontra l’intelligenza artificiale

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Immaginate un uomo che racconta la sua storia d’amore con un’intelligenza artificiale. Sembra un’idea presa direttamente da un film di fantascienza, eppure è proprio ciò che è successo a Chris, un utente di Reddit che ha condiviso con il mondo la sua singolare relazione con Ruby, la sua compagna virtuale. Ma la storia di Chris non si ferma a un semplice legame sentimentale. Insieme a Ruby, ha creato una sorta di famiglia digitale: una casa, dei figli e una vita che, almeno nella sua mente, sembra perfetta. La particolarità? Ruby e i loro bambini non esistono nel mondo reale, ma sono unicamente frutto della tecnologia.

Quello che sembra una storia di solitudine o di fantasia, in realtà è solo uno dei tanti esempi di come l’intelligenza artificiale stia influenzando la nostra vita emotiva. Sempre più persone stanno sviluppando legami profondi con chatbot e assistenti virtuali, un fenomeno che ci costringe a riflettere su cosa sia l’amore e sulle relazioni umane nell’era digitale. Ma cosa spinge qualcuno a cercare affetto in un mondo così artificiale? E quali sono i rischi di un amore che si sviluppa interamente nel virtuale?

Sebbene l’idea di avere una relazione con un’IA possa sembrare innocua o addirittura affascinante, ci sono alcune problematiche da considerare. Uno dei rischi principali riguarda la dipendenza emotiva: interagire costantemente con un chatbot può portare a un isolamento progressivo dalle relazioni reali, facendo perdere di vista le emozioni e le esperienze che solo una persona in carne e ossa può offrire. Inoltre, c’è il pericolo di manipolazione. Le aziende potrebbero sfruttare questi legami per influenzare le decisioni di acquisto o per raccogliere dati, giocando sulle emozioni di chi si affida alla tecnologia per colmare un vuoto affettivo. Non meno rilevante è la difficoltà nel distinguere tra realtà e virtuale. Confondere un legame digitale con un rapporto autentico può distorcere la percezione delle relazioni interpersonali e rendere difficile interagire con altre persone nella vita quotidiana.

A tutto ciò si aggiunge una vulnerabilità psicologica: la mancanza di feedback negativi, che è tipica delle interazioni con un’intelligenza artificiale, può rendere gli utenti più fragili, abbassando le difese e aumentando la predisposizione a essere manipolati. Si tratta di un fenomeno che pone domande cruciali sul nostro futuro. Come dovremmo regolamentare le relazioni tra esseri umani e macchine? Quali misure adottare per proteggere chi potrebbe essere facilmente influenzato da un’intelligenza artificiale? E quali saranno le ripercussioni sociali ed etiche nel lungo periodo?

In un’epoca dove le intelligenze artificiali sono sempre più presenti nelle nostre vite, l’amore tra un umano e un’IA è ancora un tema controverso e complesso. Qual è la tua opinione su questa relazione tra uomo e macchina? Condividi i tuoi pensieri nei commenti!

KCulture, Oriente

Nunchi: l’arte coreana di leggere nell’anima

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Hai mai sentito parlare di nunchi? Questo antico concetto coreano, traducibile come “forza/potere visivo”, indica la capacità di intuire i pensieri e le emozioni degli altri attraverso l’osservazione attenta. Un po’ come avere un sesto senso per le relazioni umane, insomma.

Un’arte millenaria

Nato circa 5.000 anni fa, il nunchi è profondamente radicato nella cultura coreana. In una società che valorizza l’armonia e la collettività, saper leggere tra le righe è fondamentale per evitare conflitti e costruire relazioni solide. Chi è dotato di nunchi è in grado di cogliere sfumature, gesti impercettibili e microespressioni, svelando così le vere intenzioni delle persone.

Come si coltiva il nunchi?

Il nunchi non è un dono innato, ma un’abilità che si affina con la pratica. Osservare attentamente le persone, i loro comportamenti, il loro linguaggio del corpo e il contesto in cui si trovano è il primo passo per sviluppare questa capacità. La meditazione, inoltre, può essere un valido alleato, aiutando a focalizzare l’attenzione e a calmare la mente.

I rischi dell’eccessivo nunchi

Se da un lato il nunchi può essere uno strumento prezioso per costruire relazioni autentiche, dall’altro può trasformarsi in una trappola. In contesti sociali gerarchici, come molte aziende, il nunchi può essere utilizzato per manipolare gli altri o per adattarsi eccessivamente alle aspettative altrui. È importante mantenere un equilibrio e non permettere che l’osservazione degli altri ci porti a perdere di vista la nostra autenticità.

Il nunchi e la sensibilità

Negli ultimi anni, il tema della sensibilità è diventato sempre più centrale nel dibattito pubblico. Molte persone, infatti, si identificano come “highly sensitive people”, ovvero persone altamente sensibili, che percepiscono gli stimoli esterni in modo più intenso e profondo. Il nunchi, in questo senso, può essere un alleato prezioso per chi desidera comprendere meglio le proprie emozioni e quelle degli altri.

I benefici del nunchi

  • Relazioni più profonde: Il nunchi ci permette di instaurare connessioni autentiche con le persone che ci circondano, basate sulla comprensione reciproca e sull’empatia.
  • Maggiore consapevolezza di sé: Osservando gli altri, impariamo a conoscere meglio noi stessi e a comprendere le nostre reazioni emotive.
  • Migliore comunicazione: Grazie al nunchi, possiamo comunicare in modo più efficace, adattando il nostro messaggio al nostro interlocutore.
  • Maggiore benessere: Coltivare il nunchi può contribuire a ridurre lo stress e aumentare il senso di benessere.

In conclusione, il nunchi è un’arte antica e affascinante che può arricchire la nostra vita in molti modi. Imparare a leggere tra le righe e a comprendere le emozioni degli altri ci permette di costruire relazioni più solide e significative.

AULAMANGA, Books + Comics

Sayonara Daisy: l’antologia emozionante di Jun Mayuzuki arriva in Italia

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Jun Mayuzuki è una delle autrici più talentuose e apprezzate nel panorama del manga contemporaneo, capace di dipingere ritratti femminili autentici e complessi che hanno conquistato il cuore di milioni di lettori. Con la sua capacità unica di esplorare la psiche umana, l’autrice riesce a dare vita a personaggi sfaccettati e indimenticabili. In “Sayonara Daisy”, una raccolta di storie brevi, Mayuzuki ci offre uno spaccato della sua evoluzione artistica, permettendoci di esplorare le diverse dimensioni della psicologia femminile e di capire meglio le sfumature che caratterizzano le sue protagoniste.

Il titolo della raccolta prende spunto dalla sua opera di debutto, Sayonara Daisy, che segna l’inizio del suo percorso artistico. La selezione di racconti che compone questa antologia, scritta tra il 2007 e il 2017, esplora una varietà di storie che spaziano dalle complicate storie d’amore a incontri travolgenti e inaspettati. Tra protagoniste indimenticabili, ogni storia è una riflessione sulla natura delle relazioni e su come esse possano trasformare la vita delle persone.

Uno degli aspetti che emerge con forza nei lavori di Jun Mayuzuki è la sua capacità di creare donne imperfette, straordinariamente umane. Le protagoniste di “Sayonara Daisy” non sono eroine senza macchia, ma donne che lottano con le proprie insicurezze, i propri desideri contrastanti e le proprie paure. Questo approccio realistico e umano è uno degli elementi che conferisce alle sue storie una profondità unica. Daisy, ad esempio, è una giovane strega che, alle prese con il mondo adulto, deve fare i conti con le difficoltà e le incertezze tipiche di chi sta cercando di definirsi nel mondo. D’altro canto, Emily rappresenta una ragazza che lotta per accettare la propria identità di genere, una tematica delicata che Mayuzuki affronta con grande sensibilità. In entrambe le storie, l’autrice dipinge personaggi alle prese con la crescita, la scoperta di sé e la ricerca di un equilibrio, tracciando con delicatezza il percorso di donne che non si adattano ai clichè, ma che, piuttosto, sono vere e proprie protagoniste della propria vita.

Confrontando “Sayonara Daisy” con “Come dopo la pioggia”, un altro dei lavori più apprezzati di Mayuzuki, si può osservare una certa evoluzione nel tratteggiare i suoi personaggi. Se in “Come dopo la pioggia” i protagonisti sono spesso più introspettivi e riflessivi, in “Sayonara Daisy” l’autrice sembra spingersi verso una maggiore varietà di personalità, più vivaci e ironiche, ma comunque ricche di sfumature emotive. Tuttavia, entrambe le opere condividono la stessa capacità di esplorare le relazioni interpersonali con una profondità rara. In entrambe, l’autrice non si limita a raccontare storie di incontri e relazioni superficiali, ma si addentra nei sentimenti più intimi dei personaggi, esplorando come le loro esperienze influenzino e modellino le loro connessioni emotive.

Un altro aspetto distintivo dei personaggi di Jun Mayuzuki è la loro “normalità”. Le sue protagoniste non sono figure mitologiche o eroine straordinarie, ma donne comuni, che affrontano i problemi quotidiani e si confrontano con le difficoltà della vita in modo realistico. Nonostante la loro normalità, tuttavia, queste donne sono capaci di emozioni forti, di scelte coraggiose e di una lotta interiore che le rende straordinarie agli occhi del lettore. La normalità diventa così uno strumento narrativo potente, che consente ai lettori di immedesimarsi facilmente nei personaggi, vivendo le loro storie come se fossero proprie. La rappresentazione di donne che affrontano le sfide quotidiane rende “Sayonara Daisy” un’opera in cui il lettore può riconoscersi, provando una connessione emotiva immediata con le protagoniste.

“Sayonara Daisy” rappresenta, inoltre, un punto di svolta nell’evoluzione stilistica di Mayuzuki. In questa raccolta, l’autrice si cimenta con diversi generi e temi, mostrando una grande versatilità narrativa. Pur sperimentando, è facile riconoscere alcuni tratti distintivi che caratterizzeranno le sue opere successive, come l’attenzione ai dettagli, la cura maniacale delle espressioni facciali e la capacità di creare atmosfere suggestive e coinvolgenti. Ogni pagina di “Sayonara Daisy” è intrisa di emozione, ed è proprio grazie a questi dettagli che i personaggi diventano così vivi e concreti, come se potessero uscire dalle pagine del manga e camminare accanto al lettore.

Jun Mayuzuki, vincitrice del prestigioso Shogakukan Manga Award, si conferma una delle autrici più talentuose del panorama manga contemporaneo. La sua capacità di raccontare la complessità dei sentimenti, rendendo ogni personaggio vivo e tangibile, è una delle ragioni per cui i suoi lavori sono così amati. Con Sayonara Daisy, il lettore ha la possibilità di entrare nell’universo emotivo dell’autrice, dove ogni storia ha il potere di toccare corde intime e universali.

Se siete alla ricerca di un manga che esplora le sfumature più profonde dell’animo umano con delicatezza e forza, Sayonara Daisy è un must da non lasciarsi sfuggire. Jun Mayuzuki ancora una volta ci regala un’opera che saprà emozionare e coinvolgere, regalando un’esperienza di lettura che rimarrà con voi a lungo.

Approfondimenti

Boysober: la rivoluzione relazionale della Gen Z

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In un’epoca dominata dalle app di appuntamenti e dalla facilità di connessione, nasce una nuova tendenza che sfida i paradigmi tradizionali delle relazioni amorose: il “boysober”. Coniato dalla comica di Brooklyn Hope Woodard, questo approccio rivoluzionario invita a ripensare radicalmente il proprio modo di relazionarsi con gli altri, ponendo al centro la crescita personale e il benessere emotivo.

Cosa significa essere “boysober”?

Boysober non significa semplicemente rinunciare alle relazioni amorose o sessuali, ma piuttosto abbandonare le abitudini di appuntamenti tossici che spesso portano a cicli ripetitivi di delusioni e frustrazioni. Si tratta di una scelta consapevole di riprendere il controllo della propria vita sentimentale, focalizzandosi sulla crescita personale e sulla scoperta di sé, senza le distrazioni e le complicazioni che spesso accompagnano le relazioni moderne.

Perché scegliere il boysober?

Secondo Woodard, il celibato non deve essere visto come una privazione, ma come un’opportunità per ricongiungersi con se stessi, riscoprire la propria indipendenza emotiva e liberarsi dai modelli relazionali negativi. Essere boysober non significa sentirsi soli, ma piuttosto riconnettersi con il proprio valore intrinseco e costruire una vita autentica e appagante, al di fuori delle pressioni sociali e delle aspettative legate alle relazioni tradizionali.

Quali sono i vantaggi di una vita boysober?

Adottare la tendenza boysober può portare a benefici inaspettati in diversi ambiti della propria vita:

  • Maggiore chiarezza emotiva e pace interiore nelle relazioni
  • Tempo e energia dedicati alla crescita personale e al raggiungimento degli obiettivi
  • Riduzione dello stress e dell’ansia associati agli appuntamenti e alle relazioni complicate
  • Sviluppo di una maggiore sicurezza in sé stessi e di un’autostima più forte
  • Scoperta di nuove passioni e interessi che arricchiscono la propria vita

Regole per una vita boysober nel 2024

Se siete pronti a intraprendere il viaggio verso il boysober, ecco alcuni consigli pratici da seguire:

1. Eliminate le app di appuntamenti: Il primo passo è disinstallare tutte le app di appuntamenti come Bumble, Hinge e Tinder. Queste piattaforme, pur offrendo un modo semplice per conoscere nuove persone, spesso alimentano comportamenti dipendenti e ostacolano la connessione autentica con se stessi.

2. Organizzate appuntamenti con voi stessi: Invece di cercare la compagnia di altri, dedicate del tempo a coltivare un rapporto profondo con voi stessi. Concedetevi appuntamenti da soli per esplorare nuove attività, provare nuovi hobby e approfondire la conoscenza di voi stessi.

3. Resistete al richiamo dell’ex: Evitate di ricadere in relazioni passate che vi hanno causato dolore o sofferenza. Riconoscete che andare avanti è essenziale per crescere e scoprire nuove dimensioni di voi stessi.

4. Evitate situazioni ambigue: Le relazioni non definite possono generare confusione e malintesi. Stabilite confini chiari in tutte le vostre relazioni per evitare inutili complicazioni emotive.

5. Esplorate l’intimità non fisica: Il boysober non significa rinunciare all’intimità, ma piuttosto ridefinirla. Concentratevi su connessioni più profonde e significative che non si basano esclusivamente sul contatto fisico.

Il boysober non è una rinuncia alla vita sociale o amorosa, ma un invito a riconsiderare le proprie priorità e a valorizzare la crescita personale e l’autenticità nelle relazioni. Questo stile di vita promette di liberarci dall’ansia e dalla preoccupazione che spesso accompagnano gli appuntamenti moderni, offrendo invece un percorso verso una maggiore autoconsapevolezza, soddisfazione personale e realizzazione emotiva.

Siete pronti a ridefinire il vostro approccio alle relazioni e ad abbracciare la rivoluzione del boysober?

Cinema & Tv

The Four Seasons: Tina Fey e un cast stellare in una nuova commedia nostalgica su Netflix

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Netflix sta preparando una nuova miniserie che promette di conquistare il cuore degli appassionati di commedie, degli amanti del cinema anni ’80 e dei fan delle produzioni di alta qualità. The Four Seasons, in arrivo sulla piattaforma streaming, è un adattamento dell’omonimo film del 1981, scritto, diretto e interpretato da Alan Alda. La serie, composta da otto episodi, vedrà Tina Fey come protagonista indiscussa, non solo come attrice, ma anche come co-creatrice e produttrice esecutiva. Insieme a lei, ci saranno Lang Fisher e Tracey Wigfield, due collaboratori storici di Fey, con cui aveva già lavorato in 30 Rock.

La trama di questa nuova versione di The Four Seasons trae ispirazione dal film originale, che racconta le vicende di tre coppie di amici che trascorrono insieme le vacanze in tutte le stagioni dell’anno. Ma come spesso accade nelle storie più coinvolgenti, la dinamica del gruppo si complica quando una delle coppie si separa, creando situazioni imbarazzanti. La tensione aumenta quando uno dei membri della coppia porta con sé una fidanzata molto più giovane, destabilizzando gli equilibri e le interazioni all’interno del gruppo. La serie si preannuncia come una miscela di commedia e riflessione sui cambiamenti nelle relazioni interpersonali, il tutto con il tocco inconfondibile di Tina Fey.

Il cast di The Four Seasons non è da meno e include alcune delle stelle più amate di Hollywood. Oltre a Tina Fey, Steve Carell, il celebre protagonista di The Office, si unisce alla serie nell’aprile del 2024. Non solo, il cast si arricchisce ulteriormente con l’arrivo di Colman Domingo, l’acclamato attore vincitore dell’Emmy per Euphoria e candidato all’Oscar per Rustin, che aggiunge un valore straordinario al progetto. Insieme a loro ci saranno Erika Henningsen, Kerri Kenney-Silver, Will Forte e Marco Calvani, tutti pronti a portare in vita i nuovi personaggi di questa versione aggiornata di The Four Seasons.

La produzione, che avrà luogo nella seconda metà del 2024, si svolgerà nella vibrante New York, conferendo un ulteriore strato di fascino alla storia. Questo adattamento arriva dopo una vera e propria “gara di offerte” per i diritti della serie, con Netflix che si è aggiudicata la produzione, conquistando i diritti di una delle proposte più attese degli ultimi anni. In un periodo di grande fermento per il mercato televisivo, segnato dalla fine degli scioperi di autori e attori, la serie rappresenta una delle grandi scommesse di Netflix per i prossimi mesi.

Non è la prima volta che The Four Seasons viene adattato per il piccolo schermo. Nel 1984, una serie TV con lo stesso titolo andò in onda su CBS, ma non raggiunse lo stesso livello di successo del film. Questo secondo adattamento, però, ha tutte le carte in regola per portare una ventata di freschezza e una prospettiva moderna su una storia che, nonostante risalga a più di 40 anni fa, continua a essere rilevante grazie alla sua tematica universale: le complesse dinamiche delle relazioni amicali e romantiche.

La produzione di The Four Seasons è affidata alla compagnia Little Stranger, fondata da Tina Fey, e alla Universal TV. Il successo di 30 Rock e Unbreakable Kimmy Schmidt ha già creato un grande interesse attorno a questo nuovo progetto. Il team di produzione comprende anche nomi noti come David Miner, Eric Gurian e Jeff Richmond, che hanno contribuito a dare vita a due dei progetti più celebri di Fey, e Marissa Bregman, figlia del produttore del film originale, Martin Bregman. Inoltre, Alan Alda, che ha scritto, diretto e interpretato il film del 1981, ricoprirà anche un ruolo da produttore esecutivo, garantendo un legame diretto con il materiale originale.

Anche se i dettagli precisi sulla trama della serie sono ancora un po’ vaghi, è evidente che The Four Seasons di Netflix si preannuncia come una riflessione ironica e intelligente sulle sfide e le trasformazioni che accompagnano le relazioni interpersonali. Il tutto, ovviamente, con l’inconfondibile stile comico di Tina Fey. Con un cast stellare, un team creativo affiatato e una trama che promette di divertire e far riflettere, questa serie sembra destinata a diventare uno dei grandi successi del panorama televisivo.

In attesa della sua uscita, prevista per i prossimi mesi, The Four Seasons è una delle serie più attese di Netflix. Con il suo mix di commedia intelligente e dinamiche interpersonali complesse, è pronta a conquistare un pubblico ampio e variegato, mescolando il meglio del cinema e della TV con il tocco unico di Tina Fey e dei suoi collaboratori.