Pretty Privilege e Lookismo: I Vantaggi e Gli Svantaggi dell’Aspetto Fisico

Avete mai notato come in certi videogiochi, un personaggio con una skin esclusiva non solo sembra più figo, ma riceve anche dei bonus segreti? Un “buff” al carisma che sblocca dialoghi extra o un’abilità speciale che lo fa notare da tutti? Ecco, nella vita reale, questo “bonus” ha un nome: Pretty Privilege. Ma se esiste un privilegio, esiste anche il suo lato oscuro, il Lookismo, ovvero il “malus” sistemico che penalizza chi non rientra nei canoni.

Questi concetti non sono solo chiacchiere da social media, ma vere e proprie meccaniche sociali che influenzano ogni aspetto della nostra vita. Dai film di Hollywood che ci hanno abituato a un certo tipo di eroe e di interesse romantico, fino agli algoritmi dei social che premiano l’estetica, la bellezza è diventata una valuta. Ma quali sono le differenze e perché è così importante capirle?

Cos’è il Lookismo? Il Tuo ‘Debuff’ Invisibile

Immagina di iniziare una partita e scoprire di avere un malus permanente sulla tua barra di “Fortuna” o “Carisma”. Questo è il lookismo: una forma di discriminazione e pregiudizio basata esclusivamente sull’aspetto fisico. È un problema sistemico, non un singolo episodio spiacevole, e può manifestarsi in modi sottili ma devastanti.

Nel mondo del lavoro: Non si tratta solo di non essere assunti. Le persone che soffrono di lookismo possono essere ignorate per promozioni, ricevere feedback meno positivi o addirittura guadagnare meno dei loro colleghi considerati più attraenti, pur avendo le stesse identiche competenze. È un po’ come se il tuo CV venisse automaticamente scartato perché non hai la giusta “skin”.
Nella vita quotidiana: Pensate a come veniamo trattati. Le persone vittime di lookismo possono essere meno servite in un negozio, i loro commenti possono essere ignorati in una riunione e le loro opinioni meno valorizzate in un gruppo sociale. È un “attrito” costante che rende la vita più difficile senza una ragione apparente.

In sintesi, il lookismo è la parte sgradevole del gioco, il peso che la società mette sulle spalle di chi non si conforma.

Il Pretty Privilege: Il Tuo ‘Bonus Carisma’ Che Non Sapevi di Avere

Dall’altra parte della medaglia, c’è il Pretty Privilege, ovvero l’insieme di tutti quei vantaggi non meritati che la società concede a chi viene considerato attraente. Diciamocelo: non è colpa di chi ha questo privilegio, ma è una dinamica di cui si beneficia inconsciamente, come se si stesse giocando una campagna con la modalità “Facile” attivata.

Sul lavoro: Chi ha il pretty privilege ha un vantaggio competitivo. Può ottenere più facilmente un colloquio, ricevere promozioni più veloci e guadagnare di più. La percezione comune è che le persone attraenti siano anche più competenti, intelligenti e affidabili. È il classico “Effetto alone” applicato alla bellezza.
Nella vita sociale e digitale: Il fenomeno è amplificato dai social media e dalle app di dating. Chi ha un aspetto che rientra negli standard riceve più “match”, più “like” e un livello più alto di interazione e validazione. E a livello di servizi? Tendenzialmente riceve un trattamento migliore, da un cameriere più cortese a un commesso più disponibile.

La Tecnologia e la Cultura Pop Amplificano il Gioco

Nell’era digitale, il lookismo e il pretty privilege non sono solo fenomeni da sociologia, ma veri e propri “bug” del sistema. I social media come Instagram e TikTok hanno creato un’economia dell’attenzione in cui l’aspetto fisico è la valuta più importante. I filtri e le app di editing permettono di conformarsi a standard irrealistici, creando un ciclo vizioso in cui solo certi tipi di bellezza vengono premiati.

Basta pensare anche al cinema e all’animazione: quanti eroi e supereroine sono esteticamente perfetti? La cultura pop continua a veicolare l’idea che l’aspetto fisico sia direttamente collegato al valore morale e all’importanza di un personaggio.

Due Facce della Stessa Medaglia: Differenze e Conclusione

Lookismo e Pretty Privilege sono due lati dello stesso “scheletro nell’armadio” della società. Smascherarli non significa puntare il dito contro chi è avvantaggiato, ma riconoscere l’esistenza di un sistema di bias.

Aspetto	Lookismo	Pretty Privilege
Natura	Discriminazione (azione negativa)	Privilegio (azione positiva)
Percezione	Chi ne soffre lo percepisce chiaramente	Chi ne beneficia spesso non lo nota
Effetto	Svantaggi, esclusione, minor opportunità	Vantaggi, accesso, maggior opportunità

In fondo, la vera forza non sta nell’ottenere un bonus immeritato, ma nel costruire un gioco in cui le regole siano giuste per tutti. L’inizio di questo percorso è la consapevolezza: capire che le nostre percezioni e i nostri giudizi sono spesso influenzati da bias di cui non siamo nemmeno a conoscenza.

Cosplay e Identità di genere: creazione di nuovi mondi e autoespressione culturale

Il cosplay, fenomeno che nasce negli anni ’80 in Giappone, è passato da una pratica esclusiva legata agli anime e manga giapponesi a una vera e propria forma d’arte globale. Oggi, il cosplay abbraccia una vasta gamma di universi narrativi, che spaziano dai film hollywoodiani ai videogiochi, e si è evoluto ben oltre la mera espressione ludica. Oltre alla dimensione creativa e di svago, il cosplay offre uno spazio unico per esplorare e ridefinire l’identità di genere. Esaminando questa pratica attraverso le lenti della psicologia, dell’antropologia e della sociologia, si può osservare come il cosplay diventi uno strumento potente per sperimentare ruoli di genere alternativi, sfidare le norme sociali e immaginare nuove possibilità per l’individuo.

Un Rifugio per l’Identità di Genere

Dal punto di vista psicologico, il cosplay rappresenta una piattaforma sicura dove chi partecipa può esplorare e manifestare identità di genere alternative, senza la pressione dei giudizi esterni. Questo aspetto è particolarmente significativo per le persone che si trovano in un processo di scoperta del proprio genere, come gli individui transgender o non binari. Il cosplay consente loro di sperimentare con il proprio corpo e ruolo di genere, adottando personaggi di un genere diverso dal proprio. In questo ambiente di accettazione, il cosplay si configura come una forma di esplorazione che offre benessere psicologico e permette una profonda introspezione.

Le teorie psicologiche, come quelle di Erik Erikson, che esplorano l’identità, suggeriscono che gli individui attraversano fasi di sperimentazione prima di raggiungere una definizione stabile del sé. Il cosplay, in questo contesto, funge da esperienza attiva di esplorazione, un terreno fertile che favorisce la crescita psicologica e aiuta gli individui a definire chi sono al di fuori delle pressioni sociali.

Fluidità e Ruoli di Genere

Dal punto di vista antropologico, il cosplay sfida le strutture tradizionali di genere. In molte culture occidentali, i ruoli di genere sono stati storicamente rigidamente imposti, ma le sottoculture nerd e otaku hanno aperto la strada a un approccio più fluido e dinamico. In particolare, la pratica del “crossplay”, che consiste nel travestirsi da personaggi di un genere opposto, è ormai ampiamente diffusa e rappresenta un modo per esplorare la fluidità di genere.

In Giappone, inoltre, la separazione tra i generi è ancor più sfumata. Il fenomeno del bishōnen, che si riferisce a personaggi maschili dai tratti androgini, così come la presenza di idol che interpretano ruoli maschili, testimoniano una maggiore accettazione della fluidità di genere in certi ambienti giovanili e artistici. Questo approccio alla fluidità di genere si riflette nel cosplay, che diventa un terreno fertile per sfidare le convenzioni tradizionali e sperimentare identità non necessariamente legate al sesso biologico.

La teoria della performatività di Judith Butler, che concepisce il genere come una serie di atti performativi piuttosto che come un’entità fissa, trova una concreta applicazione nel cosplay. Quando un cosplayer interpreta un personaggio del sesso opposto, non sta semplicemente imitandolo, ma sta partecipando attivamente alla costruzione e reinvenzione del genere stesso, esplorando il concetto di genere come fluido e in continua evoluzione.

Comunità e Inclusività

Il cosplay non è solo un fenomeno individuale, ma è fortemente radicato in una dimensione comunitaria. Le fiere, le convention e le piattaforme online come Instagram, Reddit e Discord offrono spazi dove l’espressione di genere attraverso il cosplay non solo è accettata, ma celebrata. All’interno di queste comunità, la diversità delle identità di genere viene riconosciuta e supportata, creando un ambiente di accoglienza dove ognuno può sentirsi libero di esprimersi senza timore di discriminazioni.

Tuttavia, al di fuori di questi spazi, alcuni cosplayer che sfidano le tradizionali aspettative di genere possono affrontare reazioni negative. Ad esempio, mentre le donne che si travestono da personaggi maschili tendono ad essere più facilmente accettate, gli uomini che si travestono da personaggi femminili possono essere oggetto di stereotipi e pregiudizi. Questo squilibrio evidenzia le persistenti disuguaglianze di genere nella società.

Nonostante queste difficoltà, le comunità di cosplay si stanno evolvendo, abbracciando sempre di più il concetto di autodeterminazione di genere. Movimenti come “Cosplay is for everyone” contribuiscono a creare spazi più inclusivi, dove ogni identità di genere è celebrata e accolta. Questi ambienti sono diventati luoghi di empowerment, dove le persone possono esplorare liberamente il proprio genere, senza limitazioni, e sfidare le convenzioni senza compromessi.

Il Cosplay come Arte e Strumento di Trasformazione Sociale

Il cosplay, oltre a essere un fenomeno culturale e creativo, è un atto artistico che richiede competenze tecniche avanzate. Dalla progettazione dei costumi all’uso di materiali complessi come resine e schiume, la creazione di un costume richiede grande dedizione. Questo processo creativo non è solo un’espressione di abilità manuale, ma anche una forma di narrazione e di immersione profonda nel personaggio. I cosplayer, infatti, non si limitano a vestirsi, ma interpretano il personaggio, adottandone comportamenti, atteggiamenti e movimenti, rendendo il cosplay una performance vivente.

In eventi come le convention, la performance diventa un momento di interazione con il pubblico, trasformando l’esperienza del cosplay in un’arte condivisa. Questi eventi sono l’occasione per le persone di trascendere la realtà e vivere esperienze uniche, sfidando le convenzioni quotidiane attraverso la magia della trasformazione.

Dal punto di vista sociologico, il cosplay ha creato una comunità globale che celebra la diversità e la creatività, purtroppo non priva di difficoltà. Ad esempio, le molestie durante gli eventi e la percezione del cosplay come un passatempo infantile sono problematiche che alcune persone affrontano. Movimenti come “Cosplay is not consent” lavorano per sensibilizzare e creare ambienti di rispetto, dove tutti possano sentirsi sicuri di esprimere se stessi.

Il cosplay è un fenomeno in continua evoluzione, che ha attraversato diversi ambiti della cultura popolare e si è radicato in una varietà di contesti culturali e sociali. Non è solo una forma di intrattenimento, ma un potente strumento di autoespressione che consente alle persone di esplorare, contestare e ridefinire l’identità di genere. In un mondo dove le norme di genere sono spesso rigide, il cosplay offre un’opportunità unica di sperimentare nuove versioni di sé, senza limiti né confini. Come fenomeno culturale e sociale, il cosplay celebra la diversità, promuove l’inclusività e crea spazi di rispetto reciproco, contribuendo a una maggiore consapevolezza dell’importanza dell’autodeterminazione di genere. Con la sua capacità di sfidare le convenzioni e abbracciare la trasformazione, il cosplay continua a unire le persone, celebrando la magia del cambiamento e dell’auto-esplorazione.

Ananas, anelli (pear ring) e app: l’evoluzione (strana) del corteggiamento

Negli ultimi anni, il mondo degli appuntamenti ha subito una vera e propria rivoluzione. Se un tempo erano gli amici o i conoscenti a farci incontrare il futuro partner, oggi le dinamiche sono cambiate radicalmente grazie alle app di dating come Tinder e Bumble. Tuttavia, accanto a queste piattaforme digitali, stanno emergendo tendenze più stravaganti e, in qualche modo, nostalgiche. Una delle più curiose è quella dell’ananas nel carrello, una pratica virale che ha conquistato i supermercati spagnoli, ma che potrebbe presto espandersi a livello globale.

L’ananas nel carrello: una chiave per l’amore al Mercadona

Tutto è iniziato in Spagna, nel popolare supermercato Mercadona, dove l’ananas è diventato il simbolo non ufficiale dei single in cerca di compagnia. Ma attenzione, non si tratta di un ananas qualunque: per trasmettere il messaggio, deve essere posizionato a testa in giù nel carrello della spesa. In questo modo, si segnala la propria disponibilità ad avviare una conversazione e, chissà, magari anche a incontrare l’anima gemella.

Questo curioso segnale visivo si è rapidamente diffuso grazie ai social media, diventando una sorta di “codice segreto” tra le corsie del supermercato. Ma come tutte le mode virali, anche questa ha generato alcune conseguenze inaspettate, con giovani e meno giovani che passeggiano per i negozi con ananas in mano, senza nessuna intenzione di acquistarli, trasformando il Mercadona in un teatro di flirt e incontri improvvisati.

Trovare l’amore nel carrello: come funziona?

Il fenomeno dell’ananas nel carrello è tanto semplice quanto efficace: tra le 19 e le 20, orario di punta per la spesa, i single entrano nei supermercati armati del frutto esotico, segnalando la loro intenzione di incontrare qualcuno. Ma l’ananas non è l’unico elemento simbolico in questo nuovo rituale amoroso. Anche altri prodotti nel carrello possono lanciare messaggi subliminali: la cioccolata, ad esempio, rappresenterebbe un desiderio di romanticismo, mentre le conserve potrebbero indicare la ricerca di una relazione più seria e duratura.

Questa tendenza, nata per scherzo, si è presto trasformata in un fenomeno culturale, con Mercadona che ha colto al volo l’opportunità, pubblicando video ironici sui suoi canali social e cavalcando l’onda del successo.

La nostalgia dell’analogico: dagli ananas agli anelli Pear Ring

Se da un lato l’ananas è diventato il simbolo di una ricerca dell’amore che mescola analogico e digitale, dall’altro assistiamo all’emergere di un’altra tendenza, quella degli anelli Pear Ring. Questi colorati accessori promettono di riportare il fascino degli incontri casuali nell’era della tecnologia, contrassegnando i single come “disponibili” in modo visibile ma discreto, un po’ come accadeva negli anni ’90 con gli anelli a forma di semaforo: verde per “single”, rosso per “impegnato”.

Il Pear Ring tenta di risolvere la crescente insoddisfazione verso le app di dating, restituendo un senso di spontaneità agli incontri, che oggi, con lo swipe continuo, sembrano aver perso la loro magia. La domanda, però, è: queste tendenze funzionano davvero?

Le app di dating: un amore standardizzato?

Le app di dating hanno rivoluzionato il modo di incontrarsi, rendendo più semplice e veloce trovare potenziali partner. Tuttavia, hanno anche imposto un certo grado di standardizzazione nei rapporti umani, riducendo spesso l’incontro a una questione di immagine e pochi dettagli di profilo. Questo ha generato un’esperienza che, per molti, appare superficiale e alienante. Ecco perché molte persone stanno cercando nuove modalità per connettersi, sperimentando tendenze come l’ananas nel carrello o gli anelli Pear Ring. Si tratta di una reazione al dominio del digitale, un tentativo di riscoprire il fascino degli incontri casuali, faccia a faccia.

Perché le tendenze “strane” hanno successo?

Uno degli aspetti più interessanti di questi trend è il loro successo. Ma perché funzionano? In primo luogo, c’è un forte elemento di nostalgia: l’idea di tornare a un’epoca più semplice, in cui le relazioni si costruivano dal vivo e non attraverso uno schermo. In secondo luogo, c’è il gioco: le persone amano partecipare a rituali sociali che aggiungono un pizzico di divertimento e imprevedibilità alla loro quotidianità. Infine, c’è una chiara reazione alle app di dating: stanchi della superficialità degli incontri online, molti cercano alternative che sembrino più autentiche e meno legate a un algoritmo.

Il futuro del dating: digitale o analogico?

Il futuro delle relazioni amorose sembra destinato a oscillare tra questi due poli: da un lato, le app di dating continueranno a evolversi, migliorando l’esperienza utente con nuove funzionalità e una personalizzazione più profonda. Dall’altro, assisteremo probabilmente alla crescita di tendenze che ci riporteranno verso un’interazione più analogica, come gli incontri casuali nei luoghi più inaspettati, sia che si tratti di un supermercato o di un evento culturale.

Alla fine, il modo in cui scegliamo di trovare l’amore riflette i nostri tempi e le nostre esigenze. Che si tratti di un ananas posizionato strategicamente nel carrello della spesa o di un anello colorato, l’importante è essere aperti a nuove esperienze e affrontare ogni incontro con leggerezza e curiosità. Dopotutto, l’amore è un viaggio fatto di sorprese e avventure, e il segreto sta nel godersi ogni momento lungo il cammino.

Prosopometamorfopsia: un disturbo “demoniaco”

La prosopometamorfopsia (PMO) è un disturbo neurologico raro e affascinante che altera la percezione dei volti umani. Le persone affette da PMO vedono i volti distorti, spesso in modi che possono sembrare inquietanti o “demoniaci”. Questo disturbo deriva dal greco “prosopon” per viso e “metamorfopsia” per visione distorta, e può variare notevolmente tra gli individui, influenzando la forma, la dimensione, il colore e la posizione dei tratti facciali.

Origini e Sintomi

La PMO può essere scatenata da diverse condizioni, tra cui lesioni cerebrali, disturbi psichiatrici come il disturbo bipolare e il disturbo da stress post-traumatico (PTSD), o persino anomalie strutturali come cisti cerebrali. I sintomi possono persistere per giorni, settimane o anni e sono spesso fraintesi come segni di schizofrenia, portando a diagnosi errate e trattamenti inappropriati con antipsicotici.

Ricerca e Comprensione

Un caso documentato da ricercatori del Dartmouth College ha fornito una rara opportunità di visualizzare le distorsioni percepite da un paziente con PMO. Il paziente, un uomo di 58 anni, vedeva i volti come distorti di persona, ma li vedeva normalmente tramite una foto mostrata su schermo o carta. Questa peculiarità ha permesso ai ricercatori di modificare una foto sullo schermo per corrispondere alle distorsioni che il paziente stava percependo sul volto reale, fornendo così una rappresentazione visiva delle sue percezioni.

Implicazioni Cliniche

La comprensione della PMO è cruciale per evitare sottodiagnosi o diagnosi errate. È importante che i clinici riconoscano la PMO come una condizione neurologica piuttosto che psichiatrica, per garantire che i pazienti ricevano il trattamento corretto. Inoltre, la ricerca sulla PMO può offrire intuizioni preziose sul funzionamento del sistema visivo e sulle reti cerebrali coinvolte nel riconoscimento dei volti.

Ricerca

La ricerca sulla PMO è ancora agli inizi, e ogni nuovo caso documentato arricchisce la nostra comprensione di questo disturbo. Con solo circa 75 casi pubblicati, c’è molto da scoprire su come il cervello elabora le informazioni visive e su come le distorsioni percettive si manifestano in condizioni come la PMO.

La prosopometamorfopsia è un esempio affascinante di come una disfunzione in una specifica rete cerebrale possa avere effetti profondi sulla nostra percezione del mondo.

Mentre la ricerca continua, è essenziale che i professionisti della salute mentale e neurologica siano consapevoli di questa condizione per fornire diagnosi accurate e trattamenti mirati.

Cosplay e Luoghi Comuni sui Fruitore: Un’Analisi Psicologica, Antropologica e Sociologica

Il cosplay, abbreviazione di “costume play”, è un fenomeno che negli ultimi decenni ha acquisito un’importanza sempre maggiore, attraversando i confini geografici e culturali. Nato in Giappone negli anni ’80, ma rapidamente diffusosi a livello globale, il cosplay è oggi una delle espressioni più vivaci e coinvolgenti della cultura pop contemporanea. Tuttavia, nonostante la sua crescente popolarità, il fenomeno è spesso oggetto di pregiudizi e stereotipi. I cosplayer, infatti, vengono frequentemente etichettati in modo riduttivo e superficiale. Questo articolo esplora il cosplay attraverso le lenti della psicologia, dell’antropologia e della sociologia, cercando di decostruire i principali luoghi comuni legati a chi ne è un fruitore, per far luce sulla vera essenza di questa affascinante forma di espressione.

Il Cosplay come Espressione dell’Identità Personale

Dal punto di vista psicologico, il cosplay può essere interpretato come una modalità attraverso cui le persone esplorano e definiscono la propria identità. La teoria dello sviluppo dell’identità di Erik Erikson suggerisce che la costruzione di una solida identità personale passi attraverso fasi di esplorazione. In questo contesto, il cosplay diventa una piattaforma sicura dove i cosplayer possono “provare” diverse identità, assumendo i tratti di personaggi che ammirano. La trasformazione in un personaggio di fantasia permette di esplorare aspetti della personalità che potrebbero rimanere nascosti nella quotidianità, e lo fa in un ambiente protetto e senza giudizi.

Non è un caso, infatti, che il cosplay rappresenti una risorsa importante per molte persone in un percorso di scoperta della propria identità di genere, come le persone transgender e non binarie. Per loro, vestire i panni di un personaggio di un altro genere può rappresentare una forma di sperimentazione e di affermazione della propria identità, al di là delle etichette sociali convenzionali. Inoltre, diversi studi hanno suggerito che il cosplay possa avere effetti positivi sul benessere psicologico, aiutando a migliorare la fiducia in sé stessi, a ridurre l’ansia sociale e a promuovere l’inclusività.

Luoghi Comuni e Pregiudizi sui Cosplayer

Nonostante i numerosi benefici psicologici, il cosplay è spesso oggetto di critiche e stereotipi che ne limitano la comprensione. Tra i più diffusi, troviamo:

“Il cosplay è solo per bambini”
Molti continuano a pensare che il cosplay sia un’attività infantile. Questo è un luogo comune particolarmente radicato nella cultura popolare, ma che non rispecchia la realtà. Il cosplay, infatti, è praticato da persone di tutte le età, da giovani adulti a persone più mature, che vi vedono non solo una forma di svago, ma anche un’opportunità di espressione creativa e di socializzazione. Le convention di cosplay, in particolare, attirano un pubblico molto variegato, che include professionisti e appassionati che portano avanti il cosplay come una vera e propria arte.
“Chi fa cosplay fugge dalla realtà”
Un altro pregiudizio comune è che il cosplay sia un modo per “fuggire” dalla realtà. Questa visione riduttiva non tiene conto del fatto che il cosplay non implica una negazione del mondo reale, ma piuttosto una rielaborazione di esso attraverso la lente della fantasia. Molti cosplayer considerano il cosplay un hobby che arricchisce la loro vita, offrendo uno spazio dove esplorare e vivere esperienze che altrimenti non avrebbero l’opportunità di sperimentare.
“Il cosplay è un fenomeno di nicchia”
Un tempo, il cosplay era effettivamente considerato una pratica di nicchia, riservata a pochi appassionati. Tuttavia, oggi questo fenomeno ha conquistato una visibilità globale grazie ai social media, alle convention internazionali e all’interconnessione delle diverse subculture. Cosplayer di tutto il mondo si incontrano, si scambiano idee e condividono creazioni, rendendo il cosplay una comunità internazionale che va oltre i confini geografici.
“I cosplayer sono tutti nerd introversi”
Il termine “nerd” è stato per lungo tempo associato a un’immagine negativa, descrivendo persone timide, introverse e poco sociali. Questo stereotipo, tuttavia, non trova riscontro nella realtà del cosplay. Mentre alcuni cosplayer possono essere introversi, molti altri sono estroversi, dinamici e attivi nel partecipare a eventi pubblici e nel creare legami con altri membri della comunità. Il cosplay, infatti, favorisce la socializzazione e il lavoro di gruppo, dando vita a una rete di supporto reciproco che si estende anche al di fuori degli eventi ufficiali.
“Il cosplay è una forma di esibizionismo”
Un altro mito riguardo il cosplay è che chi lo pratica lo faccia per attirare l’attenzione. Tuttavia, per la maggior parte dei cosplayer, il cosplay è prima di tutto una forma di espressione artistica che richiede impegno, creatività e abilità tecnica. Ogni costume richiede tempo, dedizione e una notevole quantità di lavoro artigianale, e per molti cosplayer, il processo di realizzazione è tanto significativo quanto l’interpretazione del personaggio stesso. Il cosplay, quindi, è un atto artistico più che un atto di esibizionismo.

Il Cosplay come Fenomeno Sociale e Culturale

Oltre alla sua dimensione psicologica, il cosplay ha anche una forte componente sociale e culturale. Dal punto di vista antropologico, il cosplay è un fenomeno che sfida le convenzioni tradizionali, in particolare quelle legate ai ruoli di genere. La pratica del crossplay (cosplay di personaggi di genere opposto) è ormai consolidata, permettendo a chiunque di indossare i panni di personaggi che non corrispondono al proprio sesso biologico, abbattendo così le barriere imposte dalle norme sociali tradizionali.

Il cosplay si inserisce anche in una dimensione globale che celebra la diversità culturale. Infatti, i cosplayer non si limitano solo ai personaggi degli anime giapponesi, ma spaziano da film di Hollywood a videogiochi, fumetti e anche personaggi iconici della cultura musicale e popolare. Le fiere di cosplay, quindi, diventano luoghi di incontro per persone provenienti da diversi angoli del mondo, unite dalla passione per un fenomeno che abbraccia molteplici tradizioni culturali e artistiche.

Dal punto di vista sociologico, il cosplay può essere visto come una sorta di “messa in scena” dell’identità sociale. Secondo la teoria dell’interazionismo simbolico di Erving Goffman, l’atto di vestirsi e interpretare un personaggio è un modo per esplorare e performare aspetti della propria personalità. In altre parole, il cosplay non è solo un’imitazione, ma una vera e propria costruzione dell’identità attraverso il corpo e l’interazione sociale.

Il cosplay è un fenomeno complesso che va ben oltre i pregiudizi e le etichette. Attraverso la psicologia, l’antropologia e la sociologia, possiamo apprezzare la ricchezza e la profondità di questa pratica, che non solo permette ai partecipanti di esplorare e affermare la propria identità, ma crea anche spazi di socializzazione e connessione tra persone provenienti da realtà e culture differenti. Decostruire i luoghi comuni sui cosplayer significa riconoscere il valore di un fenomeno che, oggi più che mai, continua a crescere e a evolversi, trasformandosi in una vera e propria arte capace di unire e valorizzare la diversità.

La crescita del fenomeno Nerd: dai “secchioni” degli anni ’80 alla moderna Pop-Culture

Il termine “Nerd” è nato negli Stati Uniti negli anni ’50, per indicare una persona appassionata di argomenti considerati poco interessanti o socialmente accettati, come la scienza, la matematica, la fantascienza, i fumetti, i giochi di ruolo, ecc. Il Nerd era spesso rappresentato come un individuo introverso, timido, impacciato, con occhiali spessi e vestiti fuori moda, che veniva deriso o emarginato dagli altri, soprattutto dai cosiddetti “popolari” o “fighi”.

Negli anni ’80, il Nerd ha iniziato a guadagnare una certa visibilità e simpatia nel mondo dell’intrattenimento, grazie a film come “La rivincita dei Nerds”, “Indiana Jones”, “Ghostbusters” , “Ritorno al futuro” e a serie televisive come “MacGyver” (1985-1992) ecc. Queste opere hanno mostrato al pubblico che i Nerd potevano essere anche eroi, divertenti, avventurosi, intelligenti e creativi, e che i loro interessi potevano essere affascinanti e coinvolgenti.

Tuttavia, il vero boom del fenomeno Nerd è avvenuto alla fine degli anni ’90, grazie a tre fattori principali: la diffusione degli anime in TV nazionali, la nascita delle moderne console domestiche e i primi passi del web.

L’importanza della diffusione degli anime nelle reti nazionali e su canali come MTV è fondamentale per la promozione della cultura nerd a livello globale. La serie “Dragon Ball” del mai abbastanza compianto e omaggiato Akira Toriyama, in particolare, ha avuto un ruolo cruciale in questo processo. Questa serie infatti non è solo un capolavoro dell’animazione giapponese; è un fenomeno culturale che ha attraversato i confini nazionali, influenzando generazioni di fan e contribuendo significativamente alla diffusione della cultura nerd. La decisione di trasmettere “Dragon Ball” su Italia Uno, dopo pranzo, a ritorno da scuola, ha permesso a questo anime di raggiungere un pubblico vasto e diversificato, ben oltre la nicchia degli appassionati di manga e anime. La narrazione epica di Goku e dei suoi compagni, la ricerca delle sfere del drago e le battaglie mozzafiato hanno catturato l’immaginazione di milioni di spettatori, creando un legame comune tra persone di diverse età, culture e background. Questa esposizione ha avuto un effetto domino, portando alla scoperta di altri anime e manga, e ha aperto la porta a un interesse più ampio per la cultura giapponese, dai videogiochi alla letteratura. La presenza di “Dragon Ball” in TV ha anche contribuito a normalizzare gli interessi nerd, mostrando che tali passioni non sono riservate a una minoranza, ma possono essere condivise e apprezzate da tutti. Inoltre, ha ispirato una nuova ondata di creatività, con fan che hanno prodotto opere d’arte, fan fiction e videogiochi basati sull’universo di “Dragon Ball”.

Al contempo, le console domestiche, come la PlayStation (1994), la Nintendo 64 (1996), la Sega Saturn (1995), la Dreamcast (1998), ecc., hanno portato i videogiochi nelle case di milioni di persone, trasformando quello che era un hobby di nicchia in un fenomeno di massa. I videogiochi sono diventati sempre più sofisticati, vari, belli e immersivi, offrendo esperienze di gioco uniche e coinvolgenti. Alcuni titoli, come “Final Fantasy VII” (1997), “Metal Gear Solid” (1998), “The Legend of Zelda: Ocarina of Time” (1998), “Resident Evil” (1996), “Tomb Raider” (1996), ecc., sono entrati nella storia della cultura popolare, creando fanbase enormi e fedeli.

Il web, invece, ha permesso ai Nerd di connettersi tra loro, di condividere le loro passioni, di scambiarsi informazioni, opinioni, consigli, recensioni, fan art, fan fiction, ecc. Il web, grazie alla nascita dei primi “blog antelitteram” (come lo stesso Satyrnet) e i primi forum ha anche ampliato l’accesso a fonti di informazione e intrattenimento che trattavano di argomenti allora di nicchia , come cinema, fumetti, libri, serie tv, anime, manga, cosplay, ecc dandogli una rilevanza diversa, connessa, condivisa! Il web ha anche dato voce e visibilità a personalità nerd, come scrittori, registi, attori fino alle così dette web star come youtuber, blogger, influencer, ecc., che hanno contribuito a diffondere e a valorizzare la cultura nerd.

In questo modo, il Nerd ha smesso di essere un “looser”, un perdente, un emarginato, per diventare un “cooler”, un vincente, un protagonista.

Il Nerd ha dimostrato di avere talento, passione, curiosità, fantasia, spirito critico, senso dell’umorismo, e di saper apprezzare e creare bellezza. Il Nerd ha conquistato il rispetto e l’ammirazione degli altri, e ha influenzato la società e la cultura in molti ambiti, come l’arte, la scienza, la tecnologia, l’innovazione, l’educazione, il divertimento, ecc.

Oggi, il Nerd non è più un’etichetta negativa, ma un’identità positiva, una fonte di orgoglio, una comunità di appartenenza. Oggi, essere Nerd è cool.

Framing nell’editoria e nel giornalismo: cos’è e come funziona

Il framing è una tecnica di comunicazione che consiste nel presentare un’informazione in modo da influenzare la percezione e la comprensione di chi la riceve.

Nell’editoria e nel giornalismo, il framing viene utilizzato per raccontare storie, informare il pubblico e promuovere una visione del mondo.

Come funziona il framing

Il framing funziona selezionando e enfatizzando alcuni aspetti di un evento o di una notizia, mentre altri aspetti vengono ignorati o minimizzati.

Ad esempio, un articolo di giornale potrebbe presentare un evento come una tragedia o come un’opportunità. Il titolo, la scelta delle immagini e il linguaggio utilizzato possono influenzare la percezione del lettore.

Tipi di framing

Esistono diversi tipi di framing, tra cui:

Framing positivo: questo tipo di framing presenta un evento o una notizia in modo positivo, enfatizzando gli aspetti positivi e minimizzando gli aspetti negativi.
Framing negativo: questo tipo di framing presenta un evento o una notizia in modo negativo, enfatizzando gli aspetti negativi e minimizzando gli aspetti positivi.
Framing neutrale: questo tipo di framing presenta un evento o una notizia in modo neutrale, cercando di fornire tutte le informazioni rilevanti senza esprimere giudizi.

L’impatto del framing

Il framing può avere un impatto significativo sulla percezione e la comprensione di un evento o di una notizia.

Ad esempio, uno studio ha dimostrato che le persone che hanno letto un articolo di giornale che presentava un evento come una tragedia erano più propense a ritenere che l’evento fosse grave e che fosse necessario prendere misure per prevenirlo.

Il framing nell’editoria e nel giornalismo

Nell’editoria e nel giornalismo, il framing viene utilizzato per raccontare storie, informare il pubblico e promuovere una visione del mondo.

I giornalisti sono responsabili di presentare le informazioni in modo accurato e imparziale. Tuttavia, è importante essere consapevoli del fatto che il framing può influenzare la percezione del pubblico.

Ecco alcuni suggerimenti per ridurre l’impatto del framing:

Esporsi a diverse fonti di informazione: è importante leggere articoli di giornale da diverse fonti, in modo da ottenere una visione più completa di un evento o di una notizia.
Essere critici nei confronti delle informazioni che si ricevono: è importante essere critici nei confronti delle informazioni che si ricevono, prestando attenzione al linguaggio utilizzato, alle immagini e alle fonti citate.
Formarsi un’opinione personale: è importante formarsi un’opinione personale su un evento o una notizia, dopo aver considerato tutte le informazioni disponibili.

Riconoscendo il framing e adottando questi suggerimenti, è possibile essere più consapevoli dell’impatto che le informazioni possono avere sulla nostra percezione del mondo.

Il patriarcato spiegato ai nerd: da Mesopotamia a Barbieland, passando per cosplay e gatekeeping

Immagina di aprire un manuale di Dungeons & Dragons, ma invece di trovare razze, classi e incantesimi ti ritrovi davanti l’“ambientazione patriarcale”, un sistema sociale che assegna bonus di potere quasi esclusivamente ai personaggi maschi, meglio se adulti, meglio se anziani, meglio se in posizione di comando. Non è una campagna fantasy, è la storia dell’umanità. E, sorpresa poco piacevole, influenza ancora oggi anche quella galassia che molti di noi vivono come rifugio: la cultura nerd, geek e pop.

In questo viaggio proveremo a fare quello che la buona fantascienza ha sempre fatto: usare gli universi immaginari per leggere, criticare e – si spera – ribaltare la realtà. Dal patriarcato mesopotamico alle timeline rosa shocking di Barbieland, passando per fumetti, cosplay e community tossiche, cerchiamo di capire come funziona davvero “la legge del padre” e perché riguarda da vicino chiunque ami fumetti, videogiochi, anime e cinema.

Cos’è il patriarcato, senza giri di parole

In sociologia, il patriarcato è un sistema sociale in cui il potere viene concentrato in mano agli uomini, di solito adulti e anziani, che detengono le leve della politica, dell’autorità morale, del prestigio sociale e del controllo della proprietà. Non si tratta solo di “maschilismo” generico o di qualche stereotipo fastidioso: è una struttura che organizza famiglie, leggi, religioni, economia e immaginario collettivo.

Nel modello familiare patriarcale il padre o la figura maschile dominante ha autorità sulla donna e sui figli. La discendenza e i beni vengono trasmessi lungo la linea maschile, così che eredità, titoli e proprietà restino “in mano agli uomini”. Questo tipo di organizzazione sociale ha attraversato epoche e civiltà diverse, mutando forma ma mantenendo un nocciolo comune: chi ha il potere è maschio, e non è un dettaglio.

Già l’etimologia sembra scritta come un incantesimo di controllo: patriarcato significa letteralmente “legge del padre”, dal greco patriarkhēs, “capo della stirpe”, composto da patria (stirpe, discendenza) e arkhō (comando). Non è un termine neutro: definisce chi comanda, in base a che cosa e su chi.

Il patriarcato non è sempre esistito (e questo è importantissimo)

Uno dei plot twist più interessanti che emergono da archeologia e antropologia è che il patriarcato non è “la natura umana”, ma un’invenzione storica relativamente recente. Per gran parte della preistoria, gli esseri umani sono vissuti come cacciatori-raccoglitori in società più egualitarie, dove ruoli e poteri erano meno rigidi e meno gerarchici rispetto alle epoche successive.

Gli studiosi hanno abbandonato da tempo l’idea che esistesse un “matriarcato originario” in cui le donne dominavano sugli uomini, ma concordano sul fatto che le forme dure e strutturate di patriarcato compaiano in modo massiccio a partire dal Neolitico, con la rivoluzione agricola. Quando le comunità iniziano a coltivare la terra e ad addomesticare gli animali, la ricchezza smette di essere solo “quello che mangi oggi” e diventa terra, bestiame, raccolti, cioè beni accumulabili e trasmissibili.

In parallelo cambia la comprensione della procreazione. Con la logica della semina, gli esseri umani cominciano a collegare in modo più esplicito il rapporto sessuale alla gravidanza. Da qui nasce la figura del padre come “proprietario” della discendenza: chi lavora un campo vuole essere sicuro che quel campo e la “prole” che cresce lì restino suoi. Matrimonio e famiglia si configurano sempre più come strutture di controllo sulla sessualità femminile e sulla trasmissione dei beni.

In diverse culture compaiono usi come il “prezzo della sposa”, la compravendita della moglie, forme di clausura o sorveglianza del corpo femminile, fino all’idea che “l’onore” dell’uomo e della famiglia passi dal comportamento sessuale delle donne. Tutto questo non nasce per caso: è un sistema di gestione del potere, travestito da ordine naturale.

Dalla Grecia a Roma: quando i classici erano patriarcali (e lo sono ancora nei programmi scolastici)

Se allarghiamo la lente all’antichità “classica”, vediamo due mondi che hanno forgiato l’immaginario dell’Occidente e che continuano a vivere nelle nostre storie, dai manga storici alle serie tv epiche.

Nell’Antica Grecia le donne non erano considerate cittadine, al pari degli schiavi e degli stranieri. Non partecipavano alla vita politica, non possedevano beni in modo autonomo, e in molte città non potevano ereditare. Nel caso ateniese delle “epikleroi”, le figlie rimaste uniche eredi venivano di fatto “legate” alla proprietà di famiglia: dovevano sposare un parente maschio perché i beni restassero nel ramo giusto. È come se la donna fosse il supporto fisico della proprietà, ma non il soggetto che la possiede.

Sul piano simbolico, il pensiero filosofico ha fatto il resto. Aristotele descrive le donne come inferiori agli uomini sul piano morale, intellettuale e fisico, relegandole alla riproduzione e al servizio domestico, e presentando il dominio maschile come naturale e virtuoso. Idee di questo tipo non sono rimaste intrappolate nei rotoli: sono diventate “sfondo di sistema”, interiorizzate, tramandate, normalizzate.

A Roma il pater familias ha un potere ancora più esplicito: decide sui figli, sulla moglie, sulle nuore, sugli schiavi; ha persino il diritto, almeno nelle forme più antiche, di vita e di morte. Il matrimonio è un’alleanza familiare e patrimoniale in cui il corpo femminile è nodo di scambio fra uomini. Nel tempo, alcune norme cambiano, certe violenze vengono limitate, le donne conquistano piccoli spazi di autonomia, ma il modello di base resta: il centro decisionale è maschile.

Se pensiamo a quante “grandi storie” del nostro canone narrativo nascono qui, capiamo quanto il patriarcato sia radicato non solo nelle leggi, ma anche nelle trame che raccontiamo da millenni.

Religioni, modernità e potere: la lunga ombra del padre

Le religioni storiche hanno dato al patriarcato un ulteriore boost di legittimazione. Nelle tradizioni abramitiche, ad esempio, l’idea di “patriarca” è legata a figure come Abramo, Isacco, Giacobbe, capi tribali e spirituali, mentre le donne, pur presenti in ruoli importanti in alcuni racconti, sono meno numerose e raramente riconosciute come protagoniste pubbliche. La struttura familiare è nettamente sbilanciata: il marito può ripudiare la moglie, non viceversa; la trasmissione della proprietà è pensata a favore degli uomini; il corpo femminile è regolato da norme precise su verginità, matrimonio, discendenza.

Nel corso dei secoli, la politica ha spesso giustificato la propria gerarchia richiamandosi a quella familiare: il re come padre, il sovrano come capo-padrone del “corpo” del popolo. Una parte della teoria politica moderna ha persino provato a fare derivate dirette dalla Bibbia per giustificare il diritto divino dei re. Anche quando questi sistemi crollano, l’idea che sia “naturale” avere un uomo al comando resta appiccicata alla cultura.

Con la rivoluzione industriale e il capitalismo, la divisione tra lavoro produttivo (pagato, pubblico, maschile) e lavoro riproduttivo (non pagato, domestico, femminile) ha rafforzato la percezione dell’uomo come “colui che porta il pane”, aumentando il suo potere simbolico ed economico. Non è una leggenda urbana da post su Instagram, è struttura sociale.

Ok, ma che c’entra tutto questo con la cultura nerd?

A questo punto potresti chiederti: va bene la lezione di storia, ma io sto qui per parlare di fumetti, anime e videogiochi. Il punto è proprio questo: la cultura nerd non è un’isola felice fuori dal mondo, è un prodotto della stessa società che per millenni ha funzionato secondo logiche patriarcali.

Per decenni il nerd maschio è stato visto come “sfigato”, emarginato dai modelli di mascolinità tradizionale: non sportivo, non dominante, non “virile” in senso classico. Molti ragazzi che si riconoscevano in questa identità venivano bullizzati, esclusi, ridicolizzati. Il rifugio nei fumetti, nei giochi di ruolo, nelle serie di fantascienza è diventato anche uno spazio di resistenza, di appartenenza alternativa.

Quando però questi mondi sono esplosi nella cultura pop mainstream, qualcosa si è incrinato. Chi per anni si era sentito escluso ha iniziato a vivere i propri spazi nerd come “territorio da difendere”. E qui il patriarcato ha trovato il modo di rientrare dalla finestra.

Gatekeeping: quando il nerd diventa il boss di fine livello

Il meccanismo è abbastanza semplice: se vivi la tua identità nerd come una rivincita, potresti iniziare a decidere chi è “degno” di condividere quello spazio. E spesso, a farne le spese, sono proprio le donne e le persone marginalizzate.

Il gatekeeping funziona come un filtro: pochi autoproclamati custodi decidono quale sia la “vera” passione per Star Wars, per i fumetti Marvel, per i JRPG, per Warhammer, per i manga seinen. Se una ragazza dice di amare una saga, scatta l’interrogatorio da quiz finale: “Ah sì? Dimmi il nome di tutti i personaggi del numero 37 della run del ’92”. La competenza non viene misurata per curiosità, ma usata come arma per escludere.

Questo non è solo snobismo da collezionisti, è la riproposizione di gerarchie patriarcali all’interno di spazi che dovrebbero essere di gioco, condivisione e creatività. Il messaggio implicito è: il club è maschile per default, tutti gli altri devono dimostrare di avere abbastanza “punti fandom” per entrare.

Personaggi femminili: tra armature-bikini e archetipi prefabbricati

Il patriarcato si infiltra anche nel character design. Chiunque abbia passato abbastanza ore fra fumetti, videogiochi action, fighting game e anime sa quanto sia frequente la sessualizzazione estrema dei personaggi femminili.

Eroine con armature che lasciano scoperti i punti vitali, pose studiate per enfatizzare seni e glutei, costumi poco pratici per combattere, inquadrature “a telecamera all’altezza del bacino”, design pensati più per l’occhio maschile che per la credibilità narrativa. Il corpo femminile viene usato come fanservice, come premio visivo, come oggetto estetico prima ancora che come soggetto d’azione.

Non è solo un problema di “minigonne e reggiseni corazzati”. È la ripetizione di uno schema: le donne sono viste in funzione dello sguardo maschile. E quando queste rappresentazioni finiscono nelle fiere, fra i cosplay, l’effetto collaterale si fa subito sentire.

Cosplay, molestie e critiche tossiche: quando il patriarcato indossa il badge dell’evento

Le fiere e i raduni dovrebbero essere la celebrazione più libera, creativa e gioiosa della cultura geek. Eppure molte cosplayer raccontano esperienze tutt’altro che idilliache: commenti sessualizzanti non richiesti, foto scattate senza consenso, “scherzi” invadenti, mani che si allungano con la scusa della foto, body shaming travestito da “critica tecnica al costume”.

Chi interpreta personaggi molto sessualizzati viene accusata di “cercare attenzioni” o di essere “troppo scoperta”, mentre chi sceglie versioni più coperte o varianti creative viene attaccata perché “non fedele al personaggio”, “non abbastanza sexy”, “non con il corpo giusto”. In entrambi i casi il punto non è il costume, è il controllo sul corpo femminile: giudicato, misurato, ridicolizzato.

Questa dinamica ricalca perfettamente logiche patriarcali: qualunque cosa tu faccia, sei comunque ridotta a oggetto di giudizio in base a criteri che non stabilisci tu. È il modo in cui la “cultura dello stupro” si normalizza: se abituiamo le persone a trattare i corpi come oggetti disponibili dell’immaginario, diventa più facile giustificare commenti, molestie, violenze come “esagerazioni” o “non era così grave”.

Barbie, Greta Gerwig e il patriarcato al cinema: quando il rosa diventa un evidenziatore

In questo scenario, il film “Barbie” di Greta Gerwig è arrivato come un meteorite glitterato nel 2023, spaccando in due pubblico e critica. C’è chi lo ha definito superficiale, chi l’ha osannato come manifesto femminista pop, chi lo ha liquidato come “propaganda”, chi lo ha amato proprio per la sua capacità di essere tanto accessibile quanto pungente.

La sua forza, dal punto di vista nerd e culturale, sta nel gioco di specchi. Barbieland è un mondo matri-centrico in cui le Barbie fanno tutto: sono operaie, scienziate, mediche, mamme, giudici, presidenti. I Ken esistono quasi solo in funzione dello sguardo di Barbie. Gli uomini, insomma, occupano la posizione che le donne hanno ricoperto per secoli nei media reali.

Il film spinge questo ribaltamento ai limiti del grottesco per far emergere l’assurdità del patriarcato nel mondo reale. Quando Ken scopre la società patriarcale del nostro mondo e cerca di importarla a Barbieland, vediamo letteralmente una “installazione” del sistema: i Barbie Dreamhouse diventano Mojo Dojo Casa Houses, i Ken occupano il potere, le Barbie vengono ipnotizzate da narrazioni che le convincono a rimpicciolirsi, a servire, a compiacere.

L’operazione non è quella di sostituire un dominio con un altro, ma di mostrare che la supremazia di un genere sull’altro non funziona, né in rosa né in blu. Anche Ken, alla fine, intraprende un percorso di emancipazione: capire che non deve esistere solo “in funzione di Barbie” è la sua versione del femminismo, un’uscita dalla gabbia del ruolo imposto.

Il film non è perfetto, è pieno di contraddizioni e limiti, ma fa qualcosa di prezioso: porta nelle grandi sale, a un pubblico trasversale, un discorso sul patriarcato, sul femminismo e sull’identità che fino a poco tempo fa sarebbe stato confinato in saggi di teoria o in cinema di nicchia. E lo fa usando una delle icone pop più controverse di sempre, storicamente accusata di essere strumento del capitalismo e del controllo sui corpi femminili.

Perché il patriarcato riguarda anche gli uomini nerd

Un equivoco diffusissimo è pensare che il patriarcato danneggi solo le donne. In realtà è un sistema che impone agli uomini un manuale di istruzioni rigidissimo su cosa significhi “essere un vero uomo”: niente fragilità, niente vulnerabilità, niente emozioni troppo visibili, niente interessi “non virili”.

Il nerd maschio che ama storie, sentimenti, estetica, mondi immaginari, è spesso visto come “deviazione” dalla norma maschile tradizionale. Non è un caso che molti di loro abbiano subito bullismo proprio perché non rientravano nel modello del maschio sportivo, aggressivo, competitivo.

Il problema nasce quando, invece di criticare il manuale, alcuni lo interiorizzano e provano a spostarsi di ruolo al suo interno: da vittime a piccoli dominatori del proprio microcosmo. È in questo passaggio, spesso inconsapevole, che si passa dall’essere emarginati al diventare gatekeeper, dall’essere esclusi all’escludere, dal subire il patriarcato al riprodurlo in scala ridotta.

Un approccio femminista intersezionale, che considera non solo il genere ma anche classe, razza, orientamento, abilismo, ci permette di vedere meglio questo intreccio. Non si tratta di “odio verso gli uomini”, ma di rifiuto di un sistema che schiaccia chiunque non si adegui ai ruoli di genere preconfezionati – uomini compresi.

Cultura nerd, femminismo e futuro: cosa possiamo fare noi, qui e ora

La buona notizia è che nulla di tutto questo è scolpito nel marmo. Se il patriarcato è un costrutto storico, può essere smontato, riscritto, patchato come un vecchio regolamento di gioco. E la cultura nerd, proprio perché abituata ai reboot, alle timeline alternative, agli universi paralleli, ha un potenziale enorme nel ripensare queste dinamiche.

Le community possono scegliere consapevolmente di non tollerare molestie e body shaming, di credere alle testimonianze, di proteggere chi subisce abusi. Gli organizzatori di eventi possono lavorare su regole chiare, staff formato, canali sicuri per segnalare comportamenti inaccettabili. Gli autori e le autrici possono creare personaggi femminili complessi, non ridotti a skin sexy o a spalla emotiva del protagonista maschile.

Noi, come fan, possiamo fare attenzione a come parliamo dei corpi, dei cosplay, delle protagoniste. Possiamo smettere di usare il “test di purezza nerd” come arma, ricordarci che nessuno nasce esperto e che la cultura pop cresce quando nuove persone la abitano, la reinterpretano, la ampliano.

E soprattutto possiamo continuare a usare i nostri universi preferiti – da Barbieland a Tatooine, da Gotham a Neo-Tokyo – come specchi critici. Ogni volta che vediamo una storia che ripete schemi patriarcali, possiamo scegliere di non assorbirla passivamente. Possiamo commentarla, criticarla, remixarla, scrivere fanfiction, articoli, fumetti, giochi che raccontino altro.

La quest è aperta: parliamone

In fondo, la cultura nerd vive di community. CorriereNerd.it esiste proprio per raccontare questi mondi e discuterli insieme, con la passione di chi li ama e lo spirito critico di chi sa che nessun universo narrativo è neutro.

Il patriarcato non è un boss di fine livello che si batte da soli, né un glitch che si risolve con una patch invisibile. È un sistema che si incrina quando tanti giocatori e giocatrici, insieme, smettono di accettarne le regole non scritte.

E ora tocca a te: quali esperienze hai vissuto nella cultura nerd che ti hanno fatto percepire queste dinamiche? Ti sei mai sentita o sentito escluso, giudicato, tollerato “a condizioni”? Hai avuto momenti in cui una serie, un film o un fumetto ti hanno aperto gli occhi sul patriarcato, un po’ come è successo a molti con “Barbie”?

Raccontalo nei commenti: la discussione è parte della quest, e la prossima trasformazione del nostro multiverso geek potrebbe iniziare proprio da lì.

Di mano in man presenta “Librando 2022”

Dal 2 al 9 aprile ritorna a Cambiago l’amato appuntamento con Librando, l’evento dedicato ai libri rari e preziosi. Librando non è solo un’ampia esposizione di libri, è soprattutto uno spazio delle meraviglie dentro il quale l’acquisto dei libri di seconda mano diventa ricerca di titoli introvabili, edizioni pregiate e pezzi da collezionismo.

Per questa edizione, a cura di “Di mano in mano”, viene proposta una collezione di titoli provenienti dalla ricca e variegata biblioteca di una famiglia borghese milanese, comprendente centinaia di titoli di modernariato pubblicati tra la fine dell’Ottocento e gli anni ’40 del Novecento, straordinariamente conservati e perlopiù intonsi. Notevole e ampia la scelta di saggi di letteratura italiana e straniera, filosofia, storia, attualità politica italiana e internazionale, narrativa ed una varietà di altri generi quali resoconti di esplorazioni, biografie, epistolari.

Fiore all’occhiello di questa collezione sono certamente i titoli della storica Casa Editrice Bocca, pregiata per le sue copertine dalle grafiche mirabili ed estremamente riconoscibili, ma soprattutto per le peculiari scelte editoriali, molto all’avanguardia per quei tempi storici.

Gli argomenti trattati sono innumerevoli: filosofia, sociologia, scienze politiche, psicologia, spiritualità, storia delle religioni e tanto esoterismo. Oltre alla collezione descritta, come di consueto Librando arricchirà l’esposizione con la sua solita, straordinaria selezione di narrativa, saggistica tra cui si segnalano testi per intenditori di musica. Il settore arte comprenderà numerosi titoli riguardanti l’architettura e una speciale selezione di volumi di Franco Maria Ricci.