Il 18 maggio 2026 tornerà a risuonare, come ogni anno, una data che per gli amanti della cultura è molto più di un semplice appuntamento nel calendario: la Giornata Internazionale dei Musei (International Museum Day, IMD). Istituita nel 1977 e coordinata dall’ICOM – International Council of Museums, questa celebrazione è diventata un vero e proprio rituale globale, un’occasione in cui il pianeta intero si ferma per ricordare che i musei non sono reliquie del passato, ma laboratori del futuro.
Ogni edizione ruota intorno a un tema specifico, scelto per rispecchiare le sfide che le istituzioni museali affrontano in un mondo in costante trasformazione: dalla sostenibilità alle nuove tecnologie, dall’inclusione sociale alla digitalizzazione del patrimonio. È una giornata in cui i musei si raccontano, non solo come custodi di oggetti antichi, ma come spazi vivi di dialogo, dove passato e presente si intrecciano per dare forma a nuove visioni collettive.
L’obiettivo della Giornata, come ricordano da anni gli organizzatori, è chiaro: rendere consapevole il pubblico del ruolo cruciale che i musei svolgono nello sviluppo delle società contemporanee. Ogni esposizione, ogni collezione, ogni visita guidata diventa una piccola finestra sulla memoria dell’umanità e sul suo potenziale di cambiamento.
Musei come portali di connessione
Nell’era in cui tutto corre alla velocità della luce — tra feed che si aggiornano e contenuti che scompaiono in 24 ore — i musei rappresentano l’esatto opposto: luoghi dove il tempo rallenta, dove la curiosità diventa una forma di resistenza culturale. Entrare in un museo significa attraversare un portale: il visitatore non è più spettatore ma viaggiatore nel tempo, esploratore di civiltà e testimone di storie che ancora parlano, se solo sappiamo ascoltarle.
Ecco perché ogni 18 maggio l’IMD non è solo una festa istituzionale, ma una chiamata alle armi per la memoria. Le mostre diventano esperienze sensoriali, i curatori si trasformano in narratori, gli spazi museali in palcoscenici di dialogo tra generazioni. Non a caso, molti eventi proseguono ben oltre la singola giornata: intere settimane di iniziative, laboratori, performance e incontri che accendono una luce su patrimoni spesso dimenticati o sottovalutati.
La magia della notte: la Notte Europea dei Musei
Accanto all’IMD, in Europa esiste una sorella minore — o forse maggiore, per fascino — che dal 2011 ne amplifica lo spirito: la Notte Europea dei Musei. Si tiene ogni anno nel sabato che precede la Giornata Internazionale e fu ideata nel 2005 dal Ministero della Cultura francese. L’idea è tanto semplice quanto geniale: aprire gratuitamente i musei fino all’una di notte, trasformando le sale in scenari teatrali, gli oggetti in protagonisti silenziosi di una narrazione immersiva e multisensoriale. L’esperienza notturna rovescia la percezione del museo. I corridoi che di giorno sembrano solenni diventano misteriosi, le opere d’arte sembrano respirare, la luce artificiale scolpisce nuove emozioni sulle superfici antiche. È un’esperienza che non parla solo agli esperti o agli appassionati: cattura chiunque sia disposto a farsi sorprendere. L’Italia, da sempre culla del patrimonio artistico mondiale, partecipa con entusiasmo crescente. Dai grandi poli museali come gli Uffizi, il MAXXI e i Musei Vaticani, fino ai piccoli musei civici e archeologici sparsi nei borghi, ogni istituzione trova il proprio modo di raccontarsi sotto la luna. Concerti tra le statue, proiezioni, installazioni interattive, realtà aumentata: la notte dei musei diventa così una celebrazione della cultura che incontra la tecnologia e la trasforma in esperienza.
I musei nell’era digitale
Nel 2026 la sfida principale per molti musei sarà quella di continuare a ridefinire la propria identità nell’ecosistema digitale. La pandemia ha aperto una nuova fase: visite virtuali, collezioni accessibili online, tour interattivi e contenuti multimediali stanno trasformando il modo di vivere la cultura. Tuttavia, la Giornata Internazionale dei Musei ci ricorda che il contatto diretto con le opere resta insostituibile. Nessun visore VR potrà mai replicare la sensazione di trovarsi di fronte alla Venere di Milo o alla Notte Stellata di Van Gogh.
Eppure, la fusione tra reale e virtuale è ormai inevitabile. I musei del futuro — e del presente — non sono più semplici contenitori, ma ecosistemi narrativi dove l’esperienza si costruisce a più livelli: visivo, uditivo, emotivo. L’obiettivo non è solo mostrare, ma coinvolgere, interrogare, emozionare.
Un rito laico per il futuro della memoria
Celebrando la Giornata Internazionale dei Musei, celebriamo anche la nostra capacità di riconnetterci con ciò che siamo stati per immaginare ciò che saremo. In un mondo che tende a smaterializzare tutto, i musei restano luoghi fisici e concreti dove la materia diventa storia e la storia diventa identità.
Ogni dipinto, ogni fossile, ogni frammento di ceramica racconta un gesto, una scelta, una civiltà. Visitare un museo è, in fondo, un atto politico e poetico: è scegliere di ricordare, di appartenere, di credere che la conoscenza non sia un lusso, ma un diritto universale.
Il 18 maggio 2026, che siate studiosi, curiosi o semplici sognatori, varcate quella soglia. Magari di notte, magari con la testa piena di domande e il cuore spalancato alla meraviglia. Perché ogni museo è un pianeta, e ogni visita — anche la più breve — è un viaggio interstellare attraverso la nostra stessa umanità.
Roma ha sempre avuto un talento particolare nel trasformare gli spazi urbani in portali narrativi, e chi frequenta da anni l’ambiente nerd lo sa bene: basta una location giusta, un’idea che profuma di rituale e una community pronta a mettersi in gioco per far nascere qualcosa che non è solo un evento, ma un’esperienza condivisa che si incastra perfettamente tra folklore, immaginario fantasy e voglia di evasione. Il Mercatino delle Streghe torna a Testaccio con quella carica magnetica che ricorda certe fiere di paese viste da bambini, ma filtrate attraverso anni di letture su grimori, sessioni di D&D finite alle tre di notte e binge watching di serie occultistiche che hanno lasciato il segno più di quanto vogliamo ammettere.
Domenica 26 aprile 2026 non è una data qualsiasi, almeno per chi ha sempre sentito una certa attrazione verso tutto ciò che sfuma tra reale e arcano. Largo Dino Frisullo, all’interno della Città dell’Altra Economia, si prepara a cambiare pelle ancora una volta, diventando un crocevia di simboli, profumi, suoni e storie che sembrano provenire da epoche diverse eppure riescono a dialogare con una naturalezza sorprendente. Non si tratta semplicemente di passeggiare tra bancarelle, ma di lasciarsi attraversare da una dimensione che ha qualcosa di profondamente nerd, anche se non indossa armature o spade laser: qui la magia è fatta di dettagli, di piccoli oggetti che raccontano mondi e di persone che li abitano davvero.
L’ingresso gratuito apre le porte a chiunque abbia anche solo una scintilla di curiosità, ma chi frequenta questi ambienti lo sa, non si entra mai davvero da spettatori. Dopo pochi minuti ci si ritrova a osservare con attenzione un pendolo, a chiedersi se quelle rune incise su un talismano abbiano un significato preciso o se quell’incenso abbia davvero il potere di cambiare l’atmosfera di una stanza. È una forma di immersione lenta, quasi meditativa, che ricorda molto certi giochi open world dove non esiste una missione principale obbligatoria ma mille deviazioni capaci di catturarti.
Il cuore dell’esperienza si sviluppa tra espositori che sembrano usciti da una biblioteca proibita o da un mercato medievale reinterpretato in chiave urban fantasy, con cristalli che riflettono la luce in modi quasi ipnotici, libri che invitano a essere sfogliati con rispetto e curiosità, carte da divinazione che evocano inevitabilmente immagini di partite infinite a interpretare simboli e archetipi. Non è difficile perdersi a parlare con chi questi oggetti li crea o li studia, perché il vero valore sta proprio in quelle conversazioni che iniziano per caso e finiscono per trasformarsi in piccoli viaggi culturali, tra astrologia, tradizioni erboristiche e interpretazioni contemporanee di pratiche antiche.
Chi arriva con uno spirito più ludico trova comunque terreno fertile, perché l’Area Giochi Stregati non è solo un angolo tematico ma una dichiarazione d’intenti: il gioco, quello vero, quello che mescola immaginazione e partecipazione, resta uno degli strumenti più potenti per vivere un evento del genere. E mentre da una parte qualcuno si lascia truccare trasformandosi in una creatura uscita da un racconto dark fantasy, dall’altra si assiste a scene che sembrano rubate a una fiera rinascimentale contaminata da cultura pop, con costumi improvvisati e outfit studiati nei minimi dettagli che raccontano identità e passioni senza bisogno di spiegazioni.
E qui arriva uno degli aspetti più belli, quello che forse solo chi vive davvero la scena geek riesce a cogliere fino in fondo: l’invito a vestirsi a tema non è una semplice proposta estetica, è un modo per entrare nel gioco, per sentirsi parte di una narrazione collettiva. Non serve essere cosplayer professionisti, basta lasciarsi andare, scegliere un accessorio, un mantello, un simbolo, e all’improvviso ci si accorge che la linea tra pubblico e performer si è dissolta completamente.
Tra un assaggio di street food e una birra condivisa con amici o perfetti sconosciuti che nel giro di mezz’ora diventano compagni di esplorazione, si crea quella magia sociale che solo certi eventi riescono a generare. Non è nostalgia fine a sé stessa, è qualcosa di più stratificato, una sensazione che mescola ricordi di fiere fantasy, pomeriggi passati a leggere fumetti, maratone di serie TV e quella continua ricerca di luoghi dove sentirsi parte di qualcosa.
Chi ha sempre amato il lato più esoterico della cultura pop ritrova qui un terreno fertile dove tutto convive senza forzature: dalla divinazione con i tarocchi alle letture astrologiche, passando per interpretazioni runiche e pratiche sciamaniche che, viste con occhi nerd, diventano quasi sistemi alternativi di worldbuilding, codici simbolici da decifrare come fossero linguaggi segreti di un universo narrativo ancora tutto da esplorare.
Arrivarci è semplice, ma andar via è un’altra storia. Perché eventi così lasciano sempre qualcosa addosso, una suggestione, una domanda, magari anche solo il desiderio di approfondire un tema che fino al giorno prima sembrava distante. E forse è proprio questo il punto: non uscire con risposte definitive, ma con quella sensazione elettrica di aver sfiorato qualcosa che merita di essere indagato meglio.
E mentre già qualcuno pensa al prossimo appuntamento, resta quella domanda sospesa che ogni amante del fantastico conosce bene: fino a che punto siamo disposti a credere, almeno per un giorno, che la magia sia solo una questione di prospettiva?
L’intrattenimento italiano sta vivendo una trasformazione che, per chi ama la cultura pop e tutto ciò che ruota attorno allo spettacolo dal vivo, ha il sapore di una vera evoluzione narrativa. I parchi divertimento non sono più soltanto luoghi di giostre e adrenalina, ma stanno diventando sempre più simili a giganteschi palcoscenici immersivi, capaci di dialogare con il teatro, la musica dal vivo e i grandi eventi. Da questa consapevolezza nasce un’alleanza che segna un punto di svolta: l’ingresso dei parchi nella Rete Imprese di Spettacolo, una nuova realtà che unisce mondi apparentemente diversi sotto un’unica visione strategica.
L’idea è potente e, se vogliamo, profondamente nerd. Come in un crossover ben riuscito, settori che per anni hanno camminato su binari paralleli ora si incontrano per costruire un ecosistema comune. Da una parte teatri e concerti, dall’altra parchi a tema, acquatici, faunistici e avventura. Tutti insieme per parlare con una sola voce alle istituzioni, condividere istanze e difendere un comparto che, numeri alla mano, rappresenta uno dei pilastri dell’intrattenimento italiano contemporaneo.
AssoParchi, l’associazione che rappresenta oltre 500 imprese del settore in Italia, ha scelto di essere protagonista di questo passaggio storico partecipando alla nascita della Rete Imprese di Spettacolo all’interno di AGIS. Accanto ai parchi, trovano spazio realtà che da sempre animano il nostro immaginario collettivo: ANET per il teatro privato, Assoconcerti e Assomusica per la musica dal vivo, ISP per la produzione di spettacoli. Il risultato è un polo che, secondo i dati SIAE relativi alla sola biglietteria, nel 2024 ha superato 1,5 miliardi di euro di ricavi e coinvolto oltre 55 milioni di spettatori. Numeri che fanno girare la testa e che raccontano quanto lo spettacolo dal vivo sia centrale nella vita culturale ed economica del Paese.
La presentazione ufficiale della Rete è avvenuta in un contesto altamente simbolico, durante le celebrazioni per gli 80 anni dell’Associazione Generale Italiana dello Spettacolo, alla presenza del Ministro della Cultura Alessandro Giuli e del Sottosegretario Gianmarco Mazzi. Un segnale chiaro: questa non è una semplice aggregazione di categoria, ma un progetto che ambisce a ridefinire il modo in cui lo spettacolo dal vivo viene percepito e sostenuto a livello istituzionale.
Il messaggio che arriva dai parchi divertimento è forte e chiaro. Luciano Pareschi, presidente di AssoParchi, ha sottolineato come l’Italia abbia da sempre un rapporto speciale con lo spettacolo dal vivo e come, negli ultimi anni, questa tradizione abbia trovato nuova energia proprio nei parchi. Musical, show acrobatici, spettacoli immersivi e produzioni live non sono più un contorno all’esperienza di visita, ma uno degli elementi centrali. Chi frequenta questi luoghi lo sa bene: entrare in un parco oggi significa spesso assistere a performance con standard qualitativi e investimenti paragonabili a quelli dei teatri, capaci di parlare a famiglie, giovani e turisti internazionali.
Dal punto di vista nerd, il parallelo è inevitabile. I parchi stanno diventando sempre più simili a universi narrativi espansi, dove lo spettacolo è parte integrante del worldbuilding. Non si tratta solo di divertimento, ma di storytelling dal vivo, di esperienze che fondono scenografia, musica, acrobazia e tecnologia. Un approccio che dialoga perfettamente con la sensibilità di chi ama il cosplay, le fiere, i grandi eventi pop e le esperienze immersive.
La Rete Imprese di Spettacolo nasce proprio per dare una rappresentanza specifica a queste realtà che operano con logiche imprenditoriali, ma che producono cultura, lavoro e valore sul territorio. L’obiettivo dichiarato è uno sviluppo fondato su qualità, sostenibilità e innovazione. Dietro le quinte, però, c’è anche una piattaforma di richieste molto concrete rivolta alle istituzioni. Tra le priorità spiccano l’IVA ridotta al 5 per cento, sul modello di quanto avviene per l’editoria e le opere d’arte, e l’introduzione di tax credit e fondi dedicati per sostenere gli investimenti. Non mancano poi le richieste di semplificazione normativa, dal riordino dei codici ATECO alla gestione dei diritti d’autore, fino allo snellimento delle procedure burocratiche che spesso rallentano l’innovazione.
Maurizio Crisanti, direttore di AssoParchi, ha spiegato come l’ingresso in un sistema coordinato rappresenti un’evoluzione necessaria. Le esigenze dei parchi coincidono sempre più con quelle della musica dal vivo e del teatro privato: costruzione e ammodernamento delle strutture, sostenibilità economica, processi autorizzativi, biglietteria e riconoscimento normativo di un settore che non può più essere trattato come un’anomalia. Avere una rappresentanza unitaria significa poter affrontare queste sfide con strumenti adeguati e sostenere investimenti capaci di generare occupazione stabile e valore misurabile.
I numeri, ancora una volta, parlano chiaro. Nel 2024 i parchi divertimento hanno superato i 21 milioni di visitatori, con oltre 300 milioni di euro di incassi da biglietteria. La musica dal vivo ha contato più di 39 mila eventi, coinvolgendo oltre 24 milioni di spettatori e sfiorando il miliardo di euro di fatturato. Il teatro di iniziativa privata orientato al grande pubblico ha registrato più di 9,5 milioni di presenze e 170 milioni di euro di incassi. Insieme, questi mondi compongono una vera galassia dell’intrattenimento, capace di competere a livello internazionale.
Per chi vive e respira cultura pop, questa alleanza ha il sapore di una grande occasione. Significa riconoscere che lo spettacolo dal vivo non è un lusso accessorio, ma un motore culturale, sociale ed economico. Significa anche immaginare un futuro in cui parchi, concerti e teatri collaborano sempre di più, contaminandosi a vicenda e creando esperienze ibride, immersive e sempre più vicine alle aspettative di un pubblico cresciuto tra cinema, videogiochi e universi condivisi.
La sensazione è quella di trovarsi davanti all’inizio di una nuova saga. Un primo capitolo che promette sviluppi interessanti, soprattutto se le istituzioni sapranno cogliere la portata di questo progetto. E ora la palla passa anche a voi: vi convince questa visione di un intrattenimento sempre più integrato, capace di unire parchi, musica e teatro in un’unica grande esperienza dal vivo? La discussione è aperta, come ogni buon cliffhanger che si rispetti.
Quando le letture indicano un’espansione instabile, quando le crepe nella realtà iniziano a moltiplicarsi, è il segnale che qualcosa sta per accadere. E questa volta accadrà a Bari. Sabato 8 novembre 2025, l’AncheCinema si trasformerà in un portale dimensionale pronto a inghiottire il pubblico in una giornata fuori dal tempo: Bari Ludens “VARCO”, un evento che unisce horror, arte, musica e cosplay in un’esperienza sensoriale totale.
La città pugliese diventa così il punto d’impatto di un esperimento collettivo, un rito che fonde gioco e performance, incubi e creatività. Le luci si abbasseranno alle 16:30, quando si apriranno i cancelli dell’AncheCinema, e da quel momento la realtà non sarà più la stessa.
Un varco tra cinema, videogiochi e paura
“Il Varco si aprirà. Sarete pronti ad attraversarlo?” recita l’annuncio ufficiale. Un invito, ma anche una sfida, perché varcare quella soglia significa affrontare le proprie ombre. Il cuore pulsante dell’evento sarà il talk “Bye Sweet Carole | Varco”, che vedrà la partecipazione di Francesco Morga (Frank Emm3), scrittore, content creator e voce del web che racconta l’horror nelle sue forme più pure: dal cinema ai videogiochi, dai fumetti alla letteratura.
Morga condurrà il pubblico in un viaggio attraverso decenni di paure collettive e meraviglie cinematografiche, toccando le radici del genere horror e i suoi maestri indiscussi: Carpenter, King, Ridley Scott e Spielberg. Dagli anni Settanta alle visioni pop contemporanee di Stranger Things, fino a un interrogativo che riecheggia in ogni epoca: perché amiamo spaventarci?
La voce dell’anima nera: Rossa Caputo e il doppiaggio dell’incubo
Quando la notte scende su Bari, a illuminare il palco sarà una delle voci più amate del doppiaggio italiano: Rossa Caputo, interprete di personaggi che hanno popolato l’immaginario di milioni di fan. È lei la voce di Charlie Morningstar in Hazbin Hotel, di Merida in Ribelle – The Brave, di Poppy nella saga di Trolls, e delle attrici Florence Pugh, Dakota Johnson e Saoirse Ronan.
Caputo sarà protagonista di un talk speciale dedicato al videogioco “Bye Sweet Carole”, un fenomeno indie che ha conquistato la community horror internazionale. Insieme a Luigi Giuseppe Matrone, producer del titolo, e sotto la moderazione di Askellinaa, la doppiatrice racconterà il potere evocativo delle voci nel mondo del gaming, svelando come il suono possa diventare veicolo di emozione, paura e bellezza.
Il Varco si fa arte: mostra illustrata e metamorfosi dell’identità
Durante tutta la giornata, l’AncheCinema ospiterà una mostra illustrata a tema “VARCO”, che accompagnerà il pubblico in un viaggio interiore fatto di metamorfosi e contrasti. Gli artisti @lenax.art, @bbqube, @light_is_strange, @marinamundo_m2, @tinythetiniest, @blue_zyjiu, @majaradvanyi e @fidicasart racconteranno, con il linguaggio visivo, la frattura che si apre tra corpo e identità.
Le loro opere indagano il momento esatto in cui la pelle si incrina e l’anima si trasforma: un tema che tocca la percezione di genere, il rapporto con i social, la memoria, e quell’eterno conflitto tra paura e desiderio. Ogni illustrazione è una soglia da attraversare, un varco verso ciò che di più umano e fragile ci abita.
Gara Cosplay: quando i mondi si incontrano
Il VARCO non poteva non aprirsi anche al multiverso del cosplay, vera e propria anima pulsante della cultura geek italiana. Dalle 17:00, l’AncheCinema si trasformerà in un’arena di eroi, villain, maghi e androidi, dove i partecipanti potranno dare vita ai propri personaggi preferiti.
A condurre lo show sarà la brillante @shizuka_cosplay_e_art, mentre la giuria – composta da @simply_cosplay90, @ayin_tomoe e @leonwingscosplay – premierà le migliori performance per precisione, interpretazione, artigianato e presenza scenica. In palio, premi da urlo: una Nintendo Switch 2 e un buono Amazon per il miglior gruppo.
Quando la musica apre il portale: Hachiko e Franksorrow
Quando le luci della sala si spengono, il Varco continua a pulsare a ritmo elettronico. Sul palco sale Hachiko, performer visionaria, fata cibernetica e rapper che sfida ogni stereotipo di genere. Le sue liriche irriverenti e il suo stile diretto raccontano la vita, le relazioni e la fragilità con ironia brutale e autentica empatia. È la voce di chi non ha paura di mostrarsi, di chi trasforma la vulnerabilità in potenza.
A chiudere la serata, dalle 22:00, sarà il DJ set di Franksorrow, producer e resident di Emo Night Puglia. Il suo live unisce drum & bass, dubstep ed elettronica cinematica in un flusso oscuro e catartico. Artista dal sound riconosciuto anche a livello internazionale – con un remix ufficiale per Hand of Juno pubblicato da Out Of Line Music, la stessa etichetta di Till Lindemann e The Bloody Beetroots – Franksorrow trasforma la pista in un rituale di energia e introspezione.
L’ingresso al Varco
L’evento aprirà i cancelli alle 16:30. Il biglietto intero è di 10 euro, ridotto a 8 euro per i cosplayer. Un’esperienza consigliata dai 14 anni in su, per un pubblico pronto a immergersi nel lato più affascinante e disturbante della creatività contemporanea.
In un’epoca in cui il confine tra reale e virtuale è sempre più sottile, “VARCO” è molto più di un evento: è un esperimento culturale, un richiamo per chi sente che l’arte, il gioco e la paura sono solo diverse facce della stessa meraviglia.
E allora, Bari, sei pronta? Perché il Varco si aprirà. E, una volta attraversato, nulla sarà più come prima.
Immaginate Roma avvolta in un drappo di nebbia densa, l’atmosfera carica di mistero come in un film di Dario Argento, e un suono lontano, metallico, che non è il solito clacson della Capitale, ma un’eco ancestrale… la tromba dell’Apocalisse. Non stiamo parlando della sceneggiatura di un B-movie gotico, ma dell’attesissimo annuncio della terza edizione di Creature Oscure | Festival Gotico, l’evento che, dal 6 al 9 novembre 2025, trasformerà l’Associazione Culturale Defrag in un epicentro di simboli, ombre e intense rivelazioni dark.
Se le prime due edizioni hanno già consacrato l’evento di CRUSH Collettiva come un vero e proprio pellegrinaggio per la community nerd, goth e dark romana, quest’anno l’asticella del macabro e del sublime si alza vertiginosamente. Il tema centrale è l’Apocalisse, intesa non solo come la fine catastrofica, ma come l’essenza stessa della Rivelazione (dal greco apokálypsis).
Il Mostro dal Mare e il Rinnovamento Post-Apocalittico
“Vidi salire dal mare una bestia che aveva dieci corna e sette teste…”. La citazione biblica dall’Apocalisse di Giovanni è molto più di un teaser suggestivo: è la dichiarazione programmatica dei curatori, l’antropologa socioculturale Eleonora D’Agostino e il musicista e illustratore Matteo Gabos di CRUSH Collettiva. La loro visione è profonda e stratificata: indagare l’Apocalisse in un’ottica che non teme di mescolare l’oscurità dei Grandi Antichi di H.P. Lovecraft con la luce (o il bagliore nucleare) della rinascita. Questo approccio, tipicamente transmediale e squisitamente nerd, crea un ponte tra l’arte medievale, il folklore più recondito, le profezie religiose e la straripante cultura pop. Pensate ai tarocchi che incontrano il cyberpunk delle graphic novel, ai manoscritti dimenticati che dialogano con le trame delle serie TV post-apocalittiche più amate. C’è spazio per tutto, in questo calderone di oscurità illuminante: dai traumi esistenziali degli Angeli di Evangelion alla furia iconica della Mano di Dio in Berserk.
Il festival non ha paura di sporcarsi le mani con le questioni più scottanti del nostro tempo. Si parlerà apertamente di filosofia del transumanesimo, delle dinamiche del biopotere e delle inevitabili conseguenze dei cambiamenti climatici, spesso interpretati dalle frange di ecospiritualità più “dark” come una profezia che si autoavvera. È un luogo di dibattito dove il nerd gotico non è solo estetica, ma profonda riflessione socio-politica globale, in un gioco ironico e sapiente con le allusive elucubrazioni numeriche che accompagnano la sua terza edizione.
Le Quattro Anime Oscure del Defrag: Tra Arte, Commercio, Dialogo e Gioco
Come le visioni escatologiche, anche il festival si articola in quattro aree tematiche, ognuna un portale per un diverso tipo di esperienza. La prima è Danza Macabra – Araldi dell’Apocalisse, la vera essenza artistica dell’evento, una mostra collettiva che vanta oltre 70 artisti; qui pittura, illustrazione, installazioni, performance e persino “rituali sonori” daranno forma e volto alle molteplici visioni della fine del mondo. Poi c’è il Dark Market, un vero e proprio bazar delle meraviglie, il paradiso del collezionista geek e goth, con oltre 40 espositori, tra editori indipendenti, artigiani del macabro e artisti, che offriranno libri rari, gioielli, vinili e gadget oscuri.
Il terzo spazio è il Black Gathering, il cuore pulsante del dialogo. Quest’area ospita tavole rotonde, presentazioni, proiezioni e laboratori. Gli avventori potranno confrontarsi con esperti, scrittori horror, studiosi di mitologia e fumettisti in un flusso continuo di cultura e contaminazione, dalla letteratura orrorifica alle riflessioni sulle Intelligenze Artificiali (con un imperdibile focus sul racconto di Harlan Ellison, “Non ho bocca e devo urlare“). Infine, l’area Armageddon & Games, interamente dedicata al nostro sacro fuoco: i giochi di ruolo e da tavolo. Qui, dadi alla mano, i partecipanti saranno invitati a vivere le loro apocalissi immaginarie, tra mondi che collassano e avventure che sfidano la fine dei tempi.
Sinistre Sinfonie e Rivelazioni su Palco: Il Programma Completo
Il programma si dipana attraverso quattro giorni intensi, aprendo giovedì 6 novembre dalle 17.00 alle 22.00 e chiudendo domenica 9 novembre alle 23.30, con serate prolungate per i concerti il venerdì e il sabato.
Il Venerdì 7 novembre sarà dedicato all’AMBIENT NOISE, con una tavola rotonda che esplorerà il ruolo della musica nelle “rivelazioni biografiche”, seguita dalle esibizioni intense e sperimentali di MARIO MACCIONE con la sua session improvvisata di spacemusic, il power trio strumentale ONIRIA e i KREBS INDUSTRIES, un collettivo che fonde suono, immagine e protesta sociale.
Il Sabato 8 novembre alza il volume e le tenebre con un focus su POST-METAL / DARK METAL / BLACK METAL. Dopo una tavola rotonda su “Metal, occulture e rivoluzioni”, il palco sarà infuocato dal sound sludge/post-metal degli SLUGG, dal post-hardcore violento a tinte oscure de I MAIALI e dal symphonic black metal ritualistico dei DARKEND, maestri dell’Extreme Ritual Metal.
L’agenda delle conferenze e dei dialoghi è fittissima. Il giovedì 6 si parte con l’editoria indipendente e si prosegue tra “Apocalissi e testi antichi”, ecologia a Chernobyl, i Quattro Cavalieri, le “architetture apocalittiche” cinesi e le riflessioni sulle IA. Il venerdì 7 si addentra nel satanismo, dal panico sociale alle realtà dei praticanti, con performance e un focus sulla musica. Il sabato 8 è un vero day-long marathon: si spazia dai sacrifici umani al cinema gotico di Oz Perkins, passando per Lovecraft e Miura (analizzati da ARTIFACTA), le apocalissi musicali di Robert Smith dei Cure, e le riflessioni sul lato oscuro della tecnologia fino al “The dark side of technology” di Salvatore Capolupo. La domenica 9 chiude con il focus sul mondo ludico, le “Apocalissi di ruolo sul palco” (StoryTable), e una serie di dialoghi che toccano il gotico, il folklore, la demonologia e l’afasia come “apocalisse linguistica”, culminando con proiezioni video e performance di Danza Butoh ed Extreme Body Art.
Nel corso del festival, sarà possibile arricchire l’esperienza prendendo parte a tre laboratori su prenotazione: uno di fotografia e trucco a tema gotico, uno di scrittura e sceneggiatura horror e uno introduttivo alla calligrafia. Il festival non si limita a esporre, ma è un vero laboratorio collettivo, invitando tutti a partecipare attivamente attraverso le varie Call aperte fino al 25 settembre 2025: dalla Call for Artists per la mostra Danza Macabra, alla Call for Panels & Workshops, fino alla Call for Stands per editori e artigiani, e persino una Call for Papers per la rivista/catalogo ufficiale.
Il Defrag, in via delle Isole Curzolane 75, non sarà solo una location, ma un portale gotico per quattro giorni di immersione totale. Creature Oscure non è solo una celebrazione estetica; è una riflessione profonda, audace e intellettualmente stimolante sul nostro tempo, vista attraverso la lente affascinante e spesso profetica della cultura Dark, Nerd e Geek.
Segnate in rosso sangue le date: dal 6 al 9 novembre 2025, Roma sarà la capitale di un’Apocalisse che, lungi dal distruggere, genera nuove idee, nuove connessioni e soprattutto, tanta autentica e condivisa passione. Un’apocalisse che fa danzare, pensare, giocare, acquistare e soprattutto condividere.
E voi, impavidi lettori di CorriereNerd.it, siete pronti a calarvi nell’ombra e a danzare con gli Araldi dell’Apocalisse? Qual è l’argomento del Black Gathering che non potete assolutamente perdere?
Commentate qui sotto con le vostre aspettative e le vostre personali teorie escatologiche! E non dimenticate di condividere questo articolo su tutti i vostri social network: più siamo, più l’Apocalisse sarà memorabile! L’Oscurità attende la vostra Rivelazione.
Dal 22 al 26 ottobre, Nizza Monferrato diventerà il cuore pulsante della letteratura italiana con la quattordicesima edizione di Libri in Nizza, il festival che celebra i “libri e le idee” come strumenti di immaginazione, riflessione e cambiamento. In un mondo che corre veloce tra crisi globali e rivoluzioni tecnologiche, l’evento invita lettori e autori a fermarsi un momento per riscoprire il potere visionario della parola scritta. Il tema di quest’anno, “Immagina-azione!”, è un manifesto di speranza e partecipazione: un invito a usare la fantasia non come fuga, ma come atto politico e creativo per costruire nuovi mondi possibili.
La letteratura come bussola per il domani
Diretto da Fulvio Gatti e coordinato dal Teatro degli Acerbi, il festival torna al Foro Boario di Nizza Monferrato con un programma denso di incontri, laboratori e appuntamenti speciali. Fulvio Gatti lo definisce “un’edizione che guarda lontano, con la forza immaginifica di autori capaci di scavalcare l’orizzonte e di raccontarci il futuro attraverso la lente del fantastico”.
Tra i protagonisti spicca il nome di Ted Chiang, lo scrittore statunitense considerato una delle voci più influenti della fantascienza contemporanea. Autore di capolavori come Storie della tua vita (da cui Denis Villeneuve ha tratto il film Arrival) e della raccolta Exhalation, Chiang ha vinto quattro premi Nebula, quattro Hugo e sei Locus. È stato incluso dal New York Times tra i migliori autori del decennio e da Time Magazine tra le 100 persone più influenti nel campo dell’intelligenza artificiale.
Chiang sarà il grande ospite internazionale della manifestazione, protagonista di due incontri: uno sabato 25 ottobre alle 17, moderato da Licia Troisi, e un secondo domenica 26, in dialogo con il divulgatore Andrea Vico, dedicato agli intrecci tra scienza, filosofia e narrazione.
Il futuro visto dalle colline del vino
Nizza Monferrato, con la sua cornice di colline patrimonio UNESCO, accoglierà un festival che unisce la riflessione culturale all’esperienza sensoriale del territorio. Libri in Nizza non è solo una rassegna di presentazioni, ma un laboratorio aperto dove si sperimenta la relazione tra realtà e immaginazione.
La manifestazione si apre giovedì 23 e venerdì 24 ottobre con due giornate dedicate alle scuole: grazie alla collaborazione con Book on a Tree, scrittori e illustratori incontreranno studenti e insegnanti per laboratori creativi e letture guidate. Tra gli ospiti, Francesco Morgando con Calypso – La bambina Wi-Fi (Feltrinelli) e Christian Antonini con il fantasy Arvis delle nubi. Cuore di fiamma (Giunti).
Il weekend, invece, sarà un viaggio tra generi e visioni. Si parte sabato con il saluto della Vicesindaca Ausilia Quaglia e del Sindaco Simone Nosenzo, e subito dopo con una tavola rotonda dal titolo Letteratura fantastica: dal mito alla realtà narrativamente aumentata, moderata da Carlo Francesco Conti in collaborazione con la Scuola Holden.
Al tavolo siedono nomi di rilievo come Sandrone Dazieri, Massimo Soumaré, Michele Bellone, Silvia Valisone e Sephira Riva, per un confronto che promette di attraversare mondi, dal fantasy classico alla fantascienza speculativa.
Dai manga al multiverso: la cultura pop entra in scena
Nel pomeriggio di sabato, il festival si tingerà di pop e immaginario nerd. Massimo Soumaré, traduttore e studioso di cultura giapponese, terrà un incontro sui manga come linguaggio universale, mentre Licia Troisi presenterà il terzo volume delle sue Cronache del Multiverso, Poe e il risveglio del multiverso (Rizzoli), un viaggio attraverso le dimensioni che risuona perfettamente con il tema “Immagina-Azione”.
A seguire, Rick DuFer discuterà il suo saggio Dio era morto: riscoprire il divino senza cadere nelle nuove superstizioni (Feltrinelli), un testo che riflette sulla spiritualità nel tempo dell’intelligenza artificiale.
Domenica tra scienza, narrativa e umanità
Il 26 ottobre, la giornata si apre con il convegno Robotica, educazione e inclusione, organizzato dal Laboratorio Luciano Gallino dell’Università di Torino e dal C.I.S.A. Asti Sud, a partire dal volume Welfare generativo e innovazione sociale (Franco Angeli).
Alle 15, Gian Marco Griffi presenterà Una digressione (Einaudi), mentre alle 17 tornerà sul palco Ted Chiang, per un dialogo che intreccerà fisica, filosofia e letteratura. “Le sue storie – spiega Andrea Vico – ci costringono a riconsiderare il rapporto tra tempo e consapevolezza. Leggerlo significa immaginare come potrebbe essere l’umanità tra cento anni, ma anche capire meglio chi siamo oggi.”
La giornata culminerà con Oscar Farinetti e La regola del silenzio (Bompiani), seguito dalla premiazione del concorso letterario Sotto il cielo di Nizza e dalla presentazione di La voce blu di Andrea Bosca, attore e scrittore nizzese.
Un festival aperto, libero e visionario
Tutti gli incontri di Libri in Nizza 2025 sono a ingresso gratuito, e oltre ai dibattiti, il Foro Boario ospiterà un’area dedicata a editori indipendenti, associazioni culturali e firmacopie con gli autori. Non mancheranno momenti dedicati ai più piccoli, grazie all’iniziativa Nati per Leggere x Libri in Nizza presso la Biblioteca Civica Umberto Eco, con letture per bambini dai 2 ai 9 anni curate dai volontari locali.
Il festival sarà anche un punto di incontro tra discipline, generazioni e visioni, confermandosi come un luogo dove la narrativa si intreccia con il pensiero scientifico, la cultura pop e la tecnologia. “La letteratura fantastica – afferma ancora Fulvio Gatti – è il linguaggio più rappresentativo del XXI secolo, capace di raccontare chi siamo e dove potremmo andare.”
Libri come portali per mondi possibili
Tra le colline del Monferrato, dove la storia incontra il futuro, Libri in Nizza 2025 promette di essere molto più di un festival letterario: sarà un esperimento collettivo di immaginazione. Perché, come ci insegnano i grandi autori del fantastico, ogni storia è un portale verso l’ignoto – e ogni lettore, entrando, diventa parte del mondo che aiuta a creare.
C’è un filo invisibile che unisce le passioni, i ricordi e le emozioni di intere generazioni cresciute tra fumetti, cartoni animati, videogiochi e maratone di serie TV. A Messina questo filo prende forma concreta ogni anno con il MessinaCon, la fiera del fumetto e della cultura pop che in dieci edizioni è riuscita a diventare un punto di riferimento non solo per la Sicilia, ma per tutto il Sud Italia. Nel 2025, dal 5 al 7 settembre, la manifestazione festeggerà il suo decennale in grande stile, con un cambio di location che già da solo rappresenta un salto di livello: dopo anni trascorsi al Palacultura, il festival approda nella suggestiva cornice di Villa Dante, uno dei polmoni verdi della città dello Stretto.
Non si tratta di un semplice spostamento logistico. Villa Dante è il simbolo di una rinascita, un nuovo scenario capace di regalare spazi più ampi, atmosfere immersive e una dimensione ancora più spettacolare a un evento che, anno dopo anno, ha saputo reinventarsi e crescere. Il presidente dell’associazione StrettoCrea, Giuseppe Mulfari, non ha mai nascosto l’ambizione di portare MessinaCon a essere una delle fiere nerd più importanti del Sud Italia, e la collaborazione con il Comune di Messina e la Messina Social City ha reso possibile questo passo.
Un’edizione speciale tra passato e futuro
Il tema scelto per il MessinaCon 2025 è un omaggio che farà brillare gli occhi a qualsiasi appassionato di cinema: il quarantesimo anniversario di Ritorno al Futuro. La locandina ufficiale dell’evento, realizzata dall’artista calabrese Umberto Giampà e colorata da Lorenzo Berdondini, è già un piccolo cult, capace di racchiudere lo spirito stesso della fiera: un ponte tra passato, presente e futuro della cultura pop.
Il festival, nato quasi in sordina nel 2015, ha sempre avuto la capacità di interpretare i sogni e le passioni di una comunità vasta e variegata. Dai cosplayers ai collezionisti, dai giocatori di ruolo ai fan degli anime, dai nostalgici della TV dei ragazzi ai gamer incalliti, MessinaCon non si limita a proporre stand ed esposizioni, ma offre un’esperienza totale. Quest’anno più che mai.
Gli ospiti: tra nostalgia e icone del doppiaggio
A rendere indimenticabile questa edizione saranno due nomi che hanno segnato, con ruoli diversi, l’immaginario collettivo di generazioni intere.
Il primo è Danilo Bertazzi, amatissimo interprete di Tonio Cartonio nella trasmissione cult La Melevisione. La sua presenza a MessinaCon rappresenta un viaggio nella memoria per chi è cresciuto negli anni Duemila, davanti alle avventure televisive del Fantabosco. Per tanti fan non è solo un attore: è un simbolo dell’infanzia, una sorta di “amico immaginario” che ritorna dal passato per far sorridere ancora.
Accanto a lui, un gigante del doppiaggio italiano: Claudio Moneta. La sua voce ha reso indimenticabili personaggi amatissimi e diversissimi tra loro, da Spongebob a Barney Stinson (How I Met Your Mother), da Kirei Kotomine (Fate/stay night) a Kibutsuji Muzan (Demon Slayer), fino alla nuova voce di Son Goku in Dragon Ball. La sua partecipazione sarà un’occasione unica per incontrare dal vivo un professionista che, con la sola forza della vocalità, è riuscito a plasmare interi universi narrativi.
Cosplay contest e tre giorni di spettacolo
Dal 5 al 7 settembre 2025, Villa Dante diventerà il cuore pulsante della cultura nerd messinese. Gli appassionati troveranno stand dedicati a fumetti, giochi da tavolo, videogiochi, LARP e realtà virtuale, in un intreccio di esperienze pensato per coinvolgere grandi e piccoli.
Il gran finale è fissato per domenica 7 settembre, quando il palco principale ospiterà il tradizionale cosplay contest. Qui centinaia di cosplayers sfileranno con i propri costumi, frutto di mesi di lavoro e creatività, per conquistare il pubblico e soprattutto la giuria. A decretare i vincitori ci saranno tre nomi di spicco: Manu Mindfreak, Taryn Cosplay e Celaena Cosplay, veri e propri campioni della scena italiana.
Un festival che cresce con la sua comunità
Guardando indietro, è impressionante osservare come MessinaCon sia riuscito a ritagliarsi un posto speciale nel panorama degli eventi italiani. Nel 2019 aveva superato i 5.000 visitatori, e nel 2024 ha registrato un boom di presenze con ospiti del calibro di Ruggero de I Timidi e FumettiBrutti. Ma più dei numeri, ciò che colpisce è la capacità di affrontare temi sociali e culturali, dall’inclusione alla diversità, fino al sostegno alla comunità LGBT+, dando voce a realtà spesso invisibili.
Il decimo anniversario non sarà quindi solo una celebrazione, ma un manifesto per il futuro: un evento che vuole continuare a innovarsi, a sorprendere e a fare della città di Messina un polo di riferimento per tutta la cultura geek italiana.
Perché non puoi perdertelo
Se ami i fumetti, gli anime, i videogiochi, le action figure o i giochi da tavolo, se ti emozioni davanti a un doppiatore che dà vita al tuo eroe preferito o se non vedi l’ora di salire su un palco travestito dal tuo personaggio del cuore, MessinaCon 2025 è l’evento che fa per te. Quest’anno più che mai, grazie alla nuova location di Villa Dante e al decimo anniversario, la fiera promette un’esperienza immersiva e indimenticabile.
La DeLorean di Doc e Marty sembra pronta a parcheggiare nel cuore di Messina, e ogni nerd sa bene che perdere l’occasione di un viaggio nel tempo è un errore imperdonabile.
C’è un momento magico, quando i vicoli antichi e solenni di un borgo come Anagni si riempiono di luci colorate, di costumi sfavillanti e di musica che vibra nell’aria. Un momento in cui la Storia incontra la Fantasia, e il quotidiano si fonde con l’epico. È accaduto di nuovo, e questa volta con una forza travolgente, in occasione della seconda edizione del Lamaland Cosplay and Games, andata in scena l’11 maggio 2025. Un evento che non è stato solo una fiera, ma un vero e proprio viaggio multisensoriale dentro l’universo della cultura pop, del cosplay, del gioco e dell’inclusività sociale. Già dalle prime luci del giorno, il centro storico di Anagni – con le sue splendide Piazza Cavour e Piazza Papa Innocenzo III – si è trasformato in un gigantesco palco a cielo aperto. Migliaia di appassionati hanno varcato le soglie di questo mondo parallelo, pronti a perdersi tra spade laser, bacchette magiche, mech giganti e creature uscite direttamente da un JRPG o da un manga anni ’90.
Dietro questo trionfo di fantasia e partecipazione c’è la passione dell’Associazione Culturale Lama Forevent, che dopo il successo della prima edizione ha saputo alzare ulteriormente l’asticella, regalando al pubblico una manifestazione ancora più ricca, coinvolgente e – diciamolo – emozionante.
Il cuore pulsante della giornata è stato, senza ombra di dubbio, l’area cosplay, che ha attratto cosplayer da tutta Italia. Artisti, sognatori, performer: ognuno con la propria visione del personaggio, con la propria interpretazione, con l’orgoglio di raccontarsi attraverso stoffe, cuciture, accessori e pose studiate nei minimi dettagli. Sfilate, contest e workshop si sono susseguiti in un vortice creativo che ha lasciato tutti a bocca aperta. Non era solo bellezza estetica, ma anche espressione profonda di una cultura che sa unire passione e impegno. “È la prima volta che mi sento davvero me stessa, in mezzo a persone che capiscono quello che provo”, ci ha detto Giulia, 19 anni, cosplayer di una splendida Mikasa versione steampunk.
A rendere ancora più speciale l’atmosfera, ci hanno pensato gli ospiti d’onore, vere e proprie icone del doppiaggio e della creazione di contenuti nerd. Riccardo Suarez, Rossa Caputo, Luisa Varriale, Ale Mori e Romina Cozzolino hanno dialogato con i fan, firmato autografi e condiviso storie di passione e carriera. Presente anche la brillante Chiara Cecilia Santamaria, conosciuta sul web come @machedavvero, che con il suo carisma ha conquistato il pubblico in un talk tutto dedicato al rapporto tra genitorialità, cultura pop e creatività digitale.
Ma Lamaland non si ferma al cosplay. Il mondo dei giochi da tavolo, giochi di carte collezionabili e giochi di ruolo è stato un altro grande protagonista. In particolare, l’area gaming è diventata una vera e propria oasi per tutti gli appassionati di Yu-Gi-Oh!, Dungeons & Dragons, Magic: The Gathering e tante altre perle del panorama ludico. Grandi e piccoli si sono cimentati in tornei serrati, avventure condivise e momenti di pura adrenalina.
In ogni angolo del centro, l’aria era pervasa da suoni e voci. Musica, danze, esibizioni artistiche e concerti hanno scandito il ritmo della giornata, coinvolgendo il pubblico in un’esperienza immersiva e continua. Dai flashmob ispirati agli anime cult alle esibizioni vocali delle sigle anni ’80 e ’90, ogni performance è stata un omaggio all’immaginario nerd, capace di unire generazioni diverse sotto lo stesso, meraviglioso cielo.
E in tutto questo tripudio sensoriale, non poteva mancare una curata area food, che ha saputo unire gusto e storytelling. I visitatori hanno potuto assaporare hamburger galattici degni del Millennium Falcon, ramen degno di Naruto e bevande ispirate a Evangelion e Sailor Moon. Una festa del gusto che ha trasformato ogni pausa pranzo in un momento di gioco e scoperta.
Ma Lamaland Cosplay and Games non è solo divertimento. È anche impegno sociale, attenzione all’inclusività, lotta al bullismo e al cyberbullismo. L’Associazione Lama Forevent ha portato avanti con determinazione progetti come “Lama School – Un Ponte verso la socialità”, portando il cosplay nelle scuole per promuovere il rispetto e l’inclusione tra i giovani.Non è tutto: i volontari dell’associazione hanno collaborato con enti ospedalieri per portare supereroi e principesse Disney nei reparti pediatrici, regalando sorrisi e abbracci ai più piccoli. E il raduno organizzato al Romics ha dimostrato ancora una volta che il cosplay può essere una forma potente di aggregazione e supporto per chi si sente emarginato o non compreso.Con lo slogan “La tua passione, la nostra attenzione, verso un mondo più inclusivo e sicuro”, Lamaland si è affermato come un faro nella galassia degli eventi nerd, un esempio virtuoso di come l’amore per il fantastico possa tradursi in un cambiamento concreto e positivo nella società.
Quella dell’11 maggio non è stata solo una data da segnare in calendario. È stata una celebrazione della cultura nerd in tutte le sue sfumature, una dichiarazione d’amore collettiva per il cosplay, il gioco, la creatività e l’identità. Lamaland ha dimostrato che anche un piccolo borgo può diventare l’epicentro di qualcosa di grande, universale, straordinariamente umano.
E ora tocca a voi, cari lettori del CorriereNerd.it! Avete partecipato a Lamaland? Avete scattato foto, conosciuto nuovi amici, vissuto momenti indimenticabili? Raccontatecelo nei commenti e condividete questo articolo sui vostri social. Perché il bello della nostra community è proprio questo: vivere insieme le nostre passioni, una fiera nerd alla volta!
La cultura nerd torna a brillare nel cuore del Lazio con la sesta edizione del Comix Park, dal 9 all’11 maggio, la sesta edizione del festival accenderà di entusiasmo la Pinetina di viale Roma, nella suggestiva cornice di Piazza Caduti di Nassiriya a Guidonia (RM), trasformando questo angolo della provincia romana in un crocevia di universi fantastici, dal Giappone all’Occidente, tra manga, cinema, serie TV e molto altro.
Quello che nel 2018 era un progetto ambizioso partorito dalla mente appassionata di Giuliano Mazzitelli, oggi è un punto fermo nella mappa degli eventi italiani dedicati alla cultura nerd e pop. L’organizzazione, affidata all’Associazione Sorrisi e Cartoni APS di Campolimpido e patrocinata dall’amministrazione comunale guidata dal sindaco Mauro Lombardo, è pronta a offrire un’edizione esplosiva, pensata per intrattenere e affascinare grandi e piccoli, cosplayer navigati e neofiti incuriositi.
Non è un semplice festival. Comix Park è un inno all’immaginazione, un grande abbraccio tra generazioni unite dal linguaggio universale della cultura pop. E questo spirito inclusivo è la vera chiave del suo successo. Tra un torneo di spade laser della Star Wars Academy, una gara di K-pop, una sfida a Magic: The Gathering, e un’esibizione cosplay da lasciare senza fiato, la Pinetina si animerà di colori, suoni, e personaggi provenienti da ogni angolo del multiverso nerd.
A rendere l’esperienza ancora più immersiva saranno le scenografie tematiche che trasformeranno l’area del festival in una sorta di “parco a tema” a cielo aperto. Ogni fan troverà il suo spazio ideale: chi ama i fumetti, potrà perdercisi tra stand ricchi di volumi rari, anteprime e autori emergenti; gli appassionati di videogiochi avranno a disposizione postazioni per il free play e tornei avvincenti; gli amanti del modellismo e dei giochi da tavolo vivranno sfide da manuale, tra dadi, miniature e strategie.
Ma c’è di più. Il Comix Park è anche una piattaforma culturale, un trampolino per giovani talenti dell’illustrazione e della scrittura fumettistica. Ogni edizione ospita artisti indipendenti che possono confrontarsi con un pubblico variegato, vendere le proprie creazioni, farsi conoscere, e magari – perché no – trovare nuove collaborazioni professionali.
Anche l’amministrazione comunale ha colto l’importanza dell’evento come leva per il rilancio turistico e culturale del territorio. Non è un caso che sia stata scelta proprio la Pinetina di Guidonia, uno spazio identitario e simbolico, che durante i tre giorni del festival diventa un palcoscenico a cielo aperto per la fantasia e la creatività.
In attesa del calendario definitivo degli appuntamenti, il fermento è già altissimo. Online le community di appassionati si stanno mobilitando per organizzare la trasferta, i cosplayer stanno lucidando armature e cucendo nuovi abiti, e i fan dei cartoni animati anni ’80 e ’90 contano i giorni per rituffarsi nei ricordi di un’infanzia fatta di robottoni, trasformazioni magiche e sigle che ancora oggi ci fanno battere il cuore.
Insomma, Comix Park 2025 si prepara a essere non solo un evento imperdibile, ma anche un’autentica celebrazione della cultura nerd in tutte le sue sfaccettature. Se siete amanti di Goku, Darth Vader, Pikachu, Batman o Sailor Moon – o anche solo curiosi di scoprire un mondo dove ogni passione ha dignità e ogni fan è protagonista – segnatevi queste date: 9, 10 e 11 maggio. Guidonia vi aspetta, con il suo parco dei sogni pronto a prendere vita.
Sei già pronto per l’evento nerd più atteso del Lazio?
Con l’arrivo della primavera, Roma si lascia sedurre da un rito di contemplazione antichissimo, che viene da lontano, dal Paese del Sol Levante. Il 12 e 13 aprile 2025, tra i sentieri profumati e le serre silenziose del Museo Orto Botanico della Sapienza Università di Roma, è andato in scena l’Hanami all’Orto Botanico: un evento capace di trasformare il cuore verde di Trastevere in un piccolo Giappone in fiore. Passeggiare sotto i ciliegi adornati da migliaia di petali rosa pallido è stato come entrare in un mondo sospeso, fatto di poesia e silenzio, dove ogni respiro si trasforma in un gesto di gratitudine verso la natura. Non solo una festa per gli occhi, ma una celebrazione dell’impermanenza, quell’idea tanto cara alla filosofia giapponese secondo cui nulla è eterno, e proprio per questo ogni attimo è prezioso. Hanami in giapponese significa letteralmente “guardare i fiori” – hana (花), fiore, e mi (見), vedere – ma in realtà vuol dire molto di più: significa fermarsi, osservare, sentire. È uno stato d’animo, un invito a rallentare, a lasciarsi attraversare dalla bellezza prima che scompaia.
Il giardino si sviluppa su due livelli collegati tra loro da una cascata e piccoli torrenti che formano due laghetti, uno inferiore e uno superiore.
Possiamo definire il giardino giapponese come uno spazio in continuità con l’ambiente circostante. Uno stilema compositivo, un modo tutto particolare di comporre/scrivere lo spazio del giardino. Il riconoscimento della progettazione dei giardini come forma artistica, è avvenuto in Giappone tra la fine XI sec. e la seconda metà del XII, periodo nel quale i principi estetici sono stati codificati in un trattato, il Sakuteiki (Annotazioni sulla composizione dei giardini). Il Sakuteiki rappresenta quindi una precoce consacrazione del giardino come forma d’Arte.
FILA DI GENTE PER VEDERE LA FIORITURA DEI CILIEGI
Cos’è il rituale dell’hanami? Il rituale dell’Hanami è una cerimonia originaria del Giappone che celebra la bellezza fugace dei fiori di ciliegio. Si tratta semplicemente della pratica comune di ammirare i fiori di ciliegio. Le 60 specie vegetali presenti – tra cui Acer palmatum, Acer buergerianum, Magnolia stellata, Cerasus serrulata, Kerria japonica, Dhalia imperialis, Camelia japonica – sono emblematiche del giardino giapponese.
Si vede parte del fontanone del Gianicolo.
Un piccolo laghetto con una lanterna giapponese immersa nel verde e nei fiori. Si trova in cima all’orto botanico.
Oltre ad avere una valenza filosofica, poetica ed artistica, richiamano lo scorrere delle stagioni, in particolare in primavera la fioritura dei ciliegi viene celebrata dall’Hanami. Nella loro disposizione c’è il preciso intento di conferire naturalezza alla mano dell’uomo, l’Autore cerca di riflettere lo stato d’animo di chi osserva, accompagnandolo alla riscoperta del rapporto intimo tra uomo e natura.
Energia e vibrazioni, tra eleganza, potenza dei movimenti, sincronie, improvvisazioni.
Esibizione di Taiko No Koe, la voce del tamburo. Il Taiko No Koe all’Orto Botanico
Spettatori curiosi osservano i tamburi dopo l’esibizione
Ma il fine settimana di Hanami all’Orto Botanico non si è limitato alla semplice osservazione della natura: ha offerto un vero e proprio viaggio sensoriale attraverso la cultura nipponica. Tra le fronde dei sakura si sono alternate attività tradizionali e artistiche, performance, laboratori e incontri, capaci di coinvolgere pubblico di ogni età.
Energia e vibrazioni, tra eleganza, potenza dei movimenti, sincronie, improvvisazioni.
Questo il “manifesto” del concerto-spettacolo di percussioni giapponesi del Gruppo Taiko, primo gruppo italiano di tamburi giapponesi. Ne fanno parte, Catia Castagna attrice e percussionista, Marilena Bisceglia percussionista e aikidoka e Daniela Anzellotti. Eleganza e potenza dei movimenti, precisione nell’esecuzione con spazi dedicati a piccole e “giocose” improvvisazioni ma senza la pretesa di “essere giapponesi”. Questa è una tecnica “contaminata” dalle precedenti esperienze artistiche delle due percussioniste.
I manga all’Orto Botanico
Non è mancato lo spazio dedicato agli appassionati di manga: il fumettista Federico Pace ha condotto un talk imperdibile, spiegando come nascono i personaggi e le storie ispirate alla narrativa grafica nipponica. Federico Pace ha studiato fumetto e manga alla Scuola Internazionale di Comics con Midori Yamane e vive e lavora a Roma. Ha pubblicato diversi manga in Italia, in particolare per Tora edizioni, ma è noto tra i giovani lettori del fumetto giapponese, anche per illustrazioni e autoproduzioni. Con il suo sguardo e la giovana voce, interpreta e traduce i grandi temi della nostra società. Un’occasione preziosa per chi sogna di disegnare emozioni con lo stile giapponese, e per chi vuole capire meglio come questa forma d’arte racconti il nostro tempo.
Laboratorio di origami – l’arte giapponese del piegare la carta. L’origami all’Orto Botanico
Chi desiderava mettersi alla prova ha potuto partecipare al laboratorio di origami dell’Associazione Kanyukai, scoprendo come da un semplice foglio di carta possa nascere una gru, un fiore, una poesia visiva. L’origami è molto più che una tecnica: è una filosofia, una forma di meditazione attiva, capace di unire rigore e leggerezza. L’ Associazione Kanyukai – fondata nel 2003 a Osaka, in Giappone e promotrice dal 2021 della cultura giapponese in Italia – ti aspetta per insegnarti questa antica pratica, originariamente nata per la decorazione di templi e santuari. La parola origami deriva da “ori”, piega, e “kami”, a carta. L’origami è l’affascinante pratica giapponese di trasformare la carta in forme intricate che spesso raffigurano vari oggetti, come fiori o uccelli. Oltre alla sua arte, il fascino dell’origami risiede nella sua filosofia estetica unica. Celebrando il minimalismo nell’arte, riflesso nel termine shibumi (渋味), l’arte dell’origami trasforma il modesto in bello. Il washi, fragile ma temporaneo, rispecchia la vita e gli artisti dell’origami si sforzano di catturarla in forme tangibili, orientandosi verso oggetti naturali piuttosto che inanimati. Ispirandosi alla ricca tradizione estetica giapponese, realizzano straordinari origami, dinamici e realistici al tempo stesso: una vera e propria espressione artistica di alto livello.
Vuoi imparare a giocare con il kendama?
Un altro momento molto apprezzato è stato l’incontro con Davide Leonardi, campione di kendama freestyle, che ha coinvolto grandi e piccini nell’arte di questo antico gioco di abilità. Si potrebbero pensare che il kendama sia stato inventato in Giappone, ma in realtà non è così. Sebbene esistano teorie diverse, ci sono documenti che indicano che il kendama sia nato in Francia nel sedicesimo secolo.Questo gioco era chiamato bilboquet. Bil significa “palla” e boquet significa “piccolo albero” ad indicare un gioco con una piccola palla di legno.
Dal 1945 al 1955 circa, dopo la fine della seconda guerra mondiale, i kendama cominciarono ad essere venduti nei negozi di dolciumi insieme ad altri giocattoli popolari, come menko , bidama e beigoma.Nel 1975, l’autore per bambini Issei Fujiwara fondò la Japan Kendama Association, che standardizzò il kendama per l’uso competitivo e creò regole standardizzate allo scopo di consentire a un maggior numero di persone di giocare insieme allo stesso modo. Con un set di regole e specifiche per l’attrezzatura in atto, il kendama ha iniziato a crescere in popolarità come sport competitivo. Oggi la parola kendama è conosciuta in tutto il mondo e le competizioni si svolgono anche negli gli Stati Uniti e in Europa.
Lo shodō all’Orto Botanico.
Vuoi sapere come si scrive il tuo nome in giapponese? o una parola che evoca un sentimento, un’emozione? Le Maestre calligrafe dell’Associazione Tondo Rosso – scuola di lingua e cultura giapponese a Roma e online da più di 15 anni – ti mostreranno la scrittura shodō. Il termine shodō 書道 significa “via della scrittura”, dove 書sho indica “la scrittura” e il carattere 道 dō è tradotto come “via, percorso”. Sottolinea la pratica di un’arte che richiede un impegno costante e che assume le caratteristiche di un “percorso”. Tale via conduce il praticante, tramite un perfezionamento tecnico, soprattutto ad un affinamento interiore. L’artista crea un’opera d’arte con un pennello di bambù, inchiostro e carta, dove egli trasferisce armonia e bellezza. Quindi, non si tratta solo di bella calligrafia, ma anche di tracciare dei tratti traferendo in essi la forza dell’artista e del suo spirito.
Il termine giapponese è spesso tradotto come “il modo della scrittura artistica o della bella scrittura” o come “l’arte della calligrafia tradizionale giapponese”. Ma è molto più di questo. La pratica dello Shodo non è la semplice pratica dello scrivere qualcosa a mano in modo elegante e raffinato affinchè ogni parola sia unica e piacevole alla vista. Racchiude una profonda esplorazione dell’espressione artistica radicata nella cultura giapponese. È una vera e propria arte.
Incontro con Kenta Suzuki
A illuminare ulteriormente questa edizione dell’Hanami è stato il carisma di Kenta Suzuki, divulgatore giapponese amatissimo in Italia, che ha saputo raccontare con ironia e profondità le mille sfumature della cultura del suo Paese. Sapevi che l’Hanami dal periodo Edo (1603-1869) rappresentava un evento dove tutti, dai samurai ai contadini, dai mercanti ai feudatari, potevano godersi insieme un bel picnic? Qual è il motivo per cui le persone, in Giappone, si inchinano così frequentemente? E perché nessuno si soffia il naso in metropolitana? Dove e quando nasce la secolare arte del tatuaggio? E quella dei manga? Nonostante la conoscenza sempre più approfondita e dettagliata che abbiamo della cultura nipponica, sono ancora moltissime le peculiarità del popolo giapponese che molti di noi ignorano. Una distanza che Kenta Suzuki, giapponese di nascita e italiano – anzi, romano – d’adozione, misura ogni giorno cercando di rispondere alle infinite domande che gli vengono sottoposte attraverso i suoi seguitissimi canali social.
HANAMI: “LA BELLEZZA FUGACE DELLA VITA”.
“LA CONTEMPLAZIONE DEI FIORI DI CILIEGIO” – “EMOZIONE MALINCONICA PERSISTENTE”
Folla di gente segue la lezione del simpatico e social Kenta Suzuki
Curiosità e interrogativi che Kenta ha deciso di soddisfare mettendo assieme una vera e propria enciclopedia illustrata delle unicità e delle stramberie che rendono i giapponesi uno dei popoli più eccentrici e affascinanti del pianeta.Kenta Suzuki con una media di 10 milioni di visualizzazioni al mese tra TikTok e Instagram, è oggi il più grande influencer giapponese in Italia. Ma non si ferma ai social: organizza eventi di cultura giapponese, degustazioni di sake, cene tradizionali e tour autentici nel paese del sol levante
Le Bambole Kokeshi
Le Kokeshi (こけし?, kokeshi) sono un tipo di bambola tradizionale giapponese, originarie della regione di Tōhoku. Realizzate manualmente in legno, hanno un busto semplice cilindrico e una larga testa sferica, con poche linee stilizzate a definire i caratteri del viso. Una caratteristica delle bambole Kokeshi è la mancanza di braccia e gambe.All’inizio del Novecento divennero talmente famose, che in Russia furono prese a modello dall’inventore della prima matrioska. Oltre a ornare le case giapponesi, sono ritenute di buon auspicio contro la cattiva sorte e considerate un raffinato oggetto da collezione da regalare a persone molto speciali.
Hanami all’orto botanico è stata una esperienza davvero diversa e intensa. Una festa giapponese dedicata alla contemplazione della fioritura di ciliegi sakura, simbolo della caducità della vita e del suo grande valore.
Sayonara da Roberto Di Vito
PS Se avete tempo di vedere 2 Brevi Videoclip girati all’istituto di cultura giapponese.
Mostra di bambole giapponesi. Riprese, montaggio e musica originale di Roberto Di Vito – “The dolls of the Japan – Shapes of Prayer, Embodiments of Love 日本の人形 – 祈りの形 – 愛の実施
Il 12 e 13 aprile 2025, la Casa di Quartiere di Alessandria diventerà un vibrante punto di incontro per appassionati di arte, illustrazione e cultura visiva, grazie al ritorno di AgricolArt, un festival che ha come obiettivo quello di celebrare la “nona arte” e le sue infinite sfaccettature. Quest’edizione promette di essere un’esperienza immersiva, un vero e proprio crocevia creativo, che coniuga passione per il disegno, l’illustrazione e la cultura visiva con l’impegno verso la sostenibilità e l’ambiente. AgricolArt – Coltiviamo l’Arte si conferma un evento unico, dove la creatività trova spazio in ogni angolo, tra mostre, workshop, e incontri con alcuni dei più noti esponenti del panorama fumettistico e illustrativo italiano.
Il festival non è solo un’occasione per ammirare le opere di illustratori e fumettisti affermati, ma è anche un’opportunità per scoprire artisti emergenti, quei talenti che, a volte, si trovano ancora nascosti nel vasto universo delle arti visive. AgricolArt offre una piattaforma inclusiva che permette a tutti, dal semplice curioso al più esperto conoscitore, di entrare in contatto con le diverse declinazioni del mondo del disegno. I workshop e i laboratori sono un elemento fondamentale del festival, un’opportunità imperdibile per esplorare nuove tecniche, metodi creativi e approcci alla narrazione visiva. Non è solo una festa per gli occhi, ma anche un’occasione di crescita personale e professionale, dove il pubblico può mettersi in gioco e avvicinarsi al mondo della creazione artistica.
L’evento, che si terrà nei suggestivi spazi della Casa di Quartiere, si propone come una fusione tra arte e cultura, ma anche come un momento di riflessione sui temi contemporanei, come la sostenibilità e il rispetto per l’ambiente. La location stessa, un luogo che per sua natura è un punto di riferimento per la comunità, diventa il palcoscenico perfetto per questa rassegna che non vuole essere solo un evento da visitare, ma anche un’opportunità per riflettere e agire. Un’occasione per parlare non solo di arte, ma anche di come l’arte stessa possa sensibilizzare il pubblico su temi che riguardano la nostra quotidianità e il nostro futuro.
Uno dei protagonisti indiscussi di questa edizione sarà Eugenia Vassallo, un’illustratrice dal tratto inconfondibile e onirico, capace di condurre il suo pubblico in mondi sospesi tra sogno e realtà. La sua arte è un viaggio sensoriale che non si limita solo alla superficie, ma scende in profondità, tra simbolismi e narrazioni visive che parlano direttamente all’anima. La locandina ufficiale del festival, dedicata proprio a Eugenia, è un’opera d’arte in sé: un’immagine evocativa che racchiude l’essenza stessa della sua poetica. Un personaggio incappucciato, assorto in una riflessione interiore, stringe un libro al petto, avvolto da tonalità viola e blu. Sullo sfondo, archi luminosi e stelle brillano, suggerendo una dimensione mistica che stimola il pensiero e l’introspezione. È una visualizzazione perfetta per un’artista che fa della capacità di sognare e immaginare la propria materia prima.
AgricolArt non è solo una vetrina per l’arte, ma anche un importante spazio di confronto e scambio, dove le opere non sono semplicemente esposte ma vissute, raccontate, condivise. Attraverso i numerosi incontri e talk in programma, il pubblico avrà la possibilità di interagire direttamente con gli artisti, di conoscere i segreti del loro lavoro e di approfondire il significato dietro le loro creazioni. In un’epoca in cui la tecnologia e la comunicazione digitale dominano, è sempre più raro trovare occasioni come questa, dove il contatto diretto con l’arte e l’artista diventa un’esperienza autentica e arricchente.
Inoltre, non dimentichiamoci dell’importanza della componente ecologica e sostenibile che AgricolArt abbraccia pienamente. In un contesto culturale che spesso si dimentica delle problematiche ambientali, il festival diventa anche un luogo di riflessione su come l’arte possa essere un veicolo per sensibilizzare il pubblico e promuovere pratiche più consapevoli e responsabili. Ogni dettaglio, ogni attività proposta, è pensato per intrecciarsi con il tema della sostenibilità, facendo sì che il festival diventi un esempio di come cultura e ambiente possano coesistere armoniosamente. Non è solo un evento per gli appassionati di fumetti o per i collezionisti, ma è un’esperienza che invita ogni visitatore a guardare oltre la superficie, a riflettere sulle storie che ogni illustrazione racconta e sul significato che queste possono avere nella nostra vita quotidiana. Un’occasione per chi ama l’arte che non solo abbellisce, ma che ci sfida, ci ispira e ci spinge a pensare in modo diverso.
L’Associazione Culturale Nerdworks, già conosciuta per il suo impegno nella promozione della cultura pop attraverso eventi di successo come Lucania is Comics, amplia ora la sua offerta culturale con una nuova iniziativa: il Contest Letterario NerdWords. Questo evento, completamente gratuito, rappresenta un’importante novità nel panorama culturale italiano, ponendo l’attenzione sulla letteratura e offrendo un palcoscenico per i talenti letterari emergenti.
Con il Contest Letterario NerdWords, Nerdworks inaugura un’importante rassegna dedicata a scrittori locali e nazionali, creando uno spazio dove la cultura nerd e la letteratura si incontrano per dare voce a nuove e fresche realtà creative. L’obiettivo dell’Associazione è chiaro: valorizzare e dare visibilità agli autori che scrivono con passione e dedizione, offrendo loro un’opportunità di confronto e crescita in un contesto di condivisione culturale.
Il concorso si articola in tre categorie principali, pensate per abbracciare diverse forme di espressione letteraria. Gli autori potranno partecipare con racconti lunghi, racconti brevi e poesia, ognuna delle quali rappresenta un’importante sfida e un’opportunità di mettersi in gioco. Non solo una semplice competizione, ma una vera e propria vetrina per chi ha qualcosa da dire e desidera farlo conoscere al grande pubblico.
Il percorso di selezione è suddiviso in due fasi. La prima fase prevede una valutazione da parte di una giuria popolare composta dai membri stessi dell’Associazione Nerdworks, che avrà il compito di esaminare tutti gli elaborati per individuare i testi più meritevoli. I migliori verranno poi pubblicati in un’antologia curata dagli organizzatori, dando loro una visibilità concreta e un’opportunità di diffusione su larga scala. Questa è una grande occasione per gli autori che vogliono farsi conoscere in ambito letterario, specialmente quelli che non hanno ancora avuto l’opportunità di essere pubblicati da grandi editori.
Successivamente, una giuria tecnica composta da esperti del panorama letterario, sia locale che nazionale, avrà il compito di selezionare i vincitori per ciascuna delle categorie del concorso. L’approccio tecnico e professionale della giuria garantirà una selezione imparziale e di qualità, premiando non solo la creatività, ma anche la forza narrativa e il valore intrinseco delle opere presentate.
I premi per i tre vincitori, uno per ciascuna categoria, saranno prestigiosi: durante l’edizione 2025 di Lucania is Comics, un evento ormai consolidato e di riferimento per gli appassionati della cultura nerd, i tre autori premiati riceveranno una targa di riconoscimento, un simbolo tangibile del loro successo e della loro dedizione alla scrittura. Questo premio non è solo un riconoscimento personale, ma anche un importante trampolino di lancio per gli autori che vorranno continuare il loro percorso nel mondo della letteratura.
Il termine per la presentazione degli elaborati è fissato al 4 giugno 2025, e tutte le informazioni dettagliate sul concorso sono disponibili sul sito ufficiale dell’Associazione Culturale Nerdworks, all’indirizzo nerdworks.it. Gli autori interessati a partecipare avranno quindi tempo per riflettere, perfezionare le loro opere e inviarle nel rispetto delle scadenze.
Con l’inaugurazione di NerdWords, Nerdworks dimostra ancora una volta il proprio impegno nel promuovere la cultura pop in tutte le sue forme, non limitandosi al solo ambito del fumetto e del cinema, ma allargando i suoi orizzonti anche alla letteratura. Questo contest rappresenta un’occasione unica per gli autori emergenti, un’opportunità di far parte di una comunità che cresce e si evolve insieme, scambiando idee e spunti creativi. In un mondo sempre più digitale e globalizzato, iniziative come questa sono fondamentali per preservare e valorizzare la ricchezza culturale locale e nazionale, offrendo uno spazio dove il talento può essere scoperto, premiato e apprezzato.
In sintesi, il Contest Letterario NerdWords è un evento che non solo celebra la scrittura e la creatività, ma rafforza anche l’idea che la cultura nerd non si esprime solo attraverso fumetti, videogiochi o cinema, ma abbraccia anche la letteratura come forma di espressione potente e significativa. Per tutti gli amanti delle parole e della scrittura, questa è una straordinaria occasione per emergere, crescere e farsi conoscere.
L’attesa è finalmente finita: il Fun Fest Pescara si fa più grande e promette di essere un evento da non perdere! Con il suo ritorno il 25, 26 e 27 aprile 2025, la seconda edizione di questo attesissimo festival si prepara a invadere il Centro L’Arca, trasformando la città in un punto di riferimento per tutti gli appassionati di videogiochi, fumetti, cosplay e cultura pop in generale. E non si tratta solo di un evento, ma di una vera e propria celebrazione di ciò che rende unica la scena nerd: un mix esplosivo di intrattenimento, incontri, tornei, spettacoli e tanto altro ancora.
Il programma del Fun Fest Pescara è ricchissimo e variegato, pensato per soddisfare ogni tipo di passione. I visitatori potranno immergersi in un mondo dove i #videogames regnano sovrani, con aree dedicate ai tornei e al gaming competitivo, ma anche spazi per chi ama semplicemente giocare e scoprire novità. Gli appassionati di fumetti troveranno spazio per esplorare una vasta area espositiva, mentre gli amanti dei mattoncini colorati potranno dedicarsi alla costruzione e ammirare le creazioni più sorprendenti. E se siete tra quelli che amano entrare nei panni dei propri personaggi preferiti, l’area cosplay sarà il posto giusto per sfoggiare i vostri travestimenti più spettacolari.
Non mancheranno anche eventi più immersivi, come le conferenze, dove esperti del settore offriranno approfondimenti su temi caldi come il doppiaggio, il mondo dei giochi di ruolo e tanto altro. I fan del k-pop potranno assistere a performance live, partecipare a contest e incontrare i propri artisti preferiti grazie ai tradizionali momenti di meet&greet. Inoltre, i fotoset permetteranno a tutti di catturare i ricordi di un’esperienza unica, mentre gli spettacoli e i concerti offriranno ulteriori occasioni di divertimento.
E la ciliegina sulla torta? L’ingresso è completamente gratuito! Il Fun Fest Pescara è un evento pensato per tutti: dai neofiti del mondo nerd ai veterani, da chi vuole fare un salto nel passato con giochi retro a chi cerca le ultime novità. Non importa quale sia la tua passione, c’è qualcosa per te.
Quindi, segnate sul calendario queste date imperdibili: 25, 26 e 27 aprile 2025. Non c’è dubbio, il Fun Fest Pescara sarà l’appuntamento del 2025 per tutti gli appassionati di cultura nerd. Preparatevi a vivere un’esperienza incredibile, ricca di emozioni e sorprese!
La lettura è un viaggio che arricchisce l’anima e stimola la mente, ma per molte persone, le barriere fisiche, cognitive o sociali possono rendere questa esperienza difficile da vivere appieno. È con l’intento di abbattere queste barriere che la Fondazione Time2 ha dato vita all’Open Book Club, un gruppo di lettura innovativo e inclusivo, nato per promuovere la partecipazione di tutti, indipendentemente dalle difficoltà che ciascuno possa affrontare nella fruizione dei libri.
Il progetto si sviluppa all’interno dello spazio “Open”, situato a Torino, una sede della Fondazione Time2 dedicata a garantire accessibilità e inclusione. Da anni, la fondazione è impegnata nella promozione dei diritti delle persone con disabilità, lavorando per creare contesti che favoriscano l’autonomia e la partecipazione attiva. L’Open Book Club, che nasce proprio in questo ambiente aperto e accogliente, rappresenta una vera e propria occasione di crescita culturale per persone con e senza disabilità.
La particolarità di questo gruppo di lettura sta nella sua accessibilità. Open Book Club si propone di superare le tradizionali barriere del mondo del libro, offrendo ai partecipanti una varietà di formati, tra cui libri cartacei, e-book e audiolibri. Ogni persona ha così la possibilità di scegliere il formato più adatto alle proprie esigenze, rendendo l’esperienza della lettura condivisa praticabile e piacevole per tutti.
Ma Open Book Club non è solo un gruppo di lettura: è anche un luogo di incontro, di supporto e di crescita reciproca. Attraverso la partecipazione al club, le persone hanno la possibilità di confrontarsi, scambiare opinioni e lavorare insieme per superare eventuali difficoltà legate alla lettura. È un’occasione di mutuo aiuto, dove ciascuno può contribuire all’esperienza collettiva, rendendo l’iniziativa un vero e proprio gruppo di advocacy per l’inclusione culturale.
Il progetto si distingue anche per la sua organizzazione inclusiva. L’iscrizione al gruppo di lettura è gratuita, e ogni partecipante riceve un kit di lettura personalizzato, pensato per rendere la lettura più facile e accessibile. Questo kit comprende una tessera di partecipazione e un righello speciale, strumenti pratici per facilitare la lettura. Inoltre, grazie alla collaborazione con la Libreria Binaria del Gruppo Abele, gli iscritti al club hanno accesso a uno sconto del 5% sull’acquisto dei libri, rendendo l’esperienza ancora più conveniente.
Il primo tema scelto per il gruppo di lettura, “Passaggi di Vita”, affronta il delicato tema del passaggio all’età adulta in un’ottica intersezionale, esplorando le varie sfaccettature di questo importante momento della vita. Il libro selezionato per questo primo incontro è “Intermezzo”, l’ultimo romanzo della talentuosa scrittrice irlandese Sally Rooney. Un’opera che indaga i temi delle relazioni interpersonali e della crescita emotiva, perfetta per stimolare una riflessione profonda nel gruppo.
Il primo incontro del ciclo di letture si terrà il 12 marzo alle 18.30, presso lo spazio Open di Corso Stati Uniti 62/B a Torino. Durante l’incontro finale, i partecipanti avranno l’opportunità di incontrare il traduttore del libro, Norman Gobetti, per approfondire la traduzione dell’opera e confrontarsi con lui sulle sfide e le scelte editoriali che hanno accompagnato la pubblicazione del romanzo. Un’occasione unica per entrare in contatto diretto con il processo creativo e riflettere insieme sul significato del libro.
L’iniziativa si distingue per la sua capacità di garantire la piena partecipazione di tutti, anche di coloro che incontrano difficoltà nella lettura, nell’ascolto o nella comprensione. Ogni membro del gruppo di lettura è incoraggiato a collaborare attivamente con gli altri, offrendo supporto e condividendo il proprio punto di vista per arricchire l’esperienza collettiva.
In totale, sono previsti cinque incontri per il 2025, con una cadenza bimestrale, così da permettere a tutti i partecipanti di avere il tempo necessario per leggere e riflettere sul libro. Le date e i titoli dei futuri incontri saranno presto disponibili sul sito web della Fondazione Time2, all’indirizzo open.fondazionetime2.it.
Open Book Club si configura quindi come un’opportunità imperdibile per tutti coloro che desiderano entrare a far parte di una comunità di lettori inclusiva, che mette al centro la condivisione e la partecipazione. Un’iniziativa che, grazie alla sua attenzione all’accessibilità e al supporto reciproco, promuove una lettura libera da barriere e pregiudizi, rendendo la cultura della lettura finalmente alla portata di tutti.
Una carica di 28.000 presenze ha invaso la seconda edizione di UmbriaCON, il Festival Comics Arts & Games che ha invaso Bastia Umbra (Perugia) dal 16 al 19 gennaio, trasformando Umbriafiere in un luogo di pura magia e divertimento. Con una partecipazione record di 28.000 presenze, UmbriaCON ha superato ogni aspettativa, attirando appassionati da tutta Italia, da Lazio, Marche, Toscana, Emilia-Romagna, ma anche dal nord e sud del paese, con alcune presenze internazionali. Un grande successo che segna una tappa fondamentale nella crescita di questo evento diventato sempre più internazionale.
Il direttore artistico Federico Piermaria non ha nascosto la sua soddisfazione per il successo dell’edizione 2025, evidenziando come UmbriaCON abbia registrato un incremento di partecipazione del 35-40% rispetto alla prima edizione, mentre altre fiere del settore, anche di dimensioni più grandi, avevano visto una flessione nelle presenze. Un dato che testimonia l’impegno e la passione di un’organizzazione che, anno dopo anno, è riuscita a conquistare il cuore di un pubblico sempre più vasto e variegato.
Il festival ha offerto un ricco programma di eventi, con ospiti di livello internazionale che hanno riscaldato l’atmosfera di Umbriafiere, regalando ai partecipanti emozioni e ricordi indimenticabili. Tra i grandi nomi che hanno affollato il palco e incontrato i fan c’erano i leggendari Elio e le Storie Tese, Cristina D’Avena con i Gem Boys, i Nanowar of Steel, Giorgio Vanni e tantissimi altri, tra cui artisti del calibro di John Romita Jr., Gabriele Dell’Otto, e Glenn Fabry. Il pubblico ha avuto l’opportunità di incontrare i propri beniamini, assistere a esibizioni musicali di alto livello, partecipare a panel, masterclass e seguire eventi esclusivi legati a universi fantastici come Star Wars, Marvel e DC Comics.
Un altro aspetto che ha contribuito al successo dell’edizione 2025 è stata la varietà delle attività e degli spazi dedicati agli appassionati di fumetti, cosplay, giochi da tavolo, videogiochi e cultura pop. I fan hanno potuto immergersi in un’atmosfera unica, tra mostre di fumetti e fotografia, performance di cosplayer e le spettacolari esibizioni di K-pop. Il Padiglione Spettacolo ha ospitato concerti, tra cui quello indimenticabile di Elio e le Storie Tese, che ha inaugurato il festival con energia e simpatia. Non sono mancati eventi speciali come il cooking show di Giorgione Barchiesi, che ha portato la sua cucina e il suo stile in un’esperienza gastronomica unica per i partecipanti.
La Tattoo Area e la rinnovata Area Food sono state tra le novità di quest’edizione, che ha cercato di soddisfare ogni esigenza del pubblico. E se la cultura geek e nerd era rappresentata dai videogiochi, dai simulatori e dai duelli con spade laser a tema Star Wars, la presenza di artisti, autori e youtuber ha permesso ai visitatori di esplorare anche il mondo dei social e dei contenuti online. Youtuber di successo come Sio, Cicciogamer e Fraffrog hanno contribuito ad arricchire l’esperienza, interagendo con i loro fan in modo informale e simpatico.
UmbriaCON non è stato solo un evento per gli appassionati, ma anche un’opportunità per valorizzare il territorio e portare un’importante ricaduta turistica all’Umbria, con strutture ricettive e ristoranti al completo e un notevole afflusso di visitatori nelle zone limitrofe. Come sottolineato da Piermaria, la fiera ha avuto anche un grande impatto sui flussi turistici, un aspetto che non può essere ignorato, considerando che il festival si è svolto in un periodo solitamente più tranquillo. Un aspetto che ha contribuito non solo a rendere il festival un successo, ma anche a creare un’atmosfera di comunità e condivisione tra tutti i partecipanti.
Il festival è stato reso possibile grazie al lavoro instancabile di Fidelio srl, organizzatore dell’evento, che ha collaborato con i Comuni di Bastia Umbra, Assisi e Perugia. La sinergia con le istituzioni locali e regionali è stata fondamentale per il buon esito dell’iniziativa e ha aperto la strada a futuri sviluppi. Piermaria ha anche auspicato un maggiore sostegno da parte delle istituzioni per la prossima edizione, con l’obiettivo di continuare a far crescere il festival e renderlo ancora più grande e inclusivo.
UmbriaCON 2025 ha quindi rappresentato una vera e propria esplosione di creatività, passione e divertimento, trasformando Umbriafiere in un punto di riferimento per gli appassionati di fumetti, giochi, cosplay, cinema e cultura pop. Quattro giorni di immersione totale in un universo fantastico dove tutto è possibile, dove i mondi immaginari si mescolano alla realtà, creando un’atmosfera unica e coinvolgente che ha entusiasmato grandi e piccini.
Concludendo, l’edizione 2025 di UmbriaCON ha confermato il suo ruolo di evento di punta nel panorama delle fiere del fumetto e della cultura pop in Italia, proponendo un’esperienza completa e coinvolgente per tutti i partecipanti. Sostenuto dal successo di questa seconda edizione, l’attesa per il futuro di UmbriaCON è già alta, con la promessa di ulteriori sorprese e innovazioni che renderanno il festival ancora più grande e inclusivo nelle prossime edizioni.
