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Kraken Mare: il manga sci-fi che riscrive il mito del Kraken tra buchi neri e fine dell’umanità

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Kraken Mare non è soltanto uno dei titoli più intriganti tra le novità manga in arrivo a marzo per Star Comics, ma anche una di quelle opere che ti restano addosso come l’eco di un mito antico riletto con occhi futuristici. Una storia che profuma di fantascienza dura e pura, ma che affonda le mani nelle leggende primordiali, quelle che parlano di dèi, mostri e dell’arroganza umana pronta a sfidare l’ignoto pur di sopravvivere… o di dominare.

L’ambientazione è una di quelle che fanno subito scattare l’immaginazione: anno 4922. L’umanità è ridotta a un’ombra di ciò che era, spazzata via quasi del tutto da un evento catastrofico che ha il sapore della punizione cosmica. Durante un’operazione di estrazione mineraria in un buco nero, alla disperata ricerca di risorse rare, qualcosa si risveglia. Non una semplice creatura, ma il Kraken, un’entità primordiale che sembra incarnare la collera dell’universo stesso. Il risultato è un massacro senza precedenti: il 99,9% della popolazione umana viene cancellato. Una cicatrice indelebile nella storia della specie.

Dopo quella tragedia, l’estrazione dai buchi neri viene vietata. Troppo grande il rischio, troppo alto il prezzo già pagato. Eppure, come spesso accade nelle grandi narrazioni sci-fi, il divieto non basta a spegnere l’avidità. Se da un lato nasce una vera e propria venerazione del Kraken, visto come una divinità a cui rivolgere preghiere e speranze di salvezza, dall’altro c’è chi continua a spingersi oltre il limite, sfruttando ancora i buchi neri per recuperare quelle risorse che potrebbero garantire potere, sopravvivenza o supremazia. È in questa frattura morale che Kraken Mare trova la sua forza narrativa più profonda.

Il manga nasce sulle pagine di Afternoon, storica rivista di Kodansha che negli anni ha ospitato opere capaci di lasciare il segno, e già questo è un biglietto da visita importante. Alla sceneggiatura troviamo Guillaume Dorison, autore francese conosciuto anche con il nome d’arte IZU, mentre ai disegni c’è Massimo Dall’Oglio, in arte Hagane, fumettista cagliaritano che rappresenta un caso sempre più raro e prezioso: un artista italiano impegnato in maniera seriale nel mercato giapponese. Un incontro creativo che fonde sensibilità diverse, europee e nipponiche, dando vita a un’epopea che sembra sospesa fuori dal tempo.

La cosa affascinante di Kraken Mare è proprio questa capacità di riscrivere il mito del Kraken senza limitarlo a una semplice trasposizione futuristica. Qui il mostro non è soltanto una minaccia fisica, ma diventa simbolo, diventa giudice, diventa specchio delle scelte dell’umanità. Il racconto si muove tra fantascienza cosmica, riflessione filosofica e tensione epica, costruendo un mondo in cui ogni decisione ha un peso enorme e in cui il confine tra fede, scienza e follia è sempre più sottile.

Visivamente, le tavole di Dall’Oglio colpiscono per la loro potenza e per un senso della scala che rende tangibile l’orrore e la magnificenza del Kraken. Spazi cosmici, tecnologia estrema, corpi minuscoli di fronte a forze inconcepibili: tutto concorre a creare una sensazione di costante precarietà. Non è un caso se le tavole originali di Kraken Mare sono state esposte al Lazzaretto di Cagliari, all’interno della mostra dedicata a Corrado Mastantuono ed Elia Bonetti, in un dialogo ideale tra tradizione del fumetto italiano e nuove frontiere del manga internazionale. Accanto a queste, trovano spazio anche lavori realizzati dall’autore per il mercato italiano, inclusi quelli legati a Dragonero, a dimostrazione di una versatilità rara.

Il percorso di Massimo Dall’Oglio è di quelli che fanno sognare chi ama il fumetto e non vuole accettare confini geografici come limiti creativi. Dalla Sardegna al Giappone, passando per masterclass con mangaka di fama internazionale e riconoscimenti importanti come il Grand Prix Runner Up al Silent Manga Audition organizzato da Coamix, la casa editrice legata a titoli leggendari come Ken il Guerriero. Tutto questo si riflette in Kraken Mare, che non sembra mai un’opera “ospite” sulle pagine di una rivista giapponese, ma un manga pienamente consapevole del proprio linguaggio.

L’arrivo di Kraken Mare tra le novità di marzo di Star Comics rende finalmente accessibile anche al pubblico italiano questa saga fantascientifica intensa, cupa e stratificata. Un manga che parla di mostri e buchi neri, sì, ma soprattutto di umanità, di errori irreversibili e di quella pulsione autodistruttiva che spinge sempre a spingersi un passo oltre il consentito. È una lettura che non si limita a intrattenere, ma invita a fermarsi, a riflettere, a interrogarsi su cosa saremmo disposti a sacrificare pur di sopravvivere.

Ora la palla passa alla community. Kraken Mare vi intriga per il suo lato più mitologico o per la sua anima sci-fi estrema? Vi affascina l’idea di un autore italiano che conquista il Giappone parlando il linguaggio del manga con una voce personale? Raccontiamocelo nei commenti, perché storie come questa meritano di essere discusse, amate e messe alla prova dell’immaginario nerd collettivo.

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Vinland Saga: il manga che trasforma la furia vichinga in un viaggio di redenzione

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Parlare di Vinland Saga significa affrontare uno dei viaggi narrativi più intensi, maturi e sorprendenti che il manga contemporaneo abbia mai regalato ai lettori. Un’opera che parte come racconto di spade, vendetta e sangue, per poi trasformarsi lentamente in una riflessione dolorosa e potentissima sul significato stesso della violenza, della libertà e della redenzione. Chi lo ha letto lo sa bene: Vinland Saga non è solo una storia sui vichinghi, ma un’esperienza che ti resta addosso, che cresce insieme a te e che ti costringe a rimettere in discussione certezze che pensavi scolpite nella pietra.

Firmato da Makoto Yukimura, Vinland Saga debutta nel 2005 e si inserisce subito in una zona di confine affascinante. Da una parte l’epica nordica, le saghe islandesi, l’immaginario dei drakkar che fendono i mari gelidi e dei guerrieri che vivono e muoiono con l’ascia in mano. Dall’altra una sensibilità moderna, quasi filosofica, che guarda a quel mondo con occhio critico e profondamente umano. Yukimura prende l’XI secolo europeo, lo sporca di fango, neve e sangue, e lo trasforma in uno specchio in cui rifletterci.

La storia inizia in Islanda, seguendo l’infanzia di Thorfinn, un bambino che cresce ascoltando i racconti di Vinland, terra leggendaria narrata da Leif Erikson, simbolo di un altrove possibile, lontano dalla guerra e dalla schiavitù. Accanto a lui c’è il padre Thors, ex guerriero dei Jomsvichinghi che ha scelto di abbandonare la spada per una vita pacifica. Ed è proprio qui che Vinland Saga mostra subito il suo vero volto: la pace non è data per scontata, è una conquista fragile, sempre minacciata da un mondo che vive di conquista e dominio.

Quando Thors viene trascinato di nuovo nel vortice della guerra e tradito, la tragedia si abbatte su Thorfinn come una frattura irreparabile. La sua infanzia si spezza, lasciando spazio a un’ossessione che diventa motore narrativo: la vendetta contro Askeladd. Yukimura costruisce con estrema lucidità questo arco iniziale, mostrando la trasformazione di Thorfinn in un guerriero abilissimo ma vuoto, consumato dall’odio. Ogni battaglia, ogni duello, ogni cadavere lasciato alle spalle non colma il vuoto, lo allarga.

Askeladd, antagonista solo in apparenza, è uno dei personaggi più riusciti dell’intero manga. Cinico, intelligente, spietato ma anche incredibilmente complesso, incarna un mondo che sopravvive adattandosi, tradendo, manipolando. Il rapporto tra lui e Thorfinn è una danza tossica fatta di dipendenza e frustrazione, e rappresenta uno dei punti più alti della scrittura di Vinland Saga. Quando la storia si sposta in Inghilterra e incrocia il cammino del principe Canuto, il manga compie un salto ulteriore, ampliando il discorso dal personale al politico.

Canuto è l’altra grande metamorfosi dell’opera. Da ragazzo fragile e spaventato diventa una figura carismatica e spietata, convinta che solo attraverso il potere assoluto sia possibile creare un mondo giusto. La sua visione, influenzata dalla fede cristiana e dalle atrocità a cui assiste, si scontra frontalmente con quella di Thors e, più avanti, con quella che Thorfinn tenterà faticosamente di costruire. Yukimura non offre mai risposte facili: ogni scelta ha un prezzo, ogni ideale è macchiato di sangue.

La svolta arriva quando Thorfinn perde il suo scopo. Con la morte di Askeladd, la vendetta non è più possibile e il protagonista si ritrova svuotato, ridotto in schiavitù. È nella fattoria di Ketil, lavorando la terra insieme a Einar, che Vinland Saga cambia pelle in modo definitivo. Qui il manga rallenta, respira, osserva. Il lavoro manuale, la fatica quotidiana, la nascita di legami autentici diventano strumenti di rinascita. Thorfinn scopre per la prima volta cosa significa vivere senza uccidere, senza odiare, senza dover dimostrare la propria forza.

Questa parte della saga ha diviso i lettori, e proprio per questo è fondamentale. Vinland Saga smette di essere un manga di guerra per diventare un racconto sulla pace, sul senso di colpa, sulla possibilità di cambiare. Thorfinn non cerca più un nemico da abbattere, ma un luogo da costruire. Vinland, da mito raccontato da bambino, si trasforma in progetto concreto: fondare una terra senza schiavi, senza guerre, senza padroni.

Dal punto di vista editoriale, il percorso dell’opera riflette questa maturazione. Nato sulle pagine di Weekly Shōnen Magazine, Vinland Saga viene poi spostato su Afternoon, rivista seinen di Kōdansha, trovando lo spazio ideale per sviluppare temi più adulti e complessi. Una scelta che si rivela vincente, permettendo a Yukimura di prendersi i suoi tempi e di portare avanti una narrazione stratificata, mai banale. La serie si conclude nel 2025, dopo vent’anni di pubblicazione, lasciando la sensazione di aver assistito a qualcosa di raro.

I riconoscimenti arrivano puntuali, ma sembrano quasi secondari rispetto all’impatto emotivo lasciato sui lettori. Vinland Saga viene celebrato per la sua qualità artistica, per la profondità dei personaggi e per il coraggio di cambiare direzione quando sarebbe stato più facile restare ancorati a una formula vincente. In Italia l’opera arriva grazie a Star Comics, diventando nel tempo un punto di riferimento per chi cerca nel manga qualcosa di più di una semplice fuga dalla realtà.

Rileggere Vinland Saga oggi significa affrontare una storia che parla di noi, delle nostre ossessioni, delle nostre eredità emotive, della difficoltà di spezzare il ciclo della violenza. È un manga che cresce insieme a chi lo legge, che ti prende quando cerchi l’epica e ti sorprende quando ti costringe a guardare dentro. E forse è proprio questo il suo lascito più grande: ricordarci che la vera forza non sta nel colpire più duro, ma nel trovare il coraggio di cambiare strada.

Ora la parola passa a voi, community di CorriereNerd. Vinland Saga vi ha fatto arrabbiare, emozionare, riflettere? Avete amato il suo cambio di ritmo o vi ha spiazzato? Raccontiamocelo, perché certe saghe non finiscono con l’ultima pagina: continuano ogni volta che ne parliamo insieme.

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Tra sabbia, sangue e anime immortali: “La Tomba del Faraone” di Keiko Takemiya, il manga storico che risveglia l’anima dell’Antico Egitto

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Quando ho aperto il cofanetto de La Tomba del Faraone, edito da J-POP Manga, mi è sembrato di far scattare un meccanismo antico, come se avessi sfiorato una leva nascosta sotto la sabbia del deserto egizio. Il profumo delle pagine, la luce che accarezzava i frontespizi dorati, e quella promessa sottile racchiusa tra le tavole: stai per entrare in un altro tempo. E credetemi, ci sono entrata anima e cuore. Questo non è solo un manga, è un portale narrativo, una macchina del tempo che ci trasporta in un Egitto crepuscolare, scolpito nel mito e nella tragedia, in un’epopea che gronda sangue, sabbia e passione.

La Tomba del Faraone è un’opera maestosa di Keiko Takemiya, nome che ogni otaku con un minimo di consapevolezza storica del manga dovrebbe pronunciare con la stessa devozione con cui si nomina Osamu Tezuka o Riyoko Ikeda. Takemiya, sì, proprio lei, la madre de Il poema del vento e degli alberi, quel manga rivoluzionario che ha cambiato per sempre lo shōjo e aperto le porte al Boy’s Love, quando ancora il termine nemmeno esisteva. Ma prima del poema, prima della tempesta che avrebbe scosso il manga anni ’70, c’è stato questo gioiello dimenticato: Pharaoh no Haka, finalmente arrivato in Italia in un’edizione che è un regalo per chi ama la cultura pop giapponese, ma ha anche un debole per la storia antica, le tragedie epiche e i drammi interiori laceranti.

La trama è un affresco carico di tensione e simbolismo. Siamo nel momento in cui l’unificazione dell’antico Egitto inizia a sgretolarsi. Il regno pacifico e colto di Esteria viene travolto dalla forza brutale di Urjna, guidato dal faraone Sneferu, personaggio ambiguo, crudele, affascinante, quasi un incrocio tra Ramses e un villain shakespeaeriano. In mezzo a questa disfatta, nasce la figura di Sariokis, principe dal volto angelico e dallo spirito indomito, che dopo la caduta del suo regno si ritrova schiavo, fuggitivo, ribelle, icona. Diventa il Falco del deserto, e con lui il manga cambia respiro, da cronaca storica a leggenda, da semplice shōjo a tragedia greca travestita da fumetto orientale.

Sariokis è uno di quei personaggi che ti entra dentro e ci resta. All’inizio quasi infastidisce, perché lo vedi piccolo, fragile, spazzato via dalla brutalità del mondo. Ma poi cresce, si spezza e si ricompone, ogni volta più forte, ogni volta più complesso. C’è qualcosa di profondamente poetico nella sua resilienza, un eroismo che nasce dalla sofferenza e non dalla forza. E quando scopri che la sua unica debolezza è la sorella Nile – dolce, misteriosa, figura femminile dallo sguardo struggente – capisci che l’amore, in questa storia, è un campo di battaglia. Un’arma. Una condanna.

Ed è proprio qui che Takemiya mostra il suo genio. L’amore non è mai puro rifugio: è tormento, è sacrificio, è una corda tesa sull’abisso. L’intero manga è attraversato da una sensualità sotterranea e pericolosa, da tensioni emotive che ricordano le opere più intense di Yukio Mishima o i drammi di Euripide. E tutto questo, signori miei, in un manga pensato per ragazze adolescenti. Già negli anni ’70. Siamo di fronte a un’autrice che non solo ha osato, ma ha sfidato i limiti della sua epoca, raccontando sesso, violenza, potere e manipolazione con uno sguardo crudo e al tempo stesso pieno di empatia. Lo stile si evolve man mano che le pagine socrrono tra le dita, le tavole diventano vertiginose, le inquadrature teatrali, il dolore quasi fisico. Sneferu, Kes, la madre del faraone, la figlia del visir: tutti, in un modo o nell’altro, sono travolti dall’amore o dalla brama. E quando il dramma raggiunge il suo apice, ti rendi conto che stai leggendo qualcosa che va oltre l’intrattenimento: è arte.

E l’edizione J-POP, lasciatemelo dire, è una dichiarazione d’amore. Il cofanetto è solido, elegante, quasi regale, con quei frontespizi d’oro che sembrano brillare come geroglifici alla luce del tramonto. Le pagine a colori sono rare gemme incastonate tra le ombre e i chiaroscuri del manga. È il tipo di edizione che, una volta letta, non riponi nello scaffale come le altre. Le dedichi uno spazio speciale, come si fa con le reliquie.

La Tomba del Faraone è un manga che parla a chi ama la storia, ma non quella scolastica e fredda dei manuali. Parla a chi sogna tra le dune, a chi immagina dèi crudeli e amanti dannati, a chi cerca nel manga qualcosa di più del semplice “mi piace”. È un’opera che ti scava dentro, che ti sfida a resistere al dolore dei suoi personaggi e poi ti premia con una bellezza che fa male. È, semplicemente, un’opera d’arte.

E ora, ditemi: voi conoscevate questo titolo? Avevate mai sentito parlare di Pharaoh no Haka prima che J-POP lo riportasse alla luce come un tesoro sepolto? Vi affascina l’antico Egitto tanto quanto affascina me, tra alabastro, incensi e destini scolpiti nella pietra?

Parliamone nei commenti qui sotto, oppure condividete questo articolo sui vostri social e fatelo leggere a quell’amico o amica che colleziona cofanetti manga come se fossero papiri sacri. Perché La Tomba del Faraone non è solo un manga da leggere: è un’esperienza da vivere, da custodire e – perché no – da tramandare.

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Dragon Ball: i primi 40 anni di Goku

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Nel vasto universo nerd, ci sono opere che segnano un’epoca e poi ci sono quelle che diventano immortali. Dragon Ball è una di queste. Il 20 novembre 1984, sulle pagine della rivista Weekly Shōnen Jump, faceva il suo esordio un manga destinato a riscrivere le regole dell’intrattenimento mondiale. Oggi, a quarant’anni di distanza, Dragon Ball non è solo un fumetto, ma un patrimonio culturale condiviso da milioni di persone. Un mito moderno che ha saputo attraversare generazioni, trasformandosi in un linguaggio universale fatto di trasformazioni, colpi segreti e legami indissolubili.

Eppure tutto è iniziato quasi per caso, o meglio, con una scintilla d’ispirazione che univa le acrobazie spettacolari dei film di Jackie Chan e la spiritualità epica del romanzo cinese Il viaggio in Occidente. Akira Toriyama, già celebre per il folle e divertente Dr. Slump, voleva cambiare registro. Cercava qualcosa di nuovo, qualcosa che unisse l’umorismo a un senso dell’avventura più profondo. E lo trovò immaginando un bambino con la coda di scimmia, ingenuo e potentissimo, che corre per il mondo alla ricerca delle misteriose Sfere del Drago.

Goku, Jackie Chan e il Re delle Hawaii

Chi conosce bene Toriyama sa quanto fosse attratto dal cinema d’azione orientale, ma anche da quella leggerezza buffa che solo Jackie Chan sapeva portare sullo schermo. Non è un caso che l’anima di Dragon Ball sia così sorprendentemente comica, almeno all’inizio. Goku, con la sua innocenza spiazzante e la forza sovrumana, era il perfetto erede spirituale di Sun Wukong, il Re Scimmia del romanzo cinese, ma aggiornato con un tocco di slapstick e di follia alla Toriyama. La formula funzionava: arti marziali, umorismo demenziale, mistero e un pizzico di magia orientale.

E poi c’è quel nome mitico, Kamehameha, l’attacco simbolo dell’intera saga. Un colpo che ogni nerd ha provato almeno una volta a lanciare davanti allo specchio, urlando con tutta l’aria nei polmoni. Pochi sanno che fu proprio la moglie di Toriyama a suggerirlo, ispirandosi al primo sovrano delle Hawaii. Un nome che fonde “kame” (tartaruga), “ha” (onda) e “hametsu” (distruzione), diventando così un piccolo poema geek, un urlo di battaglia con dentro la filosofia della serie.

Dalla carta al mito globale

Il successo del manga fu immediato e crescente. Per oltre dieci anni, Toriyama disegnò instancabilmente la storia di Goku e dei suoi amici, portando avanti un’opera che avrebbe raggiunto quota 519 capitoli raccolti in 42 volumi. Ma il vero miracolo fu la trasformazione di Dragon Ball da semplice fumetto a mito globale. Nel 2002 arrivò l’edizione kanzenban, con una grafica raffinata e un finale rivisitato, seguita dalla Full Color Edition tra il 2013 e il 2016. Ogni nuova pubblicazione era un successo assicurato, segno che il cuore dei fan batteva ancora per quelle pagine.

E se in Giappone Dragon Ball era già una leggenda, l’espansione mondiale fu qualcosa di straordinario. Negli Stati Uniti, Viz Media lo pubblicò a partire dal 1998, scegliendo di chiamare Dragon Ball Z i volumi dalla seconda parte per cavalcare l’onda dell’anime. Non mancarono le polemiche per alcune censure, ma i fan fecero sentire la loro voce: una petizione con oltre 10.000 firme riportò il manga alla sua versione originale. Anche l’Europa fu conquistata: Spagna, Francia, Germania, Regno Unito, Svezia, Italia… ogni paese abbracciò Goku a modo suo.

In Italia, l’arrivo di Dragon Ball negli anni ’90 fu un evento. Grazie a Star Comics, i lettori italiani scoprirono per la prima volta un manga nella sua forma originale, con impaginazione alla giapponese e un’avventura che profumava di esotico e di futuro. Edizioni su edizioni si sono susseguite: dalla Deluxe alla Perfect Edition, dalla Evergreen alla versione Full Color, passando persino per un’iniziativa con La Gazzetta dello Sport e Corriere della Sera. Ogni nuova edizione era un’occasione per riscoprire la saga, magari con occhi nuovi, magari con un figlio accanto.

L’evoluzione di un’epopea: da avventura comica a saga cosmica

All’inizio era tutto molto semplice. Un ragazzino e una ragazza in cerca di sfere magiche. Poi arrivarono i tornei, i nemici sempre più potenti, le trasformazioni inaspettate. Dragon Ball si trasformò da avventura scanzonata a vera epopea, toccando temi profondi come il sacrificio, l’amicizia, la perseveranza. La leggerezza iniziale lasciò spazio a una narrazione più intensa, ma senza mai perdere quella scintilla infantile e sognante che la rendeva unica.

Goku, in fondo, è il perfetto archetipo dell’eroe shōnen: parte da zero, cresce, sbaglia, si rialza, supera i limiti. È un guerriero, ma prima di tutto è un ragazzo curioso, sempre pronto a mettersi alla prova. E con lui crescono anche gli altri: Vegeta, l’antagonista diventato alleato, è forse il personaggio più amato per complessità e evoluzione. Ma l’intero cast di Dragon Ball è indimenticabile: da Piccolo a Gohan, da Trunks a Bulma, ogni personaggio ha un cuore pulsante e una storia che merita di essere raccontata.

Una rivoluzione chiamata Battle Shōnen

Prima di Dragon Ball, il mondo dei manga per ragazzi era molto diverso. Toriyama ha creato un modello che ha ispirato intere generazioni di autori. Naruto, One Piece, Bleach, My Hero Academia: tutti devono qualcosa a Goku. Il concetto di power-up, la progressione dei livelli di potere, le trasformazioni fisiche e spirituali, sono tutti marchi di fabbrica introdotti (o perfezionati) da Dragon Ball. E quando nel 1991 Goku si trasformò per la prima volta in Super Saiyan, il mondo nerd trattenne il fiato: da quel momento, nulla sarebbe stato più lo stesso.

Un impatto culturale epocale

Dragon Ball non è solo un’opera di fiction: è una lente attraverso cui guardare l’evoluzione dell’intrattenimento pop. È citato in film come Matrix e Fight Club, è presente in meme, parodie, videogiochi, canzoni e persino in momenti sportivi. Rafael Nadal, ad esempio, ha confessato di amare Dragon Ball fin da bambino, e chi tra noi non ha mai voluto scagliare una Kamehameha in una giornata no?

Curiosità? Ce ne sono a bizzeffe. Come quella sulla decisione di rendere biondi i Super Saiyan solo per risparmiare tempo in fase di inchiostrazione. O la quantità di gadget che oggi fa impallidire anche i collezionisti più accaniti: da action figure ultra dettagliate a set LEGO, da lampade Shenron a repliche delle Sfere del Drago.

Il futuro del mito: Daima e oltre

Il 2024 non è solo l’anno dei 40 anni di Dragon Ball, ma anche l’anno in cui arriva Dragon Ball Daima, una nuova serie che riporta Goku e compagni a un aspetto più infantile ma con un tono decisamente misterioso. È la conferma che il mondo di Toriyama è ancora vivo, pulsante, pronto a reinventarsi pur rimanendo fedele alla sua anima. E anche se il maestro Toriyama ci ha lasciati nel marzo del 2024, il suo spirito vive in ogni pagina, in ogni trasformazione, in ogni “HA!” lanciato con gli occhi chiusi e le mani congiunte.

Quarant’anni dopo quel fatidico 20 novembre 1984, Dragon Ball è ancora qui. Non come reliquia da museo, ma come presenza attiva nella vita di milioni di fan. È un racconto che ci ha insegnato a credere nei nostri sogni, a non mollare mai, a superare i nostri limiti. E che ci ricorda, ogni volta che rivediamo quel primo scontro con Radish o la battaglia su Namecc, che siamo parte di qualcosa di più grande.

Dragon Ball è leggenda, è infanzia, è risate, pianti e adrenalina. È quel momento in cui un’intera generazione – e tutte quelle che seguiranno – si ritrova unita sotto il cielo, pronta a lanciare la propria personale Kamehameha. E voi? Qual è il vostro momento preferito? Raccontatelo nei commenti e condividete l’articolo sui vostri social… perché anche oggi, dopo quarant’anni, l’onda energetica non si ferma.