Archivi tag: Shogakukan

Approfondimenti, AULAMANGA, Books + Comics

One Piece domina ancora: la classifica Oricon 2025 tra Jujutsu Kaisen, Dandadan e le nuove stelle del manga

Lascia un commento

Il nuovo ranking Oricon 2025 ha il sapore di una finale giocata all’ultimo punto: distacchi minimi, sorpassi, nuove promesse che si affacciano sul ring e mostri sacri che rifiutano ostinatamente di scendere dal trono. Per chi ama i manga non solo come storie, ma come fenomeno culturale e industriale, questi numeri raccontano molto più di semplici copie vendute: sono la fotografia di dove sta andando l’immaginario pop giapponese e di cosa stiamo leggendo – e guardando – oggi, in Giappone come in Italia.

Il periodo preso in considerazione da Oricon va dal 18 novembre 2024 al 16 novembre 2025: dodici mesi in cui milioni di volumi hanno cambiato scaffale, borsa, comodino, zaino di studenti e salaryman. In mezzo a questo mare di carta e inchiostro, solo una manciata di titoli è riuscita a emergere come regina di vendite. E, sorpresa ma non troppo, al centro della scena c’è ancora lui: One Piece.

I volumi singoli più venduti del 2025: il duello One Piece vs Jujutsu Kaisen

Partiamo dalla “micro” classifica, quella dei singoli tankōbon più venduti dell’anno. È qui che si percepisce la temperatura reale del mercato, perché non si parla più di serie in generale, ma di volumi specifici, archi narrativi ben precisi, capitoli che hanno fatto sgranare gli occhi ai lettori settimana dopo settimana.

In testa si piazza One Piece 111, che supera quota 1.370.000 copie vendute. Non è soltanto l’ennesimo numero impressionante per il manga di Eiichirō Oda: è la conferma che la fase finale della saga sta funzionando come una calamita, riportando al volume anche quei lettori che magari da anni seguivano solo tramite scan, riassunti, video su YouTube o clip dell’anime. L’idea di “stare per vedere come va a finire” è uno dei motori più potenti che il mercato manga conosca.

Alle spalle di Luffy, però, Jujutsu Kaisen non ha alcuna intenzione di arretrare. Il volume 30 sfiora 1.330.000 copie, seguito a brevissima distanza dal volume 29, che supera 1.298.000 copie. La cosa interessante è che Gege Akutami, pur procedendo verso la conclusione della serie principale, mantiene una tensione narrativa altissima: i lettori non stanno comprando solo “per inerzia”, ma perché ogni nuovo volume promette scontri, rivelazioni, decisioni irreversibili.

Il dominio di One Piece sulla classifica dei volumi non si ferma al trono: anche il volume 112 supera 1.217.000 copie, mentre il volume 113 si assesta poco sotto le 800.000. In pratica, la saga finale è riuscita a trasformare ogni tankōbon in un piccolo evento editoriale, nonostante siano passati quasi trent’anni dal debutto del manga su Weekly Shōnen Jump.

A rompere il “duopolio” One Piece/Jujutsu arrivano poi alcuni nomi che i lettori italiani conoscono benissimo. Il volume 42 di My Hero Academia – l’ultimo, quello conclusivo – sfiora il traguardo del milione di copie, fermandosi a 977.955 unità. È un risultato simbolico: chiudere una lunga serie shōnen con numeri così alti significa che Horikoshi è riuscito ad accompagnare il proprio fandom fino alla fine del viaggio, senza perdere quella massa di lettori che spesso, a metà percorso, molla il colpo.

Altra protagonista assoluta è Spy x Family, che con il volume 15 supera le 802.000 copie, e con il volume 16 si mantiene oltre le 633.000, per un totale di circa 1,4 milioni di copie vendute con soli due volumi. Poco male se la famiglia Forger vive in una costante commedia di spionaggio impossibile: dal punto di vista editoriale, la serie dimostra una salute invidiabile, complici l’anime di enorme successo, il character design irresistibile e quella miscela perfetta di azione, gag e sentimenti che parla tanto al pubblico giapponese quanto a quello internazionale.

Sul finale della top dei volumi, due nomi che raccontano storie molto diverse tra loro ma ugualmente significative. Il volume 74 di Kingdom supera le 583.000 copie, un risultato che, letto in controluce, dice una cosa chiarissima: un manga storico, lunghissimo, con un target seinen, può continuare a macinare numeri importanti anche dopo decine e decine di volumi. In un’epoca dominata dallo streaming e dalla fruizione “mordi e fuggi”, Kingdom rappresenta una fedeltà di lettori quasi old school.

Poi arriva la sorpresa: Il Monologo della Speziale 15 supera le 566.000 copie vendute. Si tratta di un titolo nato come light novel, che attraverso manga e anime è riuscito a conquistare un pubblico sempre più ampio. Non è un battle shōnen, non è un manga sportivo, non è neppure un titolo “facile” da categorizzare: eppure riesce a sfondare il mezzo milione di copie, segno che il pubblico giapponese sta premiando sempre di più le narrazioni ibride, dove romance, intrigo di corte, mistero e slice of life coesistono.

Dalla singola uscita alla forza del brand: la classifica Oricon per serie nel 2025

Se ci spostiamo dalla lente del singolo volume alla prospettiva per serie, il quadro diventa ancora più interessante. Anche qui, il periodo analizzato va dal 18 novembre 2024 al 16 novembre 2025, ma stavolta si sommano tutte le copie vendute dei vari tankōbon usciti nell’anno.

Al primo posto, One Piece continua a comportarsi come una supernova editoriale, con 4.211.363 copie vendute nel periodo considerato. Parliamo di una serie iniziata nel 1997 che, nel 2025, domina ancora la classifica. Il motivo non è solo la nostalgia: la saga finale ha ridato centralità al manga cartaceo, e ogni nuovo volume viene vissuto come un pezzo di storia in tempo reale, quasi un appuntamento collettivo.

Subito dietro, Jujutsu Kaisen si ferma a 3.921.875 copie. Il distacco esiste, ma è molto meno abissale di quanto si possa immaginare quando si parla di una leggenda consolidata come One Piece. JJK è il grande shōnen “oscuro” della generazione post-Demon Slayer: un mix di horror, azione e dramma che continua a tenere ancorato il suo pubblico, anche ora che la storia principale ha imboccato il rettilineo conclusivo e il franchise si prepara a rilanciarsi con il sequel Modulo, già in lizza per diventare uno dei titoli più venduti della prima metà del 2026.

Al terzo posto sale sul podio Dandadan, che con 3.517.870 copie dimostra di essere passato dallo status di “titolo di culto” a vero e proprio fenomeno mainstream. Pochi anni fa sarebbe stato impensabile vedere un manga così “strano” – un mix selvaggio di alieni, occulto, romanticismo adolescenziale e umorismo demenziale – tallonare giganti come One Piece e JJK. Qui si vede benissimo l’effetto combinato di serializzazione digitale, passaparola e trasposizioni animate sulle piattaforme che tutti frequentiamo ogni giorno.

Ai piedi del podio, Blue Lock totalizza 3.012.745 copie. Il manga calcistico di Kaneshiro e Nomura si conferma uno dei grandi eredi spirituali di Captain Tsubasa per una generazione cresciuta tra FIFA, eFootball e reality competitivi. L’anime ha amplificato in modo enorme la visibilità del titolo, ma a tenere la serie così in alto non è solo il traino televisivo: è la struttura stessa della storia, costruita come un battle royale sportivo, con cliffhanger costanti e personaggi iper-carismatici.

Più in basso, ma sempre saldamente nella top, troviamo Kingdom, che con 2.497.085 copie ribadisce la sua solidità, e due titoli che rappresentano in modo perfetto lo stato dello shōnen contemporaneo: Blue Box, con 2.385.295 copie, e Sakamoto Days, che supera le 2.344.740. Il primo è una raffinata miscela di sport e romance, una formula che in Giappone funziona benissimo e che sta conquistando, volume dopo volume, un pubblico trasversale. Il secondo è l’esempio di quanto un concept semplice ma geniale – il killer leggendario che si ricicla come tranquillo papà di famiglia mentre cerca di non farsi ammazzare dai vecchi colleghi – possa diventare una macchina perfetta da shōnen action.

A chiudere la top 10 delle serie ci sono tre titoli simbolicamente molto forti. The Apothecary Diaries (Il Monologo della Speziale), con 2.252.310 copie, conferma che il successo del volume 15 non è affatto un caso isolato. My Hero Academia, con 2.097.599 copie, incassa il suo “giro d’onore” editoriale dopo la conclusione, mentre The Fragrant Flower Blooms With Dignity, con 2.038.691 copie, rappresenta quella fascia di manga romantici intelligenti, curati e visivamente accattivanti che stanno conquistando un posto sempre più centrale anche nelle classifiche generaliste.

Guardando l’insieme, il messaggio è chiaro: il 2025 è l’anno in cui convivono pacificamente colossi storici, shōnen dark, sportivi ad alto tasso di adrenalina, romance scolastici e drammi storici di lunghissimo corso. Il lettore medio giapponese non si accontenta più di un’unica “stagione dominante”: vuole diversità, vuole ibridazione, vuole storie che gli permettano di passare dal pathos di una guerra antica alla dolcezza di una cotta da liceo con un cambio di volume.

Il pantheon dei manga da 20 milioni di copie: quando le classifiche annuali incontrano la storia

Per capire fino in fondo il senso di queste classifiche annuali, bisogna allargare ancora lo sguardo e confrontare i dati Oricon con un’altra lista: quella dei manga che hanno raggiunto almeno 20 milioni di copie vendute complessive. Qui non si ragiona più sul “chi vince nel 2025”, ma su chi ha scritto la storia del medium.

In cima a tutti, ovviamente, troneggia ancora One Piece, con 521 milioni di copie stimate. Ma subito sotto si dispiega una vera e propria mappa dell’evoluzione del fumetto giapponese: Golgo 13 con 300 milioni e oltre mezzo secolo di pubblicazione alle spalle; Detective Conan con 270 milioni, ancora in corso; i titani della generazione anni ’80 e ’90 come Dragon Ball (260 milioni), Naruto (250 milioni), Doraemon e la lunga scia di titoli che hanno educato intere generazioni di lettori in Giappone e nel mondo.

Scendendo nella lista, troviamo mostri sacri come Slam Dunk, Black Jack, Kochikame, L’Attacco dei Giganti, Bleach, Le Bizzarre Avventure di JoJo, e poi grandi classici shōjo e josei come Sailor Moon, Hanayori Dango, Lady Oscar, fino ad arrivare a titoli più vicini al pubblico contemporaneo, come Tokyo Revengers, Berserk, Haikyu!!, Spy x Family, Chainsaw Man, Frieren – Oltre la fine del viaggio, Blue Lock e molti altri.

Quella lunga lista di numeri, che a prima vista può sembrare quasi un freddo bollettino statistico, in realtà racconta una cosa precisa: il ranking Oricon 2025 non fotografa un fenomeno isolato, ma un punto preciso di una linea temporale lunghissima. One Piece che domina il 2025 e guida la classifica storica è il ponte perfetto tra passato e presente; Jujutsu Kaisen che si attesta sui 100 milioni di copie è l’erede naturale di quel modo di fare shōnen che mescola combattimenti, mitologia e tragedia; Spy x Family, Frieren, Chainsaw Man e Blue Lock, pur con target e toni diversissimi, stanno già scrivendo la prossima pagina di questa storia.

Per un lettore italiano, abituato a vedere questi titoli sugli scaffali delle librerie, nelle vetrine delle fumetterie, nelle fiere del fumetto e nei cataloghi delle piattaforme streaming, mettere in relazione classifiche annuali e vendite cumulative significa una cosa molto semplice: capire quali serie stanno vivendo il loro momento di massimo splendore e quali, invece, sono diventate ormai pilastri stabili della cultura pop globale.

Anime, piattaforme e hype: perché la classifica può cambiare in un attimo

Un altro aspetto da non sottovalutare è quanto le trasposizioni animate e le piattaforme digitali stiano influenzando questi ranking. Blue Lock, Dandadan, Spy x Family, Il Monologo della Speziale, The Fragrant Flower Blooms With Dignity: tutte serie che, in un modo o nell’altro, sono esplose o hanno consolidato la loro posizione grazie a anime efficaci, distribuzioni globali e campagne social mirate.

La dinamica è quasi ciclica:
un anime ben fatto porta nuova linfa al manga, che a sua volta alimenta il fandom, scatena fanart, cosplay, discussioni infinite sui social. Le vendite aumentano, Oricon registra il boom, l’editore investe di più, si annunciano spin-off, sequel, film, collaboration con brand e franchise. Dopo qualche anno, se la serie regge, entra nel club dei manga “storici”; se non regge, si sgonfia, ma nel frattempo ha comunque contribuito a spostare gli equilibri del mercato.

In questo contesto, l’arrivo di progetti come Jujutsu Kaisen: Modulo nel 2026 potrebbe riscrivere di nuovo la classifica nel giro di pochi mesi. Allo stesso modo, basta un nuovo adattamento anime particolarmente riuscito per far risalire serie “dormienti” o portare sotto i riflettori titoli che finora vivevano soprattutto di passaparola.

Un mercato sempre più vario, un futuro ancora tutto da scrivere

Mettendo insieme i dati di Oricon sui volumi singoli, quelli sulle serie più vendute del 2025 e la grande lista dei manga da oltre 20 milioni di copie, emerge un quadro netto: il mondo dei manga non è mai stato così stratificato e vario.

Da una parte ci sono le leggende assolute, le serie che hanno superato le decine – quando non le centinaia – di milioni di copie vendute e che rappresentano ormai un pezzo di storia culturale al pari di un grande romanzo o di un film culto. Dall’altra, ogni anno, nascono nuovi fenomeni che si ritagliano spazio grazie a idee folli, personaggi iconici, strategie editoriali intelligenti e una sinergia sempre più serrata con anime, videogiochi, social network e piattaforme streaming.

Se il 2025 ci ha raccontato la resistenza eroica di One Piece al vertice, l’assalto continuo di Jujutsu Kaisen, l’ascesa prepotente di Dandadan, l’inarrestabile avanzata sportiva di Blue Lock e la legittimazione definitiva di titoli come Il Monologo della Speziale, allora la domanda naturale è una sola: che cosa succederà nel 2026 e oltre?

Nuovi anime potrebbero far esplodere serie che oggi stanno ancora crescendo in sordina. Modulo potrebbe trasformare ancora una volta Jujutsu Kaisen in un caso editoriale globale. Qualche autore che oggi stiamo solo iniziando a conoscere potrebbe ritrovarsi tra qualche anno nella lista dei manga da 20, 50, 100 milioni di copie.

Come sempre, sarà il lettore – giapponese, italiano, globale – a decidere chi resterà e chi verrà dimenticato.

E tu dove ti posizioni in questo ranking ideale? Segui fedelmente i “mostri sacri” come One Piece e Jujutsu Kaisen, ti stai innamorando delle nuove leve come Dandadan e Blue Box, o stai recuperando i grandi classici che hanno costruito il mito del manga? Raccontacelo nei commenti su CorriereNerd.it: la prossima classifica, magari, la leggiamo insieme con il volume in mano e la bacheca piena di discussioni nerd come piacciono a noi.

Approfondimenti, AULAMANGA, Books + Comics, Cinema & Tv, Glorie Nerd Vintage

Buon compleanno Doraemon, il gatto spaziale

Lascia un commento

Il 3 settembre si festeggia un compleanno davvero speciale: quello di Doraemon, uno dei personaggi più amati del mondo dell’animazione giapponese e del manga. Anche se il suo “vero” compleanno, come raccontato nella serie, avverrà il 3 settembre 2112, l’affetto per questo iconico gatto robot nato nel 1969 dalla mente creativa di Fujiko F. Fujio (pseudonimo dei mangaka Hiroshi Fujimoto e Motoo Abiko) è intramontabile.

Doraemon è un gatto robot inviato dal futuro per aiutare un giovane ragazzo di nome Nobita Nobi. La missione del nostro eroe blu è chiara: impedire che Nobita, goffo e poco intraprendente, compia errori che potrebbero danneggiare il futuro dei suoi discendenti. Nonostante gli sforzi di Doraemon e l’uso di gadget tecnologici provenienti dalla sua “gattopone” quadridimensionale, i due spesso finiscono in situazioni comiche e rocambolesche. Ogni avventura, però, è carica di importanti lezioni di vita, dove amicizia, lealtà e coraggio sono protagonisti.

Il personaggio di Doraemon ha esordito nel 1970 con il manga pubblicato da Shogakukan. Le avventure del gatto robot si diffusero rapidamente in Giappone, conquistando il cuore di grandi e piccoli. Nel 1979 arrivò il grande salto verso il piccolo schermo con la serie anime prodotta da TV Asahi, che tuttora continua a essere un successo di pubblico.

Nobita e i suoi amici: un cast indimenticabile

Accanto a Doraemon e Nobita, troviamo un gruppo di personaggi che rende la serie ancora più memorabile. Shizuka Minamoto, la dolce e intelligente amica di Nobita, è il suo amore segreto; Takeshi “Gian” Goda, il temibile bullo che ama cantare nonostante la sua stonatura cronica; e Suneo Honekawa, vanitoso e ricco, sempre pronto a vantarsi dei suoi possedimenti. Ogni personaggio aggiunge una sfumatura speciale al mondo di Doraemon, contribuendo al suo fascino universale.

Dal manga all’anime: il successo planetario di Doraemon

Nonostante una prima trasposizione animata nel 1973 non abbia avuto il successo sperato, nel 1979 la serie divenne un fenomeno di massa. L’anno successivo, nel 1980, venne prodotto il primo film d’animazione di Doraemon, inaugurando una tradizione di lungometraggi annuali che prosegue ancora oggi. Questi film portano i protagonisti in avventure epiche e fuori dal comune, con ambientazioni esotiche e straordinarie: dall’era dei dinosauri ai confini della galassia, ogni storia esplora temi profondi come l’ambiente, la tecnologia e la storia.

In Italia, Doraemon è arrivato per la prima volta nel 1982, quando fu trasmesso su Rai Due. La seconda edizione, andata in onda su Mediaset nel 2003, ripristinò i nomi originali dei personaggi, facendo conoscere Doraemon e i suoi amici a una nuova generazione di spettatori.

Un successo senza tempo

Il franchise di Doraemon ha attraversato decenni e confini, divenendo un vero e proprio fenomeno culturale. Con 40 lungometraggi e migliaia di episodi animati, il simpatico gatto robot ha fatto sognare generazioni di bambini, trasmettendo valori positivi come l’impegno, l’integrità e l’amore per l’ambiente.

Doraemon è molto più di un semplice cartone animato: è un amico fidato per i piccoli spettatori e un’icona della cultura pop. Il suo coraggio, la sua simpatia e il desiderio di aiutare Nobita insegnano l’importanza di non arrendersi mai di fronte alle difficoltà, ricordando che è sempre possibile migliorare il proprio futuro con impegno e perseveranza.

Nonostante il passare del tempo, il fascino di Doraemon non sembra conoscere declino. Il franchise continua a produrre film, serie televisive, manga e perfino videogiochi, mantenendo viva la passione dei fan di tutto il mondo. Il lungometraggio del 2014, interamente in CGI, ha consolidato Doraemon come un’icona intramontabile, capace di adattarsi alle nuove tecnologie pur restando fedele alle sue origini.

Mentre attendiamo il 2112 per celebrare il vero compleanno di Doraemon, continuiamo a goderci le sue avventure che, attraverso risate e insegnamenti, ci ricordano il valore dell’amicizia e della bontà. Buon compleanno, Doraemon, e grazie per averci accompagnato nel viaggio della vita con la tua saggezza e il tuo sorriso!

 

Approfondimenti, AULAMANGA, Glorie Nerd Vintage

Mitsuru Adachi: 55 Anni di Storie, Silenzi e Sogni tra Manga e Anime

Lascia un commento

Tra tavole che profumano di anni Ottanta e una melodia che risveglia la memoria muscolare di ogni appassionato, il cinquantacinquesimo anniversario di carriera di Mitsuru Adachi riporta prepotentemente in primo piano “Miyuki”. Non si tratta di un semplice ritorno, ma di un omaggio toccante a un’opera che è diventata un vero e proprio simbolo dell’adolescenza, con le sue complicazioni, le sue pause che narrano più di mille dialoghi e le sue estati che sembrano non finire mai. Questo tributo assume la forma di un video celebrativo, pubblicato sul canale YouTube Re:Re:Re:TUNE, che unisce le illustrazioni originali del manga alla storica “Omoide ga Ippai” degli H2O, la band che ne aveva firmato la colonna sonora.

L’arte tutta adachiana risiede proprio nel raccontare il non detto. In Miyuki, il cuore dei personaggi pulsa nei corridoi scolastici, si ferma sulle soglie di stanze condivise e accelera in quei controcampi di sguardi che si evitano, pur desiderandosi. La trama segue la vita di Masato Wakamatsu, un ragazzo la cui esistenza sembra in stand-by fino a quando, per un capriccio del destino e della famiglia allargata, la sorellastra Miyuki si trasferisce a vivere con lui. Da quel momento, la loro quotidianità, apparentemente innocente, si trasforma in un campo minato di emozioni, una miscela esplosiva di pudore e tensione romantica che il nuovo video cerca di catturare in ogni singola scena.

Il montaggio, che cuce le tavole a colori del fumetto con la canzone degli H2O che chiudeva l’anime del 1983-84, è una vera e propria macchina del tempo. “Omoide ga Ippai”, che letteralmente significa “Piena di ricordi”, non è stata scelta a caso: il suo legame con l’opera di Adachi è così profondo che, dopo la conclusione della serie TV, frammenti del suo testo sono comparsi nell’ultimo capitolo del manga, quasi a voler sigillare per sempre il legame indissolubile tra musica e fumetto. L’omaggio realizzato da Re:Re:Re:TUNE ripercorre il delicato triangolo emotivo che coinvolge Masato e le “due Miyuki” (la sorellastra e la sua compagna di classe), ed è arricchito dai commenti dei membri della band. Kenji Nakazawa ha definito l’aver cantato la sigla un “tesoro”, mentre Masaki Akashio ha ringraziato Adachi per la “prima hit di un suo anime in TV”, augurandogli un futuro “Go-Go(55)” pieno di energia. Messaggi brevi, ma carichi di quell’aura da altare pop che solo i classici riescono a evocare.

Per comprendere appieno il significato di questo omaggio, è necessario riavvolgere il nastro e tornare alle origini. Miyuki nasce su Shōnen Big Comic tra il 1980 e il 1984, in dodici volumi che codificano l’alfabeto sentimentale di Adachi: dialoghi asciutti, tempi comici chirurgici e un’ironia malinconica che fa sorridere mentre punge. È il primo manga dell’autore a essere adattato in una serie animata, composta da 37 episodi e trasmessa su Fuji TV. Qui, “Omoide ga Ippai” diventa un rito collettivo, affiancata da “10% no Ame Yohō”, un’altra sigla cantata sempre dagli H2O. Quello fu un anno d’oro per Adachi, che vide Miyuki e un’altra sua opera, Touch, vincere insieme lo prestigioso Shogakukan Manga Award.

Se Miyuki rappresenta l’educazione sentimentale, Touch è il romanzo di formazione per eccellenza, un’epopea intrisa della polvere dei campi da baseball e del profumo del Kōshien. Serializzato su Weekly Shōnen Sunday, Touch è diventato un anime di 101 episodi e ha superato i 100 milioni di copie vendute, consacrando Adachi a un autore di culto ben oltre i confini del Giappone. Il fatto che le due opere abbiano condiviso il premio nel 1982 racconta meglio di qualsiasi saggio quanto fossero complementari, entrambe focalizzate sull’adolescenza, ma con prospettive ogni volta diverse.

Adachi si distingue anche per la sua capacità di scrivere su riviste diverse, che spaziano dal Weekly Shōnen Sunday al Ciao e allo Shōjo Comic, superando la distinzione tradizionale tra manga per ragazzi (shōnen) e per ragazze (shōjo). La sua linea narrativa, infatti, è coerente e universale: la quotidianità si trasforma in suspense e il ritmo è scandito dalle pause, dai silenzi e dalle porte lasciate socchiuse. Fedele alla sua semplicità, l’autore ha scelto di firmarsi in hiragana, una scrittura più “morbida” che rispecchia il suo tratto e i suoi silenzi.

Il tributo di Re:Re:Re:TUNE, pubblicato il 12 agosto 2025, nasce proprio da questa filosofia. L’obiettivo è riportare Miyuki a contatto con la sua musica del cuore, mettendo in sequenza le tavole originali del manga come una cartolina animata di quell’adolescenza sospesa. Il progetto, realizzato per festeggiare i 55 anni di attività dell’autore, è stato ampiamente riportato dai media giapponesi e internazionali, a conferma di come l’amore per Adachi continui a superare generazioni e confini.

Anche in Italia, Miyuki ha avuto una storia affascinante ma travagliata. L’anime arrivò solo nel 1992 su Junior TV, in una versione pesantemente censurata, con nove episodi su trentasette eliminati, a causa della percezione, allora considerata “scandalosa”, di un potenziale amore tra quasi-fratelli. Fortunatamente, il manga è stato pubblicato integralmente da Star Comics tra il 2005 e il 2006, restituendo ai lettori la versione limpida e completa della storia.

Parlare di Adachi significa poi immergersi in una filmografia e una bibliografia sterminate, sempre percorse dal binomio inscindibile di sport e sentimenti. Basti pensare a opere come Hiatari Ryōkō!, H2, Rough e Cross Game, dove lo sport non è mai solo uno sfondo, ma il palcoscenico più onesto su cui mettere in campo desideri, promesse e gelosie. C’è anche un equivoco ricorrente che gli attribuisce la paternità di Nozomi Witches, quando in realtà ne ha curato solo il character design per gli OAV.

Nel 2008, le opere di Adachi avevano già superato i 200 milioni di copie vendute, un successo che testimonia la straordinaria fedeltà dei suoi lettori. Molti di loro sono cresciuti con titoli come Nine, Slow Step e Rough e oggi seguono Mix, il sequel spirituale di Touch, in corso dal 2012. Questa longevità dimostra la capacità di Adachi di rinnovarsi senza mai tradire la sua identità, con quella “scrittura di gomma” che si adatta al tempo senza perdere la sua elasticità emotiva.

Il nuovo video su “Miyuki” non è un semplice gadget nostalgico, ma una vera e propria chiave per rientrare in una stanza che tutti conosciamo e che, nonostante gli anni, non ha perso il suo profumo. Rivedere quelle tavole e ascoltare di nuovo “Omoide ga Ippai” significa ricordare perché amiamo così tanto Adachi: perché i suoi personaggi, pur così trattenuti, ci parlano di noi stessi, di quando avevamo poco coraggio e tantissima voglia di innamorarci. Adachi ha saputo costruire un immaginario trasversale, capace di abitare le riviste shōnen e shōjo, i campi da baseball e le cucine condivise, la carta e lo schermo.

Se non avete mai letto Miyuki, questo è il momento perfetto per colmare la lacuna. L’edizione italiana è completa e facilmente reperibile, e il video tributo può fungere da emozionante trailer prima dell’immersione totale nella storia. Se invece siete tra quelli che hanno incrociato fugacemente la serie su Junior TV, questo omaggio è un invito a una rilettura adulta, senza filtri e senza tagli, per riscoprire le finezze del racconto. In fondo, con Adachi si torna sempre dove si è stati bene, perché il resto sono solo “ricordi a palate”, come recita la canzone.

AULAMANGA, Cinema & Tv

Honō no Tōkyūjo: Dodge Danko – L’Erede di Dodgeball arriva sullo Schermo nel 2026!

Lascia un commento

Preparatevi, nerd della pop culture e veterani del dodgeball! Ieri, il cosmo dell’animazione giapponese ha vibrato di una notizia che ci ha fatti balzare dalle sedie con l’eccitazione di un bambino che scarta l’ultimo modello di Gundam! Shōgakukan ha sganciato la bomba atomica: Honō no Tōkyūjo: Dodge Danko, il sequel del leggendario Honō no Tōkyūji: Dodge Danpei, sta per trasformarsi in una serie animata nel 2026!

Ero lì, incollato allo schermo, quando è apparso il video promozionale e la visual mozzafiato. Il mio cuore da nerd ha fatto un doppio carpiato e un triplo avvitamento all’idea di rivedere quel campo da dodgeball infuocato prendere vita, ma questa volta con una protagonista tutta nuova, eppure così familiare. È l’apoteosi, ragazzi, la continuazione di un’eredità sportiva che ha segnato un’intera generazione!

Un Retaggio Infuocato: Da Danpei a Danko, il Sangue del Dodgeball Non Mente!

Per chi, come me, ha passato l’infanzia a emulare le mosse speciali di Danpei, lanciare palloni invisibili gridando “Fiammata Rotante!” nel cortile di casa, questa notizia è più di un semplice annuncio. È un ritorno alle origini, ma con una ventata di freschezza che solo l’era Reiwa poteva portare. La storia di Danko, la figlia del nostro amato Danpei, che si propone di creare la squadra di dodgeball più forte dell’era attuale, è un concept che mi fa venire i brividi. Ha ereditato quell’anima ardente, quella “hot soul” che rendeva ogni partita di Danpei un vero e proprio spettacolo pirotecnico di sudore, grinta e amicizia. Vederla scendere in campo, pronta a scatenare la sua potenza, è qualcosa che aspettavo da anni.

L’Annuncio: Un Trailer Infuocato e una Visual da Brividi!

Non appena il nuovo sito web e l’account X dedicati sono stati lanciati l’11 luglio, la mia feed è esplosa. E non a tortito! Lo staff ha svelato una “Soul Succession visual” e un teaser promozionale che mi hanno lasciato senza fiato.

La visual… oh, la visual! C’è Danko, in piedi davanti alla lapide di suo padre, Danpei, che si erge verso il cielo. È un’immagine potente, simbolica, che grida “eredità” da ogni pixel. La sua espressione è decisa, fiera, e quella frase… quella dannata frase che risuona nella mia testa: “Andiamo, papà Danpei!” È un mix perfetto di rispetto per il passato e di un’irrefrenabile spinta verso il futuro. Mi ha fatto pensare a quanto l’ombra del padre sia un’ispirazione costante, una fiamma da cui attingere energia. È la dimostrazione che il dodgeball non è solo uno sport, è una questione di cuore, di legami familiari e di passione bruciante.

E il teaser? Mamma mia! Pannelli direttamente dal manga originale che prendono vita, mostrandoci quelle feroci partite di dodgeball che ci hanno tenuto incollati allo schermo per anni. Ogni frame trasuda energia, la stessa intensità che ricordavo dalle battaglie di Danpei. E la conferma: 2026. Non vedo l’ora di sapere la data esatta, di conoscere il cast, lo staff, lo studio di produzione. La curiosità mi sta divorando! Chi darà la voce a Danko? Sarà all’altezza dell’eredità di Danpei? E lo studio… spero che scelgano qualcuno che possa catturare appieno lo spirito originale.

Honō no Tōkyūji: Dodge Danpei – Un Classico Indimenticabile

Per chi è capitato su questo articolo per puro caso, o per chi ha vissuto sotto una roccia per gli ultimi trent’anni (scherzo, ma neanche tanto!), è bene ricordare le origini. Honō no Tōkyūji: Dodge Danpei è stato un pilastro della mia infanzia. Il manga di Tetsuhiro Koshita, serializzato su Monthly CoroCoro Comic dal 1989 al 1995, ci ha regalato un protagonista indimenticabile e partite che sembravano battaglie campali. L’anime, prodotto da Animation 21, ha mandato in onda ben 47 episodi tra il 1991 e il 1992, e ogni singolo episodio era un’iniezione di adrenalina. Ricordo ancora le discussioni con i miei amici su quale fosse la tecnica più forte, chi avrebbe vinto il prossimo match.

Adesso, con Danko che prende in mano il testimone, la storia si ripete, ma con un tocco di modernità. La sua missione di creare la squadra più forte dell’era Reiwa non è solo una sfida sportiva, è un inno alla perseveranza, alla determinazione e, soprattutto, alla passione che si tramanda di generazione in generazione. È la dimostrazione che certi valori, certi sport, certe fiamme non si spengono mai.

Insomma, il 2026 si preannuncia un anno esplosivo per i fan di Dodge Danpei e per l’intera comunità nerd. Io sono già pronto, con la mia divisa da dodgeball dell’infanzia (che purtroppo non mi entra più) e la mia voglia di tifare a pieni polmoni. Preparatevi a sentire il ruggito del campo, il fischio della palla e le urla di battaglia di Danko. L’eredità bruciante del dodgeball sta per tornare!

E voi, siete pronti a scendere di nuovo in campo con Danko? Quali sono le vostre aspettative per questo attesissimo sequel? Fatemelo sapere nei commenti!

AULAMANGA, Books + Comics, Intelligenze Artificiali

Il Giappone vuole creare la piattaforma manga globale che cambierà (davvero) tutto

Lascia un commento

Il mondo dell’editoria giapponese sta vivendo un momento che ricorda quei turning point epocali tipici degli shōnen: quando il protagonista supera un limite e il suo universo, di colpo, cambia scala. Questa volta però il power-up non riguarda un singolo personaggio, ma l’intera industria del manga, pronta a compiere un salto tecnologico e culturale che potrebbe ridisegnare il rapporto tra lettori e opere.

Negli ultimi mesi il Giappone ha iniziato a costruire un progetto ambizioso: una piattaforma globale e unificata pensata per rendere i manga accessibili, legalmente e in simultanea, in ogni angolo del pianeta. Una mossa strategica con un obiettivo molto chiaro: sottrarre terreno alla pirateria e rendere l’export dei manga uno dei motori culturali più forti del Paese.

L’iniziativa è stata riportata da diversi quotidiani economici nipponici, lasciando intuire quanto il tema non sia una curiosità per addetti ai lavori, ma una vera priorità nazionale. Il governo giapponese ha infatti deciso di finanziare il progetto attraverso il Japan Creator Support Fund, incrementandolo con ulteriori 17,5 miliardi di yen, cifra che evidenzia quanto la posta in gioco sia alta. La fase di sviluppo coinvolge editori storici, aziende tech, istituzioni accademiche e una rete di partner destinata ad ampliarsi.

L’orizzonte è chiaro: un ecosistema digitale in cui i manga dialogano con lettori globali tramite traduzioni accelerate dall’intelligenza artificiale, standard editoriali condivisi e sistemi antipirateria più robusti. Per un settore che tra il 2020 e il 2023 avrebbe perso circa 2.000 miliardi di yen a causa del consumo illegale, un’infrastruttura simile è molto più di una soluzione tecnica: è una necessità vitale.

Un progetto colossale che unisce editori, tecnologia e visione industriale

La cabina di regia dell’operazione assomiglia quasi a una squadra da battle shōnen: dieci aziende, tra cui colossi del calibro di Shogakukan e la Japan Industrial Innovation Investment Corporation (JIC), coordinate dal Ministero dell’Economia, del Commercio e dell’Industria giapponese. Il loro investimento iniziale, pari a 2,92 miliardi di yen, sostiene la crescita di Manga Orange, una startup specializzata nella traduzione automatizzata dei fumetti.

È proprio Manga Orange a rappresentare il cuore tecnologico del progetto. Il suo sistema di traduzione, basato su IA ma sempre affiancato da revisione umana professionale, promette di accelerare i tempi fino a dieci volte rispetto ai metodi tradizionali. Se oggi un volume richiede settimane di lavoro, le nuove pipeline potrebbero ridurre tutto a pochi giorni, mantenendo un controllo editoriale che evita le derive “meccaniche” tipiche di molte traduzioni automatiche.

Il motore del cambiamento non sarà però solo la velocità. La piattaforma punta a introdurre standard unificati: metadati comuni, classificazioni per età condivise, formati uniformi e un sistema anti-pirateria integrato che renda più difficile la violazione dei contenuti digitali. È un approccio sistemico, pensato non solo per proteggere gli editori, ma anche per garantire ai lettori internazionali un’esperienza ordinata, intuitiva e coerente.

Come funziona la traduzione IA e perché cambia le regole del gioco

L’idea di tradurre manga tramite intelligenza artificiale evoca facilmente dubbi e entusiasmi opposti. Ma il sistema sviluppato da Manga Orange non è pensato per sostituire i traduttori, bensì per moltiplicarne la capacità produttiva.

Le IA lavorano come “primi passaggi” ad alta velocità: segmentano tavole, riconoscono balloon, distinguono livelli grafici, interpretano contesto e toni linguistici. Subito dopo interviene il traduttore professionista, che affina, corregge, ricrea giochi di parole, adatta riferimenti culturali, ricostruisce le sfumature emotive. È un processo ibrido che mira a ridurre i tempi morti, non la qualità.

La differenza, rispetto al passato, è la scala. Con un workflow così rapido, anche serie minori o titoli di nicchia, spesso esclusi dal mercato globale perché considerati troppo rischiosi commercialmente, potrebbero finalmente raggiungere nuovi lettori. Non si tratta solo di esportare “i soliti nomi”, ma di aprire al mondo un archivio culturale immenso e ancora poco esplorato.

I vantaggi per l’industria (e le sfide che non possiamo ignorare)

L’obiettivo del progetto è duplice e punta a due fronti decisivi per l’economia del manga contemporaneo.

Da un lato, rendere le opere più facilmente disponibili all’estero significa ampliare la fanbase globale, alimentando vendite, merchandising, adattamenti e collaborazioni cross-media. Il governo spera addirittura di triplicare le esportazioni nel giro di cinque anni.

Dall’altro, combattere la pirateria richiede strumenti concreti. Molti lettori, soprattutto internazionali, scoprono nuovi titoli grazie alle scan tradotte in pochissime ore da team non ufficiali. Se la piattaforma riuscirà a offrire traduzioni rapide e legali, una parte consistente di quel traffico potrebbe migrare verso circuiti autorizzati, restituendo valore economico agli autori.

Naturalmente, il progetto non è privo di criticità. Il timore più diffuso, tra i traduttori, riguarda l’impatto dell’IA sulle professionalità umane. Una preoccupazione legittima, che obbliga editori e istituzioni a garantire contratti equi, formazione continua e soprattutto il riconoscimento del ruolo insostituibile dell’adattamento culturale. Perché tradurre un manga significa interpretare un linguaggio ricco di simboli, toni e sfumature che un algoritmo, da solo, non può cogliere.

La sfida sarà trovare un equilibrio: usare l’intelligenza artificiale come strumento, non come scorciatoia.

Uno sguardo al futuro: cosa potremmo vedere nei prossimi anni

L’iniziativa rappresenta un tassello fondamentale in un panorama editoriale sempre più globale, in cui i confini culturali diventano porosi e il pubblico pretende accessibilità immediata. Con una piattaforma internazionale capace di distribuire legalmente manga in più lingue, l’immaginario giapponese potrebbe espandersi ancora di più, raggiungendo lettori che oggi vivono ai margini della distribuzione.

Il futuro del manga potrebbe quindi diventare più simile a quello delle serie streaming: uscita simultanea nel mondo, localizzazioni rapide, accesso centralizzato e una relazione nuova tra fan e autori. Non solo più lettura, ma community, eventi digitali, contenuti speciali e attività che valorizzino l’esperienza.

Resta da capire come evolveranno i rapporti di forza tra tradizione e innovazione, tra IA e lavoro umano, tra esigenze economiche e difesa dell’identità culturale dei manga. Ma il sentiero imboccato dal Giappone indica una direzione precisa: un’industria più aperta, interconnessa e tecnologica.

Forse non siamo davanti all’ennesima “rivoluzione digitale”, ma a un nuovo capitolo di quella saga infinita in cui il manga, ancora una volta, si reinventa senza perdere la sua anima.

E ora tocca a voi, lettori del multiverso nerd

Cosa ne pensate di una piattaforma globale per leggere manga legalmente e in contemporanea?
Curiosità? Scetticismo? Hype assoluto?

La redazione di CorriereNerd.it segue da vicino ogni sviluppo e vuole aprire la discussione alla community: sarebbe davvero la fine della pirateria? O l’inizio di un nuovo modo di vivere il manga?

AULAMANGA, Books + Comics, KCulture

Super String: Marco Polo’s Travel to the Multiverse – Un Viaggio Fantastico tra Storia e Multiverso

Lascia un commento

Nel vasto e variegato mondo dei manga, capita di rado di imbattersi in opere che sappiano coniugare sapientemente la storia con elementi fantastici. Ma con Super String: Marco Polo’s Travel to the Multiverse, il mangaka sudcoreano Boichi e lo scrittore Youn In-wan hanno dato vita a un’opera che non solo celebra la figura storica dell’iconico viaggiatore veneziano, ma la trasforma radicalmente, catapultandola in un’avventura che trascende i confini della storia stessa e abbraccia il multiverso. È un viaggio che non solo tocca le dimensioni più lontane, ma rinnova anche il nostro concetto di avventura, intrecciando la tradizione con l’innovazione in un racconto che sa conquistare cuore e mente.

La figura di Marco Polo è legata da secoli alla leggenda dell’esploratore che attraversò l’Asia, percorrendo la famosa Via della Seta e raccontando al mondo le sue straordinarie scoperte. Tuttavia, il Marco Polo di Super String non è quello che ci si aspetta. In questa reinterpretazione, Marco non è il celebre viaggiatore veneziano che abbiamo conosciuto dai libri di storia, ma un giovane orfano che vive nell’ombra della nobiltà decaduta della sua città. La sua esistenza, inizialmente modesta e incentrata sul lavoro come inserviente su una nave mercantile, cambia radicalmente dopo una tragedia che sconvolge la sua vita. Un’entità mostruosa distrugge la sua imbarcazione e, miracolosamente sopravvissuto, Marco si ritrova in un luogo lontano, dove una misteriosa guerriera lo salva.

È qui che l’opera prende una piega decisiva: un fulmine colpisce il medaglione che Marco porta con sé, un cimelio lasciato dal padre, e da quel momento la sua esistenza prende una direzione inaspettata. Un salto improvviso nel multiverso lo getta in un’avventura che lo porta a esplorare mondi alternativi e dimensioni parallele, mettendo a nudo segreti oscuri e una verità sconvolgente. Il giovane orfano che inizialmente era costretto a proteggere i suoi fratelli più piccoli, si trasforma in un eroe in grado di affrontare le forze più potenti e misteriose dell’universo.

Le ambientazioni che Marco attraversa sono straordinarie: dal Medioevo asiatico, con le sue culture e tradizioni, a una futuristica Tokyo, dove i grattacieli e la tecnologia avanzata creano un paesaggio che sembra uscito da un sogno distopico. Ma non sono solo i luoghi a essere affascinanti. Quello che davvero cattura l’attenzione è la trasformazione del protagonista. Marco scopre di possedere poteri sovrumani, tra cui una forza straordinaria e un braccio che si trasforma in una mostruosa appendice tecnologica. Questi cambiamenti non sono solo fisici, ma rappresentano il primo passo di un cammino di crescita personale che lo porterà a confrontarsi con la verità su di sé e sul multiverso.

Ciò che rende Super String così affascinante è proprio la sua capacità di mescolare storia e fantastico. Sebbene ci siano riferimenti alla vera biografia di Marco Polo, come il suo viaggio lungo la Via della Seta e il suo soggiorno in Cina, la trama si sviluppa in direzioni speculative, dove il multiverso diventa il palcoscenico ideale per una narrazione che non ha paura di sfidare le leggi della fisica e della realtà. La serie si allontana dalla realtà storica per immergersi in un regno fantastico in cui ogni dimensione è diversa e ogni mondo ha le sue leggi. Il risultato è una trama avvincente, che mescola l’avventura con il mistero, la lotta con la scoperta di sé, e il tutto arricchito da un ricco sottofondo emotivo.

A livello editoriale, Super String rappresenta un esperimento interessante di collaborazione internazionale. Pubblicato in Giappone da Shogakukan, in formato manga tradizionale, e in Corea del Sud come webtoon a colori sulla piattaforma LINE Manga, il progetto fonde le tradizioni fumettistiche giapponese e coreana. La versione manga presenta il tipico approccio visivo e narrativo giapponese, mentre la versione webtoon, più accessibile e fluida, esprime chiaramente l’influenza della scena fumettistica coreana. Questo esperimento crossmediale permette di superare i confini tradizionali tra le due scuole di fumetto, portando l’opera a un pubblico globale e ampliando le possibilità di fruizione attraverso diverse piattaforme.

Lo stile di Boichi, celebre per il suo lavoro su Dr. Stone, non ha bisogno di presentazioni. Il suo talento nel fondere dinamismo e tecnologia è evidente in ogni tavola di Super String. Le sue illustrazioni non sono solo potenti dal punto di vista visivo, ma riescono a trasmettere emozioni profonde attraverso i dettagli e la precisione dei suoi disegni. Le scene di combattimento sono coreografate in modo impeccabile, mentre le espressioni dei personaggi rivelano un’intensità emotiva che arricchisce ogni scena. La forza del suo tratto riesce a rendere tangibile l’azione, a far sentire la potenza dei combattimenti e, allo stesso tempo, l’intensità dei momenti più riflessivi e introspettivi della storia.

La serie, composta da quattro volumi, non è solo una reinterpretazione della figura di Marco Polo, ma un viaggio tra mondi fantastici e realtà alternative, dove il confine tra storia e immaginazione diventa sempre più sottile. È un’opera che mescola azione, mistero e un profondo senso di scoperta, riuscendo a conquistare sia gli appassionati di manga sia coloro che sono affascinati dalla storia e dalle sue infinite possibilità di reinterpretazione. Con temi universali come il viaggio, la lotta e la crescita personale, questa serie si inserisce perfettamente nella lunga tradizione delle grandi avventure che hanno segnato la storia del fumetto giapponese e coreano.

Super String: Marco Polo’s Travel to the Multiverse si colloca all’interno dell’ambizioso universo narrativo di Super String, un progetto crossmediale che include fumetti, videogiochi e produzioni cinematografiche. In questo universo, i personaggi e le storie di diverse opere coreane si intrecciano in una continuity unica, dando vita a un esperimento di worldbuilding che ha già generato serie live-action, film e musical. La presenza di Marco Polo in questo multiverso permette di esplorare temi legati al viaggio, alla scoperta e alla lotta tra poteri contrastanti attraverso una prospettiva innovativa.

Con la pubblicazione italiana di Super String: Marco Polo’s Travel to the Multiverse prevista per il 13 maggio da Star Comics, anche il pubblico italiano avrà la possibilità di immergersi in questa affascinante e travolgente avventura. Il primo volume sarà disponibile con una variant cover esclusiva, un’occasione imperdibile per i collezionisti e per gli appassionati di edizioni limitate. Con questa nuova serie, Star Comics continua a arricchire il panorama fumettistico italiano con titoli innovativi e di grande valore artistico e narrativo, confermandosi come una delle principali etichette che porta in Italia opere di qualità.

AULAMANGA, Books + Comics

Sora ni Hana wo Sakaseru Mahō. Nuova Novella nel 14° Volume di rieren: Beyond Journey’s End

Lascia un commento

Il manga Frieren: Beyond Journey’s End (Frieren – Oltre la fine del viaggio), scritto da Kanehito Yamada e illustrato da Tsukasa Abe, continua a regalare ai suoi fan novità emozionanti. Dopo aver conquistato i lettori con la sua trama avvincente e i suoi personaggi profondi, il manga si arricchirà ulteriormente con una novella speciale che sarà inclusa nel 14° volume, in uscita il 18 marzo 2025. Ma questa non è una novella qualsiasi. Il volume speciale comprenderà una storia breve di 24 pagine intitolata Sora ni Hana wo Sakaseru Mahō, che si potrebbe tradurre “Magia per Far Fiorire i Fiori nel Cielo”. La novella è stata scritta da Mei Hachimoku, un’autrice nota per il suo lavoro su The Tunnel to Summer, the Exit of Goodbye e per aver già collaborato alla creazione del prequel del manga, Shōsetsu Sōsō no Frieren Zensō (Frieren: Beyond Journey’s End the Novel Prelude).

Questa edizione speciale non si limiterà a una novella, ma offrirà anche altri contenuti esclusivi per i fan. In particolare, la copertura rigida del volume avrà un design che “sembrerà un grimorio”, richiamando l’atmosfera magica e misteriosa che pervade l’intero universo di Frieren. Inoltre, saranno incluse tre nuove illustrazioni realizzate dallo stesso Tsukasa Abe, che daranno ai lettori un’ulteriore opportunità di apprezzare la maestria artistica del creatore del manga.

La collaborazione tra Mei Hachimoku e Kanehito Yamada, che ha supervisionato il progetto, promette di portare una qualità narrativa elevata, con Hachimoku che continua a esplorare il mondo di Frieren con una sua particolare sensibilità e tocco. La precedente novella prequel, pubblicata ad aprile 2024, aveva già mostrato la sua capacità di arricchire l’universo del manga con storie inedite che approfondivano i dettagli mai raccontati nei capitoli principali. In Sora ni Hana wo Sakaseru Mahō, sebbene i dettagli sulla trama siano ancora avvolti nel mistero, si prevede che l’autrice offra ai lettori un’esperienza intensa e coinvolgente, probabilmente esplorando ulteriormente le tematiche di magia e riflessione sul tempo che permeano l’intera serie.

Per chi non fosse ancora familiare con la storia principale, Frieren: Beyond Journey’s End segue le vicende di Frieren, un’elfa magica che ha partecipato alla battaglia finale contro il Re Demone insieme ai suoi compagni, tra cui il valoroso eroe Himmel, il sacerdote Heiter e il guerriero Eisen. La trama esplora la natura immortale degli elfi e come Frieren affronti la lenta perdita dei suoi compagni, mentre intraprende un viaggio solitario con Fern, una giovane apprendista umana. La serie gioca con il concetto di tempo, in particolare con il modo in cui esso scorre diversamente per gli esseri immortali rispetto agli esseri umani, e si concentra sulle riflessioni di Frieren riguardo alle opportunità perdute di formare legami più profondi con coloro che ha amato.

Con il successo travolgente sia del manga che dell’anime, che è diventato uno dei titoli più apprezzati di sempre su MyAnimeList, la novella Sora ni Hana wo Sakaseru Mahō rappresenta un’altra tappa significativa per tutti i fan di Frieren: Beyond Journey’s End. La crescente popolarità della serie, che ha già conquistato il pubblico internazionale grazie alla sua delicatezza emotiva e alla sua capacità di esplorare temi universali come la memoria, il rimpianto e la crescita personale, assicura che anche questa novella troverà una calorosa accoglienza.

Sebbene al momento non sia stata annunciata una data ufficiale di uscita per la versione tradotta in inglese, è lecito aspettarsi che la novella venga tradotta e distribuita in Occidente poco dopo la pubblicazione giapponese, data la crescente popolarità del manga e dell’anime a livello globale. I lettori possono quindi prepararsi a scoprire nuovi angoli del mondo di Frieren e ad approfondire ulteriormente l’emozionante viaggio dell’elfa e dei suoi compagni.

L’edizione speciale del 14° volume, prevista per il 18 marzo 2025, promette di essere un must per tutti gli appassionati della serie. Non solo per il contenuto esclusivo, ma anche per l’oggetto da collezione che rappresenterà, con il suo design in stile grimorio e le illustrazioni inedite che arricchiranno ulteriormente il mondo magico di Frieren: Beyond Journey’s End. In attesa della sua uscita, i fan possono consolarsi con il manga e l’anime, mentre si preparano a immergersi in una nuova e affascinante parte della storia.

AULAMANGA, Books + Comics, Gaming

Il Manga di Minecraft per i 15 anni dell’iconico gioco!

Lascia un commento

Sono già passati 15 anni da quando Minecraft ha fatto il suo debutto nel mondo del gaming, conquistando il cuore di milioni di giocatori di tutte le età e diventando uno dei videogiochi più venduti di sempre. Per celebrare l’anniversario del rivoluzionario gioco sviluppato da Mojang e pubblicato da Microsoft, Star Comics – una delle case editrici più influenti e apprezzate nel panorama fumettistico italiano – annuncia l’arrivo del manga ufficiale basato proprio su Minecraft. Disponibile da novembre, offrirà una dimensione narrativa tutta nuova che promette di affascinare un pubblico vastissimo, a cominciare dai più piccoli.

Scritta e disegnata da Kazuyoshi Seto, è stata serializzata in Giappone da Shogakukan a partire dal 2020 sulla rivista per bambini “CoroCoro Comic”. Questa nuova serie manga, totalmente inedita per il pubblico italiano ed espressamente pensata per i più giovani, introduce elementi narrativi freschi e coinvolgenti che rispecchiano l’entusiasmo e l’inventiva del gioco originale. Con costruzioni innovative, combattimenti contro creature pericolose e la scoperta di misteriosi segreti, infatti, i protagonisti intraprendono un viaggio che rispecchia l’essenza stessa del gioco: creatività, collaborazione e scoperta continua. Quelle pagine cariche di azione, umorismo e colpi di scena conquisteranno i lettori sin da subito, trasportandoli in un mondo parallelo fatto di pixel dove tutto è possibile e l’unico limite è la fantasia.

Disponibile in Italia da novembre 2024 – in volumi brossurati di 11,5×17,5 cm al costo di € 5,20 – il manga, dopo il numero di dicembre, avrà una periodicità bimestrale e accompagnerà i lettori in un viaggio emozionante catapultandoli nel mondo del videogioco sandbox più amato di sempre, dove i protagonisti affronteranno sfide mozzafiato, scopriranno nuovi segreti e vivranno avventure mai viste prima nelle ambientazioni amate da tantissime generazioni di appassionati. Ed è così che Minecraft, forte di una comunità di milioni di utenti attivi mensilmente e di 15 anni di storia, continua a ispirare e stimolare la creatività su tutti i livelli. La serie manga targata Star Comics non fa altro che aggiungere un nuovo capitolo a una storia già straordinaria di per sé, offrendo ai fan di tutte le età un modo diverso per vivere ed esplorare il loro videogioco preferito, per un’esperienza visiva davvero unica.

AULAMANGA, Books + Comics, Glorie Nerd Vintage

Golgo 13 raggiunge il volume 200: il sicario eterno che ha riscritto la storia del manga

Lascia un commento

Lunedì 29 marzo 2021 si è scolpito nella storia del fumetto giapponese come una di quelle date che fanno tremare le teche dei collezionisti e accendono discussioni infinite tra appassionati. Golgo 13 ha raggiunto ufficialmente quota duecento volumi, un traguardo che suona quasi irreale e che arriva dopo cinquantatré anni di serializzazione ininterrotta iniziata nel 1968 sulle pagine di Big Comic della Shogakukan. Un numero che non è solo statistica, ma testimonianza di una visione narrativa capace di attraversare epoche, mode e rivoluzioni culturali senza mai snaturarsi.

Dietro questo monumento narrativo si muove la mente di Takao Saito, autore che ha fatto della precisione, del realismo e della freddezza analitica il proprio marchio di fabbrica. Golgo 13 racconta le missioni di Duke Togo, assassino professionista conosciuto in tutto il mondo con uno pseudonimo carico di simbolismi biblici, tra il Golgota e il numero tredici dell’Ultima Cena. Un nome che promette morte, destino e assenza di redenzione, mantenendo ogni volta quella promessa con una coerenza quasi spaventosa.

Il raggiungimento del volume 200 assume un peso ancora maggiore perché l’opera è tuttora in corso e nuovi capitoli sono già stati confermati. Questo ha permesso a Golgo 13 di superare ufficialmente un altro colosso della serializzazione giapponese come Kochira Katsushika-ku Kameari Kōen-mae Hashutsujo, storica colonna di Weekly Shōnen Jump conclusasi nel 2016 proprio con il duecentesimo volume. Un passaggio di testimone simbolico che segna il dominio assoluto di Golgo 13 nella categoria della longevità.

Definire Golgo 13 solo come “longevo” sarebbe però riduttivo. Questa serie è una dichiarazione di poetica che affonda le radici nel gekiga, movimento nato alla fine degli anni Cinquanta come reazione all’immaginario più stilizzato e rassicurante del manga mainstream. Gli autori del gekiga volevano parlare a lettori adulti, a chi era cresciuto con i fumetti e ora cercava storie capaci di affrontare senza filtri guerra, politica, spionaggio, sesso, morte e dinamiche di potere. Golgo 13 non solo incarna questo spirito, ma lo estremizza, trasformandolo in una macchina narrativa implacabile.

Duke Togo non è costruito per piacere. Non chiede empatia, non offre giustificazioni morali, non concede spiragli di redenzione. È una presenza costante, quasi astratta, che entra nelle vite degli altri personaggi come una sentenza. Ogni episodio funziona come un racconto autonomo, un micro-romanzo che si apre e si chiude lasciando dietro di sé una scia di conseguenze irreversibili. Del suo passato si sa pochissimo, e questo vuoto diventa parte integrante del fascino del personaggio, una zona d’ombra che alimenta il mito invece di indebolirlo.

La scelta narrativa di Saito è chirurgica. Per permettere al lettore di entrare nella storia, l’autore affida spesso il punto di vista a personaggi secondari più umani, fragili, contraddittori. Sono loro a fungere da tramite emotivo, mentre Golgo rimane distante, talvolta quasi invisibile fino alle battute finali, quando la sua comparsa chiude la vicenda con una precisione che non ammette repliche. Ammirazione e inquietudine si mescolano, creando un rapporto con il protagonista basato sull’osservazione più che sull’identificazione.

Dal punto di vista grafico, Golgo 13 è una masterclass di regia fumettistica. La struttura delle tavole è lineare e rigorosa, con vignette orizzontali che scorrono come in un montaggio cinematografico. Il ritmo nasce dall’alternanza dei piani, da prospettive estreme che comprimono o dilatano lo spazio e da un uso consapevole delle vignette aperte per introdurre gli ambienti, seguite da sequenze più chiuse dedicate ai dettagli. Il risultato è una lettura fluida, controllata, perfetta per sostenere la tensione del thriller.

Il tratto di Saito è realistico e densissimo. I volti raccontano storie attraverso rughe, ombre e pieghe d’espressione, mentre gli abiti e gli sfondi sono carichi di dettagli e retini così sofisticati da sembrare colorati. Il nero domina la pagina come strumento narrativo, capace di costruire atmosfere cupe e opprimenti. Le iconografie emotive tipiche del manga vengono ridotte al minimo per non incrinare l’illusione di realismo, lasciando che siano le immagini e la composizione a trasmettere tensione e stati d’animo.

Anche i temi riflettono un’impostazione radicalmente adulta. L’universo di Golgo 13 è popolato esclusivamente da adulti inseriti in sistemi di potere politici, militari o criminali. Il racconto fa spesso ricorso a un narratore onnisciente che fornisce contesto storico e tecnico, trasformando ogni episodio in una sorta di romanzo breve, complesso e stratificato. La struttura narrativa richiama spesso il modello ki-shō-ten-ketsu, con una svolta improvvisa capace di ribaltare le aspettative nelle battute finali, lasciando il lettore spiazzato e costretto a riconsiderare quanto appena letto.

Guardando l’opera nel suo insieme, emerge con chiarezza come Golgo 13 rappresenti una tappa fondamentale nell’evoluzione del manga adulto, in dialogo critico con il linguaggio più infantile che aveva dominato il medium nei decenni precedenti. Non a caso anche Osamu Tezuka sentì l’esigenza di confrontarsi con temi più maturi in opere come Astro Boy nelle sue riletture più oscure. Saito, però, rifiuta qualsiasi slancio umanista: il suo mondo è spietato, e la perfezione tecnica vale più della morale.

Il successo e l’impatto culturale di Golgo 13 si riflettono anche nelle numerose trasposizioni. La saga ha dato vita a due film d’animazione, Golgo 13: The Professional e Golgo 13: Queen Bee, a due adattamenti live action e a una serie animata televisiva nel 2008 che ha riportato il personaggio al centro dell’attenzione delle nuove generazioni. In Italia, nel 2012, J-POP ha pubblicato un’antologia di storie selezionate direttamente dall’autore in tre volumi, seguita nel 2014 da una raccolta basata sulle preferenze dei lettori, ulteriore prova di un culto che continua a rinnovarsi.

A distanza di oltre mezzo secolo dal debutto, Golgo 13 resta un’opera scomoda, fredda, lucidissima. Un manga che non cerca di essere amato, ma compreso, e che continua a raccontare il mondo senza addolcirlo, senza giustificarlo, senza offrirgli alibi. Ed è forse proprio questa coerenza assoluta a renderlo ancora oggi così attuale.

Adesso tocca a voi: avete mai incrociato lo sguardo imperscrutabile di Duke Togo tra le pagine di Golgo 13? Vi affascina la sua perfezione glaciale o vi mette a disagio proprio per questo? Parliamone insieme, perché certi manga non si limitano a essere letti: vanno discussi, metabolizzati, affrontati fino in fondo.

AULAMANGA, Glorie Nerd Vintage

Detective Conan

Lascia un commento

Questo manga leggendario è opera di Gōshō Aoyama ed ha iniziato la sua pubblicazione in Giappone nel 1994 e tuttora in corso di produzione sulla rivista Weekly Shōnen Sunday di Shogakukan. La pubblicazione in tankōbon è arrivata al 94º volume il 18 dicembre 2017. Dal 1997 sono in produzione anche volumi manga intitolati Detective Conan Special Cases che non influiscono sulla trama del manga principale, realizzate dagli assistenti di Gōshō Aoyama. In Giappone e sono stati pubblicati finora 42 volumi, tutti da Shogakukan. In Italia i volumi sono stati pubblicati da Star Comics a partire dal 24 gennaio 2011, a cadenza bimestrale, alternati ai volumi principali, sulla testata Mitico  fino al dodicesimo volume, uscito il 22 novembre 2012. Dopodiché, non sono più stati pubblicati altri volumi perché, come dichiarato dalla Star Comics, “non hanno raggiunto la stessa popolarità del manga originale”. Di tutta la serie solo due storie, del primo volume, sono state adattate per l’anime: l’episodio 86 (89 secondo la numerazione italiana) è tratto dal File 2 e l’episodio 113 (119 secondo la numerazione italiana) dal File 6.

Seguitissimo ed apprezzatissimo in tutto il mondo, Detective Conan racconta le avventure del giovane Shinichi Kudo, un brillante liceale al secondo anno della scuola superiore, è conosciuto in tutto il Giappone per la sua grande abilità investigativa. Proprio durante una delle sue indagini, vede qualcosa di troppo, e due uomini vestiti di nero appartenenti ad un losco quanto misterioso sindacato del crimine, gli somministrano un loro nuovo veleno, lasciandolo di fronte a morte sicura; invece il nostro detective si ritrova ringiovanito fino all’età di sei anni. Cambiando il suo nome in Conan Edogawa (con omaggio al papà di Sherlock Holmes) e rivelando la sua vera identità a un suo amico scienziato, tornerà a svelare i più intricati casi in compagnia della sua fidanzata Ran e del padre di questa, scalcinato detective, portando avanti nel frattempo la ricerca dell’antidoto che lo farà tornare grande.

La struttura del fumetto è molto semplice. Le avventure del nostro Conan sono divise in file. Questi ultimi raccontano i casi che il nostro Detective deve risolvere. La storia è sicuramente molto accattivante e piena di colpi di scena. Nel racconto è sempre presente una vena satirica che aiuta a sdrammatizzare l’ atmosfera post-omicidio (omicidi peraltro molto violenti) e a farci fare qualche risata che non guasta mai. Detective Conan oltre a contenere strategia e ragionamenti comprende anche una discreta quantità di azione e combattimento che contribuiscono a rendere il manga più movimentato. Gōshō Aoyama ha fatto un ottimo lavoro anche dal punto di vista tecnico: le vignette anche se in bianco e nero sono piene di sfumature e i disegni stilizzati sono accurati e pieni di particolari. Detective Conan è sicuramente un manga diverso dal solito. Il suo autore, infatti, ha voluto unire il genere giallo, che lui adora, ad un’altra sua passione: il calcio. Shinichi Kudo oltre a essere un valente detective, ha, infatti, notevoli capacità calcistiche che lo tireranno fuori da situazioni apparentemente insolubili. In ogni caso anche a quelli che non conoscono il genere verranno stregati e ammaliati da questo fumetto e troveranno se non altro Detective Conan un manga intelligente e divertente.

 

La trasposizione televisiva animata è dal 1996 in onda, curata dalla TMS Entertainment, produttrice della serie, dalla Nippon Television (NTV) e dalla Yomiuri TV (YTV), emittenti giapponesi. Al 24 marzo 2018, tale serie conta 897 episodi. In Italia, l’anime è stato trasmesso dalle reti Mediaset fra il 2002 e il 2012 arrivando a 541 episodi, divisi in 592 da Mediaset vista la durata di alcuni episodi assai più lunghi detti special, mentre dal 2013 al 2016 è stata trasmessa da Super!, a partire dall’episodio 543 (594 secondo la numerazione italiana), saltando l’episodio 542 (593), poi trasmesso da Mediaset nel 2014. Dal 2014 gli episodi dal 543 (594) vengono pubblicati anche su Timvision (inizialmente Cubovision), piattaforma a pagamento per la visione tramite IPTV o internet, compresi tre episodi non trasmessi da Super!. La trasmissione è arrivata all’episodio 724 (776 secondo la numerazione italiana); in seguito la DeAgostini, editrice di Super!, ha fatto sapere che non avrebbe ordinato il doppiaggio di nuovi episodi. L’anime in Italia è perciò sospeso fino ad un eventuale acquisto da parte di un’altra emittente televisiva. A partire dal 1997 sono stati prodotti dei film ispirati alla serie principale, giunti nel 2017 al 21º lungometraggio e usciti nelle sale nipponiche ogni anno ad aprile. Dal 2000 la rivista Shōnen Sunday ha realizzato degli OAV al riguardo della durata di trenta minuti circa. Dalla serie, inoltre, sono stati tratti quattro film per la TV live action trasmessi in Giappone dalla NTV e dalla Yomiuri TV, il primo dei quali il 2 ottobre 2006. Dal 7 luglio al 29 settembre 2011è stato trasmesso anche un dorama live action in tredici puntate di quaranta minuti l’una intitolato Meitantei Conan – Kudō Shin’ichi e no chōsenjō. A partire dal 1996 sono stati prodotti 24 videogiochi ispirati alla serie.

Gōshō Aoyama, fumettista giapponese, è nato a Daiei, nella prefettura di Tottori, il 21 Giugno 1963. Dopo un inizio travagliato – i genitori non volevano che intraprendesse la carriera di mangaka, pertanto iniziò la carriera come insegnante d’arte al liceo di Daiei –, debutta ufficialmente nel 1987 sulla rivista Shonen Sunday con Chotto Mattete, proseguendo poi con Kaito Kide e Yaiba, con il quale vince lo Shogakukan Manga Award nel 1993. Dall’anno successivo inizia la serializzazione della sua opera più famosa, Detective Conan, attualmente in corso, che lo consacra definitivamente al successo.

AULAMANGA, Eventi Nerd, Cosplay - Comics & Games

Taiyo Matsumoto: Love is all you need

Lascia un commento
Taiyo Matsumoto è uno degli autori più interessanti del fumetto d’autore giapponese contemporaneo. Lontano dagli usuali stilemi manga, Matsumoto trae ispirazione soprattutto dal fumetto europeo, in netto contrasto con la spiccata tendenza all’isolazionismo culturale tipica del Giappone. Matsumoto parte dal punk urbano di “Tekkonkinkreet”, la sua prima opera importante a essere tradotta in Italia e che verrà pubblicato da J-POP Manga per Lucca 2017, e arriva all’intimismo realista di “Sunny”, serie per cui ha vinto il Gran Guinigi nel 2015 e il Premio Micheluzzi (Miglior Serie Straniera) nel 2017. “Sunny” è la storia, parzialmente autobiografica, di un gruppo di bambini con situazioni familiari difficili che vive in una casa famiglia. Per quanto descriva una realtà difficile, lo sguardo di Matsumoto è tutt’altro che impietoso: anzi, è capace di toccare vette sorprendenti di calore e umanità, confermando l’autore fra i migliori cantori dell’infanzia mai espressi dal fumetto mondiale.
La mostra  presso il Palazzo Ducale dal 14 Ottobre fino al 5 Novembre 2017 dedica al Maestro, che sarà ospite durante Lucca Comics & Games 2017, ripercorre tutta la sua carriera, proponendo tavole originali provenienti anche dai suoi ultimi lavori, ancora inediti nel nostro Paese.
AULAMANGA, Cinema & Tv, Gaming

Pokémon tremate: arriva Yo-kai Watch

Lascia un commento

Già da qualche anno in Giappone è esplosa una nuova mania crossmediale, al pari del più famosi Pokémon e Yu-gi-oh! L’obiettivo questa volta non sono mostriciattoli colorati o antiche divinità egizie i ragazzini giapponesi sono impazziti nel catturare fantasmi (creature della mitologia giapponese gli yo-kai,) con un bizzarro orologio, per poi farli, ovviamente, combattere fra loro. Una moda che ha ovviamente interessato il panorama videoludico, le fumetterie, la televisione, i negozi di merchandising e gli app store … e sta per conquistare anche il nostro Paese: ma scopriamo un po’ di più su questa saga cross mediale che ha come protagonista un bambino di nome Nathan, il quale è in possesso dello strano orologio che gli permette di vedere i fantasmini, e intrecciare con questi varie relazioni, in compagnia dell’inseparabile yo-kai, Whisper.

Yo-kai Watch inizia la sua escalation commerciale con una serie di videogiochi di ruolo sviluppata da Level-5, gli stessi di Professor Layton ed Inazuma Eleven. e comprendente Yo-kai Watch, Yo-kai Watch 2, Yo-kai Watch Busters e Yo-kai Watch 3. Il videogioco originale ha venduto oltre un milione di copie in Giappone. Nel 2015 Nintendo ha annunciato l’internazionalizzazione del gioco in seguito al successo dei videogiochi della serie che hanno superato le 7 milioni di vendite. Il sistema di gioco ricorda moltissimo Pokémon: bisogna esplorare città e villaggi per catturare i fantasmi per poi farli combattere in maniera un po’ differente da Pikachu e soci: lo schieramento prevede tre fantasmi per volta, che si possono ruotare con gli altri del team in qualsiasi momento; questi attaccheranno automaticamente, oppure secondo mosse speciali da effettuare con combinazioni di comandi sul touch screen della console Nintendo. C’è un altro elemento che differenzia Yo-kai Watch da Pokémon: il suo umorismo, chiave del successo del brand; i dialoghi ed i personaggi, infatti, ricordano più storie come Keroro o Crayon Shin-Chan. Un altro elemento che è piaciuto sin da subito ai videogiocatori è il teatro delle vicende: una tipica cittadella giapponese, incastonata tra mare e campagna. Ovviamente, il fattore del collezionismo dei fantasmi (tutti bene o male ispirati alla tradizione nipponica) ha avuto il suo peso; come in Pokémon, i ragazzini fanno a gara a chi cattura più creature.

Dalla serie di videogiochi sono stati tratti sei manga, il primo dei quali è uno shōnen pubblicato da Shogakukan su CoroCoro Comic dal gennaio 2013, e una serie anime, prodotta dallo studio Oriental Light and Magic e trasmessa su TV Tokyo a partire dall’8 gennaio 2014. In Italia la serie animata viene trasmessa su Cartoon Network dal 12 aprile 2016 ed in chiaro su Boing dal 12 settembre 2016 mentre il manga viene pubblicato a partire dal 26 gennaio 2017 da Planet Manga.

All’arrivo del videogioco arriva un esercito di prodotti di merchandising multimediali per gli utenti di età più giovane: dall’estate 2016 Hasbro ha lanciato una gamma di giocattoli che vede come prodotto di punta lo Yo-Kai Watch vero e proprio, con le medaglie collezionabili. Sono comunque presenti anche peluche, personaggi e anche il Medallium, un libro che Nathan usa nel cartone animato e nel videogioco per raccogliere tutte le medaglie ottenute nel corso delle sue avventure. Le medaglie inoltre funzionano similmente a quello che succede in gioco come Amiibo, Disney Infinity e Skylanders, unione perfetta tra “fisco” e virtuale: utilizzando il Nintendo 3DS per scansionare il codice QR che si trova sul retro di ogni medaglia, sbloccando vari contenuti nel videogame come punti per acquistare oggetti utili, o direttamente degli Yo-Kai di cui alcuni molto difficili da catturare. Con l’app per smartphone “La terra degli Yo-kai Watch” si può collezionare e registrare virtualmente le medaglie-giocattolo Yo-kai, scoprire tutto ciò che si vuol sapere su ciascun Yo-kai nella wiki, farsi una foto tra le scenografie virtuali del mondo Yo-kai o partecipare ai giochi arcade con il tuo Yo-kai preferito!

Yo-Kai Watch è pronto ad invadere anche il nostro paese dopo il debutto nel Sol Levante ed essere già sbarcato in terra americana, lasciando l’Europa come ultima terra da conquistare  ad essere l’ultima spiaggia su cui far arrivare la nuova proprietà intellettuale di Level-5 nata appunto grazie al videogioco, proprio come accadde per la serie Pokémon 20 anni fa.

Approfondimenti, AULAMANGA, Books + Comics, Cinema & Tv

Project ARMS: l’anime biotech che ha riscritto il mito di Alice nel Paese delle Meraviglie

Lascia un commento

Ci sono opere che, pur non essendo in cima alla lista dei titoli più chiacchierati, si annidano nel cuore pulsante della cultura nerd come tesori inesplorati. Una di queste è indubbiamente Project ARMS (), il manga partorito dalla mente di Kyoichi Nanatsuki e dalla matita di Ryoji Minagawa alla fine degli anni ’90. Non un semplice action-shonen, ma un autentico tour de force che fonde la fantascienza biologica più estrema con la mitologia onirica e folle di Lewis Carroll, creando un ibrido narrativo di rara potenza. Per gli appassionati di cyberpunk e body horror che hanno divorato opere come Akira o i lavori di Masamune Shirow, ARMS si presenta come un capitolo cruciale e, per certi versi, profetico della narrativa giapponese. Pubblicato in Italia da Planet Manga in 22 volumi, l’opera ci catapulta in un mondo dove l’esperimento scientifico non è più un confine etico, ma un incubo in carne e metallo (o meglio, in carne e nanomacchine).

L’Arma Dormiente: La Scienza della Metamorfosi

La trama si concentra su Ryo Takatsuki, un liceale apparentemente nella norma la cui vita viene sventrata dalla scoperta di essere l’ospite inconsapevole di una forza terrificante. Non si tratta di una tuta potenziata o di un chip impiantato, ma di una massa di nanomacchine viventi, un’arma biologica che si risveglia in lui in momenti di estremo pericolo. È questo il cuore pulsante e inquietante di ARMS: l’ibridazione tra l’essere umano e la tecnologia non è meccanica, ma organica, simbiotica, quasi virale.

Ryo non è solo in questo destino bioingegnerizzato. La sua strada si incrocia con quella di Hayato Shingu, Takeshi Tomoe e Kei Kuruma, ragazzi come lui, anch’essi portatori di queste entità che li trasformano in esseri a metà tra l’uomo e lo strumento da guerra. L’intreccio, inizialmente focalizzato su amicizie e scoperte drammatiche, si stringe attorno al misterioso progetto Egrigori, un’organizzazione ombra che ha giocato con le loro vite, tramutandole in una lotta ossessiva per recuperare la propria identità. Questo tema dell’essere costretti a scegliere tra l’umanità e l’essere un’arma, tra il ricordo e la manipolazione, dona alla serie una profondità emotiva che va ben oltre la pura spettacolarità degli scontri.

Il Coniglio Bianco e la Follia di Egrigori

Ma ciò che rende Project ARMS un’opera di culto per chi ama le stratificazioni simboliche è la sua fusione con il mondo di Alice nel Paese delle Meraviglie. Ogni ARMS, infatti, possiede una propria identità e coscienza che attinge direttamente ai personaggi del classico di Carroll, trasportando la mitologia nel laboratorio genetico.

Abbiamo così Jabawack, nome che evoca il celebre drago del poema nonsense, incarnando il caos distruttivo e la furia incontrollata; il Cavaliere Bianco, emblema di protezione, onore e coraggio; il Coniglio Bianco, simbolo della velocità e della fuga da un destino ineluttabile; e la Regina di Cuori, che rappresenta il potere assoluto e la follia autodistruttiva.

L’organizzazione Egrigori non si limita a manipolare i quattro protagonisti originali, ma tenta di replicare e superare questi poteri, creando una schiera di supersoldati noti come i Keith. In questa galleria degli orrori biotecnologici, troviamo repliche inquietanti come Keith Red, il Grifone, Keith Black, l’inquietante Humpty Dumpty, e naturalmente il Gatto del Cheshire e la Lepre Marzolina. L’universo di Carroll diventa così un template per un progetto di dominio genetico globale, trasformando l’innocente favola in una chiave di lettura per la manipolazione scientifica.

Dalle Aule Giapponesi al Labirinto Globale

La narrazione, con un sapiente gioco di contrasti, prende le mosse dal rassicurante e ordinario scenario della vita scolastica giapponese per poi esplodere in una spirale di eventi che catapulta i ragazzi dai banchi di scuola ai laboratori segreti americani. Questa struttura, tipica delle grandi opere di formazione adolescenziale, è qui amplificata fino all’estremo: ogni scontro non è solo una prova di forza, ma una metamorfosi, un passo in avanti nella consapevolezza del proprio corpo mutante e del proprio posto nel mondo.

Il tono, inizialmente avventuroso, si fa progressivamente più cupo e riflessivo man mano che i protagonisti scoprono di essere stati manipolati, le loro memorie riscritte e i loro corpi trasformati in pedine su una scacchiera di potere. Il loro viaggio è una vera e propria discesa interiore, un percorso di accettazione (o ribellione) contro la propria natura artificiale.

Il Tocco Madhouse e la Riflessione Etica

La complessità del manga trovò una degna trasposizione nell’adattamento animato realizzato tra il 2001 e il 2002 dallo studio Madhouse (lo stesso dietro capolavori come Trigun e Death Note), sotto la direzione di Hiroshi Hamasaki. La serie, suddivisa in due stagioni per un totale di 52 episodi, riuscì a condensare il ritmo serrato dell’opera originale in una narrazione più lineare ma preservandone intatta l’elevata densità emotiva e filosofica.

Ma l’elemento che, a distanza di anni, rende Project ARMS un’opera fondamentale non è solo la sua azione o la superba costruzione visiva, ma la sua profonda riflessione morale. Nanatsuki e Minagawa utilizzano le nanomacchine come una metafora potentissima per affrontare l’eterno dilemma del progresso scientifico: fino a che punto possiamo spingerci nella manipolazione della vita senza distruggere ciò che significa essere umani? Le ARMS diventano il simbolo di una scienza senza etica, un potere nato con intenti di difesa, ma finito per corrompere e distruggere. I protagonisti non sono gli eroi classici, ma vittime di un “peccato scientifico” collettivo, costretti a lottare contro la stessa natura che li ha creati. Sono caduti nella tana del Bianconiglio, ma ciò che hanno trovato non è un mondo di meraviglie, bensì un incubo di DNA e metallo.

Oggi, Project ARMS si rivela un classico sottovalutato, un’opera che ha anticipato temi che saranno poi esplorati in serie successive come Ergo Proxy o Ghost in the Shell: Stand Alone Complex. Sotto la corazza bio-metallica e la precisione del thriller scientifico, però, pulsa l’umanità dolce e fragile dei protagonisti, il cui desiderio di essere semplicemente “normali” in un mondo che li vuole trasformare in strumenti di guerra è ciò che rende la storia un racconto universale.

Come ricordava Carroll, “Non credere mai di essere altro che ciò che appari”. Ma nel mondo di Project ARMS, nessuno può più permettersi di essere solo quello che sembra. La curiosità e la tensione etica generate da questa epopea di carne e macchina meritano indubbiamente una riscoperta da parte di ogni appassionato sfegatato.

AULAMANGA, Books + Comics, Glorie Nerd Vintage

Terra e… (Verso la Terra) di Keiko Takemiya

Lascia un commento

“Verso la Terra” (Terra e…) è un’opera che ha segnato un’epoca nel panorama del manga, non solo per la sua qualità narrativa e artistica ma anche per il suo impatto culturale. Creata da Keiko Takemiya, una delle figure di spicco del movimento artistico noto come “Anno 24”, questo manga ha esplorato temi profondi e complessi, come la ricerca dell’identità, la lotta per la libertà e la comprensione dell’altro.

La storia si svolge in un futuro distopico dove l’umanità ha abbandonato la Terra, ormai inabitabile, per vivere in colonie spaziali. In questo contesto, emergono gli Mu, esseri umani con capacità psichiche sovrumane che vengono perseguitati dalla società dominante. Il protagonista, Jomy Marcus Shin, scopre di essere uno di loro e si trova al centro della lotta per la sopravvivenza e l’indipendenza del suo popolo.

Il manga si distingue per la sua capacità di intrecciare una narrazione avvincente con riflessioni sulla natura umana e sulla società. Takemiya non si limita a raccontare una storia di fantascienza, ma utilizza il genere come veicolo per esplorare questioni etiche e filosofiche. La sua arte, caratterizzata da un tratto distintivo e da una grande attenzione ai dettagli, contribuisce a creare un’atmosfera unica che cattura il lettore. La serie ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui il Premio Seiun nel 1978 per il miglior fumetto e il Premio Shogakukan per i manga nel 1980. Questi premi non solo attestano la qualità dell’opera ma anche il suo ruolo pionieristico nel genere della fantascienza manga.

L’adattamento cinematografico del 1980 e la serie televisiva anime del 2007 hanno contribuito a portare “Verso la Terra” a un pubblico ancora più ampio, consolidando il suo status di classico del genere. La serie anime, in particolare, ha avuto il merito di aggiornare la storia per una nuova generazione, mantenendo intatto lo spirito dell’originale mentre esplorava nuove dimensioni visive e narrative.  “Verso la Terra” rimane un’opera fondamentale per chiunque sia interessato alla fantascienza e al manga. Il suo messaggio di speranza e la sua visione di un futuro in cui l’umanità può superare le proprie paure e pregiudizi sono oggi più attuali che mai.