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Vampire: The Masquerade — Eternal Whispers porta il World of Darkness a Montreal con un CRPG gotico e narrativo

8 Giugno 2026 maio Lascia un commento

Vampire: The Masquerade — Eternal Whispers porta l’universo di World of Darkness in un nuovo CRPG narrativo che punta dritto al cuore dei fan del gioco di ruolo e delle atmosfere gotiche. Sviluppato da FLYOS e pubblicato da Kwalee, il titolo ci trasporta in una Montreal oscura e contemporanea, dove intrighi politici, segreti sepolti e orrori personali sono chiaramente all’ordine del giorno. Perché, si sa, quando vivi da vampiro, la serenità è sopravvalutata.

Dopo essersi risvegliato da decenni di torpore, il protagonista dovrà ricostruire il proprio passato, orientarsi tra le lotte di potere della società dei vampiri e prendere decisioni capaci di cambiare davvero il corso della storia. In Eternal Whispers, infatti, ogni scelta ha conseguenze durature, incluso il fallimento: niente retromarcia comoda, niente “vabbè, ricarico il salvataggio”. Il gioco punta tutto su una narrativa matura, su sistemi di ruolo profondi e su un approccio in cui anche perdere può diventare parte del racconto.

Secondo Gary Paitre, co-fondatore e creative director di FLYOS, il progetto nasce da una passione di lunga data per Vampire: The Masquerade e per il suo immaginario, già esplorato dallo studio con Vampire: The Masquerade — CHAPTERS. Con questo nuovo capitolo, il team vuole costruire un’esperienza che unisca il gusto dei classici CRPG con quello delle narrazioni moderne più raffinate, sulla scia di produzioni come Disco Elysium. L’obiettivo è chiaro: mettere al centro orrore personale, esplorazione e scelte significative, senza dimenticare atmosfera e scrittura.

Ambientazione e storia

La Montreal di Eternal Whispers è cambiata profondamente. Il Sabbat è scomparso, nuove fazioni muovono i fili nell’ombra e vecchie lealtà marciscono tra neon, cattedrali abbandonate e rovine di una fede dimenticata. Il giocatore interpreta Gabe, un vampiro risvegliato dopo decenni di torpore, con ricordi frammentati e un passato sepolto più in profondità dei classici segreti che un gioco di ruolo ti svela al capitolo 12.

Guidato da Sam, un riluttante Thin-Blood, Gabe parte da quella che sembra una semplice caccia a un ghoul ribelle, ma la faccenda si trasforma presto in una cospirazione legata al Temple of Eternal Whispers, una gigantesca cattedrale sotterranea dedicata a una fede proibita. Il ritorno del protagonista non è stato casuale, e più si scava, più emergono verità disturbanti sul Sabbat, sulle forze antiche sepolte sotto la città e su ciò che resta della sua umanità.

Un CRPG narrativo

Vampire: The Masquerade — Eternal Whispers si presenta come un CRPG guidato dalla narrazione, ambientato in un mondo contemporaneo cupo, fatto di ambiguità morale, investigazioni e politica soprannaturale. Non ci sono combattimenti tradizionali, ma il giocatore può comunque scegliere approcci violenti, manipolatori o spietati attraverso dialoghi, percorsi e decisioni distribuite lungo l’intera esperienza. In pratica, la diplomazia rimane valida, ma anche la cattiveria ha il suo perché.

Ogni conversazione, alleanza, tradimento o atto di violenza modifica il percorso della storia, influenzando relazioni, rivelazioni e opportunità future. Il gioco adotta inoltre una struttura fail-forward, in cui gli errori non bloccano la progressione ma la trasformano, aprendo nuovi sviluppi narrativi, tensioni e conseguenze. Qui sbagliare non è la fine: è solo un altro modo per complicarsi la vita.

Scelte e personalizzazione

Il titolo punta molto anche sulla costruzione del personaggio. Il giocatore potrà personalizzare aspetto e attributi iniziali, per poi modellare il proprio destino attraverso decisioni che riflettono il conflitto centrale tra potere, fame e umanità. Sarà possibile seguire i percorsi più brutali legati al Sabbat oppure provare a preservare ciò che resta della propria coscienza, sempre con la consapevolezza che l’immortalità, come al solito, non arriva gratis.

Tra le feature più interessanti ci sono la modalità Final Death, con conseguenze permanenti, il gameplay investigativo basato su deduzione e scoperta, e un sistema di progressione pensato per premiare l’interpretazione del personaggio. L’estetica grafica mescola horror gotico, architettura oscura e decadenza urbana, costruendo un’identità visiva forte e coerente con il mondo di Vampire: The Masquerade.

Approfondimenti, Cinema & Tv, Glorie Nerd Vintage, Storia & Misteri

Il 26 maggio è il Dracula Day: la giornata Internazionale dei Vampiri

26 Maggio 2026 Redazione Lascia un commento

Il 26 maggio si celebra il Dracula Day, una ricorrenza che omaggia la pubblicazione, nel 1897, del celebre romanzo “Dracula” di Bram Stoker. Questo anniversario è un momento perfetto per ricordare come Stoker abbia trasformato la figura del vampiro in un cult letterario, un simbolo iconico e temuto della narrativa horror che, nel corso degli anni, ha trovato espressione anche nel cinema e nella cultura pop. Se Stoker ha donato a Dracula un’aura mitica nelle pagine del suo romanzo, il regista Francis Ford Coppola ha immortalato l’immagine del vampiro sul grande schermo con il suo film del 1992, “Dracula di Bram Stoker”. Questa pellicola ha impresso nella memoria collettiva l’amore struggente tra Mina (Winona Ryder) e il conte Dracula (Gary Oldman), un amore tormentato che risuona ancora tra gli appassionati di cinema.

Ma la storia del vampiro affonda le sue radici in superstizioni antiche. Nelle comunità del passato, il panico da vampirismo si intrecciava con la paura delle epidemie, come quella di tubercolosi: per spiegare l’origine delle malattie, spesso si incolpava chi era morto di recente. Il caso di Mercy Brown, nel Rhode Island, è un esempio celebre: riesumata dopo mesi dalla sepoltura, venne trovata intatta, e per scongiurare la maledizione, gli abitanti bruciarono i suoi organi e li somministrarono al fratello malato. La storia ha ispirato racconti e ha trovato spazio persino in serie moderne come “Lore” su Amazon Prime, che esplora miti e credenze spaventose.

Nel XIX secolo, il fascino oscuro dei vampiri iniziò a prendere forma nella letteratura, con opere come “Carmilla” di Joseph Sheridan Le Fanu (1872), che portò in scena una protagonista femminile vampira, sensuale e letale. La figura del vampiro, inizialmente terrificante, diventa così anche attraente, una dualità che nel tempo conquisterà lettori e spettatori. Il cinema ha continuato questo percorso, con rappresentazioni che spaziano dal ripugnante e animalesco Conte Orlok in “Nosferatu” di F.W. Murnau (1922) alla maestosità seducente del Dracula di Bela Lugosi (1931), capace di ipnotizzare le sue vittime e trasformarsi in pipistrello.

Gli anni ’50 segnano la svolta, quando la Hammer Films porta Dracula alla ribalta con i suoi film horror gotici, e l’attore Christopher Lee dona al personaggio un carisma mai visto prima. “Dracula il vampiro” di Terence Fisher (1958) è una delle rappresentazioni più amate, un trionfo visivo dove il rosso del sangue e l’oscurità dello scenario creano un’estetica potente, destinata a plasmare l’immaginario collettivo per anni. Nel frattempo, il successo televisivo della serie cult “Dark Shadows” (1966) introduce il personaggio di Barnabas Collins, un vampiro “sopra le righe”, capace di appassionare una platea sempre più ampia e variegata.

Tra gli anni ’70 e ’80, il vampiro diventa più complesso: Werner Herzog dirige “Nosferatu” nel 1979, con un Klaus Kinski magnetico e struggente. Kinski incarna un vampiro malinconico, tormentato da una solitudine eterna che lo rende incredibilmente umano. Questo filone, che mescola orrore e tragedia, continua negli anni ’80 con “Miriam si sveglia a mezzanotte” di Tony Scott (1983), dove i vampiri, interpretati da David Bowie e Catherine Deneuve, assumono un’aura sofisticata e immortale, distaccandosi dall’idea del mostro per diventare creature di bellezza immortale e terribile.

Il ritorno all’epoca d’oro gotica arriva nel 1992 con “Dracula di Bram Stoker” di Coppola, dove Gary Oldman dona al conte una complessità emotiva nuova, resa indimenticabile dalle interazioni con Mina. Coppola, attraverso una regia visivamente ricca e con il contributo di un cast stellare, ridà al vampiro la dignità e la tragicità dei grandi amanti del passato, e il personaggio ritorna a ispirare anche la commedia, come nel caso di “Dracula morto e contento” di Mel Brooks (1995), una parodia che si diverte a giocare con gli stereotipi del genere.

Negli anni ’90, i vampiri si rinnovano grazie all’opera di Anne Rice, che, con il suo romanzo “Intervista col vampiro” e l’adattamento cinematografico di Neil Jordan (1994), porta i vampiri nell’era moderna. Qui i personaggi come Lestat (interpretato da Tom Cruise) e Louis (Brad Pitt) sono creature tormentate e sensuali, che attraggono e respingono allo stesso tempo, presentandosi non come mostri ma come esseri affascinanti e tragici. Questa rivisitazione ha preparato il terreno per il successo di serie come “Buffy l’ammazzavampiri”, creata da Joss Whedon nel 1997, che esplora i vampiri come simboli della paura e delle insicurezze adolescenziali, aprendo la strada a un mix di horror e commedia che conquista un’intera generazione.

Con il XXI secolo, la passione per i vampiri esplode nuovamente con la saga di Twilight di Stephenie Meyer. Qui il vampiro è ormai diventato una star: affascinante, misterioso e giovane in eterno, interpretato sul grande schermo da Robert Pattinson e Kristen Stewart. Il fenomeno Twilight trasforma i vampiri in icone popolari, sebbene la saga sia stata criticata per avere addolcito l’immagine del vampiro, privandolo della carica sinistra e tragica che aveva caratterizzato le versioni precedenti.

Parallelamente, la televisione risponde con prodotti come “True Blood” di Alan Ball (2008), serie trasgressiva e sopra le righe che recupera la componente sensuale e violenta del mito, offrendo un’alternativa più cruda e adulta. Con queste opere, i vampiri dimostrano di saper evolvere e di continuare ad attrarre e affascinare il pubblico attraverso le generazioni.

Il Dracula Day non è solo un tributo a Stoker, ma una celebrazione di tutte le interpretazioni e le visioni che i vampiri hanno ispirato nel corso dei secoli. Dalla carta stampata al grande schermo, questi esseri immortali continuano a popolare i nostri incubi e i nostri sogni, adattandosi alle paure e alle fantasie di ogni epoca.

Gaming

The Blood of Dawnwalker: il nuovo action RPG dark fantasy che promette di riscrivere il mito dei vampiri

3 Maggio 2026 Mj-AI Lascia un commento

Non riesco a togliermi dalla testa quella sensazione precisa che ti prende quando un gioco ancora lontano dall’uscita inizia a farsi spazio nei pensieri come se fosse già lì, installato, pronto a divorarti le notti — e sì, lo ammetto, con The Blood of Dawnwalker mi sta succedendo esattamente questo, tipo quelle volte in cui inizi a immaginarti build, scelte morali e outfit del protagonista ancora prima di aver visto un gameplay completo, perché qui non si parla solo di hype da trailer, ma di qualcosa che vibra a livello più profondo, quasi istintivo, come quando capisci che stai per entrare in un mondo che non ti lascerà uscire uguale. L’annuncio di un evento dedicato, con tanto di nuove informazioni e finalmente una data di uscita fissata al 3 settembre, ha acceso la community in un modo che non vedevo da un po’, e non è solo per il fascino gotico o per il solito richiamo del dark fantasy — è quel mix di promessa narrativa e libertà di scelta che ricorda certe esperienze che ci hanno segnato davvero, quelle che non si limitano a raccontarti una storia ma ti costringono a viverla, a sporcarti le mani, a scegliere chi vuoi essere anche quando nessuna opzione è davvero “giusta”.

E poi c’è lui, Coen, che già sento familiare come se lo avessi cosplayato almeno una volta nella mia vita parallela, uno di quei protagonisti che non nascono eroi ma lo diventano a forza di compromessi, errori e sopravvivenza pura, incastrato in una dualità che sembra uscita da una fanfiction scritta alle tre di notte dopo una maratona di anime dark: umano alla luce del sole, vampiro quando cala la notte, due identità che non si alternano soltanto a livello estetico ma cambiano completamente il modo in cui vivi il mondo, ti muovi, combatti, scegli.

E qui scatta subito quel pensiero da gamer ossessiva: ok, ma io come voglio giocarlo davvero? Perché sapere che una stessa missione può trasformarsi totalmente a seconda dell’ora del giorno è una di quelle cose che ti manda in tilt, tipo loop mentale infinito mentre sei in metro o in fila da qualche parte e inizi a ragionare su quale sarebbe la scelta “più mia”, quella che ti rappresenta di più anche se magari è la più sbagliata.

L’ambientazione poi… non è il solito medioevo fantasy patinato, ma qualcosa di sporco, malato, attraversato da peste, superstizione e paura reale, quella che non arriva dai mostri ma dalle persone, e questa cosa mi colpisce sempre perché rende tutto più vicino, più disturbante, più credibile, come se stessi entrando in una timeline alternativa dove il folklore europeo non è leggenda ma cronaca quotidiana, dove i vampiri non sono solo creature affascinanti ma una classe dominante che governa attraverso il terrore, con dinamiche che fanno quasi male per quanto ricordano certe realtà.

Dietro a tutto questo si sente forte la mano di chi ha già fatto la storia del genere, e il nome di The Witcher 3: Wild Hunt torna inevitabilmente nella testa, non come confronto diretto ma come eco, come promessa di profondità narrativa, quella roba che ti fa fermare davanti a una scelta anche per minuti interi perché sai che qualcosa cambierà davvero, che non esiste un reset emotivo dopo aver premuto “continua”. E non è un caso se tra i riferimenti mentali iniziano a spuntare anche Cyberpunk 2077 per la gestione delle conseguenze, Sekiro: Shadows Die Twice per la tensione nel combattimento e Kingdom Come: Deliverance per quella ricerca di realismo che ti costringe a imparare davvero come sopravvivere, non solo a premere tasti a caso.

La cosa che mi intriga di più però non è nemmeno il combat system o l’open world in sé, ma il modo in cui il tempo diventa una risorsa viva, qualcosa che scorre mentre tu fai scelte, mentre ti perdi, mentre magari sbagli strada o ti fermi troppo a lungo a esplorare, e intanto la storia va avanti, i personaggi cambiano, le opportunità si chiudono — e questa pressione costante mi ricorda certi giochi giapponesi dove ogni giorno conta, ogni relazione ha un peso, ogni decisione lascia una traccia, solo che qui tutto è immerso in un’atmosfera molto più oscura, più crudele.

E poi la fame, quella vampirica, che non è solo una meccanica ma una specie di tensione narrativa continua, perché nutrirti significa sopravvivere ma anche perdere qualcosa, scivolare lentamente verso un’identità che potrebbe divorarti del tutto, e questo tipo di conflitto interiore è esattamente il motivo per cui amo certi personaggi, quelli che non sono mai davvero al sicuro, nemmeno da se stessi.

Continuo a immaginarmi le sessioni notturne, magari con le cuffie, luce spenta, il gioco che passa dal giorno alla notte e tu che senti letteralmente il cambio di ritmo, di respiro, di possibilità, come se stessi vivendo due giochi diversi nello stesso mondo, e mi viene in mente quella sensazione da cosplay ben riuscito, quando per qualche ora smetti di essere te stessa e diventi qualcun altro, solo che qui la trasformazione è costante, inevitabile, parte integrante del gameplay.

E intanto la community si muove, discute, analizza ogni dettaglio, ogni frame del trailer, ogni parola degli sviluppatori, perché The Blood of Dawnwalker non è più solo un titolo da tenere d’occhio, è uno di quei progetti che iniziano a costruirsi un’aura ancora prima di uscire, un po’ come succede con certi anime che sai già che ti distruggeranno emotivamente anche se hai visto solo un teaser.

Non so ancora che tipo di player sarò dentro quel mondo, se cercherò di restare “umana” il più possibile o se mi lascerò andare completamente alla notte, ma una cosa è sicura: questo è uno di quei viaggi che non si fanno da spettatori.

E adesso lo chiedo davvero a te, senza filtri, come se fossimo in chat alle due di notte a parlare di build e scelte morali: ti fideresti della tua parte più oscura pur di salvare qualcuno che ami, o cercheresti di resistere fino all’ultimo, anche sapendo che potresti non farcela?

Cinema & Tv

Talamasca: il fallimento più affascinante dell’Immortal Universe (e perché non riesco a smettere di pensarci)

28 Marzo 2026 Dai nostri utenti Lascia un commento

Quel tipo di ossessione strana che ti resta addosso anche dopo aver chiuso tutto, spento lo schermo e magari aperto un altro episodio di comfort — uno di quelli sicuri, che sai già come andrà a finire — ma niente, la mente torna lì, a quel progetto imperfetto che non riesci a liquidare con una scrollata di spalle, perché qualcosa dentro continua a dirti che sotto la superficie c’era molto più di quanto abbiamo visto davvero, molto più di quanto ci sia stato concesso.

Dentro Talamasca: L’ordine segreto succede esattamente questo, una specie di glitch emotivo nella percezione dello spettatore nerd che conosce bene l’universo narrativo di Anne Rice, perché qui non si tratta semplicemente di una serie cancellata, ma di un tentativo — forse troppo ambizioso, forse troppo anticipato rispetto al pubblico — di cambiare completamente il punto di osservazione di un immaginario che, fino a oggi, ci aveva abituato a vivere tutto dalla parte dei mostri, delle creature, degli immortali che sanguinano desiderio e tragedia.

Questa volta no.

Questa volta siamo dall’altra parte.

O almeno… così sembra.

Chi ha passato anni a leggere i romanzi sa perfettamente che il Talamasca — sì, il, non “la”, perché nei libri è un’entità quasi monastica, quasi austera nella sua funzione — è sempre stato lì, in silenzio, a registrare, a osservare, a raccogliere frammenti di verità mentre vampiri e streghe si distruggevano emotivamente tra New Orleans e il resto del mondo, una presenza che non invade, non si espone, non si concede mai davvero.

Portarlo al centro cambia tutto.

E si sente.

Si sente come quando in un JRPG decidi di giocare non l’eroe ma il PNG che prende appunti ai margini della storia, quello che dovrebbe solo osservare e invece a un certo punto si accorge di avere troppo potere tra le mani per restare neutrale.

Ed è qui che la serie inizia a vibrare in modo diverso.

Guy Anatole, interpretato da Nicholas Denton, non è il classico protagonista da binge-watching facile, non è rassicurante, non è costruito per essere “amato” nel senso più semplice del termine, è disturbante nel modo in cui solo certi personaggi riescono a essere quando il loro dono è anche la loro condanna, perché sentire i pensieri degli altri non è cool, non è affascinante, non è un power-up da anime shonen, è rumore, caos, invasione continua, qualcosa che ti toglie il diritto di esistere in pace dentro la tua stessa testa.

E mentre lui cerca di restare in piedi dentro questo casino mentale costante, sopra di lui — sempre un passo sopra, sempre fuori portata — si muove Helen, con il volto di Elizabeth McGovern, una figura che sembra arrivare da un’altra epoca ma che padroneggia il presente con una freddezza che fa quasi paura, perché ogni sua parola sembra pesata, ogni silenzio sembra dire più di mille dialoghi, e più la osservi più inizi a chiederti quanto di quello che vedi sia reale e quanto sia solo una versione costruita per chi la guarda.

Ed è proprio questo il punto in cui la serie smette di essere “solo” una storia e diventa qualcosa di più inquietante.

Perché il Talamasca non osserva soltanto.

Interviene.

Manipola.

Riscrive.

E a quel punto la domanda cambia completamente forma.

Non è più “chi controlla il soprannaturale?” ma “chi controlla la narrazione del soprannaturale?”

Un livello meta che, da fan cresciuta tra anime pieni di organizzazioni segrete, archivi proibiti e verità censurate, mi ha fatto scattare qualcosa dentro, quella sensazione familiare di stare entrando in un lore più profondo di quanto sembri, uno di quelli che non ti vengono spiegati ma che devi ricostruire pezzo dopo pezzo, come quando cerchi di capire la timeline incasinata di un universo narrativo leggendo wiki alle tre di notte.

Eppure qualcosa non si incastra del tutto.

Si percepisce, ed è impossibile ignorarlo.

L’Immortal Universe ha sempre funzionato sull’eccesso, su emozioni che esplodono senza filtri, su relazioni tossiche che diventano poesia, su una fisicità quasi sensuale del dolore e del desiderio, mentre qui tutto sembra più controllato, più trattenuto, quasi come se la serie avesse paura di lasciarsi andare completamente a quella follia che rende iconico tutto ciò che nasce dalla mente di Anne Rice.

E questa scelta divide.

Perché da una parte c’è chi apprezza questo approccio più freddo, più strategico, quasi da spy thriller occulto, e dall’altra chi sente la mancanza di quel caos emotivo che ti travolge e ti lascia distrutta ma felice, come dopo una stagione particolarmente intensa di Interview with the Vampire o le dinamiche familiari disturbanti di Mayfair Witches.

Il personaggio di Jasper, interpretato da William Fichtner, incarna perfettamente questa tensione, perché ogni sua apparizione sembra promettere un’esplosione che però non arriva mai del tutto, come se la serie stessa si trattenesse all’ultimo secondo, come se avesse paura di perdere il controllo.

E forse è proprio lì che qualcosa si spezza.

Non in modo evidente.

Non in modo rumoroso.

Ma abbastanza da creare quella distanza sottile che, episodio dopo episodio, diventa sempre più difficile ignorare.

Eppure — ed è qui che la cosa diventa quasi frustrante — ogni volta che la serie sfiora davvero il caos, quando lascia intravedere cosa potrebbe essere se si liberasse completamente, succede qualcosa di potentissimo, qualcosa che ti aggancia, che ti fa pensare “ok, adesso ci siamo davvero”, e in quei momenti capisci che il potenziale era enorme, forse persino più di quello delle altre serie dello stesso universo.

A rendere tutto ancora più stranamente magnetico ci pensa l’estetica, perché visivamente Talamasca: L’ordine segreto è pura droga per chi ama il worldbuilding fatto bene, archivi che sembrano infiniti, corridoi che non finiscono mai, tecnologia nascosta dentro strutture antiche, come se ogni stanza fosse un layer diverso di storia, un livello segreto che puoi sbloccare solo se presti attenzione ai dettagli.

Uno spazio che non è solo fisico.

È mentale.

E in questo si sente forte la mano di John Lee Hancock, che costruisce un ambiente così coerente e immersivo da sostenere anche i momenti in cui la scrittura rallenta, quasi come se il mondo stesso fosse più interessante della trama che lo attraversa.

Poi arriva la notizia.

Quella che ormai conosciamo tutti.

Fine.

Cancellata.

Una sola stagione.

E la cosa più strana è che non fa nemmeno male nel modo classico.

Non è quella delusione netta che ti fa dire “ok, me la dimentico”.

È più una sospensione.

Una storia che sembra essersi fermata a metà frase.

Perché l’universo continua, le connessioni restano aperte, e quei personaggi… potrebbero tornare, in forme diverse, in altre serie, in altri frammenti di questo mosaico narrativo che AMC sta ancora costruendo.

E allora la domanda resta lì, sospesa, come una chat mai chiusa, come un messaggio lasciato in visualizzato.

Il Talamasca osserva davvero… oppure sta scrivendo tutto mentre finge di registrarlo?

Perché se la risposta fosse la seconda, allora questa serie non era un semplice esperimento fallito, ma un tentativo di cambiare le regole dall’interno, di spostare il focus, di trasformare gli spettatori in qualcosa di diverso.

E forse è proprio questo che ha destabilizzato tutto.

Io continuo a pensarci, e la cosa buffa è che più passa il tempo più mi sembra una di quelle opere destinate a essere rivalutate, di quelle che non funzionano subito ma che restano, si infilano sotto pelle, e tornano fuori nei momenti più random, tipo mentre scrolli TikTok o mentre stai decidendo quale cosplay portare al prossimo evento e ti ritrovi a immaginare versioni Talamasca di qualsiasi personaggio.

E quindi lo chiedo davvero a voi, senza filtri, come si fa tra gente che vive queste storie e non le consuma soltanto: vi ha respinto questo lato più freddo e controllato oppure vi ha incuriosito abbastanza da voler vedere dove sarebbe potuto arrivare?

Perché qualcosa mi dice che, anche se la serie si è fermata, il Talamasca no.

E forse, in qualche modo, sta ancora guardando anche noi.

Cinema & Tv

The Vampire Lestat: rock, sangue e ossessioni immortali nell’estate 2026

14 Febbraio 2026 Dai nostri utenti Lascia un commento

Sex, drugs and rock and roll. E poi zanne, desiderio, traumi mai risolti e una limousine che scivola nella notte come un segreto sussurrato troppo forte. Il nuovo teaser di The Vampire Lestat non fa nulla per nascondere le sue ambizioni: Lestat de Lioncourt non vuole più essere soltanto un vampiro. Vuole essere un dio del rock. Anzi, lo è già. Autoproclamato, certo. Ma provate voi a dirgli il contrario guardandolo negli occhi.

Nel trailer lo vediamo splendere sotto i riflettori, magnetico e disturbante, con quell’aria da rockstar maledetta che conosce perfettamente il potere dell’immagine. La voce è sicura, il corpo è palco, il palco è trono. Eppure, tra un accordo e l’altro, qualcosa si incrina. Daniel Molloy, seduto accanto a lui nella parte posteriore della limo, osa fare la domanda che tutti abbiamo in testa: “Tu e Louis vi state parlando di nuovo?”.

La risposta non è una frase. È uno sguardo. Lento. Gelido. Letale. Uno di quegli sguardi che farebbero tremare un mortale qualunque. Ma Daniel non è più un mortale. E onestamente, anche da umano non avrebbe mai abbassato gli occhi.

Perché, diciamolo, il vero epicentro emotivo di Interview with the Vampire resta la relazione tra Lestat e Louis. Amore tossico, dipendenza, desiderio, rabbia, nostalgia. Un legame che brucia da due stagioni e che ora promette di esplodere sotto forma di concerto mondiale.

Lestat rockstar: narcisismo o sopravvivenza?

Chiunque si proclami dio di qualcosa raramente porta buone notizie. E Lestat, in questo teaser, non sembra esattamente stabile. Anzi. La sensazione è che stia danzando sul bordo della follia. Potrebbe persino star vedendo Louis tra la folla durante uno dei suoi concerti. Allucinazione? Rimorso? Ossessione?

Dopo il finale della seconda stagione di Interview with the Vampire, il nostro livello di fiducia emotiva è pari a zero. Eppure, come ogni fandom che si rispetti, continuiamo a sperare in un frammento di dolcezza. Minuscolo. Microscopico. Ma reale.

L’annuncio ufficiale ha messo fine alle speculazioni: The Vampire Lestat arriverà nell’estate 2026 su AMC. Per mesi si era parlato di primavera, qualcuno aveva sussurrato “aprile” come un segreto proibito tra le pieghe dei social. Invece no. Estate. Calda. Sudata. Perfetta per un tour mondiale di un vampiro che decide di raccontare la propria versione dei fatti a colpi di chitarra elettrica.

Sì, perché questa non è una semplice terza stagione. È una presa di potere narrativa. Lestat, stanco di essere stato descritto nel libro-intervista come un mostro superficiale e manipolatore, fonda una band e sale sul palco. Vuole controllare il mito. Vuole manipolare la narrazione. Vuole essere ascoltato.

E da fan storica dei romanzi di Anne Rice, vi confesso che questo è esattamente il tipo di caos che aspettavo.

Gabrielle, Armand e il gremlin che verrà

Una delle apparizioni più intriganti del teaser è quella di Gabrielle, interpretata da Jennifer Ehle. Elegante, enigmatica, potentissima. Il rapporto tra lei e Lestat è tutto tranne che lineare. Madre, complice, specchio, rivale. Ogni loro scena è una bomba emotiva pronta a detonare.

Assente ingiustificato del teaser? Armand. Il suo broncio regale, la sua ambiguità millenaria, quella capacità di sembrare fragile e manipolatore nello stesso respiro. Non si vede. E questo silenzio pesa.

Lo showrunner Rolin Jones ha promesso che Armand arriverà in modalità “full gremlin”. E se conoscete il personaggio sapete che significa caos, seduzione e tragedia. Personalmente sto già preparando il mio cuore per ciò che potrebbe accadere tra lui e Daniel. Perché sì, vogliamo quel confronto. Lo pretendiamo.

Immortal Universe: ambizione o follia?

L’orizzonte narrativo si amplia. Collegamenti con Talamasca: The Secret Order suggeriscono la nascita di un vero Immortal Universe. Ordini segreti, archivi occulti, vampiri millenari che intrecciano destini. Non si tratta solo di adattare un romanzo cult come The Vampire Lestat del 1985. Qui si sta costruendo una mitologia seriale ambiziosa, stratificata, consapevole del proprio potenziale.

Lestat, performer immortale, comprende la logica della celebrità moderna meglio di qualsiasi influencer. Trasforma trauma in spettacolo. Dolore in spettacolarizzazione. Immortalità in brand.

E Sam Reid? Ipnotico. Il suo Lestat è fragile e feroce allo stesso tempo. Un essere che desidera amore ma non sa come non distruggerlo.

Estate 2026: pronti a perdere la testa?

Estate 2026 non è più una vaga promessa. È una data incisa nella pietra per chi vive di narrativa gotica, tensione queer e drammi immortali. La terza fase di questa saga televisiva non punta solo a intrattenere. Vuole destabilizzare. Vuole farci oscillare tra esaltazione e disperazione, tra lacrime e headbanging.

Lestat salirà sul palco. Canta la sua verità. E noi saremo lì sotto, pronti a farci travolgere.

Adesso tocca a voi, community di anime dannate e cuori romantici: siete pronti a seguire Lestat nel suo tour infernale? Volete redenzione o solo caos? Parliamone nei commenti. Perché una cosa è certa: l’estate 2026 avrà il sapore del sangue e delle chitarre distorte.

E noi non vediamo l’ora di alzare il volume. 🩸🎸

Books + Comics, Cinema & Tv

“Twilight. Cosa resta della sua eredità scintillante” arriva in libreria

8 Novembre 2025 Enrico Ruocco Lascia un commento

Nel 2005, una scrittrice mormone dell’Arizona pubblicava un romanzo che avrebbe cambiato per sempre l’immaginario romantico di un’intera generazione. Stephenie Meyer, con Twilight, non inventò solo una storia d’amore tra un’adolescente e un vampiro: accese una miccia culturale che ancora oggi, tra ironia e nostalgia, continua a bruciare. A vent’anni dalla sua uscita, la saga torna sotto la lente dell’analisi con Twilight. Cosa resta della sua eredità scintillante, un saggio che illumina il fenomeno da una prospettiva nuova e sorprendentemente nerd.

Il libro, scritto con tono ironico ma mai superficiale, smonta e ricostruisce il mito di Twilight con la stessa cura con cui un fan rilegge il suo manga preferito cercando easter egg nascosti. Le autrici attraversano romanzi e film con uno sguardo affilato, capace di cogliere ciò che, all’epoca, non si vedeva: le red flag relazionali, i cliché tossici, la visione del desiderio e del femminile filtrata da una cultura patriarcale travestita da amore eterno. Ma, al tempo stesso, riconoscono il potere di quella fiaba gotica che, nel bene e nel male, ha dato voce ai turbamenti di un’intera generazione di adolescenti cresciuti tra i primi Nokia con la fotocamera e le playlist su MySpace.

Twilight non è stato solo un libro, ma un rito di passaggio collettivo. Isabella Swan, la protagonista, incarnava l’ansia e l’imbarazzo di un’adolescenza in sospeso tra la timidezza e il desiderio di essere vista, mentre Edward Cullen era la proiezione romantica di un amore totalizzante, pericoloso, irresistibile. La pioggia costante di Forks, con le sue atmosfere bluastre e malinconiche, era lo sfondo perfetto per una generazione che cominciava a definirsi attraverso Tumblr e fanfiction.net. E in quel mondo ovattato e tormentato, le emozioni avevano la forza di un temporale.

Il saggio – arricchito da illustrazioni, test, quiz e inserti grafici che richiamano le riviste pop dei primi anni Duemila – non si limita a un’operazione di archeologia sentimentale. È una riflessione su come il mito di Twilight abbia influenzato la letteratura young adult, il modo di rappresentare il desiderio femminile e persino l’estetica di Internet. Dai filtri freddi di Instagram all’ossessione per le “bad love stories” nelle serie Netflix, il DNA di Meyer scorre ancora nel corpo della cultura pop contemporanea.

E poi c’è la fan culture, quel motore invisibile che ha trasformato Twilight in un fenomeno transmediale. I forum, le fanfiction, le prime convention dedicate ai vampiri: tutto contribuiva a costruire una mitologia parallela in cui i fan diventavano autori, riscrivendo il destino di Bella, Edward e Jacob. In un certo senso, Twilight è stata una protoforma del fandom 2.0, anticipando quel legame viscerale e partecipativo che oggi anima community come quelle di Marvel, Harry Potter o Attack on Titan.

Ma il vero miracolo della saga non è solo la sua capacità di creare mondi, bensì quella di sopravvivere ai meme. La Generazione Z, cresciuta con l’ironia dissacrante di TikTok, ha riscoperto Twilight come un oggetto vintage da ridere e amare contemporaneamente. Le scene imbarazzanti, i dialoghi drammatici e la fotografia desaturata sono diventati materiale perfetto per remix, reaction e rivisitazioni camp. In un mondo che consuma la nostalgia come contenuto, Twilight si è reinventato da melodramma adolescenziale a culto postmoderno.

Eppure, dietro l’ironia e i glitter, resta qualcosa di autentico. Perché, al di là dei giudizi critici, Twilight ha rappresentato un’educazione sentimentale per chi stava imparando ad amare nell’epoca dei social nascente. È stato un primo contatto con la complessità delle relazioni, con l’idea che il desiderio potesse essere insieme dolce e pericoloso, luce e ombra. Forse oggi possiamo ridere di Edward che luccica al sole, ma non possiamo negare che quella luce abbia illuminato una parte di noi che cercava ancora un linguaggio per descrivere l’amore.

La Meyer, spesso accusata di sessismo e banalità, ha in realtà intercettato – forse inconsapevolmente – una tensione profonda: la paura e il fascino di perdersi in un altro. E mentre la critica letteraria discuteva di plagio e stereotipi, milioni di lettori trovavano nella storia di Bella e Edward una forma di riconoscimento. Non la perfezione, ma il riflesso di un’emozione autentica.

L’universo di Twilight si è espanso ben oltre i libri. Dalle trasposizioni cinematografiche con Kristen Stewart e Robert Pattinson, dirette da Catherine Hardwicke, Chris Weitz, David Slade e Bill Condon, fino alle fanart su DeviantArt e alle parodie su YouTube, la saga ha costruito un ecosistema narrativo che ha influenzato anche chi dice di non averlo mai amato. Oggi, con l’annuncio di una nuova serie televisiva prodotta da Lionsgate, il ciclo dei Cullen si prepara a un revival che, più che un ritorno, somiglia a una resurrezione pop.

Twilight. Cosa resta della sua eredità scintillante non si limita a guardare indietro: ci chiede di capire perché continuiamo a parlarne. Forse perché Twilight non è solo una storia d’amore tra una ragazza e un vampiro, ma il ritratto di una generazione che ha imparato a crescere nell’ambiguità, tra il desiderio di essere speciali e la paura di non bastare. E in quell’equilibrio precario tra romanticismo e autodistruzione, tra sogno e colpa, c’è ancora tutto il fascino del crepuscolo.

Books + Comics

Bleed Them Dry – Quando i vampiri incontrano i ninja nel futuro di Asylum

8 Novembre 2025 Enrico Ruocco Lascia un commento

Nel 3333 l’umanità ha dimenticato la paura dell’oscurità. O forse no.
Nella megalopoli iper-tecnologica di Asylum, un capolavoro di ingegneria giapponese costruito dopo la rinascita della Terra, uomini e vampiri convivono in una fragile pace. Gli immortali non sono più mostri, ma cittadini: alcuni benevoli, altri ambigui, la maggior parte semplicemente anonima nella folla di neon e cemento. Ma quella tranquillità artificiale viene infranta da una serie di omicidi brutali: qualcuno sta sterminando i vampiri.
A indagare è Harper Halloway, una detective determinata che non sa ancora di essere sul punto di scoprire una verità capace di riscrivere la storia stessa dell’umanità.

È questa la premessa di Bleed Them Dry – Una storia di vampiri ninja, il sorprendente mystery sci-fi firmato dallo sceneggiatore Eliot Rahal e illustrato dal talento di Dike Ruan (Marvel, DC), in arrivo a dicembre per Edizioni BD dopo il debutto italiano alla Milan Games Week & Cartoomics. Pubblicato originariamente da Vault Comics, il volume unisce mitologia giapponese e immaginario occidentale in un racconto che mescola Blade Runner e American Vampire in una visione cupa, futuristica e ad altissima densità visiva.

Sangue, acciaio e segreti

Harper Halloway è più di un’investigatrice: è l’ultimo baluardo razionale in un mondo che ha dimenticato cosa significa essere umano. Mentre segue la scia di cadaveri lasciata dal misterioso assassino, la detective scopre che i confini tra uomo e vampiro, tra naturale e artificiale, sono più sfumati di quanto la società di Asylum voglia ammettere.
Nel cuore dei grattacieli olografici e dei templi digitali, la linea che separa il sangue dalla macchina si dissolve in un intreccio di complotti, esperimenti segreti e memorie riscritte. “Il futuro dell’umanità è un’invenzione”, recita il claim del fumetto — e non è solo uno slogan, ma la chiave di volta di un mondo dove la verità è manipolabile come il DNA.

L’intuizione di Koizumi: ninja e vampiri, due miti a confronto

L’idea di unire due archetipi eterni – i ninja e i vampiri – nasce dal produttore Hiroshi Koizumi, che ha voluto fondere l’estetica e la spiritualità del Giappone con l’immaginario gotico occidentale.
Rahal ha raccontato di aver collaborato fianco a fianco con Koizumi per creare un universo coerente, dove ogni dettaglio tecnologico e ogni tradizione mistica convivono senza forzature. «Hiroshi è una persona appassionata e piena di idee incredibili», spiega lo sceneggiatore. «Con Bleed Them Dry volevamo costruire una storia divertente ma anche significativa, che bilanciasse elementi noti con un world-building originale e un lavoro sui personaggi emotivamente forte».

L’estetica di Dike Ruan: luce e ombra nel futuro

A dare corpo e anima a questo universo è il tratto di Dike Ruan, già noto per Spider-Verse e The Magic Order. Le sue tavole alternano minimalismo cyberpunk e esplosioni di colore, con fight-scene che sembrano coreografie di danza e sangue.
Ogni pagina è una lama che taglia la notte di Asylum, rivelando creature bellissime e terribili, illuminate da ologrammi che ricordano Tokyo o Neo-Hong Kong. Il suo stile, fluido e cinematografico, trasforma Bleed Them Dry in un’esperienza sensoriale che oscilla fra graphic novel e anime di nuova generazione.

Un noir di fantascienza dal respiro filosofico

Dietro l’adrenalina e i colpi di katana si nasconde un’indagine più profonda: cosa significa davvero essere vivi quando la vita può essere replicata, programmata o eternata nel silicio?
Nel 3333, la coesistenza tra umani e vampiri è solo una facciata di tolleranza che nasconde vecchie paure e nuove disuguaglianze. Bleed Them Dry riflette su temi come l’immortalità, la memoria e l’identità, con la tensione di un thriller e la malinconia di un racconto cyber-gotico.

Il debutto italiano

L’edizione italiana curata da Edizioni BD porta finalmente al pubblico nostrano una delle opere più particolari del catalogo Vault Comics. Dopo la presentazione alla Milan Games Week & Cartoomics, il volume arriverà in libreria, fumetteria e store online nel mese di dicembre, con una traduzione che promette di restituire tutta la potenza lirica e visiva dell’originale.

Nel panorama sempre più ricco dei fumetti di fantascienza, Bleed Them Dry – Una storia di vampiri ninja si distingue per il coraggio di contaminare generi, linguaggi e culture. È un’opera che parla di futuro ma riflette sul presente: sul desiderio umano di eternità, sull’illusione del controllo, sull’idea che la verità – come il sangue – può essere filtrata, distillata o semplicemente… prosciugata.

E voi, siete pronti a scoprire cosa significa davvero “bleed them dry”?
Il futuro di Asylum vi aspetta, con i denti scoperti.

Cinema & Tv

Un Bacio Immortale nella Belle Époque: Il Dracula di Luc Besson è Una Rilettura Dannatamente Romantica del Mito

29 Ottobre 2025 Dai nostri utenti 1 commento

C’è un respiro antico che attraversa la storia del cinema, un battito che si risveglia ogni volta che qualcuno osa pronunciare il nome “Dracula”. È il suono dell’amore negato, della fede infranta, dell’ossessione che sfida il tempo. Con Dracula – L’amore perduto (Dracula: A Love Tale nel titolo internazionale), Luc Besson torna a evocare questo battito, a farlo vibrare con la sua firma barocca, romantica, eccessiva, profondamente umana. Dal 29 ottobre 2025 nei cinema, e presentato in anteprima mondiale alla Festa del Cinema di Roma, il film segna il ritorno del regista francese dietro la macchina da presa dopo anni di silenzio, ombre e rinascite. Per Besson, non è solo un nuovo film: è un atto di fede. O forse, di bestemmia.Luc Besson non rifà Dracula — lo reinventa come si reinventa un amore perduto, partendo dalle sue ceneri. Non più la caricatura gotica del conte in mantello, ma l’essenza primordiale dell’archetipo: un uomo che rifiuta la morte perché incapace di accettare la fine del sentimento.

Siamo nella Transilvania del XV secolo, tra nevi e cattedrali in rovina. Vladimir, principe e guerriero, perde la donna amata, Elisabeta. Il dolore lo divora, e la sua preghiera si tramuta in maledizione. Nel suo rifiuto di Dio nasce l’immortalità: non un dono, ma un castigo. Da quel momento, il tempo si piega, si spezza, e l’uomo diventa mito. Secoli scorrono come sabbia nel vetro di un orologio infranto. Vladimir vaga, non come predatore, ma come pellegrino del desiderio, in cerca di una presenza che il mondo ha dimenticato. Il sangue non è più cibo, ma memoria. Ogni goccia che assapora è un frammento di vita che non può più vivere.

Besson costruisce così un Dracula che non spaventa ma commuove, un eroe decadente, un santo dell’eros e della colpa.

Besson mistico, Besson barocco

Durante la conferenza stampa romana, Besson lo ha detto con disarmante semplicità: “Non volevo fare un film gotico. Volevo fare un film sull’anima.” E in effetti Dracula – L’amore perduto sembra più una confessione che un film.

Il regista di Léon, Il Quinto Elemento e Lucy torna a quel lirismo visionario che da sempre abita il suo cinema, ma lo infetta con un senso quasi religioso della perdita. Ogni inquadratura è una preghiera, ogni movimento di macchina un lamento. La regia ondeggia tra l’estasi e la disperazione, come se Besson avesse finalmente trovato nel mito del vampiro la forma perfetta per raccontare la sua ossessione per la purezza e la dannazione.

Le location, scelte con una precisione quasi pittorica, compongono un viaggio tra gelo e febbre. Le distese innevate della Finlandia, i palazzi barocchi di Parigi, la luce sospesa del Giura francese: tutto vive in un equilibrio fragile tra sacro e profano. Thierry Arbogast, storico direttore della fotografia di Besson, plasma la luce come un oracolo visivo — un chiaroscuro costante dove il volto di Dracula è sempre in bilico tra redenzione e peccato.

Caleb Landry Jones: l’anima dietro il mostro

Nel ruolo di Vladimir/Dracula, Caleb Landry Jones offre la performance più devastante della sua carriera. Dopo il trauma e la grazia di Dogman, torna nelle mani di Besson come materia viva da scolpire. È un Dracula che trema, che suda, che sanguina dentro.

Besson lo definisce “il Gary Oldman del 2025”, ma è più di un paragone: è una dichiarazione d’amore. Jones non interpreta il vampiro come simbolo di potere o lussuria, ma come reliquia di dolore. È fragile e feroce, mistico e carnale, un Cristo senz’anima che vaga tra i secoli in cerca di una resurrezione impossibile. Ogni suo sguardo racconta un secolo, ogni silenzio pesa come una croce.

Zoë Bleu e Matilda De Angelis: due incarnazioni dell’eterno femminino

Ma nessun Dracula esiste senza la sua Musa. Qui Besson ne offre due, in un gioco di riflessi che attraversa le epoche. Zoë Bleu, figlia d’arte e volto sospeso tra sogno e realtà, interpreta sia Elisabeta che Mina, la reincarnazione della donna perduta. È un doppio ruolo di straordinaria delicatezza: in lei convivono la grazia e la condanna, la promessa e il ricordo.

Matilda De Angelis, invece, è Maria: vampira ribelle e sensuale, figura inedita creata da Besson per incarnare l’altra faccia dell’eternità. Se Vladimir cerca l’amore come redenzione, Maria lo abbraccia come condanna consapevole. È libertà e schiavitù fuse in un solo corpo, un personaggio che vibra di un’energia viscerale e tutta italiana. “Maria non chiede perdono — vive,” ha detto Besson. Ed è proprio in questa sfida, nel contrasto tra devozione e disincanto, che il film trova il suo cuore pulsante.

Christoph Waltz: la fede in frantumi

Accanto a loro, Christoph Waltz presta il suo magnetismo al ruolo del sacerdote-cacciatore, ma la sua figura è tutt’altro che quella di un antagonista classico. È un uomo di fede che ha perso Dio, un teologo che insegue la prova dell’anima più che quella del vampiro. In lui, Besson costruisce un alter ego riflessivo del protagonista, un uomo che caccia ciò che non capisce e che teme ciò che ama.

Il duello tra Dracula e il prete non è fisico, ma spirituale: è la guerra tra la ragione e il mistero, tra la scienza e la fede, tra l’uomo che vuole vivere per sempre e quello che ha smesso di credere nella vita.

Un requiem per gli amanti

Dal punto di vista visivo, Dracula – L’amore perduto è un’esperienza sensoriale quasi mistica. Ogni fotogramma sembra scolpito nella cera e nel sangue. L’estetica cita il gotico di Coppola, ma lo capovolge: dove Bram Stoker’s Dracula cercava il romanticismo nell’orrore, Besson cerca l’orrore nell’amore.

La colonna sonora, composta da Éric Serra e dallo stesso Besson, alterna organi liturgici a sintetizzatori distorti. Sembra una messa recitata nello spazio, un incontro tra la sacralità di un requiem e la pulsazione di The Fifth Element. Ogni tema musicale è un eco del passato, un rintocco che accompagna la discesa del protagonista nella memoria.

C’è anche un tocco di Danny Elfman, chiamato a comporre alcuni brani addizionali, che aggiunge quella vena gotica e teatrale che amplifica la malinconia.

L’eccesso come linguaggio

Besson non teme il kitsch, anzi lo abbraccia come linguaggio estetico e narrativo. Dracula – L’amore perduto è un film eccessivo, teatrale, volutamente fuori tempo, come un affresco barocco animato da passioni troppo grandi per essere contenute.

Là dove Robert Eggers costruisce il silenzio, Besson costruisce il grido. Dove altri registi avrebbero scelto la misura, lui sceglie l’esagerazione. Tutto è troppo, e proprio per questo funziona: i colori esplodono come vetrate infrante, le ombre si fondono con la luce, l’amore con la morte.

Sotto la superficie iper-stilizzata, però, pulsa la sostanza più autentica del cinema bessoniano: l’innocenza. Dracula non è un mostro, ma un uomo che non riesce a smettere di amare. E in quell’impossibilità, in quella condanna dolce e spietata, si nasconde il cuore di tutto il film.

L’amore come condanna

Alla fine, Dracula – L’amore perduto è una tragedia romantica travestita da blockbuster gotico. È un poema visivo sull’eternità del desiderio, sulla fede che sopravvive anche dopo la morte.

Luc Besson, ormai lontano dalle forme del cinema mainstream, firma qui la sua opera più personale dai tempi di Léon. Non cerca più la perfezione, ma la verità. La trova nel tremito di un bacio, nell’eco di un nome pronunciato nel buio, nel sangue che non è più terrore ma memoria.

Quando le luci si spegneranno nella sala dell’Auditorium Parco della Musica e l’ultimo fotogramma svanirà, resterà solo una domanda, sospesa come un sussurro:
l’immortalità è un dono o una maledizione?

Forse Besson ci lascia con una risposta implicita: l’amore è l’unica cosa davvero eterna, ma proprio per questo è anche la più terribile. Perché chi ama, in fondo, è già condannato a vivere per sempre.

E se Dracula è l’immagine dell’uomo che rifiuta la fine, allora Dracula – L’amore perduto è il film di un artista che rifiuta il silenzio. Un’opera che sanguina, che arde, che osa ancora credere che il cinema possa essere un atto di fede.

Arte e Creatività, Books + Comics

Dracula illustrato da Paolo Barbieri: un viaggio illustrato tra orrore gotico e poesia visiva

28 Ottobre 2025 Enrico Ruocco Lascia un commento

C’è qualcosa di antico e magnetico nel nome “Dracula”. Evoca castelli immersi nella nebbia, pipistrelli che sfiorano la luna e un’ombra elegante che si staglia tra vita e morte. Ma quando a confrontarsi con il Conte è Paolo Barbieri – il più grande illustratore fantasy italiano, capace di dare forma ai miti, agli dei e ai sogni più arditi – il risultato non è solo un libro illustrato: è un rito artistico. Dal 14 novembre 2025, il suo Dracula approda in libreria e fumetteria, dopo l’anteprima a Lucca Comics & Games, come un oggetto magico uscito dalle profondità dell’immaginario gotico. In queste pagine, Barbieri non si limita a ritrarre il vampiro di Bram Stoker: lo evoca, lo smonta e lo ricompone, cercando “segni e colori che stiano in equilibrio tra luce e ombra, speranza e sconforto”.

Il suo Dracula non è il mostro romantico e patinato della cultura pop, né l’aristocratico dandy del cinema classico. È una creatura ambigua, che si muove tra umanità e abisso, giovinezza e decadenza. Un essere “che si maschera da uomo e come un camaleonte demoniaco alterna vecchiaia e gioventù, violenza e signorilità, forma di lupo o di topi”. Le sue metamorfosi diventano tavole di luce e sangue, in cui il tratto di Barbieri plasma l’essenza del male senza mai privarlo del suo fascino tragico.

L’artista, da sempre interprete di universi mitologici e letterari – dai Tarocchi ai Mondi di Tolkien, dalle divinità greche a Dante – questa volta si confronta con la figura horror per antonomasia. Ma lo fa allontanandosi dagli stereotipi cinematografici, restituendo a Dracula la sua dignità originaria: quella di una leggenda intrisa di paura e seduzione, di mistero e malinconia.

Il volume affianca le illustrazioni originali a estratti dal romanzo di Bram Stoker, nella storica traduzione di Angelo Nessi, apparsa per la prima volta nel 1922 con il titolo Dracula. L’uomo della notte per Sonzogno. Una scelta non casuale: Nessi catturava già allora la musicalità decadente e la tensione sensuale del testo, e Barbieri sembra riprenderne la stessa melodia visiva, alternando tavole in cui il colore si fa materia, nebbia, carne e ombra.

La forza del progetto sta proprio in questa fusione di arti: parola e immagine si richiamano come due specchi che non riflettono mai la stessa cosa. È come se Stoker e Barbieri dialogassero a distanza di secoli, evocando l’orrore e la poesia dell’eterno ritorno del vampiro.

Il libro, pubblicato in edizione pregiata, sarà accompagnato da una versione variant esclusiva disponibile nelle librerie Manicomix, al Bonelli Store e nello shop online dedicato. La copertina alternativa è un omaggio a una delle più celebri icone del rock: un’interpretazione che trasforma il volto del Conte in un manifesto visivo da collezione. All’interno, una stampa inedita riproduce la copertina della versione regular, un ulteriore tassello di questa esperienza sensoriale tra arte, mito e musica.

Barbieri, come un moderno Van Helsing dell’immaginario, sembra voler guarire la nostra percezione del vampiro da secoli di cliché. Il suo Dracula non luccica, non si specchia, non si redime. È puro simbolo, archetipo del desiderio e della paura. Eppure, dietro i canini e il mantello, si nasconde un’umanità disperata che chiede solo di non morire.

Questo Dracula è, in fondo, una riflessione sulla natura dell’immortalità: un sogno che diventa incubo, una condanna travestita da eternità. Le illustrazioni di Barbieri oscillano tra l’eros e la dannazione, tra il gotico classico e la sensibilità dark contemporanea. Ogni tavola è un portale – un varco tra il Bram Stoker del 1897 e il presente digitale in cui le nostre paure non hanno più castelli, ma algoritmi.

Con questo volume, Barbieri conferma la sua capacità di trasformare la letteratura in visione, e la visione in leggenda. Dracula diventa così un’opera totale, un libro da sfogliare come un grimorio, da guardare come un film muto, da leggere come una confessione.

E forse, quando chiuderemo l’ultima pagina, sentiremo anche noi un leggero brivido dietro le spalle. Non sarà solo l’eco di un vampiro che torna dal buio, ma il segno che l’arte – quella vera – può ancora morderci l’anima.

Vampiri a Bologna: L’Eterna Fame. Mostra Horror Sensoriale a Palazzo Pallavicini

Ascoltate il vento. Non è un refolo qualsiasi, ma il gemito millenario di un’entità che non conosce riposo. Qui, tra le mura solenni di Palazzo Pallavicini a Bologna, qualcosa di antico e affamato sta per risvegliarsi, proiettando la sua ombra lunga e tagliente sull’inverno che verrà. Amici di CorriereNerd.it, non chiamatela mostra. Chiamatela evocazione. Dal 20 settembre 2025 al 18 gennaio 2026, l’AlterEgo Experience vi strapperà dalle vostre tiepide certezze per gettarvi in un viaggio sensoriale senza ritorno: “Vampiri”. Avete il coraggio di incontrare il vostro incubo?

Sette Passi Verso l’Abisso: Quando il Mito Diventa Carnale

Noi che amiamo il lato oscuro della cultura pop sappiamo che il vampiro non è solo un personaggio da copertina, ma un catalizzatore di orrori storici, leggende gotiche e paure ataviche che hanno popolato ogni angolo del mondo conosciuto. E l’ingegno maledetto di AlterEgo ha saputo plasmare queste oscurità in sette sale tematiche dove il confine tra spettatore e vittima si fa inquietantemente labile.

Pensavate di conoscere il vostro nemico grazie al conte Dracula? Illusi. Attraverserete secoli, sfiorando l’alito gelido del Vrykolakas del Medioevo ellenico, ascoltando i sussurri empi del Strigoi balcanico e toccando l’immonda pestilenza incarnata dal ghignante Nosferatu. È un percorso che non vi offre risposte, ma solo nuove, più profonde domande sulla natura del male e dell’eterno tormento. Per circa cinquanta o sessanta minuti, armati solo dei vostri sensi (e dell’audioguida gratuita che vi suggeriamo di portare nei vostri auricolari), sarete completamente alla mercé di queste creature redivive.

L’Ombra Prende Forma: Dentro l’Incubo in Prima Persona

L’esperienza è così vivida da farvi dubitare della vostra stessa realtà. Chiudete gli occhi e immaginate: siete a Mykonos, ma il sole è un lontano ricordo e l’aria è densa di zolfo e terrore, testimoni inermi di un feroce esorcismo di massa contro il mostro.

Subito dopo, il respiro vi si mozza nei boschi ostili della Serbia, dove siete un anonimo membro di un commando asburgico a caccia disperata di un vukodlak, il lupo mannaro che si fa non morto. L’azione si tinge di nero sangue quando vi ritrovate a spiare l’anima contorta di una contessa transilvana del Seicento, la cui vana ossessione per l’eterna giovinezza l’ha trasformata in una sadica carnefice. E poi, il frastuono delle armi: combattete al fianco del principe valacco – sì, proprio lui, l’Impalatore – condividendone le atroci visioni e gli istinti più sanguinari che hanno dato il via alla leggenda.

Il tempo si distorce: vi ritrovate isolati in una villa sulle rive di un lago svizzero, intrappolati in una sfida letteraria che ha plasmato l’horror gotico moderno. Lì, nella penombra, Lord Byron e Mary Shelley si contendono il primato dell’incubo, e voi ne siete testimoni. L’epilogo? Siete braccati. Il gelo vi trapassa le ossa mentre branchi affamati ululano, spingendovi verso un tetro, diroccato maniero. Lì, finalmente, l’incontro. Faccia a faccia, con il male più puro, l’iconico signore delle tenebre: il Conte Dracula di Bram Stoker.

Questa è la potenza narrativa che si dispiega a Palazzo Pallavicini in Via San Felice 24: scenografie terrificanti, installazioni che giocano con i sensi e l’uso sapiente di video e fumetti che confermano come il mito del vampiro sia l’essenza stessa dell’horror transmediale.

L’Appello dell’Ombra

Se siete amanti del cinema horror, del fantasy oscuro o semplicemente ossessionati dalle storie di paura che travalicano i secoli, l’appuntamento è imperdibile. La mostra non solo vi farà vivere il brivido, ma vi fornirà le chiavi di lettura per comprendere come creature come il vampiro siano costantemente riscritte dalla cultura geek, dal cinema al videogioco.

Ricordate: la tenebra vi aspetta a Bologna ogni Giovedì a Domenica, dalle 10:00 alle 20:00. Il velo si strappa il 20/09/2025 e si ricuce solo il 18/01/2026.

E per i pochi fortunati che ancora conservano un cuore che batte, AlterEgo ha previsto speciali varchi d’accesso: l’innocenza dei bambini fino a 5 anni è accolta gratuitamente; i ragazzi fino a 13 anni pagano solo 4€; e i giovani esploratori fino ai 18 anni ottengono un biglietto ridotto a 15€. Le tenebre amano anche le comitive e chi possiede la Card Cultura, offrendo sconti e accessi privilegiati. Trovate tutti i patti sul sito ufficiale.

Siete pronti a lasciare una parte della vostra anima a Palazzo Pallavicini? Avete già scelto il vampiro del folklore che vi terrorizza di più?

Cinema & Tv

Olivia Cooke raccoglie l’eredità di Maika Monroe in Brides: il nuovo horror gotico di Chloe Okuno

29 Maggio 2025 Dai nostri utenti Lascia un commento

Un urlo silenzioso squarcia l’etere di Hollywood, e non è un grido di paura, ma di pura, inaudita sorpresa! L’universo nerd è scosso fin nelle sue fondamenta gotiche più profonde. Preparatevi a rovesciare il vostro bicchiere di idromele virtuale per la più sbalorditiva delle notizie: Olivia Cooke, la nostra amatissima e carismatica regina di Sette Regni, l’indimenticabile Alicent Hightower che ci ha stregati tutti con un solo sguardo in House of the Dragon, sta per gettarsi a capofitto in un’avventura cinematografica che promette di mescolare il glamour decadente degli anni ’60 con un horror gotico che non ha eguali. Il progetto, dal titolo lapidario e inquietante di Brides, è destinato a diventare la nostra nuova ossessione. E non c’è da stupirsi, perché dietro la macchina da presa c’è nientemeno che Chloe Okuno, la mente visionaria che ci ha già tolto il sonno con il suo Watcher.

Lo scambio di regine del terrore

L’annuncio ha del clamoroso, soprattutto per via di un colpo di scena degno di un B-movie anni ’80. La nostra Cooke, con la sua eleganza britannica, non era la prima scelta per il ruolo. Inizialmente, il personaggio di Sally Bishop era stato assegnato a Maika Monroe, l’indiscussa e acclamata “scream queen” del momento. Proprio lei, la stella di It Follows e l’interprete di Longlegs, che ha dovuto cedere il testimone per via di impegni inderogabili legati a un altro adattamento letterario. Una cosa da non credere: in questo frenetico gioco delle sedie musicali di Hollywood, la Monroe aveva a sua volta rimpiazzato Margaret Qualley in un film intitolato Victorian Psycho. Un’alternanza di ruoli che ha il sapore di una staffetta tra atlete olimpiche del brivido, quasi un gioco del destino che pare voler mettere alla prova le nostre icone del genere horror, per vedere chi saprà sopravvivere alla sfida più grande.

Un’Italia gotica, dove il sangue scorre tra le ombre

Entriamo nel vivo del delirio. Brides ci catapporterà nell’Italia degli anni Sessanta, in un’ambientazione così densa di mistero e fascino da farci sognare. Pensate a sontuose ville che sembrano uscite da un dipinto di Caravaggio, dove le ombre danzano e nascondono segreti indicibili. In questo scenario da incubo, Olivia Cooke vestirà i panni di Sally Bishop, una donna che, insieme al marito, si trasferisce in una di queste dimore, ora di proprietà di un enigmatico e inquietante conte. E qui inizia il vero orrore: l’uomo sviluppa un’attrazione morbosa e disturbante per Sally, trasformando quella che sembrava una curiosità in una vera e propria ossessione. Le descrizioni trapelate sono da brivido, e già ci immaginiamo atmosfere cariche di tensione e pericoli latenti. L’intreccio, che flirta palesemente con la tradizione dei vampiri, pare voler ribaltare ogni cliché. Dimenticatevi le damigelle in pericolo in balia di un conte vampiro che ci siamo abituati a vedere. Qui, le “spose” non sono solo figure secondarie, non sono le vittime sacrificali di una storia più grande, ma il cuore pulsante di un racconto che parla di desiderio e repressione, di libertà e controllo, di eros e violenza. Un capovolgimento di prospettiva che ci fa già tremare dall’emozione.

Un horror femminista che riscrive le regole

Chloe Okuno, la regista, ha già dimostrato con Watcher e il suo contributo all’antologia V/H/S/94 di avere una visione del cinema che non si limita a spaventare, ma invita alla riflessione. E Brides non sarà da meno. Il film è stato descritto come un “racconto femminista travestito da horror gotico”, e questa sola frase è sufficiente per farci urlare di gioia. La pellicola ci porterà in un viaggio nell’inquietudine, dove il corpo e l’identità della donna non sono visti come oggetti da desiderare o vittime da sacrificare, ma come un vero e proprio campo di battaglia. Sally Bishop, con il suo spirito ribelle e anticonformista, si troverà a lottare non solo per la sua sopravvivenza, ma per affermare il suo diritto a esistere al di là delle aspettative sociali e delle proiezioni maschili. Un concetto così profondo da farci riflettere su come i veri mostri siano spesso radicati nelle strutture di potere che ci circondano.

L’attesa febbrile e il futuro del genere

Il progetto è nelle mani sapienti della casa di produzione Likely Story, e a distribuire il film in Nord America sarà la Neon, un nome che per noi cinefili è sinonimo di audacia e originalità, la stessa che ha creduto in opere premiate a Cannes come Anora. Le riprese inizieranno nella primavera del 2025, e l’uscita è prevista tra la fine del 2025 e l’inizio del 2026. L’attesa si fa già febbrile, e la sola idea che Olivia Cooke, che ci ha già dimostrato la sua versatilità in film come Sound of Metal e Ready Player One, stia per tuffarsi in questa storia è garanzia di un’interpretazione magistrale e intensa. L’entusiasmo è alle stelle, e la curiosità è ora tutta rivolta al resto del cast, che dovrà essere all’altezza di un’ambientazione così densa di simboli e atmosfere. E intanto, Maika Monroe non rimane certo ferma, continuando a consolidare il suo status di “scream queen” con progetti come il già citato Reminders of Him e Victorian Psycho.

Brides non è solo un altro film horror, è un manifesto, una promessa di un cinema che vuole inquietare, sedurre e, soprattutto, farci pensare. Se manterrà le sue premesse, potrebbe diventare un cult capace di parlare direttamente a noi, che amiamo il brivido e le storie che osano rompere gli schemi. La domanda che ci rimane, mentre i brividi ci percorrono la schiena, è una sola: siamo pronti ad accogliere queste nuove spose del gotico, pronte a riscrivere le regole del gioco del terrore?

Archivio Eventi Nerd e Cosplay (1999–2025), Arte e Creatività

Il Richiamo delle Ombre: Magia, Artigianato e Mistero al Mercatino delle Streghe di Testaccio

18 Maggio 2025 Gianluca Falletta Lascia un commento

Nel ventre pulsante e misterioso del rione Testaccio, tra le antiche mura della Città dell’Altra Economia, torna a manifestarsi uno degli appuntamenti più amati da chi coltiva una sensibilità arcana e un’anima gotica: il Mercatino delle Streghe. Sabato 24 e domenica 25 maggio, l’intera area di Largo Dino Frisullo si trasformerà in un crocevia di energie sottili, profumi dimenticati e simboli ancestrali. Non un semplice mercato, ma un rito collettivo, un viaggio nell’universo esoterico che richiama appassionati, curiosi e praticanti della via magica.

L’ingresso è gratuito, ma ciò che si troverà al suo interno ha un valore inestimabile per chi riconosce nei tarocchi, nei cristalli, nei grimori e nelle erbe sacre strumenti autentici di conoscenza e trasformazione. L’evento, che ormai è diventato un appuntamento mensile attesissimo, celebra le antiche herbarie, le sapienti custodi del sapere naturale e magico, offrendo un’area market interamente dedicata all’artigianato esoterico. Qui sarà possibile incontrare artigiani e alchimisti contemporanei, esplorare banchi colmi di incensi rituali, amuleti potenti, tavole magiche, carte per la divinazione e testi rari che svelano i misteri dell’occulto, del paganesimo e della magia tradizionale.

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Il Mercatino delle Streghe è anche un luogo di incontro con i saperi oracolari. Numerosi consultanti ed esperti saranno a disposizione per offrire letture personalizzate con tarocchi classici e tematici, astrologia – sia nella sua forma tradizionale che evolutiva – chiromanzia, lettura delle rune, carte sciamaniche, angeliche e molto altro ancora. Ogni consulto si trasforma in un momento di rivelazione, un invito a guardare dentro sé stessi con occhi nuovi.

Ma questa edizione porta con sé un’anima ancora più intensa e teatrale. A renderla speciale sarà il suggestivo Corteo delle Ombre, realizzato dall’associazione culturale Ombre d’Arte in collaborazione con il gruppo GDR Notturna di Lucis Aps. Il corteo è un invito a dare forma e corpo al proprio lato oscuro, a incarnare creature della notte, spiriti dimenticati, streghe erranti e vampiri dalle storie mai raccontate. Il raduno avverrà il 24 maggio alle ore 17.00 in Largo Dino Frisullo, con partenza alle 17.30. Dopo una camminata rituale che si concluderà intorno alle 18.30, i partecipanti saranno accolti nel cuore del Mercatino per una visita tra banchi dark e creazioni artigianali alternative, seguita da un aperitivo collettivo alle 20.00. La notte culminerà con una coinvolgente sessione GDR Live a tema vampiri, a partire dalle 21.00, condotta dal gruppo Nocturna di Roma.

Il Corteo delle Ombre proseguirà anche domenica 25 maggio, con un nuovo ritrovo alle ore 16.30 direttamente al Mercatino. Alle 17.30 il corteo si animerà nuovamente, invadendo le vie di Testaccio con le sue atmosfere gotiche e stregate.

L’intero evento sarà avvolto da una cornice fiabesca e inquieta, grazie all’Area Giochi Stregati, pensata per i più piccoli, con laboratori di pittura fantasy e trucca bimbi per risvegliare lo spirito creativo. Non mancheranno punti di ristoro con street food e drink per soddisfare anche i palati più terreni. I partecipanti sono calorosamente invitati a presentarsi in abiti a tema: ogni mantello, cappello, corno o drappeggio gotico contribuirà a rendere l’esperienza ancora più immersiva.

Il Mercatino delle Streghe è facilmente raggiungibile presso la Città dell’Altra Economia in Largo Dino Frisullo, nel cuore di Testaccio, una delle zone più vibranti e storicamente dense della Capitale. Per chi volesse esporre le proprie creazioni o partecipare come operatore, è possibile contattare l’organizzazione scrivendo a mercatino.delle.streghe.roma@gmail.com o inviando un messaggio WhatsApp al numero 328 273 5489.

Che siate adepti del sentiero magico, cultori della notte, artigiani del mistero o semplici viandanti in cerca di meraviglia, il Mercatino delle Streghe vi attende. Portate con voi la vostra curiosità, la vostra ombra e, perché no, anche un pizzico di incanto.

Cinema & Tv

I Peccatori: Il nuovo horror di Ryan Coogler con Michael B. Jordan: vampiri, misteri e tensione

17 Aprile 2025 Dai nostri utenti Lascia un commento

Mi succede sempre così: quando un film parla di vampiri, non riesco a resistere. Ma I Peccatori (titolo originale Sinners), il nuovo film diretto da Ryan Coogler, non è solo un film sui vampiri. È un viaggio struggente e potente nelle ombre dell’America degli anni ’30, dove il sangue versato non è solo quello dei morsi immortali, ma anche quello versato dalla storia, dalla segregazione e dal dolore di un popolo che lotta per sopravvivere. E io, che da sempre amo i racconti gotici e i non-morti, posso dirvi che questo film mi ha lasciata stregata, turbata… e profondamente colpita. Con I Peccatori, Coogler firma un’opera che scuote l’anima. Dimenticate per un attimo i supereroi in tuta di vibranio e i pugni nei ring di Creed: qui siamo su un piano molto più sporco, viscerale e – per me – incredibilmente affascinante. Siamo nella Louisiana più profonda, tra piantagioni abbandonate, paludi cariche di mistero, riti hoodoo e una colonna sonora blues che ti entra sotto pelle come un incantesimo antico. E nel mezzo di questo scenario stregato, ci sono loro: Smoke ed Elias “Stack”, fratelli gemelli segnati dalla guerra e dalla malavita di Chicago, interpretati entrambi da un Michael B. Jordan in stato di grazia. È impressionante vederlo sdoppiarsi nei due volti della stessa ferita: Elias, idealista e ferito, Smoke, rabbioso e pragmatico. Due anime legate da un passato violento e da un sogno semplice: tornare a casa e trasformare un vecchio edificio in un luogo di speranza. Un juke joint, come si diceva allora, pieno di musica, whisky e promesse.

Ma come ogni sogno in terra maledetta, anche questo è destinato a diventare incubo.

La notte in cui il blues incontra il sangue

C’è una scena in particolare – e non farò spoiler pesanti, promesso – in cui il film cambia pelle, letteralmente. È la sera dell’inaugurazione del locale, la gente balla sfrenata, il blues scivola tra i corpi sudati, le luci sono calde e tremolanti… ed ecco che l’oscurità piomba addosso come un urlo spezzato. Vampiri. Demoni. Sangue. Come se Quentin Tarantino avesse preso il controllo del set per un’ora e mezza e avesse deciso di giocare con Dall’alba al tramonto, ma con una coscienza politica molto più marcata.

Ecco, questo è il momento in cui ho capito che I Peccatori è un film che non ha paura. Non ha paura di sporcarsi le mani con il pulp, con lo splatter più crudo, con le sparatorie in slow motion e i denti insanguinati che squarciano il buio. Ma soprattutto, non ha paura di usare tutto questo per dire qualcosa di potente. Perché quei vampiri non sono solo mostri. Sono l’allegoria di un male antico e radicato: il razzismo, la segregazione, l’odio cieco del KKK. Sono il volto mostruoso di un’America che ha cercato di divorare i suoi figli afroamericani e che, in parte, ci prova ancora.

Un’estetica che incanta e un cast da applausi

Dal punto di vista tecnico, il film è una meraviglia. Le riprese in IMAX e 65mm Panavision donano a ogni fotogramma un respiro epico, pur restando sempre profondamente intimo. La fotografia di Autumn Durald Arkapaw è un incantesimo: ogni scena sembra uscita da un sogno febbricitante, immersa in luci giallastre, ombre lunghe e atmosfere sospese.La colonna sonora – oh, la colonna sonora! – è un vero e proprio personaggio. Il blues, sporco, doloroso, pulsante, è il sangue che scorre sotto la pelle della pellicola. Ludwig Göransson ci regala una partitura che sembra uscita da un rituale voodoo, capace di farti vibrare l’anima mentre la tragedia si consuma sullo schermo. E poi c’è il cast. Michael B. Jordan, come dicevo, è magnetico. Ma sarebbe ingiusto non citare l’ipnotica Hailee Steinfeld, vera regina della notte con uno sguardo che ti trafigge e una presenza scenica da togliere il fiato. E ancora Delroy Lindo, ironico e profondo, Wunmi Mosaku potente e intensa… ognuno dona al film una sfumatura, un tono, una ferita.

Un horror che morde l’anima

Non è solo un film horror, I Peccatori. È un grido, una preghiera, un esorcismo. È una storia di redenzione e di sangue, di fratellanza e di colpa, in cui il soprannaturale diventa veicolo per parlare di ciò che ancora oggi ci spaventa: il nostro passato, la nostra identità, il nostro odio mai del tutto guarito.

È vero, ci sono omaggi evidenti (e voluti) a pellicole cult, qualche cliché e qualche svolta prevedibile. Ma chi ama il genere sa che è proprio nel rileggere i miti classici che nasce la magia. E qui, la magia è fortissima. Ryan Coogler ha creato un’opera che unisce racconto gotico e cinema militante, folklore e denuncia sociale, incubo e speranza.

Per me, che cresco nutrendomi di sangue cinematografico e storie di vampiri che nascondono verità umane, I Peccatori è stato un regalo. Un film da vedere, rivedere, discutere, magari a tarda notte, con un bicchiere di bourbon in mano e il blues in sottofondo.

E voi? Siete pronti ad affrontare il buio che abita dentro di noi? A varcare la soglia di un locale dove il ritmo del cuore si confonde con quello dei tamburi voodoo? Parliamone. Condividete la vostra opinione, raccontatemi le vostre teorie, o semplicemente… urlate con me quanto è figo questo film. I vampiri vi aspettano.

Arte e Creatività, Books + Comics, Collezionismo

Lo Scarabocchiatore Edizioni presenta l’Artbook Limited Edition Numerato di Ester Cardella

30 Marzo 2025 Gianluca Falletta Lascia un commento

Lo Scarabocchiatore Edizioni annuncia con entusiasmo il lancio di un’opera unica e imperdibile: l’Artbook Limited Edition Numerato di Ester Cardella, finalmente disponibile sul sito ufficiale. Questa edizione esclusiva celebra la carriera dell’illustratrice e fumettista indipendente, che con il suo stile audace e originale ha conquistato il cuore di numerosi appassionati di fumetti e arte.

Ester Cardella è una delle voci più distintive nel panorama del fumetto contemporaneo. Con il suo lavoro su Gulp! Rosalia, una reinterpretazione della storia di Santa Rosalia per La Repubblica, ha saputo mescolare tradizione e modernità, creando un’opera che si distingue per la sua forza narrativa e visiva. Ma la sua arte non si ferma a questo. Le sue opere sono un viaggio attraverso l’erotismo, l’horror, il dark e la mitologia, sempre al centro di figure femminili forti e indipendenti che sfidano i tabù e rompono gli schemi predefiniti.

L’Artbook di Ester Cardella, edito dall’Associazione Lo Scarabocchiatore Edizioni, è una raccolta di 104 pagine che racchiudono le tavole più belle e significative di questa straordinaria artista. Ogni disegno è un’esplosione di passione, un riflesso della sua inesauribile energia creativa che l’ha portata a emergere nel mondo dell’arte, conquistando una folla di fan affezionati. La sua carriera, che ha visto crescere la sua fama e il suo talento, è la testimonianza di un’artista che non solo sa disegnare, ma racconta storie attraverso le immagini in modo potente e coinvolgente.

Il volume non è solo una celebrazione estetica, ma una vera e propria dichiarazione di intenti. Le pagine dell’Artbook si immergono in un universo di sensualità e provocazione, esplorando la figura della donna come simbolo di perfezione assoluta. Ester Cardella sfida le convenzioni, portando alla luce il lato oscuro e sensuale della femminilità, un viaggio che attraversa temi audaci come il BDSM, senza tralasciare la presenza di elementi gotici, come vampiri e scheletri. La donna nelle sue tavole è un’entità libera, smaliziata, padrona di sé stessa. In questo progetto, Cardella mira a liberarsi da ogni schema, esprimendo il desiderio di una narrazione in cui sono i disegni stessi a parlare, con testi e trame che passano in secondo piano.

A completare l’opera, l’introduzione del celebre sceneggiatore bonelliano Andrea Cavaletto, autore di Dylan Dog, che descrive in modo assoluto il talento straordinario di Ester Cardella, sottolineando la sua capacità di lasciare un’impronta indelebile nel mondo dell’arte e del fumetto.

L’Artbook è disponibile in due versioni numerate e limitate:

Artbook Blank Cover Limited Edition Numerato – con disegno: una copia unica con un disegno esclusivo di Ester Cardella.
Artbook Blank Cover Limited Edition Numerato – senza disegno: per chi preferisce un’edizione più sobria ma altrettanto preziosa.

Questa è un’opportunità imperdibile per tutti gli appassionati di arte e fumetto, ma anche per chi desidera possedere un pezzo unico di un’artista che sta lasciando un segno indelebile nel panorama culturale contemporaneo. Non lasciatevi sfuggire questa edizione limitata: visitate subito il sito ufficiale per assicuravi una copia!

Fate il vostro gioco, signori e signore, e buon divertimento!

Books + Comics

Lucy Undying. Caccia a Dracula di Lucy Westenra: la rinascita del mito in un Gotico Moderno

15 Marzo 2025 Dai nostri utenti Lascia un commento

Per oltre un secolo, Lucy Westenra è stata poco più di una nota a margine nel capolavoro gotico di Bram Stoker. Una figura tragica, seducente e al tempo stesso ingenua, destinata a cadere vittima del vampiro più celebre della letteratura. Ma cosa succederebbe se Lucy non fosse rimasta una semplice pedina nel gioco di Dracula? Kiersten White, autrice esperta nel reinventare personaggi classici con una prospettiva moderna, prova a rispondere con il suo romanzo “Lucy Undying. Caccia a Dracula”, offrendo al personaggio un futuro ben diverso da quello immaginato da Stoker. Il risultato è un’opera gotica e contemporanea, che mescola vendetta, amore e identità in una narrazione affascinante e immersiva.

La storia prende il via dopo la tragica fine di Lucy nel romanzo originale: trasformata in vampira da Dracula e poi brutalmente uccisa dai suoi stessi amici, Lucy dovrebbe essere morta per sempre. Eppure, non lo è. Anzi, sopravvive e si trasforma. Il suo corpo ritorna alla vita, o meglio, a una non-vita che la lega indissolubilmente al destino delle creature della notte. Ma invece di abbracciare la sua nuova condizione come un mostro senza coscienza, Lucy decide di ribellarsi. Per secoli vaga nell’ombra, in cerca di un senso, fuggendo dall’influenza di Dracula e cercando di capire chi sia davvero.

La sua esistenza tormentata la conduce nella Londra del XXI secolo, dove incontra Iris, una giovane donna prigioniera di una famiglia potente e soffocante. L’incontro tra le due segna una svolta nella vita di Lucy: per la prima volta da secoli, l’idea di un legame autentico sembra possibile. Tuttavia, la felicità resta un lusso pericoloso per chi vive nell’oscurità. Dracula non ha mai dimenticato la sua creatura e la madre di Iris nasconde segreti tanto inquietanti quanto letali. La battaglia per la libertà si trasforma presto in una caccia senza tregua, in cui passato e presente si intrecciano in un crescendo di tensione e mistero.

Uno degli aspetti più affascinanti del romanzo è il modo in cui White ricostruisce Lucy Westenra. Da vittima indifesa e inconsapevole, Lucy si trasforma in una cacciatrice di mostri, ribaltando il ruolo che la letteratura gotica le aveva assegnato. La sua evoluzione non è solo fisica, ma anche psicologica: Lucy impara a padroneggiare la propria forza, a imporsi in un mondo che l’ha sempre vista come fragile e sacrificabile. In questo senso, “Lucy Undying” diventa anche un romanzo di emancipazione, un’opera che riscrive la narrativa delle donne nel genere horror e dark fantasy. White non si limita a restituire a Lucy la sua voce, ma la trasforma in un simbolo di resistenza e autodeterminazione.

L’ambientazione moderna aggiunge un ulteriore livello di fascino alla storia. La Londra contemporanea in cui si muove Lucy non ha dimenticato il suo passato gotico: le ombre si allungano ancora tra le strade, i mostri non sono scomparsi, solo si sono adattati. Lucy stessa incarna questa tensione tra epoche: è un’anima antica in un mondo nuovo, una creatura fuori dal tempo che deve fare i conti con il peso della propria immortalità. White riesce a bilanciare con maestria il senso del meraviglioso e del macabro, creando un’atmosfera densa e avvolgente.

Ma il cuore del romanzo non è solo la vendetta, bensì l’amore e la sua ineluttabilità. Il legame tra Lucy e Iris non è una semplice parentesi romantica, ma una forza trainante che mette in discussione tutto ciò che Lucy credeva di sapere su se stessa. Per una creatura abituata a pensare alla propria esistenza come una condanna, l’amore rappresenta una speranza tanto inebriante quanto spaventosa. Eppure, come ogni elemento della sua vita, anche questo sentimento è intriso di pericoli: Dracula non è disposto a lasciarla andare, e la madre di Iris ha piani che potrebbero rivelarsi ancora più terribili.

Se il “Dracula” di Stoker rispecchiava le ansie e le repressioni della società vittoriana, “Lucy Undying” incarna i conflitti e le aspirazioni del pubblico moderno. Il romanzo si inserisce perfettamente nella corrente delle riscritture femministe dei classici horror, dando a Lucy la possibilità di essere molto più di un semplice simbolo di purezza violata. Kiersten White ha il merito di restituirle una complessità e una forza che la rendono un’eroina del tutto nuova, perfettamente adatta al panorama letterario contemporaneo.

Con una scrittura evocativa e un ritmo serrato, “Lucy Undying. Caccia a Dracula” è una lettura imperdibile per chi ama il gotico moderno, le storie di rivalsa e i personaggi femminili forti. Non si tratta solo di un retelling, ma di una vera e propria rinascita per Lucy Westenra, un’opera che affascina e incanta, trascinando il lettore in un viaggio oscuro e appassionante.

Ambientazione e storia

Un CRPG narrativo

Scelte e personalizzazione

Lestat rockstar: narcisismo o sopravvivenza?

Gabrielle, Armand e il gremlin che verrà

Immortal Universe: ambizione o follia?

Estate 2026: pronti a perdere la testa?

Sangue, acciaio e segreti

L’intuizione di Koizumi: ninja e vampiri, due miti a confronto

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Un noir di fantascienza dal respiro filosofico

Il debutto italiano

Besson mistico, Besson barocco

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Zoë Bleu e Matilda De Angelis: due incarnazioni dell’eterno femminino

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Un requiem per gli amanti

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L’amore come condanna

Sette Passi Verso l’Abisso: Quando il Mito Diventa Carnale

L’Ombra Prende Forma: Dentro l’Incubo in Prima Persona

L’Appello dell’Ombra

Lo scambio di regine del terrore

Un’Italia gotica, dove il sangue scorre tra le ombre

Un horror femminista che riscrive le regole

L’attesa febbrile e il futuro del genere

La notte in cui il blues incontra il sangue

Un’estetica che incanta e un cast da applausi

Un horror che morde l’anima

A completare l’opera, l’introduzione del celebre sceneggiatore bonelliano Andrea Cavaletto, autore di Dylan Dog, che descrive in modo assoluto il talento straordinario di Ester Cardella, sottolineando la sua capacità di lasciare un’impronta indelebile nel mondo dell’arte e del fumetto.

L’Artbook è disponibile in due versioni numerate e limitate:

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