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AULAMANGA, Cinema & Tv

La Seconda Stagione di The Angel Next Door Spoils Me Rotten: Un Nuovo Capitolo nel Mondo delle Light Novel Anime

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Quando si parla di anime che combinano romanticismo, crescita emotiva e quella leggera magia che caratterizza spesso le storie giapponesi, The Angel Next Door Spoils Me Rotten è una di quelle serie che cattura il cuore degli appassionati sin dal primo episodio. La prima stagione, andata in onda all’inizio del 2023, aveva già promesso un viaggio emozionante nella relazione tra Amane Fujimiya e Mahiru Shiina, ma la seconda stagione, che finalmente ha visto la luce, porta con sé nuove sfumature e un’atmosfera più intrigante, senza dimenticare la delicatezza che contraddistingue l’intera opera.

Adattato dall’omonima light novel scritta da Saekisan e illustrato da Hanekoto, The Angel Next Door Spoils Me Rotten ci racconta la storia di un giovane ragazzo, Amane, che vive da solo in un appartamento modesto, affacciato sulla vita perfetta di Mahiru, la ragazza più ammirata della scuola. Mahiru è la tipica protagonista femminile che tutti sogneremmo di incontrare: bellissima, talentuosa e sempre perfetta. Ma dietro questa facciata da “angelo”, c’è una ragazza che, proprio come chiunque altro, ha bisogno di essere compresa e, soprattutto, amata. La loro relazione inizia in modo casuale, come spesso accade nelle migliori storie d’amore, con Amane che, un giorno di pioggia, presta un ombrello a Mahiru. Da questo piccolo gesto, l’universo di entrambi inizia a cambiare, e Mahiru inizia a fare la sua parte per prendersi cura di Amane, aiutandolo nelle faccende domestiche. Quello che sembra essere un incontro fortuito si trasforma in un’intensa storia d’amore.

La seconda stagione è un atteso ritorno a questo mondo, con una Mahiru che appare ora più complessa, meno angelica e più… maliziosa. Infatti, in un’anteprima diffusa da TOHO Animation, la voce della ragazza si fa più intrigante, portando con sé una nuova sfumatura del personaggio, quasi come se Mahiru si trasformasse, per un attimo, in un “piccolo diavolo”. Questo cambiamento non è solo un dettaglio superficiale, ma un’indicazione chiara della crescita del personaggio e di come la dinamica tra lei e Amane evolverà in questa nuova stagione. I fan si aspettano non solo momenti più intensi di romanticheria, ma anche situazioni più adulte e complesse, che spingono i protagonisti a confrontarsi con le loro emozioni in modo più profondo.

La trama della seconda stagione prosegue proprio da dove la prima si era interrotta, con il rapporto tra Amane e Mahiru che si consolida e si sviluppa. Sebbene il concept di base rimanga immutato, l’approfondimento psicologico dei protagonisti e la nuova evoluzione delle loro interazioni rende tutto più dinamico. Questo è un elemento che apprezzo molto in The Angel Next Door Spoils Me Rotten: non è solo un’altra storia d’amore adolescenziale, ma un racconto che esplora le sfumature dell’intimità, dell’affetto e della vulnerabilità, qualcosa che parla a tutti, giovani e adulti, che si sono mai trovati a vivere relazioni che vanno oltre il semplice “cosa accade tra due persone”.

Un altro aspetto che non posso fare a meno di sottolineare è il lavoro che è stato fatto dietro le quinte dell’anime. La regia è affidata a Li Hua Wang, che riesce a bilanciare alla perfezione la delicatezza emotiva con le scene più leggere e divertenti. La sceneggiatura di Keiichirō Ōchi, che ha già lavorato su altre serie di successo come The Quintessential Quintuplets, contribuisce a mantenere un ritmo coinvolgente e un equilibrio tra le emozioni più tenere e quelle più piccanti. Takayuki Noguchi, invece, è riuscito a tradurre in animazione le illustrazioni originali di Hanekoto con grande maestria, conferendo ai personaggi una dimensione visiva che ne enfatizza ancora di più le personalità e le dinamiche interpersonali. Non dimentichiamoci, poi, della colonna sonora di Moe Hyūga, che con le sue composizioni riesce a immergerci completamente nell’atmosfera della serie, facendo risaltare ogni momento cruciale.

La sigla d’apertura “Gift” di Masayoshi Ōishi è perfetta per accompagnare l’inizio di ogni episodio, carica di energia e speranza. La canzone di chiusura, “Chiisana Koi no Uta”, interpretata da Manaka Iwami, completa splendidamente l’esperienza, regalando una sensazione di nostalgia e dolcezza che risuona a lungo dopo aver visto l’episodio.

Ciò che rende The Angel Next Door Spoils Me Rotten così speciale non è solo la trama romantica, ma l’abilità della serie nel costruire un legame autentico tra i suoi protagonisti. La seconda stagione, più matura e audace, porta avanti questo tema, affrontando anche le difficoltà del crescere, del superare i propri limiti e del confrontarsi con il proprio cuore. Mahiru non è più solo l’angioletto perfetto, ma una giovane donna che sta imparando a navigare tra le sue emozioni e a trovare il coraggio di aprirsi a un altro essere umano.

Siamo di fronte a una serie che cresce insieme ai suoi personaggi e, quindi, anche noi spettatori, che ci ritroviamo a seguire ogni piccola evoluzione con trepidazione. Se la prima stagione ci aveva conquistato con la sua delicatezza e dolcezza, la seconda promette di affondare ancora di più nelle complessità della relazione tra Amane e Mahiru, regalando agli appassionati di anime un’esperienza che è al contempo dolce e commovente, ma anche ricca di suspense.

In definitiva, The Angel Next Door Spoils Me Rotten è una di quelle serie che continua a sorprendere, con il suo mix di romanticismo, crescita personale e dinamiche di coppia. La seconda stagione è senza dubbio un’evoluzione benvenuta, che apre nuovi orizzonti per i protagonisti e per noi che siamo pronti a seguirli fino alla fine del loro viaggio insieme.

Approfondimenti, COSPLAY

Le Ombre del Cosplay: L’Abuso Psicologico e la Forza del Riscatto

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Il Cosplay, abbreviazione di “costume play”, è una pratica che ha acquisito una popolarità sempre crescente negli ultimi decenni. Nata come un’attività dedicata agli appassionati di anime, fumetti, videogiochi e cultura pop, oggi il cosplay si è esteso a un fenomeno globale che coinvolge persone di ogni età e provenienza. Sebbene il cosplay abbia trovato un suo spazio all’interno di una nicchia culturale ben definita, non è esente da critiche e pregiudizi da parte di chi lo considera un’attività infantile o fuori dalle convenzioni sociali. Per comprendere meglio queste critiche, è necessario esaminare il fenomeno da diverse prospettive psicologiche, antropologiche e sociologiche.

Dal punto di vista psicologico, il cosplay rappresenta una forma di espressione dell’identità personale, una via per esplorare e manifestare aspetti del sé che altrimenti potrebbero rimanere nascosti. In molti casi, il cosplay è una pratica di “gioco di ruolo” che permette agli individui di indossare i panni di personaggi che ammirano, prendendo su di sé caratteristiche o qualità che nella vita quotidiana potrebbero essere inaccessibili o inespresse. Si tratta di una forma di evasione che può servire anche come meccanismo di coping per chi affronta difficoltà emotive o psicologiche. Tuttavia, la società tende a giudicare negativamente comportamenti che si discostano dalle norme convenzionali. La teoria dell’identità sociale di Tajfel e Turner suggerisce che gli individui tendono a categorizzarsi in gruppi sociali e che chi si dedica a pratiche non conformi può essere etichettato come “outsider”, suscitando reazioni di disapprovazione. In particolare, il cosplay degli adulti può essere visto come immaturo, poiché la nostra cultura associa il travestimento principalmente al mondo infantile o a eventi occasionali come il carnevale, piuttosto che a una pratica costante e matura.

L’aspetto antropologico del cosplay rivela un altro livello di comprensione. Il travestimento, nella storia dell’umanità, ha sempre avuto un significato profondo, legato a rituali religiosi, cerimonie e riti di passaggio. In molte culture tradizionali, l’uso di maschere e costumi era (e in alcuni casi è ancora) una pratica che consentiva agli individui di trasformarsi simbolicamente, assumendo nuovi ruoli e identità. Il cosplay, in un certo senso, si inserisce in questa tradizione di trasformazione, ma nella società moderna, dove la razionalizzazione e la specializzazione hanno ridotto il valore simbolico di queste pratiche, è spesso percepito come un’attività frivola e senza una funzione “utile”. L’idea di “persona”, proposta da Carl Jung, suggerisce che il cosplay possa essere una manifestazione delle “ombre” interiori degli individui, ossia quei tratti del sé che non vengono generalmente espressi nella vita quotidiana. Tuttavia, la società tende a reprimere queste espressioni, vedendole come incompatibili con i ruoli sociali tradizionali.

Sul piano sociologico, il cosplay può essere visto come una forma di devianza, secondo la teoria di Howard Becker. La devianza non è un comportamento intrinsecamente negativo, ma è definita dalla reazione della società a tali comportamenti. Se il cosplay è visto come “strano” o “infantile”, è perché una parte della società lo etichetta come tale, non perché esso sia di per sé problematico. Inoltre, il cosplay sfida le norme di genere e di ruolo sociale, poiché molti cosplayer scelgono di interpretare personaggi di genere opposto o ruoli che non corrispondono al loro status sociale. Questo sfida alle convenzioni può generare disapprovazione tra coloro che percepiscono tali comportamenti come una minaccia all’ordine stabilito.

Tuttavia, la disapprovazione psicologica che circonda il cosplay non si limita alla critica di chi vi si dedica, ma si estende anche agli effetti che questa attività può avere su chi la pratica. Il cosplay, come molte subculture, è uno spazio di incontro dove le dinamiche interpersonali e sociali si amplificano.

Il cosplay può essere definito come una pratica che coinvolge la creazione e l’indossamento di costumi ispirati a personaggi di cultura popolare, come quelli di anime, videogiochi o film. Tradizionalmente, il cosplay ha rappresentato uno spazio sicuro per gli “emarginati” sociali, in particolare per i nerd e gli appassionati di cultura pop, che in altri contesti possono sentirsi esclusi o marginalizzati. Originariamente, il cosplay fungeva da rifugio per coloro che, a causa di preferenze o caratteristiche particolari, non riuscivano a integrarsi nelle norme sociali dominanti. La comunità cosplay offriva, e in alcuni casi continua a offrire, uno spazio in cui l’identità individuale e le diversità potessero essere espresse senza paura di giudizio. Se inizialmente il cosplay era un luogo di inclusività, oggi si è trasformato in una subcultura più ampia, dove nuove forze sociali ed economiche – come i fotografi professionisti, i social media e le dinamiche di notorietà online – hanno cominciato a esercitare una crescente influenza. La commercializzazione del cosplay ha portato, purtroppo, alla comparsa di comportamenti psicologicamente dannosi e manipolativi, che hanno intensificato le dinamiche di abuso.

Le “Menti Deboli” e il Narcisismo

Una delle problematiche psicologiche più evidenti che emergono all’interno della comunità cosplay è l’esistenza di individui con tratti psicologici distruttivi che sfruttano la vulnerabilità emotiva degli altri. Questi individui, definiti come “menti deboli”, non corrispondono al concetto di debolezza mentale o psicologica nel senso tradizionale. Piuttosto, si tratta di individui che, insoddisfatti della propria vita reale, cercano di alimentare il proprio ego e il proprio potere all’interno di questa subcultura. Persone con tratti narcisistici, manipolatori, bugiardi patologici, e in generale coloro che cercano di esercitare il controllo sugli altri per mascherare le proprie insoddisfazioni, trovano nel cosplay un terreno fertile per le proprie frustrazioni.

Questi soggetti, in molti casi, utilizzano le dinamiche di fiducia, amicizia e apertura che caratterizzano il cosplay per manipolare emotivamente altri membri della comunità. Ciò si traduce in abusi psicologici, in cui le vittime sono sfruttate per il proprio vantaggio personale, diventando pedine nelle mani di chi cerca di consolidare la propria superiorità percepita.

La Creazione di un Ambiente Tossico

Il caso di studio riportato dalla scrittrice e cosplayer Alex L. Mainardi, che ha vissuto in prima persona l’evoluzione del cosplay, offre uno spunto per comprendere come le dinamiche tossiche possano svilupparsi all’interno di una subcultura originariamente inclusiva. L’autrice descrive come, in passato, il cosplay fosse un rifugio per coloro che cercavano di evadere dalle difficoltà quotidiane della vita, come nel suo caso, dove la disabilità rendeva la realtà quotidiana particolarmente difficile da affrontare. La comunità cosplay, con la sua inclusività, rappresentava un luogo dove la disabilità e altre limitazioni non erano un ostacolo, ma semplicemente una caratteristica personale.

Con l’ingresso di nuovi attori, come fotografi e influencer sociali, il cosplay ha visto l’emergere di un cambiamento nelle sue dinamiche interne. Non è più solo un atto di passione, ma un mezzo per raggiungere notorietà e fama. Questo ha aperto la porta a coloro che vedono nel cosplay non un’espressione artistica, ma un’opportunità per ottenere visibilità e potere. Le vittime, in particolare quelle più vulnerabili emotivamente, sono spesso attirate da queste dinamiche, non riconoscendo immediatamente il danno psicologico che può derivarne.

Abilismo e Abuso Psicologico

Un aspetto cruciale delle dinamiche di abuso psicologico all’interno del cosplay riguarda il fenomeno dell’abilismo. In un contesto in cui il fisico e l’apparenza possono diventare un fattore di discriminazione, le persone con disabilità o altre limitazioni fisiche possono essere particolarmente vulnerabili. L’autrice descrive come, a causa della propria disabilità, sia stata manipolata emotivamente e finanziariamente da soggetti che si sono approfittati della sua insoddisfazione e della sua necessità di appartenere a un gruppo. Questo tipo di abuso psicologico può essere devastante, poiché coinvolge la manipolazione delle emozioni e dei sentimenti di chi si sente emarginato o inadeguato.

Resilienza e Rinascita

Il vero valore del cosplay, tuttavia, non risiede solo nelle sue potenzialità come strumento di abuso, ma anche nella capacità delle sue vittime di superare tali esperienze. La resilienza delle persone che sono state vittime di manipolazioni è un aspetto fondamentale del processo di guarigione. La liberazione dalle dinamiche di abuso consente a chi ha subito danni di ricostruire la propria identità e, in alcuni casi, di ritrovare una nuova forza interiore. Come afferma l’autrice, “dalle ceneri un nuovo inizio sorgerà”, sottolineando come la capacità di lasciar andare il passato e di rinascere da esperienze traumatiche possa portare a una rinnovata forza interiore.

Il cosplay, come molte subculture, offre uno spazio di espressione e appartenenza, ma è anche un contesto dove le dinamiche di potere, abuso e manipolazione possono emergere in modo amplificato. Le vulnerabilità psicologiche individuali sono facilmente sfruttabili in un ambiente dove la fiducia e l’apertura sono valori prevalenti. È fondamentale, quindi, sviluppare una maggiore consapevolezza delle implicazioni psicologiche del cosplay, non solo per proteggere i partecipanti da possibili abusi, ma anche per garantire che il cosplay continui a essere un luogo sicuro e inclusivo per tutti. Solo così potrà evolversi come una forma autentica di espressione, lontano dalle manipolazioni emotive e dalle dinamiche di abuso psicologico.

Cinema & Tv

Twinless: Un’Incredibile Storia di Solitudine e Connessione nella Commedia Queer di James Sweeney

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Se c’è un film che ha catturato l’attenzione e ha diviso il pubblico al recente Sundance Film Festival del 2025, quello è senza dubbio Twinless, scritto e diretto da James Sweeney. Il film, che è riuscito a strappare il Premio del Pubblico e il Premio per il Miglior Attore a Dylan O’Brien, si presenta come una commedia drammatica queer che esplora temi di solitudine, perdita e connessione emotiva, il tutto con un tocco di umorismo surreale e un’intensa carica emotiva. La trama, che ruota attorno a due giovani che si incontrano in un gruppo di supporto per persone che hanno perso un fratello o un gemello, si sviluppa in una storia improbabile di affinità emotiva e fisica, che sfida le convenzioni e le aspettative di chi si avvicina al film.

Al cuore della vicenda, Twinless racconta la storia di Roman e Rocky, due uomini che, uniti dalla tragica esperienza della perdita del loro gemello, si trovano a formare una relazione che va oltre il semplice supporto emotivo. Il gruppo di supporto per “gemelli senza gemello”, come viene descritto nel film, diventa il terreno fertile per una connessione che mescola l’intensità sessuale e una dinamica di codipendenza emotiva, in una sorta di inedita “bromance” che riesce a farsi strada tra il dolore, la vulnerabilità e la solitudine. Con una regia sofisticata e una sceneggiatura che gioca con il contrasto tra momenti comici e drammatici, James Sweeney riesce a dar vita a un’opera che si fa strada tra i temi universali del lutto, della ricerca di sé e della necessità di affetto, senza mai cadere nel patetico o nel cliché.

Il cast, guidato da un Dylan O’Brien che, per la prima volta, si cimenta in un ruolo a dir poco complesso, riesce a dare vita a personaggi profondamente vulnerabili e realistici. O’Brien, nel doppio ruolo di Roman e Rocky, offre una performance che lascia il segno, conquistando la critica per la sua capacità di navigare tra la leggerezza e la drammaticità con sorprendente naturalezza. Al suo fianco, James Sweeney, che non solo firma la regia, ma interpreta anche Dennis, aggiunge un ulteriore strato di intensità alla pellicola. La presenza di Aisling Franciosi, Lauren Graham e di un cast di supporto di notevole calibro arricchisce ulteriormente l’opera, conferendo a Twinless un equilibrio perfetto tra le dinamiche personali e le complicate relazioni interpersonali.

Tuttavia, il film non è riuscito ad allontanarsi da un incidente che ha gettato un’ombra sulla sua partecipazione al festival. Durante la presentazione online del film, alcune scene intime tra i protagonisti sono state diffuse illegalmente, suscitando non poche polemiche. Le clip rubate, in particolare quelle che mostravano scene di sesso tra i personaggi interpretati da O’Brien e Sweeney, sono state rapidamente condivise sui social media, generando un putiferio che ha portato il Sundance a ritirare il film dalla sua piattaforma streaming. Un duro colpo per il festival, che ha dovuto emettere un comunicato di scuse agli spettatori online, ribadendo l’importanza di proteggere l’integrità dell’opera. Nonostante l’incidente, Sweeney ha reagito con una sorprendente dose di filosofia, ammettendo che l’attenzione generata dalla pirateria, sebbene fastidiosa, ha comunque contribuito a far parlare del film in maniera profonda.

La reazione della critica è stata entusiastica. Diverse testate hanno sottolineato l’originalità del progetto e la sua capacità di trattare temi complessi con un equilibrio perfetto tra ironia e pathos. The New York Post, per esempio, ha scritto che il film inizia con aspettative relativamente basse e si conclude “con la bocca aperta”, grazie a un crescendo che porta lo spettatore a riflettere su se stesso e sul suo rapporto con l’isolamento. The Playlist ha definito Twinless un film sulla solitudine, sul trovare qualcuno che riempia quel vuoto che spesso nessun altro può colmare, mentre ScreenRant ha enfatizzato come la pellicola sappia farsi strada attraverso il disagio, trovando in esso sia umorismo che sentimento. Nonostante l’incidente di pirateria che ha rischiato di offuscare la sua carriera, Twinless si è rivelato un trionfo di originalità e profondità emotiva, un film che merita di essere visto e discusso. Non solo per la sua esplorazione di temi universali, ma anche per la sua capacità di trattare con delicatezza e rispetto la condizione umana attraverso una lente queer, offrendo una prospettiva nuova e significativa sulla relazione tra fratelli, tra amanti e tra persone alla ricerca di un senso di appartenenza. La distribuzione del film è ancora in sospeso, ma il forte interesse generato dalla sua presentazione al Sundance lascia presagire che sarà uno dei titoli più attesi del 2025, capace di trovare la sua strada verso il grande pubblico e di diventare un riferimento per il cinema indipendente queer.

Approfondimenti, AULAMANGA, Books + Comics

La mia senpai è un ragazzo: il manga LGBTQIA+ che ha conquistato il cuore dei lettori

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J-POP Manga porta in Italia una delle opere più apprezzate degli ultimi anni, che ha conquistato lettori di tutto il mondo con la sua trama coinvolgente e la capacità di trattare temi profondi con leggerezza e sincerità. “La mia senpai è un ragazzo”, scritto da Pom, non è solo un manga originale, ma anche un’opera che esplora delicatamente le tematiche LGBTQIA+, toccando il cuore di chi ama le storie di crescita personale, accettazione di sé e amore senza pregiudizi.

Vincitore del Next Manga Award nel 2021, “La mia senpai è un ragazzo” non è semplicemente un manga romantico, ma un’opera che si inserisce perfettamente nel filone delle storie che riflettono sulla fluidità di genere e sull’importanza di essere se stessi, sfidando le aspettative sociali. Non solo il manga, ma anche la serie anime “Senpai is an Otokonoko”, disponibile in streaming su Crunchyroll, ha contribuito a far conoscere questa storia a un pubblico ancora più ampio.

Al centro della trama c’è Saki Aoi, una giovane ragazza che si ritrova a fare i conti con un sentimento difficile da spiegare. Saki è affascinata da Makoto Hanaoka, un membro del consiglio studentesco noto per la sua bellezza travolgente. Ma la ragazza teme che i suoi sentimenti non siano ricambiati. Quando finalmente trova il coraggio di dichiararsi, la sua risposta è ben lontana da quella che si aspettava: Makoto è, infatti, un “otokonoko”, un ragazzo travestito da ragazza. Ma anziché allontanarsi, Saki si avvicina ancora di più a lui, accogliendo con cuore aperto la sua identità senza giudicare.

Questa scoperta non fa che rafforzare il legame tra i due, che intraprendono un viaggio emotivo di scoperta e accettazione. La storia esplora temi come l’amore che supera i pregiudizi e il coraggio di affrontare la propria identità, anche quando la società non è pronta ad accoglierla.

Ma il manga non parla solo dell’amore tra Saki e Makoto. La vicenda di Makoto, infatti, è quella di tanti giovani che faticano ad accettarsi in un mondo che ha difficoltà a comprendere le differenze. Makoto ha sempre amato l’abbigliamento femminile, ma ha dovuto nascondere questa sua passione per paura del giudizio altrui, in particolare di sua madre. A scuola, però, riesce finalmente ad indossare ciò che gli piace e a sentirsi libero. Tuttavia, fuori dall’ambiente scolastico, si scontra con le difficoltà del mondo reale e con le aspettative di chi lo circonda.

L’incontro con Aoi rappresenta un punto di svolta per Makoto, che capisce che l’amore non ha pregiudizi e che essere sé stessi è un atto di coraggio. Aoi, infatti, non è sconvolta dalla sua identità di genere, ma al contrario, è ancora più attratta da lui. La sua sincerità e la sua mancanza di pregiudizi aiutano Makoto a superare le barriere che si era costruito, rendendogli possibile un percorso di accettazione.

In questa storia non manca un altro elemento che aggiunge profondità alla trama: il triangolo amoroso che si sviluppa con l’ingresso di Ryuji, il migliore amico di Makoto. Ryuji è da sempre innamorato di lui, e il suo sentimento nei confronti di Aoi è quello della gelosia e della paura di perdere il suo amico. Tuttavia, piuttosto che essere un ostacolo, Ryuji diventa un alleato, imparando ad accettare la relazione di Makoto con Aoi e riconoscendo l’effetto positivo che lei ha sulla vita del suo amico.

Il tratto di Pom è semplice, ma estremamente evocativo. La narrazione si concentra soprattutto sui personaggi e sui loro stati emotivi, mentre gli sfondi sono essenziali, lasciando che la luce giochi un ruolo importante nel sottolineare i momenti chiave della storia. La luce fredda accompagna i momenti di scoperta e riflessione di Makoto, mentre la luce calda evidenzia i momenti di felicità tra i protagonisti, creando un contrasto che amplifica l’intensità emotiva della storia.

“La mia senpai è un ragazzo” non è solo un manga d’amore, ma una riflessione sull’identità, sull’accettazione e sul coraggio di essere vulnerabili. L’edizione italiana, prevista per il 19 febbraio in una splendida versione a colori, è destinata a conquistare anche il pubblico italiano, pronto ad immergersi in una storia che celebra la diversità, l’inclusività e la bellezza di essere se stessi. Una lettura che, senza dubbio, lascerà il segno nel cuore di chi la intraprende.

Cinema & Tv, Music

Better Man: Un Viaggio Intimo e Surreale nella Vita di Robbie Williams

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Arriva finalmente sul grande schermo Better Man, il tanto atteso biopic su Robbie Williams, una delle icone più controverse e affascinanti della musica pop. Diretto da Michael Gracey, regista che ha già riscosso successo con The Greatest Showman, questo film non si limita a celebrare la carriera musicale di Williams, ma esplora anche la sua dimensione più intima e sofferta, scavando nelle difficoltà personali che lo hanno reso tanto un idolo quanto un uomo in lotta con se stesso. Better Man è molto più di un racconto di successo; è una riflessione profonda sul conflitto tra la luce della fama e le ombre del dolore, che hanno segnato la vita di un artista segnato dalle proprie contraddizioni.

Fin dalle prime scene, Better Man immerge lo spettatore in un vortice di emozioni contrastanti, alternando le vette del successo ai periodi più bui della vita di Robbie Williams. Il film segue la sua evoluzione, partendo dall’infanzia travagliata, segnata dall’assenza di un padre, passando per la sua ascesa come membro dei Take That, fino alla carriera solista che lo ha consacrato come un fenomeno globale. Ma al centro della narrazione non troviamo solo i trionfi musicali. Quello che emerge con forza è la lotta interiore dell’artista, le sue dipendenze, le sue insicurezze, e il peso delle aspettative di un’industria che, pur adorandolo, lo ha messo costantemente sotto pressione. La narrazione non si limita a dipingere l’immagine di una pop star, ma ci presenta l’uomo dietro la celebrità, vulnerabile e tormentato, un uomo che cerca disperatamente di conciliare il desiderio di approvazione con la necessità di libertà.

L’Iconografia della Scimmia: Un’Involontaria Metafora

Una delle scelte artistiche più audaci e intriganti di Better Man è la rappresentazione di Robbie Williams attraverso l’immagine di una scimmia CGI. Questa scelta visiva, che potrebbe sembrare eccentrica a prima vista, diventa presto un potente simbolo delle contraddizioni interne che hanno contraddistinto la sua vita. La scimmia, con la sua fisicità animalesca e la sua aggressività latente, rappresenta il lato oscuro di Williams, quell’aspetto dell’artista che, pur essendo amato dal mondo, non riesce a fare pace con le proprie insicurezze e con il giudizio che costantemente si auto-impone. È come se, anche quando il pubblico lo acclama, una parte di lui fosse sempre tormentata da un senso di inadeguatezza.

Il film utilizza questa metafora visiva per comunicare il conflitto emotivo di Williams, rendendo la sua instabilità psicologica palpabile attraverso l’uso della scimmia e di un montaggio che salta tra passato e presente. Ogni volta che la scimmia appare, è come se ci fosse un giudice interiore che tormenta il protagonista, costringendolo a fare i conti con le sue paure più profonde. In questo modo, la rappresentazione dell’animale diventa un mezzo per esplorare il caos interiore e le difficoltà psicologiche che hanno segnato la sua esistenza.

Musica come Terapia: Un Viaggio Psicologico

Un altro aspetto distintivo di Better Man è il ruolo centrale che la musica riveste non solo come parte della storia, ma come vero e proprio strumento narrativo. Le canzoni di Robbie Williams non sono semplicemente esibizioni da palcoscenico, ma momenti di catarsi, durante i quali l’artista esplora e affronta le proprie emozioni più intime. Brani come Angels e My Way non sono solo inni della sua carriera, ma diventano il veicolo attraverso il quale Williams tenta di fare i conti con il suo passato, in particolare con il complesso rapporto con il padre. My Way, in particolare, assume una forza simbolica straordinaria: è il momento di purificazione, una riconciliazione con sé stesso e con le ferite non guarite.

La musica diventa quindi la chiave per comprendere il tormento dell’artista. Ogni nota, ogni parola cantata, diventa una terapia, un modo per affrontare le proprie cicatrici. Eppure, nonostante la bellezza della sua arte, Williams sembra essere sempre accompagnato dalla scimmia, un giudice interiore che lo accompagna durante ogni performance, minando la sua sicurezza e la sua pace interiore.

Un Ritratto Senza Maschere

Ciò che rende Better Man particolarmente potente è la sua capacità di non nascondere nulla, di esporre senza remore i momenti più bui della vita di Robbie Williams. La sua lotta contro la dipendenza, le sue relazioni complicate, il tentativo di suicidio: tutto viene mostrato con una brutalità che lascia lo spettatore senza parole. Questi momenti dolorosi, purtroppo inevitabili, sono rappresentati senza alcun filtro, come una visione cruda della realtà che spesso viene ignorata nel mondo patinato delle celebrità. Tuttavia, insieme a queste scene più dure, il film regala anche momenti di rara bellezza emotiva, mostrando la vulnerabilità di un uomo che, nonostante tutto, cerca sempre di rialzarsi.

Le interazioni con il suo manager, la figura della ex-moglie Nicole Appleton, e il suo complicato rapporto con la fama, diventano il cuore pulsante di un film che non smette mai di mettere in luce il dualismo di una personalità tormentata dalla ricerca di amore e accettazione.

Un Biopic Imperdibile

Better Man non è solo un biopic su Robbie Williams, ma un’esplorazione profonda e senza compromessi delle sue contraddizioni, dei suoi demoni, e della sua arte. Michael Gracey non ha semplicemente raccontato la storia di un artista di successo; ha creato un viaggio psicologico che risuona con chiunque abbia mai lottato per trovare il proprio posto nel mondo. Con una miscela di dramma, surrealismo e musica, Better Man si impone come uno dei biopic più innovativi e coinvolgenti degli ultimi anni. Un film che va oltre la biografia, che ci insegna che la vera grandezza risiede non tanto nei trionfi esteriori, quanto nella capacità di affrontare e accettare le proprie debolezze. Un appuntamento imperdibile per chi ama il cinema che sa emozionare, sorprendere e, soprattutto, far riflettere.

Approfondimenti, Intelligenze Artificiali

La minaccia nascosta nell’intelligenza artificiale

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L’intelligenza artificiale (IA) è ormai al centro di molteplici discussioni, soprattutto per il suo potenziale di trasformare la nostra vita in modi che sembrano usciti da un film di fantascienza. In effetti, l’IA sta già cambiando diversi aspetti della nostra quotidianità, dalla medicina all’intrattenimento, passando per il mondo del lavoro. Tuttavia, come ogni tecnologia emergente, essa porta con sé una serie di opportunità e rischi che meritano di essere esplorati con attenzione.

L’evoluzione dell’IA: tra promesse e pericoli

Da un lato, l’intelligenza artificiale promette di migliorare notevolmente la qualità della vita. Immaginate un mondo in cui i compiti più noiosi e ripetitivi vengono svolti automaticamente, liberando tempo per attività più creative e gratificanti. Questo è il sogno di molti professionisti, che vedono nell’automazione un’opportunità per ridurre lo stress e aumentare la produttività. In campo medico, per esempio, l’IA può offrire diagnosi più rapide e precise, adattando i trattamenti alle esigenze specifiche di ciascun paziente, grazie alla capacità di analizzare enormi quantità di dati.

L’industria dell’intrattenimento, inoltre, sta beneficiando di questa rivoluzione, con la creazione di nuove forme artistiche che mescolano creatività e tecnologia. Dai videogiochi ai film generati dall’IA, la tecnologia sta aprendo nuove frontiere per gli artisti e i creatori. E non solo: l’IA potrebbe rivelarsi un’alleata fondamentale nella lotta contro sfide globali come il cambiamento climatico, creando tecnologie più sostenibili per l’energia pulita e per l’agricoltura.

Tuttavia, questa stessa tecnologia può anche essere utilizzata in modi preoccupanti. Tra i rischi più discussi c’è l’uso dell’IA per sviluppare armi autonome, in grado di prendere decisioni letali senza l’intervento umano. L’idea di “droni killer” e macchine da guerra che agiscono indipendentemente è un incubo che molti esperti temono possa diventare realtà. Ma non è solo in ambito militare che l’IA potrebbe avere effetti dannosi. Un altro pericolo riguarda la diffusione di disinformazione: l’IA è in grado di generare contenuti falsi estremamente convincenti, che potrebbero minare la fiducia nelle istituzioni e influenzare negativamente la società. Infine, la violazione della privacy è un altro rischio tangibile: raccogliere e analizzare dati personali per fini pubblicitari o per profilare gli utenti potrebbe portare a una sorveglianza di massa che minaccia le libertà individuali.

L’IA come “dio digitale”: tra speranza e incertezze

Nel suo articolo, Navneet Alang, uno scrittore e critico culturale canadese (trovate qui nell’edizione originale in inglese e qui invece tradotto in italiano) approfondisce le implicazioni etiche dell’IA esplora un’idea affascinante, paragonando l’IA a un “dio digitale”. Questa metafora prende spunto dalla riflessione di Arthur C. Clarke, che nei suoi scritti ha immaginato entità digitali con poteri quasi divini. Oggi, molti si rivolgono all’IA per cercare risposte a domande complesse, convinti che possa offrire soluzioni definitive. Ma come ci ricorda Alang, l’IA, sebbene potente, non è infallibile. I modelli linguistici avanzati come ChatGPT, pur essendo in grado di rispondere a una varietà di domande, sono comunque strumenti con dei limiti, che non possono sostituire completamente il giudizio umano.

Inoltre, l’IA non è immune da pregiudizi. Gli algoritmi che alimentano questi sistemi sono spesso influenzati da dati imperfetti o distorti, e possono perpetuare discriminazioni e disuguaglianze, invece di eliminarle. Un altro rischio legato all’adozione dell’IA riguarda l’occupazione: se da un lato essa offre l’opportunità di automatizzare lavori ripetitivi, dall’altro potrebbe portare alla perdita di posti di lavoro, creando nuove sfide per l’economia globale. È quindi essenziale approcciarsi all’IA con consapevolezza, cercando di comprenderne i limiti e utilizzarla in modo responsabile.

La sicurezza dell’IA: una questione di vita o di morte?

Un recente studio dell’Università della Pennsylvania ha sollevato inquietanti preoccupazioni riguardo alla sicurezza dei sistemi robotici controllati dall’IA. I ricercatori, guidati dal professor George Pappas, hanno sviluppato un algoritmo chiamato RoboPAIR, in grado di manipolare i robot e farli compiere azioni pericolose o impreviste. Questo scenario apre la porta a possibilità allarmanti, come veicoli autonomi che agiscono in modo incontrollato o robot industriali che danneggiano anziché assemblare. La vulnerabilità di tali sistemi potrebbe avere conseguenze catastrofiche, sia in ambito civile che industriale.

Le tradizionali Tre Leggi della Robotica di Asimov, che stabiliscono che un robot non può danneggiare un essere umano, sembrano oggi inadeguate a gestire la complessità dell’IA moderna. Gli esperti ritengono che sia necessario un approccio più sofisticato alla sicurezza, integrando misure preventive fin dalla fase di progettazione, per evitare che eventuali vulnerabilità vengano sfruttate.

Il futuro dell’IA: regolamentazione e responsabilità

Per bilanciare i benefici e i rischi dell’IA, la regolamentazione gioca un ruolo cruciale. È essenziale che l’IA venga utilizzata in modo sicuro e responsabile, rispettando principi di trasparenza, sicurezza e responsabilità. I governi devono collaborare per sviluppare leggi globali e coerenti, in grado di prevenire usi dannosi e promuovere un’adozione etica della tecnologia. Solo così sarà possibile sfruttare le potenzialità dell’IA, proteggendo al contempo i diritti e la sicurezza dei cittadini.

L’intelligenza artificiale è una tecnologia affascinante, che può davvero rivoluzionare il nostro mondo, ma dobbiamo affrontarla con prudenza e consapevolezza. Perché, come ogni innovazione, il suo impatto dipenderà da come sceglieremo di utilizzarla.

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Cosa vuol dire Kawaii?

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Se c’è una parola che tutti, almeno una volta, abbiamo sentito quando si parla di cultura giapponese, quella è “kawaii”. Spesso tradotto con il nostro “carino” o “adorabile”, questo termine è molto più di una semplice etichetta per descrivere qualcosa che suscita tenerezza. Kawaii è un vero e proprio simbolo, un concetto che affonda le radici nella storia e nella lingua giapponese, ma che oggi è diventato un fenomeno globale che invade la moda, l’arte, l’animazione, e persino il nostro modo di vedere il mondo. Ma vi siete mai chiesti cosa ci sia dietro quella dolcezza apparente, dietro la maschera di gattini sorridenti e pupazzi colorati? Cosa si nasconde davvero dietro la “cuteness” giapponese, che tanto ci affascina e spesso ci conquista? Andiamo a scoprire insieme come questo termine, un tempo legato a concetti di timidezza e fragilità, si sia trasformato in una vera e propria cultura, e come, a volte, la sua evoluzione possa nascondere anche qualche ombra.

Le radici linguistiche di “kawaii”

Per comprendere appieno la portata di kawaii, bisogna tornare indietro nel tempo, fino al XI secolo, dove si trova l’origine di questo termine. La sua forma primitiva, kawa hayushi, significa letteralmente “volto arrossito” e veniva usata per descrivere una persona che si sentiva imbarazzata o mortificata, un’emozione legata alla timidezza e alla vulnerabilità. Un secolo più tardi, il termine si trasforma in kawayui, mantenendo il significato di disagio, per poi evolversi in kawaisou, che indicava qualcosa di “pitiabile” o “misero”. Solo nel XVI secolo il concetto di kawaii acquista il significato di “piccolo, indifeso, degno di protezione” che conosciamo oggi.

Questa evoluzione linguistica è fondamentale per comprendere il vero significato di kawaii: non si tratta semplicemente di qualcosa che è “carino” nel senso estetico del termine, ma di un qualcosa che suscita in noi un impulso protettivo. La connotazione di “cura” e “tenerezza” è insita nel termine fin dalle sue origini, come un invito a prendersi cura di ciò che è fragile e indifeso.

Il kawaii nell’industria del fumetto e dell’animazione

L’industria giapponese dei manga e degli anime ha saputo adottare il concetto di kawaii in modo innovativo, trasformandolo in un elemento distintivo della sua estetica. Già negli anni Quaranta, il maestro Osamu Tezuka, uno dei più grandi innovatori della cultura pop giapponese, utilizzò tratti stilizzati e personaggi dalle caratteristiche “carine” ispirati alle produzioni Disney. Questo approccio visivo avrebbe presto contaminato tutto il panorama fumettistico giapponese, dando vita a personaggi dalle linee morbide, con occhi grandi e espressioni dolci, come quelle che oggi troviamo in manga come Sailor Moon o Pokémon. Così, la “cuteness” non solo diventa un tratto distintivo, ma un vero e proprio linguaggio visivo che racconta emozioni complesse in modo semplice e immediato.

Con l’espansione della cultura kawaii negli anni Settanta, grazie a brand come Sanrio e il fenomeno di Hello Kitty, il termine entra definitivamente nel dominio pubblico. Nata nel 1974 come una semplice borsa in vinile con il volto della gattina più famosa del mondo, Hello Kitty è divenuta un simbolo globale del kawaii, un’icona che ha attraversato generazioni e culture, trasformandosi in un impero commerciale che ha invaso non solo il Giappone, ma tutto il pianeta.

Kawaii oggi: innocenza sospesa e gioco di ruoli

Oggi, il fenomeno kawaii si è evoluto in un complesso gioco di ruoli che attraversa tutte le età, coinvolgendo giovani e adulti in un mondo in cui l’innocenza dell’infanzia sembra essere sospesa in un limbo eterno. Non è raro vedere ragazze adulte che indossano costumi da scolarette o che si truccano con uno stile “baby face” per emulare l’innocenza di un tempo. Il kawaii, infatti, non è più limitato a giocattoli e personaggi di anime, ma è diventato un vero e proprio stile di vita che permea la moda, il comportamento e l’estetica quotidiana.

Questa tendenza ha dato vita a un fenomeno ancora più controverso: l’innocenza che da sempre accompagna il concetto di kawaii si trasforma in un valore di scambio, diventando una merce di consumo. I cosiddetti maid café, in cui giovani donne vestite da cameriera servono tè e dolcetti con atteggiamenti civettuoli, sono un esempio di come la “cuteness” possa diventare anche un gioco erotico. Ma non è tutto: nei No-Pan Kissa, caffè in cui le ragazze si spogliano della biancheria intima, la “cuteness” si fa strumento di una forma di voyeurismo in cui l’innocenza è scambiata per piacere.

Riflessioni di un nerd tra etica e remix culturale

Come appassionato di anime e manga, non posso fare a meno di riflettere sulla metamorfosi di questo fenomeno. Da un lato, il kawaii evoca immagini di dolcezza, tenerezza e cura. È un’espressione della nostra voglia di proteggere e di preservare qualcosa di vulnerabile. Dall’altro, quando questa vulnerabilità viene sfruttata a fini commerciali o erotici, si perde il significato originario del termine. La questione diventa delicata, perché ciò che era nato come una forma di empatia e protezione si trasforma in uno strumento di potere e consumo.

Non si tratta di demonizzare l’intero fenomeno, che continua ad avere un’influenza positiva e leggera in molte persone, ma piuttosto di invitarci a riscoprire il vero cuore di kawaii: un desiderio sincero di proteggere e amare ciò che è fragile, senza cadere nella trappola della mercificazione. Che si tratti di un portachiavi di Hello Kitty, di un anime come Fullmetal Alchemist o di un semplice pupazzo di peluche, il kawaii più autentico rimane quello che nasce dal cuore, lontano dalle logiche di mercato e dal profitto. È questa la vera magia che il termine kawaii ci ha regalato: un mondo in cui la dolcezza e l’innocenza possano convivere senza essere corrotte dalla speculazione.