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“Blue Giant Explorer”: il nuovo viaggio del sassofonista Dai Miyamoto sbarca in Italia grazie a J-POP Manga

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Preparate i vostri cuori, affilate le vostre orecchie e mettete il vostro spirito d’avventura in modalità “on the road”, perché Dai Miyamoto è tornato. Il ragazzo dal talento sfrenato e dal sax incandescente è pronto a riprendere il suo cammino – o meglio, il suo assolo – in Blue Giant Explorer, il terzo attesissimo arco narrativo del manga cult firmato da Shinichi Ishizuka e Number 8, in arrivo in Italia grazie a J-POP Manga.

E questa volta, il palco non è più Tokyo né Monaco di Baviera. Dai si prepara a calcare il suolo sacro dove tutto è iniziato: gli Stati Uniti d’America, patria indiscussa del jazz, culla di leggende e melodie immortali. Un nuovo mondo da esplorare, un nuovo livello da conquistare, in quello che si annuncia come il capitolo più ambizioso, travolgente ed emozionante dell’intera saga.

Dai Miyamoto: dal Giappone al cuore pulsante del jazz

Chi ha seguito Dai fin dagli esordi sa bene che questo non è solo un viaggio musicale. Dai non è semplicemente un ragazzo che vuole suonare bene: è un artista con una missione. Armato solo del suo sax tenore e di un cuore pieno di sogni, Dai ha già lasciato un segno nella scena jazz giapponese e europea. Ma ora, dopo aver preso la patente (che, nel suo caso, è più che un banale permesso di guida: è un lasciapassare simbolico verso la libertà), salta su un volo per Seattle con un unico obiettivo: attraversare gli States da costa a costa, suonare in ogni città, incontrare nuove anime, nuove voci, nuovi silenzi. E, nel frattempo, forgiare una musica nuova, un suono che parli davvero di lui.

C’è qualcosa di profondamente epico in questo nuovo inizio. Blue Giant Explorer non si limita a raccontare un altro capitolo della vita di un sassofonista in erba. È un vero e proprio road trip esistenziale, un racconto di formazione che unisce la tensione verso il successo artistico alla scoperta delle proprie radici interiori. Dai non è più un ragazzo alla ricerca di un palco, è un uomo che vuole dialogare con l’anima stessa del jazz.

Il cuore del jazz batte a stelle e strisce

Negli Stati Uniti, Dai si muove come un pellegrino, attraversando un territorio immenso e multiforme, in cui ogni città ha un ritmo, un suono, un passato musicale unico. Dal blues infuocato del Sud alle jam session improvvisate nei locali underground di New York, Blue Giant Explorer promette di portarci in un tour che è un omaggio sentito alla storia del jazz, ma anche una sfida culturale per il protagonista. Qui, Dai non potrà più contare solo sul talento: dovrà ascoltare, capire, assorbire, trasformare.

La sua non sarà una semplice visita turistica nei luoghi simbolici del jazz, ma un vero battesimo del fuoco. Con Yukinori – il compagno di mille battaglie nei JASS – che si aggira anch’esso in terra americana, i legami passati torneranno a suonare nuove armonie (o a creare nuovi contrasti). In questo contesto, la musica diventa un linguaggio universale, una forma di comunicazione che unisce anime, racconta storie, supera confini.

Un manga che suona come un concerto dal vivo

Ciò che rende Blue Giant così speciale – e così diverso da qualunque altro manga – è la sua capacità di “suonare” sulla carta. Le tavole di Ishizuka, con il loro tratto dinamico e vibrante, sembrano pulsare al ritmo del jazz. È quasi come se il lettore potesse sentire le note che Dai soffia nel suo sax. E anche in Explorer, questa magia visiva ed emotiva non viene meno, anzi: si intensifica. Ogni città visitata, ogni incontro fatto lungo la strada, ogni difficoltà affrontata, diventa un crescendo narrativo che trascina chi legge in un turbine di emozioni.

E non stupisce che la serie sia stata acclamata in Giappone e all’estero, conquistando premi prestigiosi come il 62º Premio Shōgakukan e il 20° Japan Media Arts Festival Award. O che il suo adattamento cinematografico – tratto dal primo arco narrativo – abbia ricevuto una nomination agli Oscar 2024, grazie anche alla colonna sonora della straordinaria Hiromi Uehara. Blue Giant non è solo un manga: è un’esperienza sensoriale a tutto tondo, un’ode alla musica, al sacrificio, alla determinazione.

L’edizione italiana: una sinfonia Deluxe

J-POP Manga ha deciso di rendere giustizia a questa nuova avventura con un’edizione italiana davvero da collezione. Blue Giant Explorer arriverà in formato Deluxe, in quattro volumi che raccoglieranno i nove originali giapponesi, nel pratico formato 15×21 cm. Il primo volume sarà disponibile dal 4 luglio in tutte le librerie, fumetterie e store online, con in allegato un bellissimo poster pieghevole a colori, perfetto da appendere accanto alla vostra collezione di vinili jazz (o di manga, ovviamente).

Questa è un’occasione imperdibile per i fan storici della serie, ma anche per chi non conosce ancora il mondo di Blue Giant e vuole immergersi in una storia profonda, ispirante e potente. Non serve essere esperti di musica o amanti del jazz per lasciarsi conquistare da Dai Miyamoto. Basta avere un sogno, sapere cosa significa lottare per qualcosa in cui si crede davvero, anche quando tutto sembra impossibile.

Dai Miyamoto, specchio di chi non smette mai di sognare

Blue Giant Explorer ci ricorda che la vera grandezza non sta nel talento puro, ma nella capacità di mettersi in gioco, giorno dopo giorno. Dai è uno di noi, un outsider che insegue una visione e non si arrende mai. È il nerd della musica, il guerriero del pentagramma, l’avventuriero che non cerca gloria, ma verità.

E allora, che siate appassionati di manga, cultori del jazz o semplicemente in cerca di una storia che vi tocchi nel profondo, non perdete l’occasione di farvi coinvolgere da questa nuova sinfonia a fumetti. Blue Giant Explorer non è solo un titolo: è una chiamata all’avventura, alla scoperta di sé, al coraggio di suonare la propria melodia anche quando il mondo sembra stonato.

Il volume uno vi aspetta dal 4 luglio. Il palco è pronto, le luci si abbassano… e Dai è pronto a suonare per tutti noi.

E voi? Avete già letto Blue Giant? Cosa ne pensate dell’arrivo di Explorer? Condividete la vostra opinione sui social con l’hashtag #BlueGiantExplorer e raccontateci quale musica accompagna il vostro viaggio nella vita!

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Tra sabbia, sangue e anime immortali: “La Tomba del Faraone” di Keiko Takemiya, il manga storico che risveglia l’anima dell’Antico Egitto

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Quando ho aperto il cofanetto de La Tomba del Faraone, edito da J-POP Manga, mi è sembrato di far scattare un meccanismo antico, come se avessi sfiorato una leva nascosta sotto la sabbia del deserto egizio. Il profumo delle pagine, la luce che accarezzava i frontespizi dorati, e quella promessa sottile racchiusa tra le tavole: stai per entrare in un altro tempo. E credetemi, ci sono entrata anima e cuore. Questo non è solo un manga, è un portale narrativo, una macchina del tempo che ci trasporta in un Egitto crepuscolare, scolpito nel mito e nella tragedia, in un’epopea che gronda sangue, sabbia e passione.

La Tomba del Faraone è un’opera maestosa di Keiko Takemiya, nome che ogni otaku con un minimo di consapevolezza storica del manga dovrebbe pronunciare con la stessa devozione con cui si nomina Osamu Tezuka o Riyoko Ikeda. Takemiya, sì, proprio lei, la madre de Il poema del vento e degli alberi, quel manga rivoluzionario che ha cambiato per sempre lo shōjo e aperto le porte al Boy’s Love, quando ancora il termine nemmeno esisteva. Ma prima del poema, prima della tempesta che avrebbe scosso il manga anni ’70, c’è stato questo gioiello dimenticato: Pharaoh no Haka, finalmente arrivato in Italia in un’edizione che è un regalo per chi ama la cultura pop giapponese, ma ha anche un debole per la storia antica, le tragedie epiche e i drammi interiori laceranti.

La trama è un affresco carico di tensione e simbolismo. Siamo nel momento in cui l’unificazione dell’antico Egitto inizia a sgretolarsi. Il regno pacifico e colto di Esteria viene travolto dalla forza brutale di Urjna, guidato dal faraone Sneferu, personaggio ambiguo, crudele, affascinante, quasi un incrocio tra Ramses e un villain shakespeaeriano. In mezzo a questa disfatta, nasce la figura di Sariokis, principe dal volto angelico e dallo spirito indomito, che dopo la caduta del suo regno si ritrova schiavo, fuggitivo, ribelle, icona. Diventa il Falco del deserto, e con lui il manga cambia respiro, da cronaca storica a leggenda, da semplice shōjo a tragedia greca travestita da fumetto orientale.

Sariokis è uno di quei personaggi che ti entra dentro e ci resta. All’inizio quasi infastidisce, perché lo vedi piccolo, fragile, spazzato via dalla brutalità del mondo. Ma poi cresce, si spezza e si ricompone, ogni volta più forte, ogni volta più complesso. C’è qualcosa di profondamente poetico nella sua resilienza, un eroismo che nasce dalla sofferenza e non dalla forza. E quando scopri che la sua unica debolezza è la sorella Nile – dolce, misteriosa, figura femminile dallo sguardo struggente – capisci che l’amore, in questa storia, è un campo di battaglia. Un’arma. Una condanna.

Ed è proprio qui che Takemiya mostra il suo genio. L’amore non è mai puro rifugio: è tormento, è sacrificio, è una corda tesa sull’abisso. L’intero manga è attraversato da una sensualità sotterranea e pericolosa, da tensioni emotive che ricordano le opere più intense di Yukio Mishima o i drammi di Euripide. E tutto questo, signori miei, in un manga pensato per ragazze adolescenti. Già negli anni ’70. Siamo di fronte a un’autrice che non solo ha osato, ma ha sfidato i limiti della sua epoca, raccontando sesso, violenza, potere e manipolazione con uno sguardo crudo e al tempo stesso pieno di empatia. Lo stile si evolve man mano che le pagine socrrono tra le dita, le tavole diventano vertiginose, le inquadrature teatrali, il dolore quasi fisico. Sneferu, Kes, la madre del faraone, la figlia del visir: tutti, in un modo o nell’altro, sono travolti dall’amore o dalla brama. E quando il dramma raggiunge il suo apice, ti rendi conto che stai leggendo qualcosa che va oltre l’intrattenimento: è arte.

E l’edizione J-POP, lasciatemelo dire, è una dichiarazione d’amore. Il cofanetto è solido, elegante, quasi regale, con quei frontespizi d’oro che sembrano brillare come geroglifici alla luce del tramonto. Le pagine a colori sono rare gemme incastonate tra le ombre e i chiaroscuri del manga. È il tipo di edizione che, una volta letta, non riponi nello scaffale come le altre. Le dedichi uno spazio speciale, come si fa con le reliquie.

La Tomba del Faraone è un manga che parla a chi ama la storia, ma non quella scolastica e fredda dei manuali. Parla a chi sogna tra le dune, a chi immagina dèi crudeli e amanti dannati, a chi cerca nel manga qualcosa di più del semplice “mi piace”. È un’opera che ti scava dentro, che ti sfida a resistere al dolore dei suoi personaggi e poi ti premia con una bellezza che fa male. È, semplicemente, un’opera d’arte.

E ora, ditemi: voi conoscevate questo titolo? Avevate mai sentito parlare di Pharaoh no Haka prima che J-POP lo riportasse alla luce come un tesoro sepolto? Vi affascina l’antico Egitto tanto quanto affascina me, tra alabastro, incensi e destini scolpiti nella pietra?

Parliamone nei commenti qui sotto, oppure condividete questo articolo sui vostri social e fatelo leggere a quell’amico o amica che colleziona cofanetti manga come se fossero papiri sacri. Perché La Tomba del Faraone non è solo un manga da leggere: è un’esperienza da vivere, da custodire e – perché no – da tramandare.

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Re Cervin: un manga Dark Fantasy tra Memoria e Speranza di Kosuke Hamada

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Nel vasto e suggestivo panorama del manga giapponese, ogni tanto spunta un’opera che non solo intrattiene, ma affonda le sue radici nel profondo del cuore umano, scavando nella memoria, nel dolore, nel bisogno disperato di aggrapparsi alla speranza quando tutto sembra perduto. È questo il caso di Re Cervin, il nuovo manga dark fantasy scritto e disegnato da Kōsuke Hamada, approdato in Italia grazie a Edizioni Star Comics. Il primo volume, disponibile in formato cartaceo e digitale, è un vero e proprio viaggio emotivo attraverso un mondo lacerato, visivamente potente e narrativamente travolgente, che promette di lasciare un’impronta indelebile nel cuore di chi saprà farsi travolgere.

L’opera si apre con una scena carica di pathos e simbolismo: il regno di Hellenthal, messo in ginocchio dall’invasione dell’Impero di Iria, è sull’orlo del collasso. Una minaccia ancor più antica e devastante – un drago risvegliato dalla guerra – incombe, e la giovane principessa Arsinoe, in un gesto estremo, stringe un patto con una divinità dal nome evocativo e terribile: Sent Fauna, “la forsennata che divora i ricordi”. In cambio della salvezza, Arsinoe sacrifica ciò che ha di più prezioso e intimo: i ricordi legati a suo padre. Questo atto disperato e solenne non è solo un sacrificio, ma un atto d’amore, di rinuncia, e l’inizio di una nuova e tormentata rinascita.

Un mese dopo, Arsinoe si risveglia in un villaggio lontano, smarrita, senza memoria di chi fosse suo padre. Qui incontra un uomo enigmatico che sostiene di essere proprio lui: Re Cervin. Ed è da questo momento che l’opera decolla, trasformandosi in un racconto di riscoperta, di legami spezzati e ricostruiti, di fiducia ritrovata e verità sepolte. Il manga non si limita a narrare una semplice avventura fantasy: Re Cervin è una storia di identità, di rapporti familiari lacerati e di tentativi struggenti di ricostruire ciò che è stato perduto.

Hamada si muove con disinvoltura e maestria all’interno del genere dark fantasy, dando vita a un mondo affascinante e crudele, dove la luce della speranza si fa largo tra le ombre di una civiltà in frantumi. I suoi disegni non sono solo funzionali alla narrazione: sono evocativi, potenti, vibranti. Ogni tavola è un’esplosione di pathos, ogni combattimento è una danza feroce tra vita e morte, resa con un dinamismo che trasmette tutta la tensione del momento. Il tratto di Hamada si muove tra la liricità e l’impeto, tratteggiando ambientazioni cariche di atmosfera e personaggi che trasudano umanità, anche quando la loro umanità è messa a dura prova.

Re Cervin riesce, forse più di molti titoli simili, a bilanciare perfettamente l’introspezione psicologica con l’epicità della narrazione. Il rapporto tra Cervin e Arsinoe è il cuore pulsante dell’opera: non è soltanto la classica relazione padre-figlia, ma diventa il simbolo stesso della fragilità della memoria e della potenza del legame affettivo che va oltre il ricordo. Arsinoe, pur non ricordando, è spinta da un sentimento indefinibile che la lega a quell’uomo, e Cervin, a sua volta, non è un re qualunque, ma un uomo ferito che tenta di recuperare non solo sua figlia, ma anche il proprio onore, la propria identità, il senso del suo regno.

È difficile non lasciarsi coinvolgere da questa storia che ha il sapore delle leggende più antiche, ma che parla con voce moderna al lettore contemporaneo. I temi universali del sacrificio, della perdita e della redenzione vengono declinati con una maturità narrativa sorprendente, capace di commuovere e al tempo stesso far riflettere. Re Cervin è un’opera che non ha paura di mostrare la sofferenza, il disfacimento, l’abisso in cui può precipitare l’animo umano, ma riesce anche a tessere, tra le sue pagine, un canto dolente e potente alla resilienza e alla speranza.

Con questo primo volume, Hamada ci regala l’incipit di una saga che promette molto di più di un’avventura fantasy: ci promette un viaggio nella profondità dell’animo umano. È un manga che va letto con attenzione, assaporato lentamente, perché ogni tavola, ogni dialogo, ogni sguardo fra i personaggi porta con sé il peso della memoria e la luce della possibilità.

In un mercato sempre più affollato, Re Cervin emerge come una perla oscura e preziosa, destinata a brillare tra i grandi del genere. Un’opera che merita di essere letta, riletta, e custodita come si fa con le storie che parlano davvero all’anima.

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La mia senpai è un ragazzo: il manga LGBTQIA+ che ha conquistato il cuore dei lettori

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J-POP Manga porta in Italia una delle opere più apprezzate degli ultimi anni, che ha conquistato lettori di tutto il mondo con la sua trama coinvolgente e la capacità di trattare temi profondi con leggerezza e sincerità. “La mia senpai è un ragazzo”, scritto da Pom, non è solo un manga originale, ma anche un’opera che esplora delicatamente le tematiche LGBTQIA+, toccando il cuore di chi ama le storie di crescita personale, accettazione di sé e amore senza pregiudizi.

Vincitore del Next Manga Award nel 2021, “La mia senpai è un ragazzo” non è semplicemente un manga romantico, ma un’opera che si inserisce perfettamente nel filone delle storie che riflettono sulla fluidità di genere e sull’importanza di essere se stessi, sfidando le aspettative sociali. Non solo il manga, ma anche la serie anime “Senpai is an Otokonoko”, disponibile in streaming su Crunchyroll, ha contribuito a far conoscere questa storia a un pubblico ancora più ampio.

Al centro della trama c’è Saki Aoi, una giovane ragazza che si ritrova a fare i conti con un sentimento difficile da spiegare. Saki è affascinata da Makoto Hanaoka, un membro del consiglio studentesco noto per la sua bellezza travolgente. Ma la ragazza teme che i suoi sentimenti non siano ricambiati. Quando finalmente trova il coraggio di dichiararsi, la sua risposta è ben lontana da quella che si aspettava: Makoto è, infatti, un “otokonoko”, un ragazzo travestito da ragazza. Ma anziché allontanarsi, Saki si avvicina ancora di più a lui, accogliendo con cuore aperto la sua identità senza giudicare.

Questa scoperta non fa che rafforzare il legame tra i due, che intraprendono un viaggio emotivo di scoperta e accettazione. La storia esplora temi come l’amore che supera i pregiudizi e il coraggio di affrontare la propria identità, anche quando la società non è pronta ad accoglierla.

Ma il manga non parla solo dell’amore tra Saki e Makoto. La vicenda di Makoto, infatti, è quella di tanti giovani che faticano ad accettarsi in un mondo che ha difficoltà a comprendere le differenze. Makoto ha sempre amato l’abbigliamento femminile, ma ha dovuto nascondere questa sua passione per paura del giudizio altrui, in particolare di sua madre. A scuola, però, riesce finalmente ad indossare ciò che gli piace e a sentirsi libero. Tuttavia, fuori dall’ambiente scolastico, si scontra con le difficoltà del mondo reale e con le aspettative di chi lo circonda.

L’incontro con Aoi rappresenta un punto di svolta per Makoto, che capisce che l’amore non ha pregiudizi e che essere sé stessi è un atto di coraggio. Aoi, infatti, non è sconvolta dalla sua identità di genere, ma al contrario, è ancora più attratta da lui. La sua sincerità e la sua mancanza di pregiudizi aiutano Makoto a superare le barriere che si era costruito, rendendogli possibile un percorso di accettazione.

In questa storia non manca un altro elemento che aggiunge profondità alla trama: il triangolo amoroso che si sviluppa con l’ingresso di Ryuji, il migliore amico di Makoto. Ryuji è da sempre innamorato di lui, e il suo sentimento nei confronti di Aoi è quello della gelosia e della paura di perdere il suo amico. Tuttavia, piuttosto che essere un ostacolo, Ryuji diventa un alleato, imparando ad accettare la relazione di Makoto con Aoi e riconoscendo l’effetto positivo che lei ha sulla vita del suo amico.

Il tratto di Pom è semplice, ma estremamente evocativo. La narrazione si concentra soprattutto sui personaggi e sui loro stati emotivi, mentre gli sfondi sono essenziali, lasciando che la luce giochi un ruolo importante nel sottolineare i momenti chiave della storia. La luce fredda accompagna i momenti di scoperta e riflessione di Makoto, mentre la luce calda evidenzia i momenti di felicità tra i protagonisti, creando un contrasto che amplifica l’intensità emotiva della storia.

“La mia senpai è un ragazzo” non è solo un manga d’amore, ma una riflessione sull’identità, sull’accettazione e sul coraggio di essere vulnerabili. L’edizione italiana, prevista per il 19 febbraio in una splendida versione a colori, è destinata a conquistare anche il pubblico italiano, pronto ad immergersi in una storia che celebra la diversità, l’inclusività e la bellezza di essere se stessi. Una lettura che, senza dubbio, lascerà il segno nel cuore di chi la intraprende.

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Takopi’s Original Sin – Il manga che ti spezzerà il cuore con un polpo alieno

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Quando ho iniziato a leggere Takopi’s Original Sin, confesso che mi aspettavo una di quelle storielle dolci, colorate, magari un po’ folli, con un tenero alieno impegnato a far sorridere gli umani con gadget assurdi e buffe espressioni. Sai, qualcosa alla Doraemon mescolato con Kirby. Invece, quello che mi sono trovato davanti è stato un vero pugno allo stomaco, un’opera di una potenza emotiva disarmante, capace di scavarti dentro come solo certi manga riescono a fare. Creato dal talentuosissimo Taizan 5 – un nome che ora non dimenticherete facilmente – Takopi’s Original Sin (Takopī no Genzai in originale giapponese) è una mini-serie pubblicata sulla piattaforma Shōnen Jump+ di Shueisha tra dicembre 2021 e marzo 2022. I sedici capitoli che la compongono sono stati poi raccolti in due volumi tankōbon, usciti rispettivamente il 4 marzo e il 4 aprile del 2022. Ed è proprio in questo arco di tempo, così breve ma così intenso, che il pubblico giapponese ha scoperto un piccolo capolavoro che non ha tardato ad arrivare anche da noi.

La storia è, almeno in apparenza, semplice. Takopi è un alieno proveniente dal pianeta Happi, un mondo dove la felicità è la missione di vita di ogni essere vivente. Sbarcato sulla Terra con i suoi “happy gadget” – dispositivi adorabili che sembrano usciti da una fiera del giocattolo intergalattico – Takopi si mette subito all’opera per portare gioia agli esseri umani. Ma come spesso accade, le buone intenzioni si scontrano con la crudezza della realtà. E il nostro piccolo eroe tentacolato fa presto i conti con qualcosa che sul suo pianeta non esiste: il dolore umano.

Il primo incontro decisivo è quello con Shizuka, una bambina silenziosa, chiusa, con lo sguardo di chi ha già visto troppo. Takopi non capisce perché quella piccola umana non riesca a sorridere. Non capisce perché venga trattata con freddezza, perché viva in un mondo così ostile. Eppure non si arrende. Ogni giorno cerca un modo per farle tornare il sorriso, ma il nostro polpo spaziale non sa che a volte la sofferenza è così radicata da non poter essere curata con un semplice gadget magico.

Ed è qui che Takopi’s Original Sin cambia tono, cambia pelle. Diventa un manga di denuncia, una storia che affonda le mani nel fango delle emozioni umane più oscure: bullismo, abusi, isolamento, depressione. Ma lo fa con una grazia e una delicatezza narrativa che solo i grandi mangaka sanno maneggiare. Takopi, nella sua ingenuità disarmante, diventa il nostro sguardo esterno sul mondo, un osservatore puro che cerca di capire cosa significhi essere umani. E, soprattutto, cosa significhi soffrire.

Ogni capitolo è un crescendo emotivo, ogni pagina un colpo al cuore. E senza spoilerare nulla – anche se vi assicuro che resistere è dura – posso dirvi che il “peccato originale” del titolo non è solo una provocazione filosofica. È una riflessione durissima su ciò che siamo disposti a fare per amore, per senso di colpa, per disperazione. Takopi dovrà affrontare scelte che metterebbero in crisi anche un adulto, e lo farà con la sua logica aliena, ingenua, che però finisce per essere più umana di quella di tanti esseri umani.

Il successo del manga è stato fulmineo ma meritato. In Giappone, Takopi’s Original Sin ha vinto l’Excellence Prize ai Japan Cartoonists Association Awards, e la sua popolarità ha travolto anche l’Occidente grazie alla pubblicazione in simultanea su Manga Plus e, più tardi, con il volume unico edito da Viz Media a novembre 2023. In Italia, i due volumi sono finalmente disponibili da aprile, e vi assicuro che sono da avere assolutamente nella vostra collezione, accanto ai classici della narrativa manga introspettiva come Solanin, A Silent Voice o Goodnight Punpun.

Quello che rende quest’opera così speciale è il suo equilibrio tra dolcezza e crudeltà. È un manga che alterna momenti tenerissimi ad altri devastanti, in un continuo saliscendi emotivo che lascia spiazzati ma anche profondamente coinvolti. È difficile leggere Takopi’s Original Sin senza ritrovarsi a riflettere su quanto male possa fare una parola non detta, uno sguardo evitato, un gesto mancato. E su quanto, al contrario, un minimo di empatia possa cambiare il corso di una vita. Taizan 5, con questo suo debutto folgorante, ha mostrato un talento fuori dal comune. Attualmente sta lavorando alla sua seconda serie, Ichinose-ke no Taizai, serializzata su Weekly Shonen Jump, e le aspettative sono altissime. Ma Takopi’s Original Sin rimane, al momento, la sua opera più pura, più istintiva, quasi una confessione illustrata.In definitiva, se amate le storie che scavano nel cuore, se non temete di farvi travolgere da un dramma profondo e toccante mascherato da commedia spaziale, se volete un manga che vi faccia davvero riflettere su cosa significhi essere vivi… beh, lasciatevi accompagnare da Takopi nel suo viaggio. Ma preparatevi, perché non tornerete indietro gli stessi.

E voi? Avete già conosciuto il piccolo alieno del pianeta Happi? Vi ha fatto sorridere o vi ha spezzato il cuore come a me? Raccontatemelo nei commenti qui sotto o condividete l’articolo sui vostri social con chi ama i manga che non hanno paura di andare oltre.

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Bugie d’Aprile – Il manga che ci ha colpiti come un colpo critico emotivo ben piazzato

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Ragazzi, lo ammetto senza vergogna: Bugie d’Aprile mi ha messo K.O. emotivamente. E no, non stiamo parlando di un nuovo JRPG lacrime-e-sangue, né di un visual novel strappacuore con soundtrack da urlo. Stiamo parlando di un manga. Un fumetto. Di carta. Eppure ha avuto l’effetto di un finale a sorpresa dopo 80 ore di gioco, di quei twist narrativi che ti fanno guardare nel vuoto per mezz’ora, chiedendoti cosa diavolo sia appena successo.

Shigatsu wa Kimi no Uso, conosciuto anche come Your Lie in April (e in italiano col poeticissimo titolo Bugie d’Aprile), è un manga che sembra arrivare da un altro universo narrativo, uno in cui la musica classica è l’equivalente delle boss fight, e le emozioni sono il danno da status più subdolo di sempre. L’autore, Naoshi Arakawa, ha creato qualcosa che va oltre il solito shōnen: ha orchestrato una sinfonia di sentimenti, introspezione, trauma e rinascita, tutto avvolto in un disegno pulito, espressivo e, a tratti, sorprendentemente profondo.

La storia segue Kōsei Arima, un ex pianista prodigio che ha smesso di suonare dopo la morte della madre. Il ragazzo, che vive come un NPC depresso in modalità automatica, viene risvegliato dall’arrivo di Kaori Miyazono, una violinista folle, solare e piena di vita. Sembra l’inizio di una classica romcom scolastica, vero? Sbagliato. Perché quello che segue è un crescendo di melodie struggenti, ricordi repressi, e momenti così intensi da far impallidire la cutscene finale di Final Fantasy X.

E attenzione: nonostante sia pensato per un pubblico giovane (l’età target è 14 anni), Bugie d’Aprile ha la capacità di colpire duro anche chi ha superato i vent’anni e crede di essere immune a certe “cose da adolescenti”. Io, nerd incallito di 30 anni, cresciuto a pane, pixel e colonna sonora di The Legend of Zelda, mi sono ritrovato con le lacrime agli occhi e una playlist di Chopin in sottofondo. Sì, Chopin. Io, che passo il sabato sera a fare grinding in dungeon infiniti.

La narrazione è un continuo dialogo interiore. Non ci sono solo parole tra personaggi, c’è uno stream-of-consciousness costante, come se il protagonista stesse tenendo un diario mentale durante un lungo savegame. E sapete cosa? Funziona. Funziona da Dio. I flashback non spezzano il ritmo, lo potenziano. I momenti di silenzio visivo, in cui il disegno fa tutto il lavoro, sono più potenti di mille dialoghi. E le sequenze musicali, ragazzi… le sequenze musicali sono vere e proprie battaglie. Altro che quick time event: qui si combatte con le dita sul pianoforte e con l’anima in bilico.

Il manga è stato serializzato dal 2011 al 2015, e raccolto in undici volumi. Ha vinto il Kodansha Manga Award nel 2013, ha avuto un anime nel 2014 e un film live action nel 2016. In Italia è arrivato nel 2017 grazie a Star Comics, ma se ve lo siete perso allora, adesso è il momento di recuperarlo. Fidatevi: è come un gioco cult dimenticato, che scopri tardi ma che ti fa rivalutare tutto il genere.

Se cercate un manga che vi faccia battere il cuore, vibrare la mente e mandare in tilt le ghiandole lacrimali… Bugie d’Aprile è la vostra prossima boss fight narrativa. Nessuna combo, nessun cheat code, solo emozioni pure da affrontare a mani nude.

Adesso ditemi la verità: anche voi avete avuto bisogno di un checkpoint emotivo dopo averlo finito? Fatemelo sapere nei commenti e condividete questa recensione con tutti i vostri party di gamer che credono che i manga non possano far male. Oh, quanto si sbagliano.

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“Un anno – Primavera”: il tocco gentile di Jiro Taniguchi incontra la sensibilità di Jean-David Morvan

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C’è qualcosa di profondamente intimo e commovente nel prendere in mano Un anno – Primavera, il primo volume della delicata quadrilogia scritta da Jean-David Morvan e illustrata dal maestro Jirō Taniguchi, pubblicata da Rizzoli Lizard. È una lettura che chiede tempo, silenzio e una certa predisposizione al lasciarsi ferire in modo gentile. Questo non è un manga da divorare, ma da assaporare lentamente, come un tè preparato con cura o un ricordo che ritorna all’improvviso nei primi giorni di primavera.

A guidare il lettore è Capucine, una bambina di otto anni affetta da una forma lieve, ma ben presente, della sindrome di Down. Una condizione che non è subito riconoscibile fisicamente, e che proprio per questo genera in chi le sta intorno una costante – e dolorosa – incomprensione. Capucine non viene capita, non viene accolta. Non dalla scuola, che la isola e la respinge. Non dagli adulti, spesso smarriti o sopraffatti dalle loro stesse fragilità. Eppure lei, con il suo sguardo unico, riesce a vedere le cose nella loro interezza, riesce a sentire il dolore degli altri, a leggere l’aria quando si fa pesante, ad amare senza filtri.

Ciò che rende questo volume così speciale è proprio la sua capacità di restituire quella visione: Capucine è diversa, sì, ma non nel senso che ci aspetteremmo. È diversa perché è pura, e in un mondo che ha dimenticato la tenerezza, la purezza è quasi un disturbo, un elemento fuori posto. La storia si svolge in quel momento delicato e impercettibile in cui l’infanzia comincia a sgretolarsi. Non è un trauma preciso, non c’è un evento di rottura esplicito. È piuttosto una somma di cose: una zia che si ammala, due genitori sul punto di separarsi, una scuola che non fa spazio. Capucine si trova a dover decifrare tutto questo, senza le parole giuste, ma con una sensibilità che trascende l’intelletto.

Jean-David Morvan, sceneggiatore tra i più raffinati della bande dessinée contemporanea, costruisce un racconto che rifiuta ogni forma di retorica. La sindrome di Down non è mai spettacolarizzata né trattata come una semplice “diversità” da superare. È, piuttosto, una lente con cui guardare il mondo. Morvan riesce in un’impresa difficilissima: scrivere una storia sull’alterità senza mai cadere nella trappola del pietismo. Capucine non è un simbolo, non è un “caso umano”. È una bambina, con desideri, paure e una sensibilità acutissima. E lo è soprattutto grazie al segno inconfondibile di Taniguchi.

Che dire, infatti, del lavoro del maestro giapponese? In questi anni, Jirō Taniguchi ha costruito un vero e proprio ponte tra la narrazione grafica nipponica e quella europea. È uno di quegli autori che riescono a far tacere la pagina, a riempirla di silenzi eloquenti. I suoi paesaggi sono carichi di quiete, le sue inquadrature sembrano quasi cinematografiche, il suo tratto è sobrio, ma densissimo di emozioni. E in Un anno – Primavera questo stile raggiunge una grazia rara.

Ogni tavola respira. La primavera non è solo una cornice stagionale, ma una protagonista silenziosa. I fiori, i cieli chiari, i rami che si allungano verso la luce: tutto racconta la lenta trasformazione di Capucine, il suo sbocciare incerto. Il segno di Taniguchi, così attento alla natura e alle espressioni minime dei personaggi, ci restituisce una realtà filtrata attraverso la meraviglia. Quella meraviglia che Capucine porta con sé, anche nei momenti più duri.

C’è un passaggio in cui la bambina osserva il mare in silenzio, mentre il vento le accarezza i capelli. Non serve che dica nulla. Quel momento vale più di mille dialoghi. È lì che Taniguchi si rivela per quello che è: un poeta del visivo. Un autore capace di catturare l’invisibile. Un maestro che, ancora oggi nel 2011, continua a regalarci opere che sembrano venire da un’altra epoca, un’epoca in cui la lentezza era una virtù e i sentimenti non erano merce narrativa.

Leggere Un anno – Primavera oggi significa anche riflettere su come il fumetto possa diventare uno strumento di educazione emotiva. In un’epoca in cui tutto corre e si semplifica, Morvan e Taniguchi ci chiedono di fermarci. Di guardare. Di ascoltare. Ci parlano di una bambina che, per quanto fragile e “diversa”, riesce a fare la cosa più difficile di tutte: donare amore, incondizionatamente. Lo fa ai suoi genitori che non riescono più a parlarsi. Lo fa alla zia, che combatte una malattia. Lo fa al lettore, che esce da questa lettura con il cuore più pieno.

In conclusione, Un anno – Primavera non è soltanto il primo tassello di una tetralogia dedicata alle stagioni dell’anima. È una dichiarazione d’intenti. È la dimostrazione che il manga – e il fumetto in generale – può affrontare la diversità senza semplificazioni, può raccontare la disabilità senza scivolare nel melodramma, può essere strumento di empatia autentica. È un’opera che dovrebbe essere letta nelle scuole, discussa nei gruppi di lettura, regalata a chi crede ancora che i fumetti siano solo “cose per bambini”.

E per chi ama, come me, il manga d’autore e la bande dessinée francese, Un anno – Primavera rappresenta un piccolo miracolo editoriale: l’incontro perfetto tra due tradizioni visive diverse, unite dalla stessa delicatezza. È un manga che ti entra dentro in punta di piedi. E che, una volta chiuso, continua a fiorire nel cuore.