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Toy Story 5: Woody contro il tablet Lilypad, il ritorno che cambia per sempre il gioco

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Toy Story non appartiene più soltanto al cinema d’animazione. Dopo oltre trent’anni di avventure, risate e inevitabili lacrime, la saga Disney e Pixar è diventata una sorta di memoria collettiva condivisa tra generazioni diverse, un linguaggio emotivo capace di parlare a chi è cresciuto con le videocassette consumate a forza di riavvolgimenti e a chi ha conosciuto Woody e Buzz direttamente attraverso le piattaforme streaming. Per questo motivo l’arrivo di Toy Story 5 nelle sale italiane il 18 giugno 2026 non rappresenta semplicemente il ritorno di un franchise amatissimo, ma un nuovo capitolo di una storia che continua ad accompagnare l’evoluzione dell’infanzia, della tecnologia e perfino del nostro rapporto con i ricordi.

Il nuovo trailer finale diffuso da Disney Italia ha acceso immediatamente l’entusiasmo del fandom Pixar, mostrando una reunion che molti spettatori attendevano con una miscela di speranza e timore. Dopo gli eventi di Toy Story 4, che sembravano aver regalato una conclusione definitiva al percorso di Woody, ritrovare insieme il celebre cowboy, Buzz Lightyear, Jessie e il resto della banda provoca una sensazione difficile da descrivere. Non si tratta soltanto di nostalgia. È qualcosa di più complesso, qualcosa che parla direttamente al passare del tempo.

Questa volta la sfida che attende i giocattoli non arriva da un nuovo compagno di giochi, né da una collezione privata o da un trasloco inatteso. Il vero cambiamento prende la forma di Lilypad, un sofisticato tablet progettato per aiutare Bonnie a socializzare e costruire nuove amicizie. Un personaggio che racchiude in sé tutte le contraddizioni dell’epoca contemporanea e che promette di diventare uno degli elementi più interessanti dell’intera saga.

Chiunque sia cresciuto immaginando mondi fantastici con una scatola di cartone trasformata in astronave o con una coperta diventata castello medievale percepisce immediatamente il peso simbolico di questa scelta narrativa. Toy Story ha sempre raccontato la paura dell’abbandono, il desiderio di sentirsi importanti e la necessità di trovare il proprio posto nel mondo. Oggi quel mondo è popolato da schermi, algoritmi, app educative, intelligenze artificiali e contenuti personalizzati. Pixar sembra aver deciso di affrontare direttamente questo cambiamento senza demonizzarlo, scegliendo una strada molto più interessante rispetto alla semplice nostalgia.

Lilypad non appare come un antagonista tradizionale. Non è il cattivo di turno pronto a conquistare la cameretta di Bonnie. È piuttosto l’incarnazione di una nuova idea di gioco, una presenza che rappresenta la tecnologia contemporanea e il modo in cui essa entra nella vita quotidiana dei bambini. Woody e Buzz si trovano così a confrontarsi con qualcosa che non possono comprendere fino in fondo, esattamente come accade a molti adulti di fronte alle trasformazioni culturali delle nuove generazioni.

Ad accompagnare questa nuova avventura troviamo un cast vocale italiano particolarmente ricco, costruito attorno a grandi ritorni e interessanti novità. Angelo Maggi torna naturalmente a prestare la voce a Woody, confermando ancora una volta quel legame ormai inscindibile tra il personaggio e uno dei doppiatori più amati dal pubblico italiano. Accanto a lui ritroviamo Massimo Dapporto come Buzz Lightyear e Ilaria Stagni nel ruolo di Jessie, tre interpretazioni che ormai fanno parte della storia stessa del doppiaggio italiano.

L’annuncio che ha sorpreso maggiormente gli appassionati riguarda però la partecipazione di Sal Da Vinci, chiamato a interpretare Pizza cu ‘e llente, uno dei nuovi personaggi introdotti in Toy Story 5. Figura affascinante e misteriosa, Pizza cu ‘e llente appartiene a una comunità di giochi dimenticati che vive nella vecchia casetta dei giocattoli di Blaze. Un personaggio che promette di aggiungere ulteriore profondità a una storia che sembra voler esplorare il destino degli oggetti lasciati indietro dal tempo.

Nella versione originale il ruolo è affidato a Bad Bunny, superstar mondiale capace di conquistare classifiche musicali e premi internazionali. La scelta di Sal Da Vinci per l’edizione italiana appare particolarmente intrigante, perché aggiunge al personaggio una personalità immediatamente riconoscibile e profondamente radicata nella cultura popolare italiana.

Le novità non finiscono qui. Katia Follesa entra ufficialmente nell’universo Pixar dando voce proprio a Lilypad, mentre Federico Basso interpreterà Smarty Pants, un curioso dispositivo educativo dimenticato da anni che sembra destinato a ritagliarsi uno spazio importante nella vicenda. Gianluca Gazzoli sarà invece Bullseye “Perfido”, una variante oscura e alternativa del celebre cavallo di Woody nata durante una sequenza immaginaria di gioco.

L’idea stessa di Bullseye “Perfido” richiama qualcosa che molti nerd conoscono molto bene. Chi è cresciuto inventando storie con action figure, modellini, personaggi LEGO o collezioni di miniature ricorda perfettamente quei momenti in cui gli eroi assumevano versioni alternative, corrotte, malvagie o provenienti da universi paralleli. È un concetto che appartiene tanto all’infanzia quanto ai fumetti Marvel e DC, agli anime, ai videogiochi e alle grandi saghe della cultura pop contemporanea.

Tra le altre voci spiccano Jacqueline Luna Di Giacomo nel ruolo di Snappy, Simone Mori come Atlas e il ritorno di Luca Laurenti nei panni di Forky, personaggio diventato rapidamente uno dei simboli più amati di Toy Story 4. Tornano inoltre interpreti storici come Carlo Valli per Rex, Ambrogio Colombo per Hamm, Cinzia De Carolis per Bo Peep e Corrado Guzzanti per Duke Caboom, contribuendo a creare una continuità che i fan della saga apprezzeranno enormemente.

Dietro la macchina da presa troviamo ancora una volta Andrew Stanton, autore che ha contribuito a definire l’identità stessa della Pixar attraverso capolavori come Alla ricerca di Nemo e WALL•E. La sua presenza rappresenta una garanzia importante per chi temeva che il franchise potesse trasformarsi in una semplice operazione nostalgica.

Stanton ha dimostrato più volte di possedere una straordinaria capacità di utilizzare l’animazione come strumento per raccontare emozioni universali. I suoi film non si limitano mai a intrattenere. Parlano di crescita, solitudine, cambiamento, memoria e relazioni umane attraverso personaggi che, sulla carta, potrebbero sembrare improbabili protagonisti. Pesci pagliaccio, robot abbandonati sulla Terra o giocattoli dimenticati diventano specchi in cui riconoscere noi stessi.

Anche la colonna sonora vedrà il ritorno di una figura fondamentale per l’identità della saga: Randy Newman torna infatti a comporre le musiche del suo quinto Toy Story. Una notizia che da sola basta a scatenare l’emozione di milioni di spettatori cresciuti ascoltando brani che ormai appartengono alla memoria collettiva del cinema d’animazione.

La frase promozionale scelta per accompagnare il film, “I tempi cambiano, gli amici restano per sempre”, sintetizza perfettamente l’anima di questa nuova avventura. Toy Story 5 sembra voler affrontare la trasformazione digitale del gioco senza rinnegare il passato e senza trasformare il presente in un nemico. Un approccio sorprendentemente maturo per una produzione destinata alle famiglie ma capace, come da tradizione Pixar, di parlare contemporaneamente ai bambini e agli adulti.

Dietro la storia di Woody, Buzz, Jessie e Bonnie si nasconde infatti una riflessione molto più ampia. Ogni generazione affronta il timore di essere sostituita, dimenticata o resa obsoleta dal cambiamento. I giocattoli di Toy Story hanno sempre incarnato questa paura universale. Oggi quella sensazione assume una forma diversa, fatta di schermi touchscreen, contenuti digitali e nuove modalità di interazione sociale.

Forse è proprio questo il motivo per cui la saga continua a rimanere attuale dopo oltre tre decenni. Non parla realmente di giocattoli. Parla di noi. Della nostra necessità di essere amati, ricordati e scelti anche quando il mondo cambia velocemente intorno a noi.

Mentre le prevendite italiane sono già aperte e l’attesa cresce giorno dopo giorno, una domanda continua a riecheggiare nella mente degli appassionati Pixar: quale posto avranno Woody e Buzz nell’infanzia del futuro? Toy Story 5 sembra pronto a esplorare proprio questo territorio, mettendo faccia a faccia tradizione e innovazione senza cercare vincitori o sconfitti.

E forse, in fondo, la risposta non riguarda soltanto Bonnie o i suoi giocattoli. Riguarda tutti noi che, nonostante gli anni passati, continuiamo ancora a emozionarci ogni volta che una stanza si svuota, una porta si chiude e qualcuno sussurra: verso l’infinito e oltre.

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Monsters & Co. compie 20 anni: Il leggendario capolavoro Pixar che ha cambiato per sempre il cinema d’animazione

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Il 28 ottobre 2001, nelle sale cinematografiche, si faceva largo un’opera che avrebbe segnato un altro passo fondamentale nella storia del cinema d’animazione: Monsters & Co. (Monsters, Inc.), capolavoro firmato dalla Pixar. Questo film, diretto da Pete Docter e co-registato da Lee Unkrich e David Silverman, ha affascinato il pubblico di ogni età, riuscendo a mescolare un’incredibile fantasia visiva con tematiche profonde e un humor che sfiorava la satira sociale. Se oggi parliamo di Monsters & Co. come di uno dei titoli imprescindibili della Pixar, è proprio grazie alla sua capacità di coniugare tecnica, emozione e riflessione.

A vent’anni dalla sua uscita, il film mantiene inalterato il suo fascino, diventando non solo un pilastro della filmografia Pixar, ma anche un esempio di come l’animazione possa trattare temi adulti, pur rimanendo perfettamente accessibile ai bambini. Questo fu, senza dubbio, uno dei motivi del suo successo: riusciva ad andare oltre la mera dimensione del divertimento infantile, introducendo una riflessione sul lavoro, sull’etica e sulla paura. E lo faceva senza mai risultare pesante o troppo serio.

Ambientato nella città di Mostropoli, il film ci introduce a un mondo in cui i mostri non sono creature malvagie, ma semplici lavoratori, impegnati in una vera e propria industria energetica. La Monsters & Co. è infatti una centrale elettrica che raccoglie l’energia prodotta dalle urla dei bambini, rendendo le notti dei mostri l’unico momento di “lavoro” intenso della loro giornata. Ma questa struttura di base, così comica e bizzarra, si fa anche il veicolo perfetto per una critica, mai esplicita ma sempre pungente, alla società dei consumi e al sistema capitalistico.

Nel cuore della storia c’è James Sullivan, detto Sulley (doppiato da John Goodman), il miglior spaventatore dell’azienda, e il suo fedele compagno Mike Wazowski (interpretato da Billy Crystal), un mostro verde e monocolo che, pur essendo fisicamente inadeguato rispetto agli altri, si distingue per ingegno e determinazione. Insieme, Sulley e Mike si trovano ad affrontare una serie di eventi che metteranno in discussione tutto ciò che conoscevano del loro lavoro e del mondo in cui vivono. Quando un’innocente bambina umana, Boo, irrompe nel mondo dei mostri, la loro routine di paura e angoscia si infrange, portandoli a scoprire che la vera energia non proviene dalla paura, ma dalla risata.

Questa semplice, ma straordinaria intuizione porta Monsters & Co. a un punto di svolta: l’idea che l’industria delle urla non solo sia eticamente problematica, ma che, in realtà, vi sia un’alternativa migliore, più pulita e più potente. L’evoluzione della centrale da un motore che alimenta il sistema con la paura a una che si nutre di risate è un cambiamento non solo di paradigma all’interno della narrazione, ma anche di messaggio, suggerendo che il mondo potrebbe prosperare meglio se anziché alimentarsi di conflitto, dolore e paura, puntasse su emozioni positive e cooperative.

Ma la forza del film non si limita solo alla trama. L’animazione raggiunge un livello di qualità eccezionale, testimoniato dai dettagli incredibili, come i 2.320.413 peli realizzati per Sulley, che esemplificano il vertice tecnico della Pixar in quel periodo. Il mondo di Mostropoli è vivo e ricco di dettagli, capace di combinare l’umorismo visivo con l’estetica di una città industriale che ricorda le metropoli americane degli anni Cinquanta, dove la plastica, l’efficienza e la fredda burocrazia erano i pilastri di un sistema che, seppur efficiente, nascondeva sotto la superficie una certa disumanità.

Il film è anche eccezionale nel suo approccio al personaggio di Boo, la piccola bambina che diventa, senza volerlo, il motore di questa rivoluzione. La sua innocenza e la sua mancanza di paura sono il cuore pulsante del cambiamento che investe Mostropoli. L’affetto che Sulley sviluppa per lei è palpabile e toccante, un legame che sfida le convenzioni del mondo in cui vive, dove i mostri hanno paura degli esseri umani. Questa scoperta dell’amore incondizionato e della protezione è uno degli elementi più potenti del film.

Il successo di Monsters & Co. non è stato solo di critica, ma anche di pubblico, tanto da guadagnarsi una nomination agli Oscar per il miglior film d’animazione (poi vinto da Shrek), e una statuetta per la migliore canzone, If I Didn’t Have You di Randy Newman. La pellicola ha continuato a influenzare il mondo dell’animazione, consolidando la Pixar come una delle case di produzione più innovative e coraggiose, capace di trattare temi complessi con un linguaggio semplice ma non banale.

A vent’anni di distanza, è difficile non vedere Monsters & Co. come un’opera che ha ridefinito l’animazione. Non solo come un intrattenimento per famiglie, ma come una riflessione profonda sui temi dell’industria, del consumo, delle emozioni e dei legami umani. Oggi, il film non è solo un ricordo nostalgico per chi lo ha visto al cinema nel 2001, ma anche un modello di storytelling, visione artistica e ingegno che continua a influenzare ogni nuova generazione di cineasti e spettatori.