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Il ritorno del mito: il Piaggio Ciao rinasce come e-bike e conquista il futuro

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Certe leggende non muoiono mai. A volte si assopiscono, restano nei ricordi, nelle fotografie ingiallite, nei garage polverosi e nei racconti nostalgici di chi ha vissuto anni di libertà e avventura. Ma poi, in un impeto di passione e ingegno, risorgono. È proprio questo il caso del mitico Piaggio Ciao, il ciclomotore che ha segnato un’epoca e che ora torna a far battere i cuori grazie a un’idea visionaria firmata Ambra Italia. Non stiamo parlando di una semplice operazione nostalgia, ma di un vero e proprio atto d’amore verso un’icona italiana, reinterpretata in chiave green e moderna, pronta a solcare di nuovo le strade — questa volta senza rumore, senza fumo, ma con la stessa, inconfondibile anima di sempre.

Per chi è cresciuto tra gli anni ’70 e ’90, il Ciao era molto più di un mezzo di trasporto: era un passaporto per la libertà, un simbolo di indipendenza, un compagno di avventure. Agile, leggero, facile da guidare, capace di accompagnarti ovunque con un pieno da pochi spiccioli. Con il suo motore a 2 tempi da 49,77 cm³, la trasmissione automatica a cinghia e l’avviamento a pedali, incarnava la praticità assoluta e un certo spirito bohémien. Nessuna patente, nessun vincolo, solo tu, la strada e il vento tra i capelli.

Negli anni, il Ciao ha attraversato spot pubblicitari indimenticabili, apparizioni cinematografiche e canzoni popolari. È stato l’antitesi dell’auto familiare, la risposta giovane e ribelle al conformismo su quattro ruote. Ricordi quelle pubblicità in cui le auto venivano ironicamente chiamate “sardomobili”? In quel mondo grigio e compresso, il Ciao era il raggio di sole che faceva sognare la fuga, l’avventura, la città vissuta senza filtri.

Ed eccolo di nuovo, il nostro piccolo eroe su due ruote, pronto a scrivere un nuovo capitolo della sua storia. Stavolta con un cuore elettrico, alimentato non più dalla miscela, ma da una batteria agli ioni di litio, con un motore da 250W che rispetta tutte le normative sulle e-bike. La nuova incarnazione del Ciao arriva fino a 25 km/h, può circolare senza casco, senza assicurazione e, soprattutto, senza patente. Un sogno? No, una splendida realtà nata da un’idea tutta italiana, firmata da Ambra Italia, azienda toscana che ha deciso di riportare in vita il mito nel rispetto dell’ambiente e delle regole del presente.

Ma non aspettatevi una banale e-bike dal look vintage: qui si parla di autenticità. Il telaio originale è stato mantenuto, rinforzato dove necessario, e la silhouette del Ciao è rimasta intatta, con le sue linee sobrie e riconoscibili che fanno battere il cuore a chiunque abbia passato almeno un’estate in sella. La verniciatura è quella di sempre, i dettagli curati con amore maniacale. Solo il motore, silenzioso e nascosto nella parte posteriore, tradisce il salto tecnologico.

Il progetto offre più strade per tornare in sella. Se hai ancora un vecchio Ciao abbandonato in garage, puoi affidarlo ad Ambra Italia, che provvederà al restauro completo e alla conversione elettrica. Se invece non ne possiedi più uno, nessun problema: l’azienda può fornirti un modello restaurato e pronto alla trasformazione. In alternativa, per i più smanettoni o per chi vuole coinvolgere un meccanico di fiducia, è disponibile anche un kit di conversione fai-da-te. I prezzi? Si parte da 2.490 euro per il kit base, ma per chi preferisce la formula “pensano a tutto loro”, con montaggio incluso, si sale a 3.050 euro. Il restauro completo ha invece un costo variabile, in base alle condizioni del veicolo originale.

Certo, non si tratta di un giocattolo da ordinare su Amazon e ricevere il giorno dopo. Ogni Ciao è un pezzo unico, realizzato su richiesta, lavorato con la cura e la lentezza di chi sa che certe cose non si improvvisano. E forse è proprio questo il segreto del suo fascino: sapere che dietro ogni modello c’è una storia, un pezzo d’Italia, un artigianato che resiste e si rinnova.

Il nuovo Ciao elettrico è molto più di un mezzo di trasporto. È un ponte tra generazioni, un modo per riscoprire le città con occhi nuovi e con la leggerezza di un tempo che sembrava perduto. È anche una risposta concreta alla crescente domanda di mobilità sostenibile, capace di unire stile, praticità e rispetto per l’ambiente.

In un mondo dove spesso si corre troppo e si dimentica il valore delle piccole cose, il ritorno del Ciao ci ricorda che anche la semplicità può essere rivoluzionaria. E che certi amori, anche se sembrano finiti, possono tornare a brillare più forti che mai.

E tu? Hai mai avuto un Piaggio Ciao? Ti piacerebbe risalire in sella, stavolta in versione elettrica? Raccontaci la tua storia, i tuoi ricordi, le tue emozioni. Condividi l’articolo sui tuoi social e fai sapere ai tuoi amici che il mito è tornato. Perché certi sogni non si dimenticano mai. E adesso, finalmente, si possono rivivere.

Cinema & Tv

Netflix riporta in vita La Casa nella Prateria: un grande classico torna in scena

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Nel mondo della televisione, il concetto di “reboot” è ormai all’ordine del giorno. Negli ultimi anni, numerosi classici sono stati rielaborati per adattarsi ai gusti e alle esigenze di un pubblico più giovane, pur cercando di mantenere intatta l’essenza che li ha resi iconici. L’ultimo grande nome a unirsi a questa schiera è “La Casa nella Prateria” (Little House on the Prairie), che Netflix ha deciso di riportare in vita con un ambizioso progetto che promette di incantare sia chi ha vissuto l’epoca d’oro della serie originale, sia le nuove generazioni di spettatori. Ma come riuscirà la piattaforma a mantenere l’incanto di un’opera che ha segnato profondamente la cultura popolare degli anni ‘70 e ‘80, pur facendo i conti con il cambiamento dei tempi?

La Magia dell’Originale: Una Serie che ha Fatto Storia

Per chi ha avuto la fortuna di vivere l’epoca della sua trasmissione, “La Casa nella Prateria” è una serie che rimarrà per sempre nel cuore. Andata in onda dal 1974 al 1983, la serie era basata sui romanzi autobiografici di Laura Ingalls Wilder e raccontava le avventure della famiglia Ingalls nel selvaggio West del XIX secolo. Un racconto semplice, ma ricco di temi universali come l’adozione, la povertà, la lotta contro il razzismo, e le sfide quotidiane della vita rurale. Con Michael Landon nei panni di Charles Ingalls e Melissa Gilbert in quelli di Laura, la serie riusciva a toccare corde emotive profonde, rivelandosi un punto di riferimento per milioni di spettatori.

Quella serie non era solo una rappresentazione della vita nel Vecchio West, ma un inno alla famiglia, alla resilienza e all’amore incondizionato, valori che, ancora oggi, risuonano forte in molti cuori. Con temi toccanti e personaggi ben costruiti, “La Casa nella Prateria” è diventata più di una semplice serie televisiva: è un pezzo di storia della TV, che ha segnato un’intera generazione.

Netflix e la Sfida di un Nuovo Inizio

Ora, con l’arrivo del reboot, Netflix si trova davanti a una sfida enorme. Come riprendere una serie così amata e mantenere intatta la magia che l’ha resa leggendaria, senza cadere nell’errore di cercare di ripetere pedissequamente la formula originale? Secondo Rebecca Sonnenshine, la showrunner a capo del progetto, il nuovo adattamento non sarà solo un’operazione nostalgia. “Onorata e felice di rivisitare queste storie iconiche,” ha dichiarato, sottolineando che l’obiettivo non è solo riproporre quanto già visto, ma rinnovare la serie con una narrazione fresca, che parli anche alle nuove generazioni. Con alle spalle esperienze di successo in progetti come The Boys e The Vampire Diaries, Sonnenshine sembra avere tutte le carte in regola per lanciarsi in questo ambizioso progetto.

Il reboot non si limiterà a essere un dramma familiare, ma avrà anche una forte componente survival, esplorando in profondità le radici dell’America moderna e la lotta per la sopravvivenza nel selvaggio West. Il mix di dramma e tematiche moderne, come la lotta per l’indipendenza e l’affermazione di sé, promette di dare nuova linfa a una storia che ha saputo conquistare milioni di cuori nel corso degli anni.

La Protagonista: Alice Halsey nei Panni di Laura Ingalls

Uno degli aspetti più attesi di questo reboot è sicuramente il casting. La scelta di Alice Halsey per interpretare la giovane Laura Ingalls è una mossa interessante. Laura, da sempre simbolo di determinazione e curiosità, è un personaggio che ha affascinato intere generazioni. Nel reboot, Laura sarà presentata come una “disruptor”, una figura ribelle e indipendente che non teme di mettere in discussione l’autorità e le convenzioni sociali. Una personalità forte, che si distingue per la sua voglia di vivere in modo autentico, che si rifiuta di conformarsi ai rigidi canoni dell’epoca. La Laura di Halsey sarà un mix di sensibilità e tenacia, un personaggio che incarna l’indipendenza di pensiero, ma anche la forza d’animo necessaria per affrontare le dure sfide della vita.

Sarà interessante vedere come la serie esplorerà la sua crescita, tra difficoltà e momenti di gioia, e come la giovane Laura affronterà la sua lotta per diventare un’icona della frontiera americana. Nonostante le sfide, la sua storia sarà, come sempre, una storia di speranza, resilienza e di un’umanità che riesce a brillare anche nei momenti più oscuri.

Un Legame con il Passato: La Produzione

Un altro aspetto che potrebbe garantire continuità al progetto è il legame con il passato. Tra i produttori troviamo Joy Gorman Wettels e Trip Friendly, quest’ultimo nipote di Ed Friendly, il produttore della serie originale. Questa connessione con l’eredità della serie potrebbe essere la chiave per mantenere intatta l’emotività e la profondità che caratterizzavano la versione anni ’70, mentre, al contempo, si cerca di rinnovare la formula per un pubblico contemporaneo. È un equilibrio delicato, che potrebbe risultare vincente se affrontato con la giusta dose di rispetto per il materiale di partenza e un’apertura mentale verso nuove direzioni narrative.

L’Eredità senza Tempo di Laura Ingalls Wilder

Le storie di Laura Ingalls Wilder hanno venduto oltre settanta milioni di copie in tutto il mondo e sono state tradotte in più di 27 lingue. Il successo dei suoi romanzi è la prova tangibile di quanto queste storie siano universali e senza tempo. La nuova serie di Netflix ha quindi una grande responsabilità: quella di raccontare queste storie non solo a chi ha vissuto la serie originale, ma anche a un pubblico giovane che potrebbe non essere familiare con l’opera.

Il reboot, quindi, non è solo un’operazione nostalgica, ma una nuova occasione per esplorare i temi di Wilder attraverso una lente moderna, facendo emergere questioni contemporanee legate alla famiglia, alla società e alla lotta per la sopravvivenza. In un mondo sempre più connesso e tecnologico, la possibilità di tornare alle radici, di vivere a stretto contatto con la natura e di sfidare le difficoltà quotidiane sembra un concetto che risuona ancora oggi, anche in un’epoca di “genitori elicottero” e di incertezze.

Cosa Aspettarsi da Questo Reboot

In attesa del lancio, il reboot di “La Casa nella Prateria” si preannuncia come un evento televisivo da non perdere. Riuscirà Netflix a mantenere la magia dell’originale, pur rinnovandola con una sensibilità moderna? Sarà interessante vedere come la serie saprà trattare temi universali, ma anche come riuscirà a esplorare la storia dell’America con una prospettiva diversa, più critica e più vicina alla realtà del nostro tempo.

In definitiva, questo progetto rappresenta una sfida affascinante e una grande opportunità per raccontare ancora una volta la storia di Laura Ingalls e della sua famiglia, un racconto che ha segnato la cultura popolare di un’intera generazione e che, con il giusto approccio, potrebbe conquistare anche quelle future. Con un mix di dramma familiare, storia di sopravvivenza e un tocco di modernità, il reboot di “La Casa nella Prateria” promette di essere una delle prossime grandi produzioni Netflix da tenere d’occhio.

Storia & Misteri

Morto un Papa se ne fa un altro: un proverbio tra storia, potere e saggezza popolare

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“Morto un Papa se ne fa un altro”. Chi non ha mai sentito pronunciare questa frase, magari per ridimensionare un addio, una rottura o la fine di un ciclo lavorativo? Dietro il tono sbrigativo di questo modo di dire italiano si cela una riflessione più profonda sul ricambio naturale delle figure di potere e sull’inesorabile scorrere del tempo. Nessuno è davvero insostituibile, neppure quando ricopre un ruolo di assoluta centralità come il Papa nella Chiesa Cattolica.

Il proverbio affonda le sue radici proprio nella prassi vaticana: alla morte del Pontefice, i cardinali si riuniscono in Conclave per eleggere il suo successore. Non si lascia spazio al vuoto. La Chiesa, istituzione millenaria, ha imparato da secoli che il segreto della sopravvivenza è nella continuità. È un modo elegante – e anche un po’ cinico – per ricordarci che la storia non si ferma davanti a nessuno, per quanto illustre possa essere.

Curiosamente, il proverbio italiano trova un gemello in terra francese: “Le roi est mort, vive le roi!”, ovvero “Il re è morto, viva il re!”. Apparentemente paradossale, la frase fu pronunciata per la prima volta nel 1422 alla morte del re di Francia Carlo VI, quando il figlio Carlo VII fu subito proclamato sovrano. Il messaggio era chiaro: il potere non conosce interruzioni, e il passaggio di testimone avviene senza che la monarchia vacilli.

Questa formula solenne – in latino potremmo dire mortuus rex, vivat rex! – divenne poi una tradizione. In Inghilterra, ad esempio, fu adottata nel 1272, quando Enrico III morì mentre suo figlio Edoardo era impegnato nelle Crociate. Per evitare il rischio di un vuoto di potere e quindi di guerre di successione, fu subito proclamato re Edoardo I. La frase “The King is dead, long live the King!” segnava così non solo un lutto, ma anche una rinascita del potere nella figura del successore.

La formula ha attraversato i secoli, adattandosi anche al genere del sovrano. Nel 1952, alla morte di re Giorgio VI, il Regno Unito accolse la nuova regina con “The King is dead, long live the Queen!”. Lo stesso accadde nel 2022, quando la scomparsa della regina Elisabetta II aprì il regno al figlio Carlo III.

Questa espressione cerimoniale ha varcato i confini d’Europa. In Danimarca, il primo ministro proclama pubblicamente “Kongen leve, kongen er død” (“Viva il re, il re è morto”), affacciandosi dal balcone del parlamento. In Thailandia, nel 2016, la morte del venerato re Bhumibol Adulyadej, noto come Rama IX, fu annunciata con una formula simile: “Lunga vita a Sua Maestà il nuovo Re”.

Eppure, nel proverbio italiano, il Papa sostituisce il Re. Non si tratta solo di una variante religiosa del concetto, ma di un adattamento culturale. L’Italia, pur non avendo avuto una monarchia paragonabile a quella francese o britannica, ha sempre avuto Roma come cuore spirituale e simbolico del potere. E così, nel linguaggio popolare, la morte del Papa diventa emblema della caducità del potere individuale e della tenacia delle istituzioni.

Giovanni Verga, nel suo Vita dei campi, contribuì a diffondere questo proverbio nel contesto letterario, rafforzandone la presenza nel nostro immaginario collettivo. Ma oggi l’espressione ha travalicato il contesto ecclesiastico o politico. Viene usata per raccontare la fine di una storia d’amore, il cambio di un dirigente, persino per ironizzare sul turnover degli idoli del web.

In fondo, “morto un Papa se ne fa un altro” è molto più di un modo di dire: è una filosofia di resilienza, un invito a non aggrapparsi troppo a ciò che passa e a riconoscere che il cambiamento – per quanto doloroso – è parte naturale della vita. E che, appunto, la Storia non aspetta nessuno.

Cinema & Tv

Ragazze a Beverly Hills: Una Nuova Vita per l’Iconica Cher Horowitz

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È incredibile come, a trent’anni di distanza dal suo debutto, Ragazze a Beverly Hills (Clueless), il film cult del 1995 diretto da Amy Heckerling, continui a essere un faro luminoso nella cultura pop degli anni ’90. Un classico senza tempo che ha segnato l’adolescenza di intere generazioni, Clueless ha non solo reinventato la commedia teen, ma ha anche lanciato un intero vocabolario di slang giovanile, uno stile inconfondibile e, naturalmente, un’icona della moda per ragazze di ogni età: Cher Horowitz. Il film, liberamente ispirato al romanzo Emma di Jane Austen, ha reso famosi i volti di Alicia Silverstone, Stacey Dash, Donald Faison e Brittany Murphy, mentre il suo spirito spensierato e l’intelligente critica sociale non sono mai passati di moda.

Ma cosa è successo a Cher e ai suoi amici di Beverly Hills dal 1995? La risposta arriva in un annuncio che ha fatto impazzire i fan: una nuova serie di Clueless è in fase di sviluppo per Peacock, con il ritorno trionfale di Alicia Silverstone nei panni della protagonista. E, sebbene i dettagli sulla trama siano ancora avvolti nel mistero, la prospettiva di rivivere le disavventure di Cher e dei suoi compagni è un sogno che si fa realtà.

Un’Icona per Tutti i Tempi

Iniziamo con l’intramontabile fascino del personaggio di Cher, che ha rappresentato l’apice dell’adolescente privilegiata e un po’ superficiale, ma allo stesso tempo genuina e con un cuore d’oro. In un’epoca in cui i film adolescenziali sembravano un po’ stagnare dopo il periodo d’oro di John Hughes, Clueless ha dato nuova linfa vitale al genere. Non solo un film divertente, ma anche un’accurata riflessione sul materialismo, sull’identità e sulle dinamiche di potere tra giovani, il tutto condito con una risata e un outfit perfetto. La moda giocava un ruolo fondamentale, diventando a sua volta un personaggio che faceva da specchio alla protagonista: i completi tartan, i top a maniche corte e i tacchi, tutto contribuiva a creare un’epoca visiva che è rimasta nell’immaginario collettivo.

Non sorprende che Clueless abbia lasciato un’impronta indelebile nella cultura popolare. Così tanto che, nel 2015, la rivista Entertainment Weekly lo ha inserito tra i migliori 50 film ambientati in un liceo, al settimo posto. Eppure, ciò che rende Clueless davvero speciale non è solo il suo umorismo, ma l’incredibile capacità di Amy Heckerling di mescolare il moderno con l’antico, adattando un romanzo del 1815 alla vita spensierata e materialista di Beverly Hills.

Un Ritorno tra Vecchi e Nuovi Volti

A questo punto, però, ci siamo chiesti: cosa accadrà a Cher e ai suoi amici nella nuova serie? Quali volti vedremo di nuovo sul piccolo schermo? Alicia Silverstone, che ha reso celebre il personaggio di Cher, tornerà sicuramente per raccogliere la sfida di interpretare la sua famosa teenager, ma con il passare degli anni. Potremmo trovarla nei panni di una madre che, ironia della sorte, ha una figlia altrettanto “clueless” (sarebbe il colmo, vero?). Per quanto riguarda gli altri membri del cast, ci auguriamo un ritorno di Donald Faison, il leggendario Murray, e magari qualche cameo di personaggi che hanno arricchito la storia del film. Tuttavia, la tragica scomparsa di Brittany Murphy, che interpretava la dolce e un po’ maldestra Ty, rende impossibile il ritorno di quel personaggio.

Nonostante l’assenza di alcuni volti storici, come Paul Rudd, che probabilmente ha troppe cose in agenda per riprendere il ruolo di Josh (il passo-fratello di Cher e suo potenziale interesse amoroso), la serie promette di essere una rivisitazione fresca e divertente del mondo di Beverly Hills, con una trama che, si vocifera, potrebbe vedere Cher come una madre indaffarata ma sempre alla moda.

Un Nuovo Inizio per Clueless

È curioso pensare che questa non sia nemmeno la prima serie tv ispirata al film. Già nel 1996, un anno dopo l’uscita del film, Clueless era diventato una serie televisiva, con Rachel Blanchard nel ruolo di Cher. Sebbene la serie sia durata solo tre stagioni, essa ha avuto il merito di cementare ulteriormente il posto del film nell’immaginario collettivo. E ora, con il nuovo progetto targato Peacock, la serie promette una nuova visione della storia, con elementi innovativi che potrebbero rispecchiare meglio la società moderna pur mantenendo intatto il suo spirito ironico.

Siamo pronti per tornare nella lussuosa realtà di Beverly Hills, dove l’adolescenza e l’alta società si incontrano in un mix irresistibile di risate, moda e reflexion. Come andrà a finire questa nuova avventura? Non vediamo l’ora di scoprirlo, ma nel frattempo, ci godiamo il ritorno di un’icona. Cher, stiamo arrivando!

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Grande successo per la due giorni di Epica Etica Estetica dell’Immaginario

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Si è conclusa con successo presso We GIL a Roma Epica Etica Estetica dell’Immaginario, la due giorni (12 e 13 Aprile 2025) atta ad analizzare come si sta evolvendo lo scenario artistico culturale italiano nel XXI secolo, organizzata con la partecipazione della Regione Lazio e la collaborazione di Plusnews.it.

A cura del critico e saggista cinematografico Pier Luigi Manieri, la rassegna ha debuttato con l’incisivo contributo di Emanuele Merlino e Carlo Prosperi, rispettivamente Capo Segreteria Tecnica del MIC e Capo Segreteria Presidenza della Commissione Cultura della Camera, i quali, dopo aver illustrato i risultati eccellenti delle due mostre evento dedicate a Tolkien e Futurismo, hanno ribadito la necessità di rilanciare e diffondere l’Immaginario della Nazione, con la sua funzione tanto di collante quanto di consapevolezza di sé. Entrambi si sono soffermati sugli obiettivi di rilancio della cultura pop e d’immaginario come motore anche attraverso la costituzione di spazi quali il Museo del Fumetto di Lucca, di prossima apertura, per volontà del Ministro della Cultura Alessandro Giuli. Hanno inoltre illustrato gli sforzi del governo a sostegno della creatività, sia sul fronte degli spettacoli dal vivo che per il cinema e l’industria del libro.

Fabrizio Zappi di Rai Cultura ha puntato l’attenzione su Etica ed Estetica, i due fari che hanno sempre guidato la sua opera come produttore e come Dirigente Rai; il dialogo è stato portato poi avanti dal Direttore Artistico Manieri, che ha ricordato l’impressionante numero di documentari (circa trecento) dedicati in larga misura a personaggi della cultura popolare italiana come Achille Togliani, Franco Battiato e Gabriella Ferri.

E si è trattato soltanto dei primi interessanti interventi, in quanto molte sono le personalità che hanno partecipato anche solo per assistere alla manifestazione: dal senatore Marco Scurria all’assessore regionale Fabrizio Ghera, passando per il deputato Gianni Sammarco, le attrici Elisabetta Rocchetti, Loredana Cannata, Denny Mendez e Maria Luce Pittalis, gli attori Corrado Solari, Roberto Manieri e Fabrizio Sabbatucci, i produttori Gianluca Curti, Simonetta Amenta, Roberto Cipullo, Claudio Corbucci, Laura Beretta, Mario Rossini, Filippo Montalto, Giovanni Amico, Andrea De Liberato, Stefano Agostini, Alberto Rizzo e Salvatore Scarico, il modello Federico Simoncini, gli avvocati Cristina Massaro e Pasquale Gallo, le registe Eleonora Puglia, Emanuela Rossi, Chiara Rapisarda, Ludovica Lirosi e Lucilla Colonna, i registi Pierfrancesco Campanella, Alessio Di Cosimo, Alessio Pascucci, Roberto Palma, Tommaso Barba, Claudio Agostini, Maurizio Maria Merli, Adelmo Togliani, Claudio Alfonsi e Roberto Di Vito, i musicisti Giacomo Rendine e Andrea Montepaone, Manuela Maccaroni, CDA della Festa del Cinema, Davide Aragona di Rai Cultura, il giornalista Patrizio Li Donni, il fotografo Claudio Orlandi, l’ingegner Paolo Panfili, l’ufficio stampa Nicola Conticello e gli scrittori Arnaldo Colasanti ed Enrico Luceri.

La regista Eleonora Puglia ha osservato che l’“estetica” è una funzione a rigor di logica non negoziabile, eppure soppiantata dall’omologazione; mentre i professori Lino Damiani e Ivan Paduano hanno rimarcato la vicinanza estetica tra il Futurismo, la Metafisica e precise espressioni dell’immaginario quali i videogiochi, il fumetto e il cinema, analizzando come queste ultime siano state influenzate dalle due correnti e avanguardie artistiche e come la Pop Art abbia, a sua volta, portato il videogioco, i personaggi dei fumetti e le icone al centro della speculazione intellettuale.

Acceso inoltre il dibattito attorno al pregiudizio ideologico o stilistico, portando ad esempio casi come il libro di racconti horror Primi delitti di Paolo Di Orazio, l’intemerata Corvisieri-Iotti per cancellare il cartoon Goldrake dai palinsesti RAI e le accuse di sessismo e razzismo rivolte al fumetto Tex.

La sessione con il fumettista Edym (Ediberto Messina) è stata utile per ribadire il ruolo della famiglia e della scuola nella capacità di leggere un testo, e, partendo da Dago, si è riaffermato il ruolo archetipico dell’eroe.

E non poteva mancare l’Intelligenza Artificiale in una conversazione che ha coinvolto Gabriella Carlucci impegnata ad illustrare la querelle Mascagni-Verga, ponendola come primo caso di controversia di diritto d’autore nello stesso panel in cui gli avvocati Tiziana Carpinteri e Giacomo Ciammaglichella hanno tracciato i percorsi giuridico-legali in merito alle prime sentenze relative ai casi di plagio tra umani e IA. Apertamente contrari si sono mostrati Edym e la sceneggiatrice Francesca Romana Massaro, la quale ha sottolineato come anche la parte più infinitesimale di creatività originale dell’uomo non possa essere in nessun modo sottratta, ponendo poi sul tavolo della questione la quantità di ricorsi già avviati, la sempre più complessa difficoltà nel distinguere un lavoro umano da quello artificiale e i posti di lavoro in pericolo.

Preziosi gli interventi nel panel sull’ideologia woke: da quello del giornalista Francesco Vergovich, il quale si è interrogato sull’utilità di certificare il rispetto, all’opinione di Massimo Galimberti di Anica Academy, secondo cui, pur registrando l’esistenza di alcune derive tossiche, la vera minaccia alla libertà di espressione è nel fronte anti woke. Al contrario dei produttori Roberto Cipullo e dei registi Claudio Agostini e Alessio Pascucci, i quali hanno rimarcato attraverso esempi di casi reali (il film del 2025 Biancaneve) come l’ideologia woke finisca per essere un oggettivo limite alla libertà di espressione, tanto da arrivare a condizionare la struttura creativa nonché la capacità di poter produrre liberamente. La giornalista Valeria Fatone ha sottolineato, poi, le problematiche inerenti i rapporti uomo-donna nel contesto woke, portando anche ad esempio i casi di revenge porn.

Tanto spazio, ovviamente, al cinema, secondo l’onorevole Gimmi Cangiano disciplina di grande presa popolare che non può prescindere dal recupero dei generi come grande occasione, tanto creativa quanto occupazionale.

Ospiti attesissimi i Manetti Bros, tra aneddoti relativi al loro U.S. Palmese e il rapporto con Diabolik e Coliandro, oltre ai dialoghi con Manieri circa la capacità di orientarsi tra i diversi generi, dall’horror al poliziesco, alla fantascienza nonché sulla personale organizzazione sul set e sui processi di costruzione dell’opera filmica nel suo complesso.

Aneddoti, ma anche elementi di critica cinematografica, definizione delle criticità che vedono il cinema italiano in ritardo sul fronte del genere e condizione psicofisica che si deve avere su un set di un film d’azione nella spumeggiante sessione che ha visto interagire il professor Fabio Melelli, il regista Saverio Deodato e gli attori e campioni di arti marziali Claudio Del Falco e Stefano Maniscalco ben orchestrati da Pier Luigi Manieri; quest’ultimo ha concordato con Michele Medda – creatore di Nathan Never – circa la necessità di ideare figure e situazioni autenticamente identitarie in un confronto che ha coinvolto anche i cineasti Adelmo Togliani e Luigi Cozzi. Confronto da cui è emerso inoltre un certo provincialismo di editori e autori nel creare storie ambientate in Italia con personaggi italiani. Lo stesso Cozzi, poi intervistato da Vito Tripi, oltre a ripercorrere la propria carriera ha parlato delle grandi potenzialità inespresse che ha il cinema di genere, auspicando che le nuove generazioni riscoprano il gusto per l’immaginazione.

Infine Giulio Leoni, intervistato da Alessandro Bottero, nel ricordare come Dante sia presente in molto dell’attuale immaginario, da Altieri a Go Nagai fino a John Wick, ha concluso Epica Etica Estetica dell’Immaginario insistendo con forza su Dante come roccia a cui ancorarsi per difendersi e controbattere alla deriva del falsamente moderno. Secondo Leoni, infatti, Dante è l’esempio di come bellezza e poesia ci salveranno dai pensieri unici e dall’abitudine al brutto.

Approfondimenti

Il Linguaggio dei Nerd: Einstein, Slang e Cultura Pop tra Passione e Fandom

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Babbel indaga come parliamo oggi di intelligenza, passione e fandom tra cultura pop, slang nerd e immaginario collettivo. Agli inizi del ventesimo secolo, lo scienziato tedesco Albert Einstein rivoluzionò il mondo della fisica e dell’astronomia con la sua celebre teoria della relatività. Non solo divenne una delle figure più influenti nella scienza, ma il suo aspetto distintivo lo rese anche un’icona della cultura popolare.

Per commemorare il settantesimo anniversario della sua scomparsa, avvenuta il 18 aprile 1955, gli esperti linguistici di Babbel – l’app che promuove la comprensione reciproca attraverso le lingue – hanno approfondito lo stretto legame fra il nome di Einstein e il concetto di genio. Un omaggio al cosiddetto “padre dei nerd”, esplorando il glossario proprio delle “community” di geek di tutto il mondo.

Nel linguaggio comune, il nome “Einstein” viene spesso utilizzato come sinonimo di “genio assoluto” o di “grande intelligenza”, fungendo da metonimia per indicare, in senso lato, una persona di eccezionale capacità intellettuale.

Gli esperti di Babbel hanno notato come questo utilizzo del nome di Einstein si possa riscontrare in numerose frasi di uso comune, come l’inglese “I’m no Einstein, but…” (“non sono Einstein, ma…”) per puntualizzare o spiegare una nozione che altre persone hanno trovato difficile e metterne in evidenza la semplicità e la chiarezza, paragonandosi alla mente geniale dello scienziato. Con tono ironico e giocoso, invece, i francesi utilizzano “bravo Einstein!” (simile all’inglese “way to go Einstein!”) che può essere tradotto con l’italiano “complimenti, Einstein!”. Queste frasi vengono spesso utilizzate per prendere in giro scherzosamente qualcuno che ha commesso un errore oppure constatato l’ovvio; in questi casi, l’utilizzo per antonomasia del nome di Einstein perde il suo significato originale, diventando un’antifrasi alludendo con ironia all’opposto della genialità. Anche in italiano si riscontra un uso simile: chi viene posto davanti ad un quesito complesso si “paragona” ironicamente al famoso scienziato con la frase “non sono mica Einstein”, per sottolineare la difficoltà di trovare una soluzione immediata, specie se si tratta di qualcosa che richiede ragionamenti complessi o abilità matematiche.

I soprannomi dei nerd in giro per il mondo

Tra ammirazione e ironia, Einstein è diventato una figura centrale nell’immaginario collettivo della cultura geek grazie alla sua genialità e alla sua dedizione alla scienza, caratteristiche che lo avvicinano alla figura del nerd. Oltre ad essere appellati come degli “Einstein”, diverse lingue hanno coniato anche altri soprannomi curiosi per i nerd e gli appassionati di scienza, tecnologia e giochi di logica, come l’ungherese “uovo intelligente” o il portoghese “testa di ferro”.

  1. Nerd: l’espressione, impiegata per indicare gli amanti di discipline accademiche come l’informatica e la matematica classica, con il tempo è arrivata ad essere utilizzata anche per riferirsi ai fan di videogiochi e di fumetti. Nonostante la sua diffusione globale, l’etimologia della parola ha un’origine incerta: secondo una teoria deriverebbe dalla parola “knurd” (“drunk” scritto al contrario), usata per descrivere gli studenti che studiavano invece di fare festa. Un’altra ipotesi lo lega all’acronimo di Northern Electric Research and Development, un’azienda i cui impiegati erano noti per portare i “pocket protector”, gli iconici astucci da tasca, diventati un simbolo del nerd nell’immaginario comune. Sebbene il termine sia nato con una connotazione dispregiativa, in molti si sono battuti per dare onore a questa figura iniziando un vero e proprio movimento di “orgoglio nerd”. Anche cinema e televisione hanno contribuito al riscatto della figura del nerd, raccontando storie di outsider che da “zimbelli della scuola” diventano imprenditori brillanti o eroi moderni.
  2. Secchione: con questa parola, nel gergo studentesco italiano, vengono denominati gli studenti che ottengono spesso dei voti ottimi. Il nome “secchione” deriva dal dialetto lombardo ticinese “segión”, un accrescitivo di “segia”, ovvero “secchio”; il collegamento con il secchio e lo studio potrebbe essere comunemente ricondotto all’immagine dello studioso che, con un secchio, attinge continuamente al “pozzo del sapere”. Tuttavia, alcuni credono che il nome “segiòn” possa essere invece ricondotto ad un altro termine dialettale, ovvero il verbo “sgamelà”, che significa “sgobbare”, a sua volta derivato da “gamela”, che indicava un piccolo secchio; in questo senso, per analogia di significato, il secchione diventerebbe quindi uno “sgobbone”, ossia una persona che dedica gran parte delle sue giornate allo studio con impegno, fatica e sacrificio.
  3. Geek e swot: nell’inglese dialettale antico l’aggettivo “geek” era impiegato in modo dispregiativo come sinonimo di “fool” (“sciocco”). Negli ultimi decenni, però, le comunità nerd si sono riappropriate del termine, conferendogli una sfumatura di significato più positiva. Oggi, “geek” indica una persona che ha interessi peculiari e una forte passione per un determinato hobby, spesso legato alla tecnologia, ai videogiochi o alla cultura pop. Un altro termine inglese con un significato affine è “swot”, utilizzato in ambito accademico per descrivere una persona molto studiosa; la radice etimologica proviene dall’inglese antico “swat”, ovvero “sangue e sudore” , una metafora efficace per indicare lo sforzo costante dello studioso che apprende con determinazione.
  4. Otaku (おたく o オタク): nonostante il significato letterale sia “la sua casa”, il termine “otaku” è utilizzato in Giappone per descrivere la sottocultura degli amanti di anime e manga. Nasce principalmente dalle community appassionate di fumetti o di animazione giapponese che partecipano alle convention spesso vestendo anche i panni dei propri personaggi preferiti, pratica nota come cosplay. Il termine nel tempo ha assunto un significato più ampio, applicabile anche ad interessi specifici: ad esempio il “pasokon otaku” è un un appassionato di computer, mentre l’“idol otaku” è un fan del mondo degli idol pop, acquisendo, quindi, un significato più ampio come sinonimo di nerd.
  5. Cabeça de ferro e marrão: spesso abbreviato con “cdf”, in portoghese brasiliano l’espressione “cabeça de ferro”, significa letteralmente una “testa di ferro”, si riferisce ad una persona che si dedica in maniera intensa agli studi, trascurando la vita sociale. Il riferimento al ferro evoca l’immagine di una mente dura e resistente, propria di uno studioso dedito solo ai libri e all’apprendimento. In portoghese, invece, una persona definita con il termine “marrão” è solitamente uno studente che tende a memorizzare e studiare grandi quantità di concetti; si può utilizzare anche il verbo “marrar” per descrivere l’atto di uno studio intenso e senza sosta.
  6. Okostojás: traducibile in “uovo intelligente”, questo termine ungherese deriva dall’unione di “okos”, ovvero “intelligente”, e “stojás” che significa “uovo”, viene utilizzato per indicare una persona particolarmente brillante. In altri contesti, può assumere anche una sfumatura ironica, più simile al termine italiano “saputello”, per definire chi ostenta il proprio sapere. L’espressione riprende direttamente il nome di un gioco ungherese, in cui un bastoncino deve attraversare un labirinto intagliato in un uovo di legno, mettendo alla prova logica e arguzia dei giocatori.

Dalla “lore” alla “rabbia del nerd”, ecco alcune parole chiave del linguaggio geek 

Come sottolineano gli esperti linguistici di Babbel lo slang dei geek, nato dalle community online del gaming e poi approdato sulle piattaforme social, ha creato un linguaggio universale che lega i fan di cinema, libri, videogiochi e giochi di ruolo.

  1. Nerdrage: traducibile come “rabbia del nerd”, il termine affonda le sue origini nella comunità dei gamer. Spesso, infatti, veniva utilizzato per indicare gli appassionati di videogiochi (chiamati “nerd”) e il tipo di frustrazione che li contraddistingue di fronte a ostacoli o meccaniche frustranti nei videogiochi. Il concetto, però, nel tempo ha iniziato ad abbracciare anche diversi ambiti della cultura geek, come il mondo dei fandom. Per esempio, può riferirsi alll’insoddisfazione di un fan per inesattezze riguardanti la propria saga preferita, solitamente legata ad un mondo fantasy; in questi casi, adattamenti “troppo liberi” da un romanzo al film, remake di grandi classici o scelte di casting discutibili sono solo alcune delle scintille che possono innescare una furiosa “nerdrage”.
  2. Con: questa abbreviazione si utilizza solitamente per indicare la “convention”, ovvero l’organizzazione di un vero e proprio convegno interamente dedicato a vari fandom. Sono molti i raduni che ogni anno vengono organizzati dalle comunità nerd, sia in Italia che nel resto del mondo, e che rappresentano momenti di incontro vissuti con grande entusiasmo e partecipazione. Durante queste occasioni è possibile conoscere autori, attori e scrittori, ammirare i cosplayer nei loro costumi più spettacolari, partecipare a panel interattivi dove poter discutere e confrontarsi e celebrare insieme le passioni condivise.
  3. Lore: derivata da “folklore”, ovvero tutto ciò che viene inteso come cultura e tradizione popolare, il concetto di “lore” si riferisce in modo simile all’insieme di storie, trame e sottotrame che caratterizzano il “world building”, ovvero la creazione di un mondo fantastico e di tutti i personaggi che ne fanno parte. Nella cultura nerd la “lore” comprende l’insieme di dettagli, l’estetica, i riferimenti e i racconti che arricchiscono una saga e completano l’universo e il mondo narrativo, creando un ecosistema di cui i fan possono sentirsi parte conoscendone ogni dettaglio. Negli ultimi anni, la parola è entrata anche nel vocabolario di varie community di fandom online con un’accezione più ampia per descrivere l’insieme di curiosità che costituiscono il vissuto personale di un personaggio famoso, soprattutto con un importante seguito di ammiratori, e che contribuisce alla costruzione della sua figura mediatica. Infatti, anche un cantante o un attore con un forte seguito può avere una “lore” personale che i fan più sfegatati approfondiscono tramite gruppi o siti online, rendendo l’appartenenza ad un fandom ancora più coinvolgente ed interattiva.

Canon e headcanon: tutto quello che è inserito e raccontato nei film e nei libri viene definito come “canon”, il “canone” in italiano, ovvero la fonte ufficiale riconosciuta come autentica all’interno dell’universo narrativo di cui si sta parlando. In grandi franchise o saghe, invece, i fan tendono a creare un “headcanon”, letteralmente “canone di testa”, ovvero un’interpretazione personale più libera, che si discosta dalla storia ufficiale. Questi “headcanon” nascono dalla fantasia dei fan e immaginano nuovi retroscena, caratteristiche, relazioni o eventi non esplicitati dall’autore, arricchendo le storie con dettagli aggiuntivi. Gli “headcanon” sono quindi frutto della creatività di nerd appassionati che con la loro immaginazione possono arrivare ad espandere ulteriormente i confini del mondo fantastico in cui si immergono.

Cinema & Tv, Gaming

Horizon Zero Dawn: Il videogioco di Guerrilla Games diventa un film, il progetto cinematografico atteso dai fan

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Horizon Zero Dawn, uno dei giochi più amati e premiati della storia recente dei videogiochi, sta per fare il suo debutto sul grande schermo. La notizia è arrivata in modo ufficiale durante il CES 2025, quando Sony ha annunciato che PlayStation Studios, in collaborazione con Columbia Pictures, è già al lavoro per adattare l’universo del gioco a una pellicola cinematografica. Questo annuncio ha suscitato un’onda di entusiasmo tra i fan, che aspettano con trepidazione di vedere come uno dei titoli più iconici di Guerrilla Games si trasformerà in un’esperienza cinematografica. Nonostante non siano ancora stati svelati dettagli come la data di uscita o il cast, l’attesa è palpabile, e i fan non vedono l’ora di immergersi nuovamente nel mondo di Horizon, una saga che ha conquistato milioni di videogiocatori e che ha lasciato un segno indelebile nella cultura popolare.

Inizialmente, l’adattamento di Horizon Zero Dawn era stato annunciato come una serie TV in collaborazione con Netflix, ma con il tempo, i piani sono cambiati. Durante un’intervista con Variety, Asad Qizilbash di PlayStation Productions ha confermato che il progetto è stato trasformato in un film. La decisione di passare da una serie TV a un film è stata presa perché, secondo Qizilbash, la direzione creativa della serie non stava soddisfacendo le aspettative. “Non stava andando creativamente come volevamo”, ha dichiarato il produttore, sottolineando come Sony non fosse interessata a realizzare un adattamento “tanto per fare”, ma piuttosto puntasse a qualcosa di veramente ambizioso.

Questo cambiamento di rotta segna un passo importante nella strategia di Sony, che sta chiaramente cercando di sfruttare il momento d’oro delle trasposizioni videoludiche. Il successo di adattamenti come The Last of Us su HBO ha sicuramente influito sulla decisione di optare per un film, un formato che permetterebbe di realizzare un’esperienza visiva ad alto budget e di concentrarsi sull’epicità della storia, senza le limitazioni di un formato seriale. Durante la stessa intervista, Qizilbash ha anche fatto capire che un altro popolare franchise, quello di Astro Bot, potrebbe presto fare il salto sul grande schermo, accendendo ulteriormente l’entusiasmo dei fan.

Questa notizia ha diviso i fan: da un lato, c’è chi rimpiange la possibilità di esplorare il vasto mondo di Horizon Zero Dawn in una serie TV, dove la narrazione avrebbe potuto respirare e approfondirsi nel tempo; dall’altro, c’è chi non vede l’ora di vedere sul grande schermo le incredibili distese, le macchine robotiche e il viaggio di Aloy, il protagonista, con tutta la potenza visiva che solo un film può offrire. La saga di Horizon non è solo un gioco, è un viaggio emozionante in un mondo post-apocalittico, una finestra su un pianeta devastato dalla tecnologia, ma ancora incredibilmente affascinante. Questo mondo, in cui la natura e la tecnologia si intrecciano in un equilibrio fragile, ha affascinato milioni di giocatori, e vederlo tradotto in un film suscita sentimenti contrastanti. Da un lato, c’è la paura che la profondità e la complessità della trama possano essere sacrificati in favore di un ritmo incalzante, adatto alle esigenze del cinema e del botteghino. Dall’altro, l’idea di vedere Aloy, il personaggio che nella versione videoludica è stato interpretato dalla talentuosa Ashly Burch, prendere vita in un’interpretazione reale, con l’ausilio di tecnologie cinematografiche all’avanguardia, è difficile da ignorare.

Horizon Zero Dawn è un action RPG ambientato in un mondo post-apocalittico, dove la tecnologia ha preso il sopravvento, manifestandosi sotto forma di macchine robotiche ostili. Aloy, la giovane protagonista, vive come un’emarginata e intraprende un viaggio alla scoperta del mistero che circonda il suo passato e le origini della catastrofe che ha decimato l’umanità. Con un open world vasto e ricco di dettagli, il gioco permette ai giocatori di esplorare paesaggi mozzafiato e di affrontare combattimenti contro le macchine, utilizzando una varietà di armi e strategie. La storia, ricca di mistero e con una forte componente emotiva, ha colpito nel profondo i giocatori, facendo di Horizon Zero Dawn uno dei titoli più venduti su PlayStation 4, con oltre 24,3 milioni di copie distribuite.

L’idea di portare un videogioco di tale portata sul grande schermo non è sorprendente, considerando il successo critico e commerciale che il titolo ha riscosso. La trama di Horizon Zero Dawn, che affronta temi come la lotta tra uomo e macchina, la sopravvivenza in un mondo ostile e la ricerca di un’identità, si presta perfettamente a una trasposizione cinematografica. La figura di Aloy, simbolo di forza e determinazione, è particolarmente adatta a una narrazione visiva che punta a un’epica in grado di emozionare e coinvolgere il pubblico.

Nel frattempo, il franchise di Horizon ha continuato a crescere, con il sequel Horizon Forbidden West che ha ampliato ulteriormente l’universo di gioco. Sono seguite espansioni come The Frozen Wilds, una versione remaster del gioco per PlayStation 5 e PC, e persino un videogioco LEGO dedicato alla saga. Questi successi non fanno altro che rafforzare la solidità del brand e la sua capacità di rimanere rilevante nel tempo.

Il mondo di Horizon Zero Dawn è vasto e ricco di sfumature, con ambientazioni che spaziano dalle montagne innevate del Parco Nazionale di Yellowstone a paesaggi devastati dalla tecnologia. Una delle principali sfide per gli adattamenti cinematografici sarà quella di rendere giustizia a questa varietà di ambienti, pur mantenendo intatti i temi principali del gioco. La lotta tra l’uomo e la macchina, la natura che cerca di prevalere sulla tecnologia, e la continua ricerca di un’identità sono temi universali che non possono essere trascurati in un film. Sebbene il cast non sia ancora stato rivelato, la collaborazione tra PlayStation Studios e Columbia Pictures è una garanzia di qualità. Gli appassionati di Horizon Zero Dawn sono pronti a vivere nuove emozioni sul grande schermo, ma resta alta la curiosità su quanto l’adattamento rispetterà il materiale originale e se riuscirà a mantenere il cuore pulsante della saga che ha tanto appassionato i videogiocatori di tutto il mondo.

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Lynda Carter: La Leggenda di Wonder Woman e il Riconoscimento del Paley Honors nel 2025

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Nel 1975, Lynda Carter fece il suo debutto televisivo nel ruolo di Diana Prince nella serie Wonder Woman, diventando la prima persona a interpretare il personaggio in live-action. La sua versione dell’eroina della DC Comics è rapidamente diventata un’icona mondiale, e la serie ha continuato a catturare il cuore degli spettatori per tre stagioni. Ma l’impatto di Wonder Woman non si è fermato lì. Ha ispirato decenni di merchandise, cosplay e, soprattutto, ha motivato generazioni di bambine a credere che anche loro potessero essere le eroine della loro storia. A cinquant’anni di distanza, il Paley Center for Media ha deciso di rendere omaggio a Lynda Carter durante il Paley Honors Spring Gala del 2025, che si terrà il 19 maggio a New York. Un riconoscimento che celebra il suo contributo indelebile alla cultura popolare.

Wonder Woman è molto più di una semplice serie televisiva: è una pietra miliare della storia della televisione. La sua creazione risale agli anni ’40 grazie a William Moulton Marston, ma è stata la trasposizione sul piccolo schermo da parte della CBS, nel 1975, a renderla famosa. La serie raccontava le avventure di Diana Prince, una delle più celebri eroine dei fumetti, e si distingue per la sua audace interpretazione di un personaggio femminile forte, coraggioso e capace di affrontare le più grandi sfide. Lynda Carter, con la sua interpretazione indimenticabile, ha dato vita a un’eroina che incarnava sia la grazia che la forza. Con un carisma che l’ha resa inconfondibile, Carter ha reso Wonder Woman un simbolo di speranza, giustizia e femminilità.

La serie si è distinta per la sua struttura narrativa, suddivisa in due cicli. Il primo, trasmesso dal 1975 al 1977, è ambientato durante la Seconda Guerra Mondiale, dove Diana Prince combatte contro le forze naziste, al fianco del maggiore Steve Trevor, interpretato da Lyle Waggoner. Diana, vestita con il suo iconico costume, è un faro di giustizia, rispondendo con determinazione alle ingiustizie del mondo. Con il secondo ciclo, The New Adventures of Wonder Woman (1977-1979), la serie ha compiuto un salto temporale negli anni ’70, quando Diana Prince torna in azione come agente segreto sotto il nome di Diana Prince. Con una nuova ambientazione moderna, la serie affronta minacce contemporanee, come il terrorismo e la criminalità organizzata, introducendo personaggi come Steve Trevor Jr. e il simpatico robottino IRAC, un’intelligenza artificiale che ha aggiunto un tocco di freschezza e umorismo alla trama.

Wonder Woman ha portato sul piccolo schermo una figura femminile forte e capace, un personaggio che non solo combatteva per la giustizia, ma rappresentava anche una vera e propria rivoluzione culturale. La serie ha segnato un punto di svolta nella rappresentazione delle donne nei media, offrendo un modello di eroe positivo che sfidava gli stereotipi di genere dell’epoca. Ogni episodio era una miscela di azione, dramma e umorismo, e la forza di Diana Prince non risiedeva solo nella sua potenza fisica, ma anche nella sua capacità di mantenere la grazia e l’umanità in ogni situazione.

La sigla della serie, con il suo caratteristico ritmo funky e l’animazione a fumetti che si trasforma in immagini dal vivo, è diventata un’icona a sé stante. Le musiche, che si sono evolute nel corso delle stagioni, hanno accompagnato i cambiamenti nel tono della serie, adattandosi perfettamente all’atmosfera degli anni ’70.

Nonostante Wonder Woman sia terminata nel 1979, il suo impatto culturale non è mai svanito. La serie ha continuato a ispirare e a lasciare il segno, non solo nei cuori dei fan, ma anche nei media successivi. Lynda Carter è rimasta per molti l’immagine definitiva di Wonder Woman, un’interpretazione che ha resistito alla prova del tempo. Nonostante altri attori abbiano interpretato Wonder Woman, come Gal Gadot nel DCEU, la versione di Lynda Carter rimane la più iconica, un punto di riferimento per tutte le generazioni che sono cresciute con la sua figura.

Nel corso degli anni, Lynda Carter ha continuato la sua carriera lontano dai riflettori, dedicandosi alla filantropia e attivismo. Ha lavorato con diverse organizzazioni come il Smithsonian American Women’s History Museum e la City of Hope, e ha sostenuto diritti civili come quelli delle donne e della comunità LGBTQ+. La sua advocacy per i diritti civili e per la lotta contro il cancro al seno ha ulteriormente consolidato il suo status di icona di empowerment.

Nel 2020, Carter ha fatto un cameo in Wonder Woman 1984, interpretando l’antica guerriera amazzone Asteria. Tuttavia, con il reboot dell’universo DC a cura di James Gunn, è improbabile che torni a vestire i panni di Asteria. Nonostante ciò, per milioni di fan, Lynda Carter rimarrà sempre la Wonder Woman per eccellenza, la vera incarnazione dell’eroina che ha cambiato il volto della televisione e della cultura popolare.

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Il 25 Marzo è il “Tolkien reading Day”: il giorno in cui Sauron fu sconfitto!

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Ogni anno, il 25 marzo, il mondo celebra il Tolkien Reading Day, una giornata dedicata alla lettura e alla riscoperta delle opere del leggendario autore britannico J.R.R. Tolkien. La scelta della data non è casuale: essa coincide con la caduta di Sauron nella Guerra dell’Anello e con il passaggio dalla Terza alla Quarta Era della Terra di Mezzo. Questa celebrazione, istituita nel 2003 dalla Tolkien Society, è un omaggio a uno degli scrittori più influenti del ventesimo secolo, il cui immaginario epico ha permeato la cultura popolare e continua a ispirare lettori di ogni età.

John Ronald Reuel Tolkien, nato il 3 gennaio 1892 a Bloemfontein, nello Stato Libero dell’Orange, è oggi considerato il padre della letteratura fantasy moderna. Il suo impatto sulla narrativa e sul mondo dell’intrattenimento è incalcolabile, con un’eredità che si estende dalle pagine dei suoi romanzi fino alle trasposizioni cinematografiche di Peter Jackson, le quali hanno introdotto le sue storie a un pubblico ancora più vasto e variegato.

Prima di diventare un rinomato professore di Oxford, Tolkien fu un giovane filologo e linguista appassionato, che trovò nella mitologia e nelle lingue antiche una fonte inesauribile di ispirazione. La sua esperienza nella Prima Guerra Mondiale, dove combatté nelle trincee della Somme, lasciò in lui un segno indelebile, portandolo a riflettere sulla brutalità dei conflitti e sull’importanza di valori come l’amicizia, il sacrificio e la speranza. Questi temi diventeranno centrali nella sua produzione letteraria, influenzando in particolare la Saga dell’Anello.

Il viaggio letterario di Tolkien iniziò ufficialmente nel 1936 con la pubblicazione de Lo Hobbit, un’opera che, sebbene concepita inizialmente come un racconto per bambini, gettò le fondamenta di un universo narrativo straordinariamente complesso e stratificato. L’accoglienza entusiasta del libro spinse l’autore a espandere la sua visione, dando vita a quello che sarebbe diventato il suo capolavoro assoluto: Il Signore degli Anelli. Scritto tra il 1937 e il 1949 e pubblicato in tre volumi tra il 1954 e il 1955, il romanzo rappresenta un monumento letterario senza tempo, un’epopea che fonde mitologia, linguistica e filosofia in un intreccio narrativo epico e avvincente.

L’impatto culturale di Il Signore degli Anelli è testimoniato dai numerosi riconoscimenti ricevuti: dall’International Fantasy Award al Prometheus Hall of Fame Award, fino a essere votato dai lettori di Amazon come “Libro del Millennio” nel 1999 e proclamato “Romanzo più amato della Gran Bretagna” dalla BBC nel 2003. La trilogia cinematografica diretta da Peter Jackson ha ulteriormente amplificato il suo successo, portando sul grande schermo un cast straordinario – con attori come Elijah Wood, Ian McKellen, Viggo Mortensen e Orlando Bloom – e conquistando ben 17 Premi Oscar, inclusa la statuetta per il miglior film.

Ma l’universo narrativo di Tolkien non si esaurisce con la Saga dell’Anello. Opere come Il Silmarillion, I Figli di Húrin, Racconti Incompiuti e Beren e Lúthien approfondiscono la mitologia della Terra di Mezzo, aggiungendo ulteriore spessore alla sua immensa creazione letteraria. Accanto ai romanzi, Tolkien ha lasciato anche importanti saggi, come Albero e Foglia e On Fairy-Stories, che esplorano il ruolo della fiaba e del mito nella cultura umana.

La sua influenza ha travalicato i confini della letteratura, arrivando a contaminare il cinema, la musica e persino la filosofia. I Beatles, grandi ammiratori delle sue opere, proposero a Stanley Kubrick una trasposizione cinematografica de Il Signore degli Anelli in cui avrebbero dovuto interpretare i protagonisti principali, un progetto che, sebbene mai realizzato, testimonia il fascino esercitato dal mondo tolkieniano anche su artisti di altri ambiti.

Dopo la sua morte, avvenuta il 2 settembre 1973, il figlio Christopher Tolkien ha dedicato la sua vita a preservare e divulgare l’eredità del padre, curando e pubblicando numerose opere inedite che hanno ulteriormente arricchito il vasto affresco della Terra di Mezzo.

Il Signore degli Anelli e l’intera produzione tolkieniana continuano a rappresentare un punto di riferimento imprescindibile per la letteratura fantasy e per l’immaginario collettivo. Le sue storie non sono semplici racconti di eroi e battaglie, ma riflessioni profonde sulla natura dell’umanità, sulla lotta tra bene e male e sul valore della speranza in un mondo segnato dalle tenebre. Leggere Tolkien significa intraprendere un viaggio senza tempo, un’avventura che, come la Compagnia dell’Anello, ci porta a scoprire non solo terre lontane e meravigliose, ma anche qualcosa di più profondo su noi stessi.

Books + Comics

“Phantasm: l’Universo di Tall Man” di Luigi Boccia, Lorenzo Ricciardi, Nicola Lombardi e Giada Cecchinelli

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Nel vasto panorama del cinema horror, pochi film riescono a lasciare un’impronta duratura come la saga di Phantasm, la cui mitologia è stata forgiata dalla mente di Don Coscarelli. Sebbene il suo impatto iniziale possa sembrare, a prima vista, marginale rispetto ad altri giganti del genere, Phantasm ha rappresentato una rivoluzione nella percezione del cinema horror, mescolando elementi sovrannaturali, di fantascienza e distopia con una visione originale e disturbante. Il libro Phantasm: l’Universo di Tall Man, scritto da Luigi Boccia, Lorenzo Ricciardi, Nicola Lombardi e Giada Cecchinelli, si propone di esaminare in modo approfondito questa saga, offrendo l’unica analisi completa del fenomeno in Italia.

La nuova edizione deluxe del libro, che uscirà a settembre 2024 per l’editore Weird Book, si inserisce nella collana Insomnia, che si distingue per la sua attenzione ai temi più oscuri e inquietanti del cinema e della cultura popolare. Con 154 pagine di contenuti accuratamente studiati, questo saggio diventa una risorsa fondamentale per i fan di Phantasm, ma anche per gli studiosi e gli appassionati del cinema di genere. La copertura di Giorgio Finamore è un omaggio visivo al mondo surreale e spettrale di Phantasm, che ha reso il film di Coscarelli un cult eterno.

Il cuore del libro risiede in un’analisi lucida e puntuale delle inquietudini espresse dalla saga di Phantasm, radicate in un contesto storico-sociale che segna la fine degli anni Sessanta e l’inizio degli anni Settanta. In quegli anni, la società americana si trovava in una fase di profondo cambiamento, segnata da turbolenze politiche e culturali, e il cinema rispecchiava queste tensioni. Coscarelli, attraverso il suo Tall Man, un supervillain enigmatico e terrificante, crea una figura simbolo del terrore che attraversa i confini della morte e della realtà, in un universo distopico che esplora il concetto di morte, paura e controllo. Il Tall Man non è solo una figura maligna, ma un archetipo che incarna le paure più profonde della società dell’epoca: la paura dell’ignoto, la violazione della privacy, l’impossibilità di sfuggire ai propri incubi.

Phantasm non è solo un horror, ma una riflessione su temi universali come l’aldilà, la memoria e la dimensione della violenza psicologica. Il libro analizza anche come Coscarelli abbia saputo mescolare elementi di stregoneria e sci-fi, creando un linguaggio visivo e narrativo unico che ha influenzato generazioni di registi. L’autore del saggio esplora come il film anticipi le intuizioni di pellicole più recenti, come Interstellar di Christopher Nolan, che, a distanza di decenni, si confronta con tematiche simili legate alla percezione del tempo e dello spazio, dimostrando quanto il cinema di Coscarelli fosse avanti rispetto ai suoi tempi.

Un aspetto fondamentale del libro è l’analisi della nascita del Tall Man, figura che diventa l’epicentro del terrore in Phantasm. La sua identità è avvolta nel mistero, e la sua natura non è mai del tutto svelata, creando un’inquietudine costante nel pubblico. Il Tall Man rappresenta l’incarnazione di un inferno privato, il simbolo di un sistema che controlla e annienta, lasciando dietro di sé solo rovine e morte. L’analisi dei registi e degli autori del libro si sofferma sul ruolo centrale che questa figura assume nella saga, considerando anche l’influenza che il personaggio ha avuto sulla rappresentazione del male nel cinema horror successivo.

La saga di Phantasm è anche un prodotto della Nuova Hollywood, movimento cinematografico che ha preso piede negli anni Settanta e che ha cercato di rompere con le convenzioni del cinema mainstream dell’epoca. Coscarelli, con il suo approccio audace e sperimentale, ha saputo sfruttare le risorse limitate ma la sua visione creativa lo ha portato a reinventare il genere horror, mescolando tensioni psicologiche con una estetica viscerale che ha segnato la nascita di un nuovo tipo di supervillain. Il Tall Man, infatti, è considerato uno dei primi veri super-cattivi del grande schermo, anticipando figure come quelle di Jason e Michael Myers, ma con una dimensione più psicologica e complessa.

Non meno importante è l’impatto che Phantasm ha avuto sul cinema degli zombie. La saga, pur non appartenendo direttamente a questo sottogenere, ha comunque contribuito a definirne alcuni tratti distintivi, come la violazione della morte e la presenza di entità non-morte che sfidano la nostra percezione della vita. Questo legame con il cinema degli zombie è ben evidente nella figura dei “ghoul” e nella logica del “risveglio dalla morte” che pervade l’intero universo di Phantasm.

In definitiva, Phantasm: l’Universo di Tall Man si configura come una lettura obbligatoria per chiunque desideri comprendere a fondo la saga di Don Coscarelli e il suo impatto sul cinema horror contemporaneo. Questo saggio non solo svela i misteri dietro la creazione del film, ma offre anche un’analisi critica e storica delle dinamiche che hanno reso Phantasm una pietra miliare del genere. Con una narrazione avvincente e una scrittura lucida, il libro si inserisce nel panorama editoriale italiano come l’opera definitiva per comprendere il legame tra cinema, società e paura, e come un film di culto possa, a distanza di anni, rivelarsi ancora attuale e innovativo.

Concludendo, questa nuova edizione deluxe di Phantasm: l’Universo di Tall Man non solo arricchisce la conoscenza della saga di Phantasm, ma diventa un viaggio nei meandri della mente di Don Coscarelli e nel cuore pulsante di un cinema che ha saputo ridefinire le regole del terrore. Non mancate l’appuntamento con questo libro, che sarà disponibile dal 2024, per scoprire tutti i segreti dietro uno dei più affascinanti incubi cinematografici della storia.

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Shopping for Superman: Il Declino e la Resistenza delle fumetterie

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Per noi nerd di tutto il mondo, le piccole fumetterie di quartiere hanno sempre avuto un ruolo fondamentale, non solo come punti di vendita, ma come veri e propri templi di una cultura underground che ha influenzato e continua a influenzare l’intero immaginario popolare. Tuttavia, in un contesto che sta vivendo un processo di digitalizzazione sempre più invasivo, e con l’imperversare di crisi economiche e pandemie globali, questi spazi rischiano di scomparire nel silenzio. È proprio su questa fragilità che si concentra Shopping for Superman, un documentario crowdfunded diretto da Wes Eastin, che si propone di raccontare non solo la storia dei negozi di fumetti, ma anche la loro battaglia per sopravvivere in un mondo che cambia rapidamente.

Il film, che guida lo spettatore attraverso cinquant’anni di evoluzione del settore, esplora le origini dei negozi di fumetti e i protagonisti che, con passione e sacrificio, hanno cercato di mantenere vive le loro attività. Sebbene il documentario offra uno spunto interessante sulle dinamiche di un settore che è stato ridotto del 75% negli ultimi decenni, la sua vera forza sta nell’indagare la questione da una prospettiva più ampia e meno superficiale. Non è semplicemente un racconto del declino di un’industria, ma una riflessione sul significato che questi negozi hanno avuto, e continuano ad avere, nella formazione di una cultura popolare che si è costruita sulle spalle dei fumetti.

Un dato che emerge con forza durante il film è la transizione del fumetto da prodotto per bambini a medium per adulti. Negli anni ’70, con l’emergere del collezionismo, i negozi di fumetti hanno iniziato a trasformarsi in veri e propri rifugi per gli appassionati. Gli anni ’80 segnarono l’apice di questa evoluzione, quando i negozi di fumetti divennero il principale canale attraverso cui i lettori acquistavano i loro albi preferiti. Un cambiamento che non ha solo riguardato l’aspetto economico, ma che ha avuto un impatto profondo anche sul tipo di contenuti proposti, che si sono fatti più maturi e complessi. Così facendo, i negozi di fumetti non solo hanno contribuito alla nascita di alcune delle storie più iconiche e controverse della cultura popolare, ma sono diventati anche luoghi di incontro e di crescita intellettuale. Erano spazi dove i lettori, spesso emarginati o in cerca di un’identità, potevano confrontarsi, scoprire nuove prospettive e rifugiarsi in un mondo che dava loro voce.

Il potere di questi negozi, tuttavia, non si limita al loro ruolo di diffusori di fumetti. Come suggerisce Shopping for Superman, questi luoghi sono stati fondamentali nel creare una comunità, nel dare un’opportunità a giovani lettori di scoprire storie complesse e adulte, quando le opzioni alternative erano rare. Molti degli appassionati che oggi celebrano il fenomeno delle storie di supereroi, non solo quelle di Marvel e DC, ma anche di serie più mature come The Walking Dead, sono cresciuti grazie ai negozi di fumetti. Questi spazi hanno contribuito a far evolvere il fumetto in una forma d’arte che è riuscita a superare il confine dell’intrattenimento leggero, approdando nel mainstream e influenzando media come cinema e televisione.

Ma ora, questa realtà sembra essere minacciata da più fronti. L’ascesa dei fumetti digitali, la chiusura inesorabile di negozi storici e la crescente dipendenza dai grandi e-commerce stanno erodendo una parte di questa tradizione. Con Shopping for Superman, il regista Eastin ci invita a riflettere sull’importanza di preservare questi spazi, non solo per il loro valore commerciale, ma per il ruolo che svolgono come custodi di una cultura che, seppur di nicchia, ha avuto un impatto profondissimo. Non si tratta solo di negozi che vendono albi, ma di veri e propri luoghi di resistenza, dove la cultura del fumetto è stata coltivata, vissuta e tramandata.

Il documentario non è solo una denuncia, ma anche un grido di speranza. Nel suo approccio, non si limita a mostrare il lato oscuro della crisi dei negozi di fumetti, ma cerca anche di stimolare un’azione da parte degli spettatori, chiedendo se sia possibile salvare questi luoghi. La domanda che pone è cruciale: i negozi di fumetti locali possono essere salvati? La risposta non è semplice, ma l’opera di Eastin ci ricorda che la chiusura di questi negozi non comporterebbe solo la perdita di un’attività economica, ma di uno spazio di cultura e crescita, uno spazio che ha contribuito a formare generazioni di lettori e appassionati.

L’intento del film non è solo di raccontare una storia passata, ma di aprire una riflessione sul futuro. Il suo messaggio è chiaro: la battaglia per salvare i negozi di fumetti è una battaglia per preservare una parte della nostra cultura, una cultura che ha contribuito a plasmare i media che oggi consumiamo quotidianamente. Shopping for Superman non offre risposte facili, ma stimola una riflessione più profonda sul valore di questi negozi, che vanno ben oltre la semplice vendita di albi. In un mondo sempre più dominato dalla digitalizzazione, la domanda resta: possiamo ancora trovare un posto per queste piccole isole culturali nel nostro panorama moderno?

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Frigidaire: Storia e immagini della più rivoluzionaria rivista d’arte del mondo

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Si apre oggi a Roma, fino al 7 settembre, la mostra “Frigidaire: Storia e immagini della più rivoluzionaria rivista d’arte del mondo“, un evento imperdibile per gli appassionati di fumetto, arte e cultura alternativa. Ospitata nel suggestivo Museo di Roma in Trastevere, l’esposizione celebra la storia e l’eredità di una delle riviste più innovative del panorama artistico italiano e internazionale. La manifestazione vede la partecipazione di Lucca Comics & Games come unico festival partner, rafforzando il legame storico tra la rivista e il più importante evento italiano dedicato al fumetto e al gioco.

Frigidaire è stata una pubblicazione che ha segnato un’epoca, fungendo da catalizzatore per alcuni dei più grandi talenti della nona arte. Sotto la direzione di Vincenzo Sparagna e con il contributo di maestri come Andrea Pazienza, Stefano Tamburini, Tanino Liberatore, Filippo Scozzari e Massimo Mattioli, la rivista ha dato vita a un movimento culturale unico. Presentata per la prima volta a Lucca nel 1980, Frigidaire ha ridefinito i confini del fumetto, fondendo satira, giornalismo d’assalto, arte e politica in un mix esplosivo che continua a influenzare il panorama contemporaneo.

La mostra propone un viaggio straordinario attraverso l’universo visivo e concettuale di Frigidaire, con oltre 300 opere originali tra copertine iconiche, tavole inedite, fotografie e documenti d’archivio. Un ruolo centrale avrà il concetto di “Arte Maivista”, teorizzato dagli stessi autori della rivista: un approccio rivoluzionario che ha spinto i confini dell’espressività artistica e narrativa.

Il percorso espositivo ripercorre le tappe fondamentali della rivista, dall’esordio negli anni Ottanta fino alle più recenti pubblicazioni, mostrando l’evoluzione stilistica e tematica che ha reso Frigidaire un simbolo della controcultura. Tra le opere in mostra, spiccano le tavole di RanXerox, il celebre antieroe cyberpunk creato da Tamburini e Liberatore, che con la sua estetica brutale e visionaria ha ridefinito il fumetto europeo.

Oltre ai materiali storici, l’evento offrirà una serie di incontri e approfondimenti con esperti del settore, proiezioni video e performance artistiche, creando un’esperienza immersiva per i visitatori. L’obiettivo è non solo celebrare il passato glorioso della rivista, ma anche stimolare un dialogo con le nuove generazioni di artisti e lettori.

L’iniziativa si inserisce in un contesto più ampio di valorizzazione del fumetto come espressione artistica e culturale, in vista della creazione del Museo Nazionale del Fumetto, un progetto promosso da Lucca Comics & Games. “L’ecosistema di Lucca Comics & Games sta crescendo e sulla soglia di una fondazione di un museo di livello internazionale, riafferma sempre la centralità della storia del fumetto italiano”, ha dichiarato Emanuele Vietina, direttore della manifestazione lucchese.

Frigidaire non è stata solo una rivista, ma un manifesto di libertà creativa, un laboratorio di idee che ha sfidato convenzioni e censura, lasciando un’impronta indelebile nella storia della comunicazione visiva. La mostra romana rappresenta un’opportunità unica per riscoprire un capitolo fondamentale del fumetto italiano e del pensiero artistico alternativo. Per chi ama la sperimentazione, la satira e la cultura underground, questa esposizione è un appuntamento da non perdere.

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L’Ultimo Giorno di Howard Phillips Lovecraft: Un Capolavoro Visivo e Narrativo che Riporta in Vita il Genio di Providence

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Nel panorama delle graphic novel horror, poche opere riescono a catturare l’essenza di un autore tanto influente quanto misterioso come Howard Phillips Lovecraft. Un autore che ha segnato la letteratura del Novecento con le sue visioni cosmiche, popolando il nostro immaginario di mostri antichi e scenari inquietanti. Tra queste opere, “L’ultimo giorno di Howard Phillips Lovecraft”, edito da Saldapress in Italia, si staglia come un piccolo gioiello narrativo e visivo. Pubblicato originariamente in Francia nel 2023 e previsto fra qualche giorno nelle librerie italiane, questo graphic novel ci regala uno spunto nuovo e affascinante su uno dei più grandi scrittori di tutti i tempi, ponendo l’accento su un evento misterioso: il suo ultimo giorno di vita.

Il racconto si sviluppa intorno a un enigmatico testimone, un uomo che ha assistito agli ultimi momenti di Lovecraft, quella fatidica giornata del 15 marzo 1937. Mentre il mondo ricorda il genio dell’horror attraverso le sue opere, l’autore di “Il richiamo di Cthulhu” e “Alle montagne della follia” ci viene raccontato sotto una nuova luce: quella di una figura afflitta, divisa tra la sua rabbia, le sue ombre interiori e la sua visione del mondo. Il mistero di ciò che accadde in quel giorno si dipana sotto lo sguardo di un narratore che è pronto a svelare i segreti più reconditi, quelli che forse nessuno ha mai osato raccontare.

Scritto da Romuald Giulivo e disegnato da Jakub Rebelka, “L’ultimo giorno di Howard Phillips Lovecraft” è un’opera che colpisce al cuore per la sua profondità e per il suo approccio unico. La trama è ricca di colpi di scena e momenti inquietanti, in perfetta sintonia con la tradizione letteraria di Lovecraft, ma anche con la sua personalità complessa e tormentata. La graphic novel è un affresco pittorico che esplora il lato umano di un uomo che ha fatto dell’orrore una filosofia di vita, un viaggio tra le sue visioni e la sua rabbia. Ogni tavola di Rebelka è un’esplosione di colori e ombre, dove la dimensione fantastica e quella reale si mescolano senza soluzione di continuità, creando un’atmosfera che richiama alla mente le atmosfere oscure e inquietanti delle storie di Lovecraft.

Il fascino di questo graphic novel non risiede solo nella sua estetica mozzafiato, ma anche nel modo in cui riesce a restituire la figura di H.P. Lovecraft nella sua dimensione più intima e privata. Lovecraft, che aveva il privilegio e la condanna di essere il creatore di un cosmo infinito e alieno, è qui ritratto come un uomo che si dibatte con le sue paure, le sue incertezze e la solitudine che spesso lo accompagnava. In “L’ultimo giorno”, Giulivo e Rebelka riescono a intrecciare la grandezza letteraria di Lovecraft con la sua fragilità umana, offrendo un tributo che ne celebra l’immortalità.

L’opera è tanto un tributo a Lovecraft quanto una riflessione sulle sue stesse opere. Chi ha letto i suoi racconti sa che Lovecraft non ha mai avuto una vita facile, né una carriera che potesse definirsi floridissima durante la sua esistenza. Fu solo dopo la sua morte che la sua figura acquisì quella statura leggendaria che oggi conosciamo. La sua influenza ha attraversato i decenni, ispirando artisti e creatori di ogni tipo, dalla letteratura al cinema, dalla musica ai giochi. “L’ultimo giorno” diventa, quindi, anche un modo per celebrare l’impatto duraturo che Lovecraft ha avuto sulla cultura popolare e sul genere horror, pur riflettendo la sua condizione di emarginato e il suo scontro con l’incomprensione da parte del suo tempo.

Lovecraft, scrittore dalla visione unica, ha saputo immaginare un orrore cosmico che travalica le dimensioni terrene. Le sue storie si riflettono nella filosofia del “cosmicismo”, in cui l’uomo è una semplice particella insignificante in un universo vasto e indifferente. Questo tema, che attraversa la sua intera produzione letteraria, è chiaramente presente anche in “L’ultimo giorno”, dove l’autore stesso appare come vittima della stessa vastità inconoscibile che ha descritto nei suoi scritti. La sua morte, per quanto reale, sembra essere un passo in un mondo che non può essere veramente compreso o dominato da nessun essere umano.

L’arte visiva di Jakub Rebelka gioca un ruolo cruciale nel trasmettere questo senso di alienazione e di terrore cosmico. Ogni tavola di “L’ultimo giorno di Howard Phillips Lovecraft” è impregnato di quell’atmosfera gotica e angosciante che tanto caratterizza le sue storie più celebri, ma al contempo riflette l’intensità emotiva che pervade l’ultimo giorno di vita di Lovecraft. La sua morte diventa, simbolicamente, una rappresentazione del “non sapere”, una riflessione sulla natura dell’ignoto che ha sempre affascinato lo scrittore di Providence.

L’uscita italiana di questo volume è prevista per il 11 aprile 2025 e si presenta in una pregevole edizione cartonata che renderà felici gli appassionati del genere. Un volume unico, che non solo racconta la fine di un’epoca nella vita di Lovecraft, ma anche la nascita di una leggenda che non morirà mai. Con questo graphic novel, Giulivo e Rebelka ci offrono una visione intima, viscerale e allo stesso tempo universale, che affonda le radici nell’universo narrativo di Lovecraft ma che ne trascende anche i confini, restituendo al lettore una nuova prospettiva sul genio oscuro di Providence.

“L’ultimo giorno di Howard Phillips Lovecraft” è un graphic novel che merita di essere letto da chiunque abbia una passione per l’horror, per le biografie dei grandi scrittori o semplicemente per coloro che vogliono scoprire un lato inedito e sconosciuto di uno degli autori più misteriosi della storia della letteratura. Un’opera che, senza dubbio, contribuirà a consolidare ulteriormente la sua immortale presenza nella cultura popolare.

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San Diego Comic-Con Sbarca in Europa: La Prima Edizione Internazionale a Málaga

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La magia della San Diego Comic-Con, uno degli eventi più attesi e amati del mondo del fumetto, della cultura pop e della fantascienza, non è più confinata agli Stati Uniti. Nel settembre 2025, Málaga, una delle città più vibranti della Spagna, accoglierà la prima edizione internazionale ufficiale della SDCC, segnando una tappa storica nell’espansione globale di questo evento iconico. La notizia è stata annunciata il 10 marzo 2025 durante un evento speciale al Gran Hotel Miramar, a Málaga, alla presenza di importanti personalità locali e internazionali. Dal 25 al 28 settembre 2025, la città andalusa sarà la sede di un evento che promette di portare l’entusiasmo della SDCC a un pubblico europeo entusiasta, dando vita a un’esperienza che mescolerà fumetti, film, televisione e cosplay in un’unica, immensa celebrazione della cultura popolare. Questo evento non è solo una novità per i fan europei, ma rappresenta anche un traguardo fondamentale nella storia della SDCC, che per la prima volta esce dai confini degli Stati Uniti.

Il progetto di portare la San Diego Comic-Con a Málaga è frutto di un accordo strategico gestito da IMG Licensing, che ha lavorato a stretto contatto con le istituzioni locali per garantire il successo dell’iniziativa. La Junta de Andalucía e il Comune di Málaga hanno dato un forte supporto istituzionale, facendo di Málaga una delle capitali europee delle arti popolari. Il sindaco di Málaga, Francisco de la Torre Prados, e il presidente della Junta de Andalucía, Juan Manuel Moreno Bonilla, hanno ribadito il loro impegno a rendere la città un punto di riferimento per la cultura digitale e popolare, attirando talenti e creativi da tutto il mondo.

L’organizzazione della San Diego Comic-Con, rappresentata da David Glanzer, Chief Communications & Strategy Officer, ha sottolineato l’entusiasmo per la nuova avventura europea: “Siamo molto eccitati di poter portare la Comic-Con e il suo spirito unico a un pubblico europeo. Non avremmo potuto scegliere una città più vibrante, accogliente e creativa per iniziare questo capitolo emozionante per fan e creatori”. La scelta di Málaga non è casuale: la città è conosciuta per la sua atmosfera calorosa, la sua ricca tradizione culturale e il suo spirito innovativo, che la rendono il luogo ideale per ospitare una manifestazione così importante.

Comic-Con di Málaga si preannuncia come un evento straordinario, con oltre 200 ospiti esclusivi provenienti dal mondo del cinema, della televisione, dei fumetti e dell’illustrazione. Tra i partecipanti ci saranno grandi nomi come Álex de la Iglesia, Carolina Bang, Paco Plaza e tanti altri, pronti a incontrare i fan e condividere il loro amore per il mondo della cultura pop. I visitatori potranno partecipare a panel, mostre e attività dedicate ai loro universi preferiti, immergendosi completamente in un mondo che celebra le arti visive e narrative in tutte le loro forme.

Un altro punto saliente dell’evento sarà l’esposizione di oggetti da collezione, come l’Infinity Gauntlet, ispirato all’iconico artefatto di Thanos in Avengers: Infinity War. Questo oggetto è stato progettato dalla Gentle Giant Ltd, rinomato produttore di memorabilia, e rappresenta un omaggio perfetto alla saga che ha segnato la cultura pop del nuovo millennio. Ma non è tutto: la serata di lancio dell’evento è stata animata dalla presenza di membri della 501st Legion, una delle organizzazioni di costuming più famose al mondo, che hanno dato vita a una performance spettacolare vestiti da Stormtrooper e Darth Vader. Non poteva mancare il saluto di R2-D2, il celebre droide di Star Wars, che ha percorso la sala per salutare i partecipanti in un’atmosfera davvero speciale.

L’importanza di questo evento non si limita alla sua portata culturale e artistica, ma segna anche un passo significativo per l’espansione internazionale della SDCC. Sebbene ci siano altri eventi Comic-Con Experience in giro per il mondo, come in Brasile, Germania e Messico, Comic-Con di Málaga è la prima edizione ufficiale al di fuori degli Stati Uniti, un traguardo che testimonia l’universalità e la forza di un brand che ha saputo attrarre milioni di fan in tutto il mondo. La San Diego Comic-Con ha una storia lunga e ricca, iniziata nel 1970 a San Diego, e oggi, a distanza di oltre 50 anni, la sua influenza è tale da poter conquistare anche il cuore dei fan europei.

Questa edizione internazionale è solo l’inizio di una nuova era per la San Diego Comic-Con, che si prepara ad abbracciare la diversità e l’entusiasmo dei fan di tutto il mondo. Con una città come Málaga come prima tappa, il futuro della Comic-Con in Europa appare più luminoso che mai, portando con sé l’opportunità di creare nuove connessioni, celebrare la cultura popolare e, soprattutto, divertirsi insieme.

Cinema & Tv

Le Donne al Balcone – The Balconettes: un film che mescola commedia, thriller e femminismo audace

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Le Donne al Balcone – The Balconettes, diretto e interpretato da Noémie Merlant, è una pellicola che ha tutte le carte in regola per fare parlare di sé. Questo film, che debutta nei cinema italiani il 20 marzo 2025, si distingue per il suo approccio audace e la sua capacità di fondere generi diversi, creando un’opera in grado di sorprendere e divertire, ma anche di riflettere sulle tematiche più attuali legate alla condizione femminile.

Ambientato in una torrida estate a Marsiglia, Le Donne al Balcone racconta la storia di tre giovani donne che, pur vivendo insieme, sono molto diverse tra loro per carattere e aspirazioni. Nicole, una scrittrice introversa e sognatrice, interpretata da Sanda Codreanu, Ruby, una camgirl libera e ribelle, interpretata da Souheila Yacoub, e Élise, un’attrice insicura e ansiosa, interpretata dalla stessa Noémie Merlant, sono legate da un’amicizia profonda, unita da una sorellanza che si consolida nel corso della trama.

Il film prende il via con un atto innocente: le tre ragazze si ritrovano a spiare il loro affascinante vicino di casa dal balcone del loro appartamento. Un giorno, l’uomo (Lucas Bravo, noto per Emily in Paris) le invita a bere qualcosa a casa sua. Quello che sembra un incontro casuale e senza pretese si trasforma rapidamente in un incubo da cui le protagoniste dovranno lottare per uscire, dando il via a una serie di eventi che si alternano tra il surreale, il thriller e il gore, ma sempre con un’ironia tagliente.

Un mix di generi tra Almodóvar e Tarantino

Il film è un’esplosiva combinazione di generi che affonda le radici nel cinema di registi come Pedro Almodóvar e Quentin Tarantino, ma anche nel linguaggio di thriller coreani e giapponesi, come The Wailing o Ichi the Killer. La regista, Noémie Merlant, ha dichiarato di aver voluto, inizialmente, un’atmosfera più leggera e vivace, quasi una commedia romantica, che evolve successivamente in un thriller sanguinolento e surreale, pur mantenendo sempre una sottile comicità. La trasformazione del film da una storia colorata e spensierata a un incubo visivo è resa con maestria, con un uso accorto dei colori, in particolare il verde, che esprime angoscia e inquietudine.

Il femminismo e l’ironia come strumenti di denuncia

Una delle chiavi di lettura di Le Donne al Balcone è sicuramente la sua audacia nel trattare tematiche complesse come la violenza di genere, il sessismo e l’abuso, senza mai rinunciare all’ironia e alla satira. Noémie Merlant ha scelto di affrontare questi temi in modo diretto, ma senza scivolare mai nella retorica, regalando al pubblico un’esperienza che alterna momenti di riflessione a quelli di pura adrenalina e risate. L’umorismo viene utilizzato come un potente strumento di liberazione, per permettere alle protagoniste di sfuggire agli abusi del passato e affrontare le difficoltà del presente con una dose di coraggio e un pizzico di follia.

In una delle dichiarazioni più significative, Merlant afferma che l’intento del film è stato quello di creare un’opera che fosse al contempo libera ed esuberante, una riflessione sulle difficoltà delle donne nel mondo contemporaneo ma anche un tributo alla loro capacità di resistere e ribellarsi. “L’umorismo e la satira sono armi forti”, dice la regista, sperando che Le Donne al Balcone non solo diverta, ma stimoli anche una riflessione più profonda sulle dinamiche di potere che influenzano le vite delle donne.

Una dark comedy indimenticabile

Il risultato finale è una dark comedy che gioca con gli stereotipi e le aspettative del pubblico, ma senza mai cadere nella banalità. Ogni personaggio è ben definito, con tratti distintivi e una personalità unica che emerge prepotentemente. Le tre protagoniste sono molto più che semplici figure cinematografiche: sono simboli di una lotta quotidiana contro la superficialità e l’oppressione, personaggi forti, caratterizzati da una vitalità esplosiva che le rende irresistibili.

Le interpretazioni delle protagoniste, tra cui spicca quella di Merlant nel ruolo di Élise, sono straordinarie. Le attrici riescono a dare vita a personaggi credibili e sfaccettati, che non solo divertono, ma provocano anche un senso di empatia. Il film, con la sua trama ricca di colpi di scena e situazioni paradossali, è capace di tenere lo spettatore incollato allo schermo, tra il grottesco e il tragico, il comico e il drammatico.

Un manifesto femminista che osa sfidare i tabù

In conclusione, Le Donne al Balcone è un film che non ha paura di sfidare i tabù, di trattare argomenti difficili con un linguaggio crudo e diretto, ma con una vitalità che lo rende fruibile e coinvolgente. La sceneggiatura, scritta da Merlant in collaborazione con Céline Sciamma, si fa portavoce di una denuncia sociale che non manca mai di un lato giocoso e di un umorismo che permette alle protagoniste di affrontare le difficoltà con una risata liberatoria.

Dal 20 marzo, Le Donne al Balcone sarà nei cinema italiani, distribuito da Officine UBU. Un film da non perdere, un’esperienza cinematografica che fa riflettere e diverte, un viaggio tra il surreale e il reale, un manifesto di coraggio e libertà.