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“Corvi – Volume 0” di Emmanuele Rossi: la finta storia vera che ci racconta più verità della realtà

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Esistono romanzi che sfidano ogni classificazione, opere letterarie che si muovono sinuose tra i generi come un’ombra tra le pieghe della realtà, senza mai rivelarsi del tutto. “Corvi”, l’ultima fatica di Emmanuele Rossi, è una di queste creature rare, affascinanti, elusive. Non è un thriller. Non è un romanzo storico. Non è nemmeno una cronaca vera. Eppure, è un po’ tutte queste cose insieme. È, soprattutto, una finta storia vera. E proprio in questa definizione paradossale risiede il cuore pulsante del libro.

Già dalla prima pagina si avverte che ci troviamo davanti a un’opera che non vuole compiacere.

Non ci sono eroi romantici o risoluzioni catartiche, nessuna mano tesa per accompagnarci fuori dal tunnel. “Corvi” è un’esperienza narrativa che lascia il lettore in bilico tra smarrimento e lucidità, costringendolo a guardare dentro il buio – non per spaventarlo, ma per mostrargli quello che c’è.

La storia prende forma attorno a figure comuni ma profondamente caratterizzate: un chimico, un becchino, tre operai. E un attentato. O, meglio, le sue conseguenze. In una società che ha smarrito il senso critico, le loro vite si intrecciano tra passato e presente, tra colpa e redenzione, mentre intorno a loro si agita un mondo che assomiglia fin troppo al nostro. Non è necessario ambientare il romanzo in un luogo o un’epoca precisa: i vicoli bui delle città industriali evocati da Rossi sono ovunque, sono qui, sono adesso.

L’introduzione firmata da Paolo Di Orazio – autore e creatore visionario, tra i pionieri dell’horror italiano underground – è una frustata intellettuale. Ci parla della decadenza sociale contemporanea, della nostra resa silenziosa al caos, della fine del pensiero critico come atto rivoluzionario. È la cornice perfetta per ciò che seguirà: un romanzo che rifiuta ogni sentimentalismo e ci colpisce con una sincerità brutale e necessaria.

Emanuele Rossi scrive con una maestria che non grida, ma sussurra nel cervello. Le sue descrizioni psicologiche sono chirurgiche, scava nelle anime dei suoi personaggi con una delicatezza che non rinuncia alla profondità. Ogni punto di vista è costruito con una cura tale che la narrazione scorre come un flusso multiforme e coerente, in cui ogni personaggio ha una voce distinta, viva, autentica.

Quello che colpisce, e che rende “Corvi” un libro che “penserete più volte”, è proprio questa capacità di insinuarsi sotto pelle. È come se l’autore ci obbligasse a specchiarci nei suoi protagonisti, nelle loro contraddizioni, nelle loro paure. E quando chiudiamo il libro, non è finita: continua a ronzarci in testa, come i corvi del titolo, presagi e testimoni insieme.

Anche l’aspetto grafico ha il suo perché. La scelta dell’interlinea ampia non è solo una questione estetica, ma un atto di rispetto per il lettore. La lettura diventa piacevole, fluida, nonostante la complessità emotiva della storia. Un piccolo dettaglio, certo, ma in un’epoca di libri usa e getta, anche questi particolari fanno la differenza.

E poi c’è il finale. Non si può, ovviamente, rivelarne nulla. Ma diciamo solo che è uno di quei finali che non chiudono, ma aprono. Una ferita che resta aperta, una domanda che non ha bisogno di risposta perché è già essa stessa una presa di coscienza.

Dietro “Corvi” c’è un autore con una storia editoriale ricca e variegata. Nato a Bormio, Emmanuele Rossi vive e lavora a Roma, con la moglie Pamela. Laureato in Storia delle Religioni, ha attraversato la narrativa italiana con opere spesso fuori dal mainstream ma sempre coerenti con una voce personale fortissima. Dal romanzo breve “L’uomo solo dal profumo di tabacco” – vincitore del premio Gabrinus – fino alla recente raccolta “88, per la liberazione del numero”, passando per le sue sperimentazioni tra audiolibri interattivi e concerti-teatrali, Rossi ha costruito un percorso autoriale che unisce narrazione, musica, performance e tecnologia. Un autore trasversale e coraggioso, capace di trasformare ogni opera in un’esperienza.

Con “Corvi”, pubblicato nel 2024 da Galaxia Prime Productions, ci consegna una narrazione che è specchio e critica, racconto e atto politico, emozione e razionalità. Non è solo un romanzo, è un invito a guardare meglio, a leggere tra le righe della realtà. Una sfida, per chi ha il coraggio di accettarla.

E voi, nerd e lettrici e lettori geek che vivete di storie, vi sentite pronti a tuffarvi in una finta storia vera che potrebbe parlare proprio di voi?

Parliamone nei commenti e, se il corvo vi ha sfiorato l’anima, condividete l’articolo sui vostri social: il becco della verità potrebbe bussare anche alle porte di qualcun altro…

Cinema & Tv, KCulture

Squid Game 3: il gran finale è vicino… ma sarà davvero la fine?

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C’è una musica che, ogni volta che parte, mi gela il sangue. Una melodia infantile, apparentemente innocente, ma così carica di tensione da farmi tremare come la prima volta che ho sentito “Un, due, tre… stella!” echeggiare sullo schermo. È in quel momento che il mio cuore nerd – e sì, orgogliosamente coreano nell’anima – comincia a battere più forte. È il richiamo di Squid Game, un universo disturbante e coloratissimo che ha segnato una svolta nella storia delle serie TV. Un successo planetario, un simbolo della cultura pop moderna, ma soprattutto una critica feroce alla società travestita da spettacolo letale.

E ora ci siamo. L’ultimo capitolo è alle porte. Squid Game 3, terza e – almeno sulla carta – conclusiva stagione dello show sudcoreano più visto di sempre su Netflix, debutta il 27 giugno. Tutti gli episodi verranno rilasciati in contemporanea, pronti per essere divorati in una maratona da brivido. Sarà la corsa finale, quella che chiude il cerchio, ma anche quella che potrebbe spalancare nuove porte in un universo narrativo che non smette mai di sorprenderci.

Quando vidi la prima stagione, ebbi subito una certezza: Squid Game non era solo una serie. Era una denuncia sociale, uno specchio deformante della nostra realtà, un mix tra incubo da luna park e riflessione amara sul capitalismo estremo. Al centro di tutto, Seong Gi-hun, il nostro giocatore 456, un uomo qualunque, fallito, fragile, ma proprio per questo terribilmente umano. La sua parabola di caduta e risalita ci ha lasciato senza fiato, con un finale che sembrava aver detto tutto. Eppure, la storia non era finita. Anzi, era solo l’inizio.

La seconda stagione, arrivata il 26 dicembre 2024, ha fatto discutere. Io stessa, lo confesso, l’ho seguita con entusiasmo ma anche con una punta di perplessità. Il ritmo era serrato, i nuovi personaggi interessanti, ma aleggiava quella sensazione di déjà-vu, come se il gioco stesse iniziando a ripetersi. Tuttavia, il finale – quel twist inaspettato – ha ribaltato ogni impressione. E adesso siamo pronti a scoprire dove ci porterà questa folle giostra nella terza stagione.

Il trailer di Squid Game 3 promette sangue, inganni e disperazione. Gi-hun è tornato. Ma non è più lo stesso. Non è più una pedina del sistema. È un uomo con un obiettivo: abbattere il gioco dall’interno. Lo vediamo in una scena potente, simbolica: chiuso in una bara, vivo, pronto a sfidare la morte, di nuovo. È una metafora perfetta del suo percorso. Perché quando vuoi distruggere un sistema, non puoi farlo da fuori. Devi farti inghiottire, devi combattere con le sue stesse armi. E stavolta Gi-hun non sarà solo.

La sinossi ufficiale ci catapulta subito nel dramma. Una ribellione fallita, un tradimento e la perdita di un amico. Il Gioco è più crudele che mai, e i superstiti si troveranno di fronte a sfide ancora più perverse. Ogni scelta porterà conseguenze devastanti. E mentre Gi-hun tenta di rimanere umano in un mondo disumanizzato, il Front Man – alias In-ho – è di nuovo in scena, accolto dai famigerati VIP, spettatori assetati di sangue e potere. Intanto il detective Jun-ho, creduto morto, continua la sua indagine, ignaro che tra i suoi alleati si nasconde un traditore.

Il regista Hwang Dong-hyuk, genio creativo dietro questo universo, è ancora al timone. Dopo aver fatto la storia come primo asiatico a vincere l’Emmy per la miglior regia di una serie drammatica, torna a scrivere, dirigere e produrre questo gran finale. Il cast è stellare: oltre a Lee Byung-hun e Wi Ha-jun, vedremo Yim Si-wan, Kang Ha-neul, Park Gyu-young, Park Hee-soon e tanti altri. Una squadra imponente per un addio che si preannuncia epico.

Nel teaser, una nuova meccanica di gioco ci ha già lasciati con mille interrogativi. Una macchina gigante sputa palline rosse e blu, rievocando il sistema di voto X e O che aveva già destabilizzato i giocatori in passato. E poi, quel pianto di neonato alla fine… un semplice effetto sonoro o l’annuncio di qualcosa di nuovo, di disturbante, di definitivo? L’ambiguità è il cuore pulsante di Squid Game, e anche stavolta promette di tenerci sospesi tra speranza e disperazione.

Non mancheranno i volti familiari. Il Front Man, enigmatico e glaciale, tornerà più determinato che mai. Jun-ho, il detective, avrà finalmente le risposte che cercava? E cosa ne è stato dei giocatori sopravvissuti, come Myung-gi (333), Dae-ho (388), Hyun-ju (120), Yong-sik (007) e No-eul, la guardia rosa? Ogni personaggio è un pezzo di puzzle ancora incompleto, e questa terza stagione potrebbe finalmente ricomporlo.

Ma c’è dell’altro. Anche se la trama principale si chiude qui, l’universo narrativo di Squid Game è destinato a vivere ancora. Netflix lo ha già trasformato in un franchise: Squid Game: The Challenge, il reality basato sulla serie, è stato rinnovato. E, udite udite, pare che David Fincher sia al lavoro su un remake occidentale. Il che, per una serie così profondamente radicata nella cultura sudcoreana, è una sfida non da poco.

I fan, intanto, sognano. Spin-off dedicati al Front Man, episodi sulle origini del Reclutatore (interpretato dal mitico Gong Yoo, lo zombie-runner di Train to Busan), oppure una serie ambientata tra la prima e la seconda stagione. Le possibilità sono infinite. Perché il gioco, anche se finisce, lascia sempre spazio a nuove regole, nuove pedine, nuovi inizi.

E allora, sarà davvero la fine… o solo un nuovo inizio?

Nel mondo di Squid Game, le regole cambiano di continuo. Ma una cosa è certa: il 2025 sarà un anno di fuoco per noi fan irriducibili. La terza stagione promette di scuotere le nostre emozioni, di sfidarci, di farci riflettere. Sarà una corsa folle. Una danza con la morte. Una resa dei conti.

Io sono pronta a giocare. E voi?

Fatemelo sapere nei commenti oppure condividete questo articolo con la vostra community nerd. Quali sono le vostre teorie? Quale personaggio vorreste veder sopravvivere? E, soprattutto, sareste pronti a varcare ancora una volta quella porta rossa?

Ricordate: il gioco non è ancora finito. E noi, geek fino al midollo, non ci tireremo certo indietro.

Books + Comics

“Infedeli alla linea”: quando il corpo grasso entra nella cultura pop e smette di chiedere scusa

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C’è un libro che sta scuotendo le fondamenta della rappresentazione culturale dei corpi non conformi, ed è un’opera che ogni nerd, appassionato di serie tv, cinema, cultura pop e narrazioni visive dovrebbe leggere. Si intitola “Infedeli alla linea” ed è scritto da Eva Cabras, con le intense illustrazioni di Chiaralascura, artista dal tratto deciso e carico di significato. Ma attenzione: non è il solito saggio da manuale accademico, e nemmeno un racconto consolatorio. È un grido potente, affilato, necessario. È una rivoluzione che passa per le immagini e le storie che amiamo – o che pensavamo di amare – e ci invita a cambiare prospettiva. Radicalmente.

Eva Cabras, con la precisione di una chirurga e lo stile tagliente di chi ha ben chiaro cosa significa essere raccontata nel modo sbagliato, si prende il palco e ci mostra un’altra verità: i corpi grassi non sono errori da correggere. Non sono punchline da sitcom anni ’90, non sono lezioni morali travestite da arco di redenzione, non sono spalle comiche che si aggirano nelle trame solo per far risaltare gli altri. Esistono. E in quanto tali, meritano spazio. Merito. Complessità. Non sono simboli o metafore ambulanti. Non hanno bisogno di redenzione, perché non hanno peccato.

Chi è cresciuto divorando serie tv americane, commedie romantiche, anime, blockbuster hollywoodiani, sa bene di cosa stiamo parlando. Sa cosa significa vedere sempre lo stesso tipo di corpo rappresentato come standard di bellezza, desiderabilità, successo. E sa anche – forse senza averci mai riflettuto davvero – quanto tutto il resto sia stato relegato a ruoli minori, ridicoli o inquietanti. Il lavoro di Cabras è proprio questo: scoperchiare quella che possiamo definire una grassofobia sistemica nella cultura pop e farlo senza mezzi termini, con lo sguardo acuto di chi ha studiato, analizzato, vissuto sulla propria pelle le conseguenze di queste narrazioni distorte.

Nel saggio, l’autrice attraversa con consapevolezza e passione le rappresentazioni dei corpi grassi nella cultura di massa, puntando i riflettori su quanto queste immagini – apparentemente innocue – siano in realtà portatrici di una violenza sottile, ma persistente. Eva Cabras ci mostra come ogni fotogramma, ogni battuta, ogni scelta di casting contribuisca a costruire un immaginario che esclude, schernisce, condanna. E lo fa servendosi proprio di quegli strumenti nerd che tutti conosciamo: le serie tv che abbiamo binge-watchato su Netflix, i film che ci hanno fatto piangere al cinema, le trame che ci hanno accompagnato per anni. Non c’è pietà nel suo racconto, e non ce n’è bisogno: “Infedeli alla linea” non cerca approvazione. Non ammicca, non addolcisce. Ti guarda negli occhi e ti dice: guarda meglio.

Le illustrazioni di Chiaralascura non sono da meno: evocative, potenti, disarmanti nella loro sincerità visiva. Sono immagini che parlano anche quando la voce manca, e che rendono visibile – finalmente – ciò che è stato troppo a lungo invisibilizzato. Un corpo grasso che occupa spazio, che esiste senza chiedere permesso, che non è messo lì per essere corretto. È un atto di resistenza. È una rivendicazione estetica e politica.

“Infedeli alla linea” si legge come un manifesto, ma con la forza emotiva e argomentativa di un saggio ben documentato. È un’opera che serve, e che serve adesso, in un’epoca in cui il cambiamento culturale passa inevitabilmente attraverso la rappresentazione. Perché ciò che vediamo – nei film, nelle serie, nei fumetti, nei videogiochi – modella il nostro sguardo, influenza la nostra empatia, definisce il nostro concetto di normalità.

Ecco perché noi del CorriereNerd.it non possiamo che invitarvi a leggere questo libro. A farlo vostro. A discuterne nei forum, a portarlo alle fiere del fumetto, a usarlo come lente per riguardare quelle storie che abbiamo tanto amato. Perché essere nerd non significa solo conoscere tutto su “Stranger Things” o saper citare a memoria “The Mandalorian”. Significa anche avere la curiosità e il coraggio di rimettere in discussione i codici narrativi, di decostruire l’immaginario per ricostruirlo in modo più giusto, più inclusivo, più vero.

“Infedeli alla linea” è più di un libro: è un detonatore culturale. E se siete pronti ad accoglierne la sfida, non potrete più guardare il mondo – e la cultura pop – con gli stessi occhi di prima.

E tu, che ne pensi? Hai mai notato quanto spesso i corpi grassi vengano rappresentati in modo stereotipato nei tuoi film o serie preferite? Raccontacelo nei commenti o condividi l’articolo sui tuoi social con l’hashtag #InfedeliAllaLinea. Cambiare sguardo è il primo passo.

Cinema & Tv

L’Eternauta: La Serie Netflix che Adatta il Fumetto Iconico con Fedeltà e Nuove Sfide

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L’adattamento de L’Eternauta alla serie Netflix ha generato grandi aspettative fin dal suo annuncio. Il leggendario fumetto argentino, scritto da Héctor Oesterheld e illustrato da Francisco Solano López, è uno dei capisaldi della narrativa post-apocalittica, e non solo in Argentina. Con la sua potente miscela di fantascienza, dramma umano e critica sociale, L’Eternauta ha conquistato generazioni di lettori e ora tenta di fare lo stesso con il pubblico globale attraverso una produzione di alto livello targata Netflix.

La serie racconta la storia di Juan Salvo, il protagonista che lotta per la sopravvivenza in una Buenos Aires avvolta da una neve mortale che uccide tutto ciò che tocca. Ma come avviene spesso con le trasposizioni, ci sono sfide nell’adattare un’opera così iconica e affascinante a un nuovo medium. La domanda sorge spontanea: quanto riuscirà la serie a mantenere la potenza emotiva e la critica sociale del graphic novel senza scivolare nelle convenzioni della fantascienza moderna?

Il primo aspetto che salta all’occhio nella serie è la scelta di ambientare l’invasione aliena in un’Argentina contemporanea. Il contesto, che nel fumetto originale rifletteva la grave instabilità politica e sociale del paese negli anni ’50, è stato adattato agli scenari attuali, con le politiche di austerità e l’instabilità economica del governo di Javier Milei a fare da sfondo. La decisione di aggiornare il contesto sociale non è affatto banale, e sebbene perda parte del messaggio politico originario, conferisce alla serie una contemporaneità che potrebbe risuonare con i pubblici di oggi. L’inclusione di temi post-apocalittici, come la lotta per le risorse e i contrasti generazionali, fa da collante con le difficoltà del presente. Ma se questo aspetto può essere apprezzato per il suo tentativo di restare rilevante, non si può fare a meno di notare che il cuore pulsante dell’opera originale è stato, in qualche modo, sbiadito.

La scelta di Juan Salvo come protagonista, interpretato dal carismatico Ricardo Darín, è un colpo da maestro. Darín riesce a incarnare perfettamente l’eroismo e la debolezza del personaggio, ma anche qui si nota una deviazione rispetto al fumetto: Salvo, nel graphic novel, è un uomo di mezza età che lotta contro le difficoltà con una determinazione che solo l’esperienza può conferire. Nella serie, però, il suo confronto con i più giovani, più impulsivi e spesso egoisti, diventa una riflessione su un gap generazionale sempre più marcato. Quello che però poteva essere un tema interessante si traduce spesso in una rappresentazione piuttosto standard del conflitto tra le generazioni, con un’intensità che non riesce sempre a decollare.

Dal punto di vista visivo, L’Eternauta è una serie ben realizzata. La fotografia e l’ambientazione sono suggestive e riescono a ricreare l’atmosfera minacciosa e inquietante del fumetto. Non c’è dubbio che la serie riesca a catturare la bellezza cupa di un mondo sull’orlo della distruzione. Ma se la messa in scena è riuscita, la narrazione lascia un po’ a desiderare. La lentezza con cui si sviluppano alcuni eventi e la scarsa innovazione nella trama potrebbero deludere chi si aspetta una rivisitazione più audace dell’opera.

Il ritmo narrativo è piuttosto disomogeneo: alcuni episodi si trascinano, superando l’ora di durata senza una giustificazione chiara, mentre altri sembrano troppo brevi, come se stessero cercando di comprimere troppe informazioni in poco tempo. Le ragazze protagoniste dell’episodio pilota, per esempio, sono una figura centrale che viene ignorata fino al penultimo episodio, creando un vuoto narrativo che potrebbe lasciare il pubblico confuso. Inoltre, il grande mistero della “neve” non viene affrontato in modo soddisfacente fino al quarto episodio, rischiando di spezzare l’attenzione dello spettatore.

La serie, purtroppo, non riesce sempre a mantenere la freschezza del fumetto, ripetendo alcune dinamiche già viste in altri adattamenti apocalittici. La lotta per la sopravvivenza, l’egoismo che prende il posto della solidarietà e la crudeltà umana, sono tutti temi che L’Eternauta condivide con altri racconti del genere, da The Mist a Falling Skies. Se da un lato questa somiglianza non è un difetto in sé, visto che L’Eternauta ha ispirato questi e altri lavori successivi, dall’altro rende la serie un po’ prevedibile, facendo sembrare che l’elemento di sorpresa sia ormai svanito.

Un successo che fa ben sperare

Nonostante queste pecche, la serie di L’Eternauta ha riscosso un successo notevole. La critica si è mostrata entusiasta, con il 93% di gradimento da parte della stampa su Rotten Tomatoes, e la reazione del pubblico è altrettanto positiva, con una percentuale che sfiora il 96%. Questo non fa altro che confermare il fascino duraturo dell’opera e la sua capacità di attrarre nuovi spettatori. Netflix ha già confermato una seconda stagione, e non è difficile immaginare che questo adattamento continui a crescere, trovando la sua strada tra gli alti e bassi.

Nel complesso, L’Eternauta è una serie che merita attenzione, non solo per il suo legame con un’opera fondamentale del fumetto mondiale, ma anche per il tentativo di portare un messaggio universale di resistenza e speranza nel mondo contemporaneo. Sebbene non riesca a raggiungere la perfezione, riesce comunque a cogliere lo spirito di un racconto che, fin dalla sua nascita, ha parlato del conflitto tra l’uomo e le forze che minacciano di distruggere la sua umanità.

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“Il principe e il povero”: Attilio Micheluzzi riscopre Mark Twain in un adattamento senza tempo

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C’è qualcosa di magico nel vedere un classico della letteratura trasformarsi in un’opera visiva che riesce a mantenere tutta la potenza emotiva dell’originale, pur arricchendola con un nuovo linguaggio. È proprio questo che accade con il nuovo adattamento a fumetti de “Il principe e il povero”, un capolavoro senza tempo di Mark Twain, che torna a vivere sotto le mani esperte del maestro del fumetto Attilio Micheluzzi. Questo adattamento, che nasce come un progetto pubblicato su Il Giornalino nel 1979, è ora disponibile in un’elegante edizione cartonata a colori, che raccoglie le magnifiche tavole realizzate da Micheluzzi su testi di Raoul “Roudolph” Traverso. Un’edizione che non solo riscopre il classico di Twain, ma lo reinventa per le nuove generazioni di lettori.

La storia, ambientata nella Londra del sedicesimo secolo, ruota attorno a due bambini che, pur condividendo lo stesso volto, sono lontanissimi per status sociale e condizioni di vita. Tom Canty, figlio di una famiglia poverissima, cresce tra miseria e privazioni, mentre Edoardo Tudor è il principe d’Inghilterra, futuro erede al trono di un intero regno. Nonostante le loro vite siano così diverse, entrambi sognano di poter vivere un’altra esistenza, lontano dalle costrizioni e dai ruoli imposti dalla nascita. La loro inaspettata somiglianza fisica darà il via a uno degli scambi di identità più celebri della letteratura, dando vita a una riflessione profonda sulla giustizia, l’identità e le disuguaglianze sociali.

Micheluzzi, uno dei più grandi talenti del fumetto italiano, si cimenta per la prima volta con un adattamento letterario proprio con questa opera, riuscendo a trasporre in immagini la stessa intensità emotiva e il significato universale del romanzo di Twain. Il tratto preciso, ma al contempo vibrante, di Micheluzzi riesce a rendere l’oscura realtà dei quartieri poveri di Londra così come la fastosa corte Tudor, restituendo allo stesso tempo una grande ricchezza di dettagli storici e una capacità evocativa che trascende il semplice racconto per diventare un’esperienza visiva immersiva. Ogni tavola sembra raccontare una storia a sé, dai grigi vicoli che avvolgono Tom Canty, fino ai sontuosi abiti e alle imponenti architetture che definiscono il mondo di Edoardo Tudor. La sua arte è, senza dubbio, un veicolo perfetto per il racconto, e l’atmosfera di opulenza e miseria, di ingiustizia e speranza, prende vita sotto il suo tratto sapiente.

A completare l’opera, il testo di Raoul “Roudolph” Traverso, scrittore raffinato e noto per la sua capacità di riscrivere i grandi classici, conferisce al fumetto una scrittura fluida e aderente alla prosa originale di Twain, mantenendo la forza e la profondità della narrazione senza rinunciare alla freschezza necessaria per un’opera a fumetti. Traverso sa come condensare e adattare, preservando l’intensità dell’avventura, ma anche la sottile critica sociale che Twain aveva messo al centro della sua storia. La lettura, così, scorre piacevole ma mai superficiale, richiamando con intelligenza le tematiche della giustizia e del potere che, pur ambientate nel passato, risuonano fortemente anche nel presente.

Il principe e il povero, quindi, non è solo una storia di scambi di identità e di avventure rocambolesche, ma una riflessione sulla società e sulle sue disuguaglianze, che si fanno sempre più attuali. Le apparenze ingannano, e il vero valore dell’essere umano viene rivelato solo quando le maschere cadono. È proprio questo il cuore dell’opera, che si riflette tanto nel romanzo di Twain quanto in questa sua splendida versione a fumetti: il messaggio che l’identità è molto più di ciò che appare, che non è il rango o la condizione sociale a determinare la vera nobiltà di un individuo.

Questa nuova edizione, pubblicata dalle Edizioni NPE e disponibile in libreria dal 2 maggio, rappresenta quindi non solo un’opera di recupero di un classico, ma anche una riproposizione di un pezzo di storia del fumetto italiano. Micheluzzi e Traverso riescono a rendere la lettura di Il principe e il povero un’esperienza che affascina tanto i giovani lettori quanto gli appassionati di fumetto e letteratura, con una narrazione che ha il potere di trasportare il lettore in un’altra epoca, ma allo stesso tempo di fargli riflettere sul mondo in cui vive.

Un adattamento che, proprio come il romanzo di Twain, non perde mai di forza e attualità. Una storia che, ancora oggi, continua a parlare di noi e della nostra società, con una freschezza che travalica il tempo. E se il fumetto è, come spesso si dice, un linguaggio universale, allora quest’opera è la prova che un classico della letteratura può davvero diventare immortale, anche sotto forma di immagini.

Cinema & Tv

iHostage: Un thriller teso e realistico che esplora il lato oscuro della società moderna

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iHostage, un thriller diretto dal regista Bobby Boermans, è una delle proposte più intriganti e controversie nel panorama cinematografico del 2025, presentando un’immersione profonda e cruda in un evento ispirato a un fatto di cronaca realmente accaduto ad Amsterdam. Con una trama che unisce tensione psicologica e riflessione sociale, il film si sviluppa intorno a un sequestro di ostaggi avvenuto nel 2022, all’interno di un Apple Store nel cuore della città. Ma se da un lato iHostage incarna i tratti tipici di un thriller, dall’altro offre uno spunto per riflessioni più ampie sul fallimento delle politiche sociali e le conseguenze di un contesto sempre più polarizzato.

La trama ruota attorno a Ammar Ajar (interpretato da Soufiane Moussouli), un uomo armato che entra in un Apple Store di Amsterdam prendendo in ostaggio un cliente bulgaro, Ilian Petrov (Admir Šehović). Ammar chiede un riscatto di 200 milioni di dollari in criptovalute e un passaggio per poter scappare e ricominciare daccapo. A mettersi in gioco per negoziare con lui, con l’obiettivo di salvare il maggior numero di persone possibile, è Lynn (Loes Haverkort), una negoziatrice della polizia, che inizia a instaurare un rapporto personale con l’aggressore per cercare di disinnescare la situazione. La storia si arricchisce di una serie di dettagli che creano un’atmosfera di crescente tensione, mentre l’intreccio si sviluppa con i personaggi nascosti in vari angoli del negozio, tutti in balia di un sequestro che, passo dopo passo, si fa sempre più carico di minacce.

La forza di iHostage risiede nell’approccio realistico alla trama. La sceneggiatura di Simon de Waal, che ha anche una carriera da detective della polizia di Amsterdam, si sforza di rimanere il più fedele possibile agli eventi del 22 febbraio 2022. L’ispirazione dal fatto di cronaca è palpabile, e de Waal, attraverso le sue esperienze nel corpo di polizia, ha cercato di scavare nelle dinamiche reali dell’operazione, rimanendo ancorato alla realtà di un sequestro che, purtroppo, non è stato privo di controversie. Il film non si perde in colpi di scena troppo spettacolari, ma piuttosto si concentra sulle emozioni crude dei protagonisti, cercando di costruire una narrazione che sia il più possibile verosimile.

Ammar, il sequestratore, non è semplicemente un criminale psicopatico, ma un uomo segnato da un passato traumatico, cresciuto tra Olanda e Siria, un background che fa da eco alla realtà di molti giovani emarginati. È in questa dimensione umana che il film cerca di scavare, cercando di porre una lente d’ingrandimento sulla frustrazione e sull’impossibilità di trovare una via d’uscita per coloro che, pur vivendo in un paese all’avanguardia come l’Olanda, si ritrovano ad affrontare sfide devastanti. Questo aspetto è ben rappresentato dalla performance di Soufiane Moussouli, che dipinge Ammar come un personaggio umano, per quanto il suo atto di violenza non possa essere giustificato. Al suo fianco, il personaggio di Ilian Petrov, interpretato da Admir Šehović, è altrettanto profondo: Petrov è un uomo che, pur essendo ostaggio, non è immune alla propria lotta interiore, tra difficoltà lavorative e il timore di deludere la sua famiglia.

Lynn, la negoziatrice, è il perno intorno al quale ruota tutta la vicenda, e il suo approccio empatico nei confronti del sequestratore è l’unica speranza di salvezza. Loes Haverkort riesce a rendere il suo personaggio credibile e determinato, riuscendo a far emergere il conflitto interiore di una donna che cerca di salvare le vite degli ostaggi senza rinunciare alla propria umanità. In un contesto così drammatico, il suo ruolo è cruciale per portare il film da un thriller teso a un racconto di speranza e resilienza.

Un altro punto di forza del film è la sua capacità di rimanere fedele alla realtà, senza indulgere in eccessi melodrammatici o colpi di scena forzati. Se da un lato la dinamica del sequestro si basa su un evento reale, dall’altro la pellicola non risparmia una critica sottile al sistema sociale che ha contribuito a creare le precondizioni per tale violenza. Ammar, infatti, rappresenta una sorta di fallimento delle politiche sociali in una società che, pur essendo avanzata, non è riuscita a rispondere adeguatamente alle necessità di tutte le sue componenti. Il finale del film, purtroppo, non è altro che un’amara riflessione su come la violenza, quando non affrontata, possa sfociare in tragedia.

Il cast di iHostage offre una performance corale convincente. Soufiane Moussouli è un protagonista intenso, mentre Admir Šehović rende Ilian Petrov un personaggio enigmatico e disarmato. Loes Haverkort nel ruolo di Lynn è una presenza di calma determinazione, ma anche di vulnerabilità. I personaggi di supporto, come il comandante della polizia Kees van Zanten (Marcel Hensema) e i membri del team di intervento speciale, danno corpo a un cast che, pur non essendo mai troppo invadente, si inserisce perfettamente nell’intreccio narrativo.

Dal punto di vista della produzione, iHostage è un film che riesce a sfruttare la tensione dello scenario ristretto del negozio, creando un’atmosfera claustrofobica che si riflette anche nelle azioni e nelle scelte dei protagonisti. La regia di Bobby Boermans, che ha già avuto esperienza nel trattare temi ad alta tensione, è precisa e tesa, con un ritmo che non concede spazio a pause superflue.

Nonostante i suoi pregi, iHostage non è privo di controversie. La gestione della psicologia del sequestratore è un aspetto che lascia spazio a discussioni, con alcune critiche che sottolineano come il film non riesca a esplorare appieno le motivazioni più profonde di Ammar, rendendolo più un simbolo del fallimento delle politiche sociali che un individuo complesso. La scelta di enfatizzare la figura della polizia e di ridurre la controversia sulla conclusione dell’incidente, in cui Ammar viene investito e ucciso, è un altro punto di frizione che invita a riflessioni più critiche sulla rappresentazione della giustizia. iHostage è un thriller avvincente, realista e psicologicamente intenso, che riflette sulla società, sulle sue ingiustizie e sulle sue vulnerabilità. Nonostante alcune scelte narrative discutibili, il film riesce a mantenere una tensione che tiene lo spettatore coinvolto dall’inizio alla fine. Un film che, purtroppo, risulta anche estremamente attuale, offrendo una riflessione amara sul nostro tempo.

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Torsoli: Guglielmo Tell nella lotta contro gli zombie, un’originale rivisitazione horror del mito svizzero

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Immaginate di prendere una delle leggende più iconiche della storia, quella di Guglielmo Tell, e di catapultarla in un mondo post-apocalittico invaso da zombie. Potrebbe sembrare una combinazione bizzarra, ma è esattamente ciò che Joël Prétôt fa con la sua graphic novel Torsoli, pubblicata dall’Istituto Editoriale Ticinese (IET) nella collana “Le Nuvole”. Un’opera che riesce a fondere con maestria il folklore svizzero, l’horror e una critica sociale di grande impatto, portando sullo schermo una versione inedita e inquietante del celebre eroe svizzero.

Guglielmo Tell, noto per la sua resistenza e per la sua lotta per la libertà contro l’oppressione, viene reimmaginato in un contesto post-apocalittico dove il male che minaccia la sua terra non è più un tiranno umano, ma un’orda di non morti famelici che infetta ogni angolo della sua patria. In Torsoli, Tell non è più solo il simbolo dell’indipendenza elvetica, ma diventa il faro di una lotta disperata contro un male che dilaga inesorabile. La sua arciere di fama mondiale non punta più a colpire frutti o tiranni, ma a fermare l’avanzata di una minaccia che trasforma i suoi compaesani in esseri privi di volontà e umanità.

Joël Prétôt, con il suo approccio originale e audace, riscrive la storia di Guglielmo Tell attraverso lenti horror e sociali. La scelta di inserire gli zombie in questo contesto non è casuale. Infatti, l’invasione degli zombi diventa una potente metafora della pericolosa diffusione di ideologie e mali contagiosi che travolgono le comunità, minacciando la loro stessa identità. Un tema che, sebbene possa sembrare anacronistico, è terribilmente attuale e rilevante, portando alla luce riflessioni sulle paure collettive, sulla resistenza e sulla lotta per la sopravvivenza in un mondo che cambia a una velocità spaventosa.

La storia di Torsoli è quindi più di un semplice racconto di zombi. È una riflessione sulla fragilità della società, un’esplorazione della condizione umana, vista attraverso il prisma di un mito eterno, quello di Guglielmo Tell, che viene trasfigurato in un eroe moderno, ma pur sempre legato alle sue radici. Prétôt non si limita a riprendere il mito originale, ma lo deforma, lo distorce, lo adatta ai tempi oscuri che sta raccontando. E lo fa con una grazia particolare, che unisce il ritmo dell’azione all’introspezione psicologica del protagonista.

Joël Prétôt, classe 1985 e originario di Paradiso, è un fumettista e illustratore che ha acquisito grande notorietà nel panorama italiano, grazie al suo stile distintivo e alla sua capacità di affrontare tematiche complesse con un linguaggio visivo unico. Dopo aver frequentato la Scuola del Fumetto di Milano, ha avuto modo di cimentarsi in numerosi progetti, realizzando opere autoprodotte e su commissione. Il suo impegno nel settore sociosanitario, poi, arricchisce ulteriormente la sua visione artistica, conferendo alle sue opere una profondità e una sensibilità rara. Con Torsoli, Prétôt non si limita a narrare una storia, ma invita il lettore a riflettere, a interrogarsi sul mondo che lo circonda e a confrontarsi con le proprie paure.

La scelta del contesto svizzero e la rilettura di una figura come Guglielmo Tell offrono, dunque, un’opportunità unica per esplorare temi universali come la libertà, la resistenza e la lotta contro l’oppressione, ma anche la paura del cambiamento e della disintegrazione sociale. Con un impianto narrativo che sa mescolare tradizione e innovazione, Torsoli non è solo un’opera di intrattenimento, ma un’occasione per riflettere sulle forze che modellano la nostra società e le nostre identità.

In conclusione, Torsoli è un’opera che segna un passo importante nel panorama del fumetto contemporaneo, un lavoro che va oltre la superficie e riesce a intrecciare generi diversi, dal folklore all’horror, dalla critica sociale alla riflessione sull’indipendenza e la lotta. Joël Prétôt ci regala una rivisitazione di Guglielmo Tell che, in un mondo invaso da zombie, assume nuovi e inquietanti significati, diventando non solo il simbolo di un’epoca, ma anche di un’umanità che lotta, a fatica, per non soccombere alle proprie paure.

Books + Comics

#Justkilling – Il lato oscuro dei social nel nuovo, disturbante fumetto italiano

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Eccomi qui, con il cuore che batte ancora forte dopo aver sfogliato l’ultima pagina di #Justkilling, un graphic novel che mi ha completamente assorbita, sconvolta, e – lo ammetto – anche un po’ turbata. Ma d’altronde, cosa ci si può aspettare da una storia che ti catapulta senza anestesia nel lato più oscuro del deep web, dove il confine tra realtà e perversione digitale si dissolve in un click?Firmato a sei mani da tre autori italiani con la A maiuscola – Giacomo “Keison” Bevilacqua, Giulio Antonio Gualtieri e il giovane talento Vincenzo Puglia – #Justkilling è una di quelle opere che ti si attaccano addosso come una seconda pelle. Non è solo un thriller adrenalinico e dal ritmo serrato, ma anche una vera e propria radiografia sociale della nostra epoca più disturbata e distopica.

La premessa è tanto semplice quanto disturbante: un social network nascosto tra le pieghe del deep web – quel ventre digitale oscuro e inaccessibile ai più – ospita una challenge mortale tra serial killer. Dieci omicidi, dieci bersagli scelti dalla piattaforma stessa, e in palio l’immunità totale: il sogno proibito di ogni assassino, ma anche il simbolo di una società dove tutto, anche la morte, può diventare gamificato. E quando arrivi a cinque vittime, scatta un “malus”. Una complicazione. Una svolta imprevista che spezza le gambe ai protagonisti e al lettore, costringendoli a rivedere tutto il senso del gioco.

Ma parliamoci chiaro: #Justkilling non è solo sangue, violenza e suspense. È anche (e soprattutto) un romanzo di formazione malato, una riflessione cruda e crudelmente onesta sul disagio adolescenziale, sulle identità fluide e fragili dei più giovani, risucchiati in una spirale che mescola voglia di riscatto, solitudine e fame d’amore. I due protagonisti – ragazzi intrappolati in un sistema più grande di loro – sono lo specchio dei dubbi e delle insicurezze di un’intera generazione. Si cercano, si sfidano, si trasformano. E in questa metamorfosi, ci raccontano cosa significa diventare adulti in un mondo che non lascia scampo.Il tratto di Vincenzo Puglia, intenso, diretto, a tratti quasi allucinato, è il veicolo perfetto per una storia che vive di contrasti: il digitale contro il reale, l’adolescenza contro la brutalità, l’anonimato contro la necessità di esistere davvero, anche solo per un attimo. C’è qualcosa di ipnotico nelle sue tavole: ogni vignetta è una ferita aperta, ogni espressione un urlo silenzioso. E poi c’è la critica sociale, potentissima. #Justkilling è una denuncia chiara e precisa della nostra ossessione per i social, per il like facile, per l’apparenza. Viviamo in un’epoca in cui tutto deve essere visto, condiviso, valutato. E quando questa dinamica viene applicata alla violenza estrema, cosa resta della nostra umanità? È davvero così assurdo pensare che, in un futuro non troppo lontano, l’assassinio possa diventare contenuto virale? È proprio questo che fa più paura: non la brutalità in sé, ma quanto essa sembri plausibile. Attuale. Reale.

Star Comics, con la sua collana Astra, si conferma ancora una volta come uno dei baluardi della fumettistica italiana più coraggiosa e innovativa. Dare spazio a opere come questa significa credere nel potenziale del fumetto come forma d’arte e strumento di critica culturale.

#Justkilling è una lettura che consiglio a tutti, ma non a cuor leggero. Serve stomaco, ma anche mente aperta e voglia di lasciarsi provocare. Perché non è solo una storia da leggere: è un’esperienza da vivere. E da raccontare. E voi? Avete il coraggio di entrare nel lato oscuro dei social network? Di scoprire fin dove può arrivare la mente umana quando viene spinta oltre ogni limite?Parliamone. Condividete le vostre impressioni, postate, commentate, taggate: fate vivere questa storia anche fuori dalle pagine. Perché #Justkilling non è solo un fumetto. È uno specchio. E a volte, quello che riflette fa davvero paura.

AULAMANGA, Cinema & Tv, Glorie Nerd Vintage

Porco Rosso di Miyazaki: un capolavoro di libertà, fascismo e aviazione nell’Italia del 25 aprile

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Il 25 aprile, Giorno della Liberazione, è una data che ci invita a riflettere su temi di libertà, lotta e resistenza, e quest’anno lo fa con una risonanza inaspettata: grazie alla proiezione speciale di Porco Rosso, uno dei capolavori di Hayao Miyazaki, che torna a risuonare nelle sale italiane in occasione dell’80º anniversario della Liberazione. Perché, sebbene questo film d’animazione giapponese non sembri, a prima vista, avere un legame diretto con la nostra storia, la sua profonda critica al fascismo, l’ambientazione nel cielo dell’Adriatico e la sua celebrazione della libertà lo rendono un perfetto veicolo di riflessione storica.

“Piuttosto che diventare un fascista, meglio essere un maiale!” Questa affermazione di Marco Pagot, l’aviatore protagonista, riecheggia forte nei nostri cuori in un giorno che celebra la vittoria contro il regime fascista. Porco Rosso, uscito nel 1992 e diretto dal genio del maestro Miyazaki, è uno dei suoi lavori più personali, più di ogni altro film che abbia mai creato. Non solo per il suo profondo amore per l’Italia – che traspare in ogni singola scena, tra cieli azzurri e mari cristallini dell’Adriatico – ma anche per la forza dei suoi temi universali: la condanna della guerra, il rifiuto delle oppressioni politiche e la continua ricerca della libertà.

La storia ci porta nella vita di Marco Pagot, un asso dell’aviazione militare italiana della Prima Guerra Mondiale, che, a seguito di un incidente misterioso, si trasforma in un maiale antropomorfo. Da quel momento, con il nome di battaglia “Porco Rosso” e il suo idrovolante rosso, decide di ritirarsi dal mondo militare e vivere come cacciatore di taglie. Una scelta che, in apparenza, è un semplice desiderio di libertà, ma che si carica di significati più profondi. In questo film, il volo non è solo un’abilità tecnica, ma una metafora di evasione e ribellione, un modo per sentirsi liberi di fronte a un mondo che sembra opprimente e privo di speranza.

Ma Porco Rosso non è solo un’avventura con aerei e pirati del cielo, è anche una potente allegoria contro il fascismo. La scelta di Miyazaki di rendere il protagonista un uomo-maiale non è casuale: se da un lato il maiale è visto nella cultura buddhista come simbolo di ignoranza e autoinganno, dall’altro è anche un animale che suscita simpatia, proprio come lo stesso Miyazaki ha spesso fatto notare riguardo alla sua personale visione del maiale. Il protagonista, Marco, si vede come un reietto della società, proprio perché rifiuta il fascismo e le sue imposizioni, ma lo fa con un senso di dignità che non lo rende mai veramente negativo.

In effetti, il film è noto per il suo approccio sfumato alla moralità. Donald Curtis, il pilota americano e antagonista del film, pur essendo il nemico di Marco, non è mai rappresentato come una figura completamente negativa. Così come il personaggio di Fio Piccolo, la giovane meccanica che diventa un’alleata fondamentale di Marco: la sua presenza è un chiaro omaggio a una delle costanti nei film di Miyazaki – la figura della ragazza giovane e coraggiosa che spinge il protagonista a rimettere in discussione le sue convinzioni.

Il legame con l’Italia, tuttavia, è palpabile e innegabile. Miyazaki, come molti giapponesi della sua generazione, ha nutrito un profondo affetto per il nostro paese, tanto che le location del film richiamano paesaggi italiani, soprattutto della zona dell’Istria e della Dalmazia, dove si sviluppa la trama. Lo stesso idrovolante di Marco, con la sua inconfondibile vernice rossa, sembra evocare l’essenza di un’Italia più romantica, quella dei cieli azzurri e delle coste brulle. Ma al di là dell’omaggio visivo, Porco Rosso tocca un nervo vivo della nostra storia: il rifiuto del fascismo e la lotta per la libertà.

La metafora dell’uomo-maiale, con la sua ambiguità, diventa la lente attraverso la quale esplorare la disillusione di un individuo che ha perso tutto, ma che, attraverso il suo rifiuto dell’orrore della guerra, riscopre una forma di coraggio che va oltre il combattimento fisico. La sua battaglia è prima di tutto interiore, un’epica ricerca di redenzione e di umanità, dove il volo e l’amore perduto rappresentano i suoi ideali di libertà.

Anche la storia del film ha il suo fascino e la sua unicità. Inizialmente concepito come una produzione per una compagnia di volo, Porco Rosso è diventato uno dei più amati e apprezzati film dello Studio Ghibli, non solo per la sua affascinante narrazione, ma anche per il modo in cui affronta temi complessi con leggerezza e profondità. Il personaggio di Marco è un anti-eroe, che si rifiuta di aderire a un sistema che non condivide, vivendo ai margini della società, ma sempre in lotta per qualcosa di più grande di lui.

Quando nel 2003 il film è stato finalmente distribuito in Italia, è stato accolto con grande entusiasmo, ma anche con una certa frustrazione, dato che l’edizione in italiano era stata rimandata più volte e solo nel 2010 è stata presentata in una versione restaurata e sottotitolata, che ha restituito la vera essenza del film al pubblico italiano.

Oggi, a distanza di oltre vent’anni dalla sua uscita, Porco Rosso è diventato un film simbolo, non solo di una giapponese riflessione sul fascismo e sulla guerra, ma anche un omaggio a un’Italia che, seppur attraversata dal dolore e dalla lotta, ha sempre saputo rialzarsi. In questo 25 aprile, il ritorno in sala di Porco Rosso è un’opportunità per rivivere, attraverso gli occhi di Miyazaki, un pezzo della nostra storia e per riflettere sul valore della libertà in un mondo che ancora, troppo spesso, sembra dimenticarlo.

Quindi, che siate appassionati di aviazione, amanti della cultura giapponese o semplicemente alla ricerca di un film che vi faccia riflettere, non lasciatevi sfuggire l’occasione di vedere Porco Rosso in una delle proiezioni speciali. È un’opera che, ancora oggi, continua a parlare di noi.

Approfondimenti, Cinema & Tv

Black Mirror: il nostro oscuro riflesso in sette stagioni di distopia tecnologica

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Come appassionata di fantascienza da sempre, devo confessarlo: ogni volta che si parla di Black Mirror mi si accende quella scintilla negli occhi, quella che solo le grandi storie sanno accendere. E ora, con la settima stagione finalmente tra noi, è impossibile non sentire quel fremito elettrico che solo le grandi serie riescono a suscitare. Perché sì, Black Mirror è tornata, e sembra più inquietante, profonda e provocatoria che mai.b Questa creatura nata dalla mente brillante e disturbante di Charlie Brooker non è una semplice serie antologica. È un’esperienza, un viaggio attraverso le pieghe più oscure della nostra relazione con la tecnologia. L’ho iniziata per curiosità – lo ammetto, attratta da quella sua fama da “serie che ti sconvolge” – ma è bastato un solo episodio per capire che stavo entrando in un territorio molto, molto personale.

Dalla sua prima apparizione nel 2011 su Channel 4, fino alla sua consacrazione globale grazie a Netflix, Black Mirror ha dimostrato di avere qualcosa che pochissime serie riescono davvero a offrire: la capacità di farti guardare dentro. E quando dico “dentro”, intendo davvero dentro – nei nostri abissi digitali, nelle nostre dipendenze da like e notifiche, nei desideri di controllo e nella paura di perdere se stessi. Ogni episodio è come una breve seduta di psicoterapia tecnologica. Ti mette davanti a scenari che sembrano assurdi, finché non ti accorgi che stanno già accadendo, magari in forma più soft, più accettabile… per ora.

E non è solo questione di scenari futuristici. Il vero genio di Black Mirror sta nella sua capacità di rendere queste distopie profondamente umane. Non ci racconta solo l’evoluzione dell’intelligenza artificiale o dei social network, ma ci mostra come questi strumenti si intrecciano con le nostre fragilità, con i nostri sogni, le nostre ossessioni, le nostre paure più intime. Dietro ogni interfaccia c’è un cuore che batte – spesso confuso, spesso spezzato. Con la settima stagione, questa tensione tra umanità e tecnologia torna prepotente. Dopo una sesta stagione che aveva diviso pubblico e critica (ma che io, personalmente, ho trovato audace nel suo sperimentare nuovi linguaggi), Brooker sembra voler tornare alle origini, ma con una nuova maturità. Ogni episodio è una lama affilata che incide sulla pelle sottile del nostro presente, e anche se sai che farà male, non puoi fare a meno di guardare. E allora eccoci qui, davanti a quello schermo nero che, ancora una volta, riflette i nostri occhi. Uno specchio digitale che ci sfida, ci giudica e ci racconta. E forse, tra un colpo al cuore e una stretta allo stomaco, ci insegna anche qualcosa su chi siamo diventati e su chi potremmo ancora essere.

L’era Channel 4: prime due stagioni e l’origine dell’angoscia

Quando Black Mirror fece il suo debutto, fu come un fulmine a ciel sereno. Solo sei episodi divisi in due stagioni, ma sufficienti per scolpire la serie nella memoria collettiva degli spettatori più attenti (e più inquieti). Brooker non cercava solo di intrattenere, voleva turbare, scuotere e far riflettere. Il pilot “Messaggio al Primo Ministro” fu un pugno nello stomaco: provocatorio, politicamente scorretto, e soprattutto profetico, ci mostrava il voyeurismo mediatico portato all’estremo. Poi vennero capolavori come “Ricordi Pericolosi”, che sviscerava i pericoli di una memoria perfetta, e “Torna da me”, dove l’intelligenza artificiale diventa il fantasma di chi abbiamo perso, ma mai davvero conosciuto.

Tra tutti, “15 milioni di celebrità” resta uno degli episodi simbolo della serie: un mondo privo di empatia, dove ogni gesto è performativo e ogni emozione mercificata. Lì, l’umanità appare già perduta, intrappolata in una gabbia luminosa fatta di like, voti e illusioni. Un Black Mirror purissimo.

Netflix entra in scena: la terza stagione e l’ambizione globale

Con l’approdo su Netflix, la serie abbandona l’intimismo anglosassone per aprirsi a un pubblico internazionale. La terza stagione è ambiziosa, più cinematografica, forse meno intima ma comunque potente. Su sei episodi, uno brilla più di tutti: San Junipero. Un racconto dolceamaro che unisce amore, morte e realtà virtuale in una poesia digitale dal sapore eterno. È un episodio anomalo, con un lieto fine (rarità assoluta), ma che colpisce al cuore.

Non mancano però episodi più crudi e claustrofobici: “Caduta Libera” ci mostra l’incubo delle valutazioni sociali, “Zitto e Balla” ci ricorda che il web non dimentica e che dietro la facciata di vittime si nascondono spesso mostri. Black Mirror continua a brillare, ma si percepisce già una leggera torsione: la distopia diventa spettacolo, il dolore si fa estetica. E il cambiamento è appena iniziato.

La crisi dell’identità: la controversa quarta stagione

La quarta stagione, nonostante i mezzi più imponenti, viene accolta con freddezza. I fan storici storcono il naso: troppe luci, poca sostanza. Episodi come “Crocodile” e “Arkangel” promettono, ma non mantengono. Le storie sembrano abbozzate, i personaggi anonimi. “Metalhead”, un esercizio di stile post-apocalittico in bianco e nero, omaggia Terminator, ma dimentica l’anima. “Hang the DJ” cerca di replicare il successo emotivo di San Junipero, ma non ci riesce.

L’unico vero gioiello è “USS Callister”, un episodio brillante, ironico e cupo al tempo stesso, che rilegge Star Trek in chiave psicotica e vendicativa. Un omaggio nerd irresistibile, che però appare fuori contesto rispetto al tono generale della serie. La sensazione è che Black Mirror stia diventando vittima del proprio successo: più interessata a stupire che a riflettere, più forma che sostanza.

Ritorno alla semplicità: la breve ma intensa quinta stagione

Con solo tre episodi, la quinta stagione cerca di ricompattare l’identità smarrita. “Striking Vipers” esplora la sessualità e i confini dell’identità digitale attraverso un videogame; “Smithereens” è un intenso thriller psicologico che denuncia la tirannia dell’attenzione; “Rachel, Jack & Ashley Too” propone una favola pop con Miley Cyrus che funziona solo a metà. È una stagione di transizione, dove Black Mirror cerca nuove strade, sperimenta, ma non sempre convince. Eppure, dietro le imperfezioni, si intravede ancora la scintilla dell’inizio.

La sesta stagione: distopia 2.0 tra horror, true crime e metanarrativa

Nel 2023, con la sesta stagione, Black Mirror rinasce. Brooker capisce che ormai la realtà ha superato la fiction e decide di cambiare marcia. Gli episodi diventano meno tecnologici e più umani, il focus si sposta sul nostro rapporto con la narrazione stessa. “Joan is Awful” è una bomba metanarrativa sul potere delle piattaforme streaming, con tanto di cameo satirici. “Loch Henry” e “Mazey Day” esplorano il dark side del true crime e del gossip, mentre “Demon 79” è un horror retrofuturista che sembra uscito da un film di Dario Argento. “Beyond the Sea” ci riporta invece alla solitudine cosmica della fantascienza classica, in uno dei racconti più intensi e struggenti dell’intera serie.

Il cambiamento è evidente, ma non snatura la serie. Black Mirror evolve, diventa più matura, più riflessiva. Non urla, ma sussurra. E il risultato è straordinario.

Il ritorno del mito: la sorprendente settima stagione

La settima stagione, uscita nel 2024, è un regalo per i fan di vecchia data. Sei episodi che omaggiano le radici della serie ma guardano avanti. “Hotel Reverie” è una nuova ode all’amore digitale che strizza l’occhio a San Junipero. “Come un giocattolo” ci riporta all’inquietudine delle intelligenze artificiali con una freddezza quasi lynchiana. “Bestia Nera” e “Eulogia” fondono introspezione e fantascienza con risultati emozionanti.

Ma il vero evento è USS Callister: Infinity, sequel dell’episodio cult, che viene volutamente lasciato avvolto nel mistero. Una scelta geniale che alimenta discussioni e teorie, mantenendo vivo il fascino del non detto.

Anche la colonna sonora torna protagonista con Anyone Who Knows What Love Is, la canzone che ha attraversato tutta la serie come un’eco malinconica di ciò che l’uomo era, prima di diventare schiavo delle sue stesse creazioni.

Il nostro riflesso resta sempre lì

Dopo sette stagioni, Black Mirror è ancora qui. È cambiata, certo, come è cambiato il mondo intorno a noi. Ma non ha mai smesso di farci riflettere, inquietare, emozionare. Charlie Brooker ha costruito un universo narrativo che non solo racconta la tecnologia, ma ci racconta attraverso di essa. Le sue distopie sono diventate previsioni. Le sue fantasie, cronache del presente.

In un’epoca in cui ogni giorno ci svegliamo con una nuova app, un nuovo algoritmo o una nuova intelligenza artificiale pronta a cambiarci la vita, Black Mirror ci ricorda che la vera sfida non è il progresso, ma l’uso che ne facciamo. E, soprattutto, ci fa una domanda fondamentale: siamo ancora noi a controllare la tecnologia, o è ormai lei a controllare noi?

Se anche tu hai vissuto questo viaggio lungo sette stagioni, condividi il tuo episodio preferito o la tua teoria più folle. Parlane sui social, tagga @CorriereNerd.it e raccontaci: quale riflesso hai visto nel tuo Black Mirror?

Cinema & Tv

The Luckiest Man in America: Fortuna, Inganno e Ambizione in un Thriller Psicologico Indimenticabile

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The Luckiest Man in America, uscito nelle sale americane il 4 aprile 2025, è un thriller che non si limita a raccontare una storia di inganno e fortuna, ma offre un’analisi profonda dell’ambizione, della disperazione e delle scelte che definiscono la vita di un uomo. Diretto da Samir Oliveros, noto per il suo lavoro su Bad Lucky Goat, il film è basato su eventi reali e si immerge nel clamoroso scandalo che ha sconvolto l’America negli anni ‘80, quando Michael Larson, un uomo apparentemente ordinario, ha sfidato le regole del famoso game show Press Your Luck. La trama segue Michael Larson (interpretato da Paul Walter Hauser), un camionista disoccupato e venditore di gelati che, grazie alla sua incredibile capacità di memorizzare e prevedere le sequenze del quiz, riesce a vincere milioni di dollari nel programma televisivo. Ma ciò che all’inizio sembra un colpo di fortuna incredibile si trasforma rapidamente in un dramma, quando i produttori del programma cominciano a sospettare che qualcosa non vada. La crescente tensione che ne scaturisce e la caccia all’uomo che si sviluppa dietro le quinte creano una narrazione ad alta suspense, alimentata da un protagonista che non è solo un truffatore, ma un uomo in cerca di una redenzione impossibile.

La performance di Paul Walter Hauser è, senza dubbio, il cuore pulsante del film. Conosciuto per i suoi ruoli in I, Tonya e Richard Jewell, Hauser dà vita a un Michael complesso e sfaccettato, capace di alternare momenti di estrema vulnerabilità a una determinazione incrollabile. L’interpretazione di Hauser regala al film una carica emotiva che, anche quando la trama si tuffa nei più familiari tropi della storia del perdente che ce la fa, riesce a mantenere l’interesse del pubblico.

Samir Oliveros, con la sua regia, è abile nel creare una tensione palpabile che si costruisce gradualmente. Il film, purtroppo, non è immune da alcuni cliché legati alla figura dell’eroe che sfida il sistema, ma la combinazione di suspense e umorismo nero riesce a darne una sfumatura originale. In particolare, l’intreccio tra il lato oscuro del sogno americano e la miseria quotidiana di Michael è raccontato con una sorta di ironia che, pur non dissipando mai la drammaticità della situazione, rende il film accessibile a una vasta gamma di spettatori.

Ciò che distingue The Luckiest Man in America da altri thriller del genere è il modo in cui la storia, pur attingendo a temi ben noti, non si limita a raccontare la scalata di un uomo ai vertici del successo, ma esplora anche la sua discesa nella paranoia e nell’auto-distruzione. Il film riesce a farci riflettere sul prezzo della fortuna e su quanto sia effimera la realizzazione dei sogni, soprattutto quando si affrontano le regole di un sistema che non perdona.

Il cast di supporto, composto da nomi come Walton Goggins, David Strathairn, Maisie Williams e Shamier Anderson, aggiunge profondità e varietà alla narrazione. Ogni personaggio, dal produttore Peter Tomarken (interpretato da Goggins) al misterioso Chuck (Shamier Anderson), arricchisce il racconto di sfumature e conflitti, creando un contrasto interessante con il protagonista. La recitazione di Maisie Williams, che interpreta Sylvia, la figura enigmatica che si lega a Michael, è particolarmente notevole, seppur il suo ruolo possa sembrare un po’ marginale rispetto agli altri.

Un altro aspetto interessante del film è la sua ambientazione negli anni ’80, un periodo in cui i quiz televisivi erano una delle principali forme di intrattenimento e il sogno americano sembrava ancora un obiettivo accessibile a tutti. Oliveros sfrutta questo contesto per unire nostalgia e critica sociale, ma senza mai scadere nel banale. La ricostruzione dell’epoca, con il suo stile visivo e la colonna sonora, aiuta a immergere lo spettatore in un’epoca che, pur distante nel tempo, è ancora ricca di fascino e potenziale cinematografico. The Luckiest Man in America è un thriller avvincente che offre molto più di una semplice storia di truffa e fortuna. È una riflessione sul prezzo del successo, sulla pervasiva sensazione che il sistema sia manipolabile da chi ha la giusta astuzia e sul destino di un uomo che tenta di sfidare le leggi della probabilità. Con una regia solida, una sceneggiatura che tiene alta la tensione e un’interpretazione magistrale di Paul Walter Hauser, il film si rivela una scelta obbligata per gli appassionati di thriller psicologici e di storie vere che fanno riflettere. Se cercate un film che mescoli suspense, nostalgia e introspezione, The Luckiest Man in America è la pellicola che fa per voi.

Books + Comics

“Bruciare” di Naomi Booth: Un romanzo sci-fi e horror che brucia sotto la pelle dei lettori

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Il 9 aprile, nelle librerie italiane, arriva un romanzo che promette di scuotere profondamente chi lo leggerà. Si tratta di Bruciare, il primo romanzo di Naomi Booth pubblicato in Italia. La scrittrice britannica, docente di scrittura e letteratura alla York St John University, si distingue per il suo interesse verso la storia letteraria, la narrativa contemporanea e in particolare le tematiche legate al corpo e all’ambiente. In questo libro, Booth intreccia una storia che va ben oltre i confini di un semplice romanzo di genere, con sfumature di fantascienza, horror contemporaneo, e temi di forte critica sociale e ambientale. Il romanzo ha subito conquistato la critica internazionale, tanto da essere selezionato tra i 50 libri che dovresti leggere secondo The Guardian, che ha anche inserito Bruciare tra i finalisti del prestigioso Not the Booker Award. Ma cos’è che rende questo romanzo così unico e affascinante? La risposta è nella sua capacità di trattare alcuni dei temi più urgenti e drammatici dei nostri tempi, come la maternità, la gravidanza, l’amore, e la crescente contaminazione ambientale, il tutto in un contesto di tensione e terrore.

Un mondo avvelenato dalla paura e dalla contaminazione

Nel cuore di Bruciare, la protagonista, Alice, vive in un mondo in cui l’aria è letteralmente avvelenata, e ogni respiro è una lotta contro un’infezione che si insinua nei corpi e nell’ambiente. La città è un luogo soffocante dove il cielo è coperto da uno strato di smog e tossine, e la pelle dei suoi abitanti si ribella, ammalandosi e trasformandosi in un’arma letale. Alice, terrorizzata dal pensiero di svegliarsi un giorno senza più riconoscersi, decide di fuggire. Cerca un luogo sicuro, lontano dalla contaminazione, dove la natura è ancora intatta, i fiori colorati sbocciano senza paura e il sole tramonta senza smog. Ma c’è un dettaglio che sfugge alla sua mente: nel suo ventre sta crescendo una vita, un bambino che rappresenta un futuro incerto, un futuro che lei teme potrebbe non esserci più.

Ciò che colpisce immediatamente di Bruciare è la potenza con cui Booth descrive il corpo umano in subbuglio, lacerato tra la paura di un futuro incerto e il desiderio di sopravvivenza. La scrittura della Booth ha suscitato paragoni con quella di Margaret Atwood, nota per la sua capacità di esplorare le zone oscure della vita umana. Entrambe le autrici affrontano la paura, la disillusione e la lotta per un futuro in un mondo che sembra sempre più minacciato dalla nostra stessa incoscienza. In Bruciare, il corpo non è solo un veicolo di vita, ma anche un campo di battaglia, un luogo di resistenza contro una realtà che sta lentamente deteriorando tutto ciò che conosciamo.

Le parole di Alice riecheggiano la distorsione della sua realtà: «La pelle è davvero intelligente», le diceva sua madre quando era bambina, ma quella stessa pelle che una volta proteggeva ora è una maledizione. La pelle diventa un simbolo della fragilità umana in un mondo che non perdona, un mondo dove le vecchie magie di guarigione sono state sostituite dalla disperazione. La pelle di Alice non è più un muro che protegge, ma una superficie che brucia e trasforma.

Il manifesto di una realtà distopica

Bruciare non è solo un romanzo che esplora il lato oscuro del corpo umano e del suo ambiente, ma è anche un manifesto femminista, che offre una riflessione profonda e urgente sulla maternità e sull’autoaffermazione in un mondo che sta rapidamente perdendo la sua stabilità. La gravidanza di Alice non è solo un tema intimo e privato, ma un atto di resistenza contro la distopia ambientale che la circonda. Il suo corpo, che porta in sé una nuova vita, diventa un simbolo di speranza e paura, di bellezza e sofferenza.

Il romanzo offre anche uno spunto di riflessione sulle nostre azioni nei confronti dell’ambiente. Bruciare è una sorta di previsione inquietante di ciò che potrebbe accadere se non iniziamo a prenderci cura del nostro pianeta. La contaminazione, l’inquinamento e la crisi ecologica sono temi che non solo caratterizzano l’ambientazione del libro, ma che ne diventano il cuore pulsante. La paura di non avere più un posto sicuro da chiamare “casa” diventa la paura di non poter più abitare un mondo che è destinato a svanire sotto il peso delle nostre stesse azioni. In definitiva, Bruciare di Naomi Booth è un’opera che non si limita a raccontare una storia, ma che induce il lettore a riflettere profondamente sulle nostre paure e sulle nostre scelte. Con una scrittura che mescola viscerale e poetico, l’autrice ci offre un racconto incandescente e disturbante che ci pone davanti a una realtà che potrebbe essere quella di domani se non reagiamo in tempo. Un romanzo che non solo si fa leggere, ma che si fa sentire, bruciando sotto la pelle del lettore e lasciando cicatrici difficili da dimenticare.Bruciare è il secondo volume della collana Selvatica di Wudz Edizioni, una serie che esplora mondi oscuri e inquietanti, e che continuerà a proporre opere capaci di farci guardare oltre la superficie della realtà. Con questo romanzo, Naomi Booth si afferma come una delle voci più potenti nel panorama della letteratura contemporanea, capace di unire il genere sci-fi e horror con una riflessione profonda sulle questioni ambientali e sociali. Un libro che, senza dubbio, merita di essere letto.

Cinema & Tv

Common Side Effects: La Seconda Stagione Porta l’Animazione per Adulti a Nuovi Confini

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Quando la serie animata per adulti Common Side Effects è stata rinnovata per una seconda stagione, non ci sono stati dubbi che stessimo parlando di una delle produzioni più audaci e originali degli ultimi anni nel panorama televisivo. Creata da Joseph Bennett e Steve Hely, la serie ha già conquistato il pubblico e la critica con il suo mix perfetto di umorismo, satira sociale e un’estetica visiva che ha rivoluzionato l’animazione per adulti. Ma cosa ci possiamo aspettare dalla seconda stagione, che arriva dopo un primo capitolo che ha già lasciato il segno nel mondo delle serie per un pubblico maturo? La risposta è semplice: più risate, più intrighi e, soprattutto, una continua esplorazione dei temi più scottanti della nostra società, il tutto condito con un pizzico di follia psichedelica.

La trama di Common Side Effects ruota attorno alla scoperta di un fungo dalle incredibili proprietà curative, il Blue Angel, che potrebbe teoricamente guarire qualsiasi malattia. Dopo averlo scoperto, i protagonisti Marshall e Frances si ritrovano coinvolti in una cospirazione che riguarda una delle maggiori aziende farmaceutiche del mondo, la Reutical Pharmaceuticals. La compagnia, insieme al governo, sta cercando in ogni modo di occultare la verità sul fungo, per non compromettere il suo monopolio sulla salute globale. Questo scenario, che sembra uscito da un incubo distopico, è il terreno fertile per le vicende di Common Side Effects, una serie che non teme di trattare argomenti controversi con l’irriverenza tipica dell’animazione per adulti, ma lo fa con una profondità rara, senza mai dimenticare il suo scopo principale: far ridere e intrattenere.

Quello che ha conquistato il pubblico nella prima stagione è stata proprio la sua capacità di mescolare il grottesco con il brillante. I personaggi sono tanto improbabili quanto affascinanti: Marshall, l’esperto di funghi interpretato da Dave King, è un uomo cauteloso e riflessivo, ma anche un po’ cinico; Frances, la sua vecchia amica di liceo, è una figura più pragmatica, inizialmente scettica ma pronta a sfruttare qualsiasi opportunità per migliorare la vita della madre, affetta da demenza. Il loro rapporto, che mescola nostalgia, rivalità e alleanze improbabili, è il cuore pulsante della serie, ed è proprio questa dinamica a dare spessore ai temi trattati, come la lotta contro le grandi corporazioni, l’avidità e l’autoinganno.

La seconda stagione, che si prepara a esplorare ulteriormente l’universo di Common Side Effects, promette di portare la serie a un livello ancora più alto. I creatori hanno dichiarato di voler spingere ulteriormente i limiti dell’animazione, creando un’esperienza visiva che non solo arricchisce la narrazione, ma sfida anche le convenzioni stesse della forma. La psichedelia, che già nella prima stagione aveva fatto capolino in modo sottile, diventa ora una presenza più marcata, con sequenze oniriche e surreali che non solo riflettono lo stato mentale dei protagonisti, ma offrono anche un commento visivo sui temi trattati, come la manipolazione del sistema sanitario e l’ossessione per il controllo.

Il cast vocale della serie, che già nella prima stagione aveva saputo mescolare comicità e profondità emotiva, ritorna con personaggi altrettanto memorabili. Marshall e Frances continuano a essere il centro della trama, ma nuove figure entrano in scena, pronte a complicare ulteriormente le cose. Da Rick Kruger, l’incompetente e grottesco CEO della Reutical, doppiato dal leggendario Mike Judge, agli agenti della DEA Copano e Harrington, che portano un elemento di umorismo nero nella storia, ogni personaggio è pensato per sfidare le convenzioni dei ruoli tipici delle serie animate. A questi si aggiungono nuovi personaggi che promettono di arricchire il quadro narrativo con conflitti ancora più complessi e, sicuramente, molte più risate.

La serie non è solo una riflessione sull’abuso di potere da parte delle grandi aziende farmaceutiche, ma un vero e proprio viaggio nella cultura contemporanea, nella sua lotta per l’autosufficienza e la ricerca della verità in un mondo che sembra sempre più incline a manipolare la realtà per il proprio tornaconto. La seconda stagione sarà probabilmente ancora più tagliente, con una critica sociale che si fa più esplicita e una satira che si fa più pungente. Il tutto, naturalmente, condito da un umorismo che non ha paura di osare, con un tono che flirta spesso con il surreale e l’assurdo, ma senza mai perdere di vista il messaggio centrale.

Un altro elemento che ha reso Common Side Effects una serie di successo è stato il suo approccio all’animazione, che si distingue dalla tradizione con uno stile unico e visivamente affascinante. La scelta di un’animazione espressiva, capace di alternare momenti di comicità visiva ad altri più intensi e drammatici, è ciò che ha reso la serie così coinvolgente. In questa seconda stagione, possiamo aspettarci che l’aspetto visivo continui a evolversi, con sequenze che riflettono le dinamiche psicologiche dei personaggi e dei loro viaggi interiori, unendo la forma e la sostanza in modo mai visto prima nell’animazione per adulti.

L’elemento che davvero distingue Common Side Effects dalle altre serie del genere è il suo approccio al concetto di “cura”. Mentre molte serie di animazione per adulti si concentrano su argomenti più generali come la ribellione o il caos sociale, Common Side Effects scava nel profondo del sistema sanitario, mettendo in discussione la realtà di ciò che è considerato curativo e analizzando le sfide morali e etiche legate al controllo delle informazioni vitali per l’umanità. La seconda stagione avrà sicuramente molto da dire su questi temi, continuando a esplorare il confine tra cura e sfruttamento, tra scienza e industria.

Cinema & Tv

The Studio: una visione esilarante e cinica di Hollywood, tra risate e fallimenti

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Nel vasto panorama delle produzioni televisive contemporanee, The Studio emerge come una delle proposte più interessanti e audaci del 2025. Creata e diretta da Seth Rogen ed Evan Goldberg, la serie si tuffa nel cuore pulsante di Hollywood, mettendo in scena il dietro le quinte di una casa cinematografica ormai in crisi: i Continental Studios. Con una visione cinica e spietata dell’industria del cinema, ma anche con una comicità frizzante, The Studio si propone come una riflessione ironica sul mondo del cinema e dei suoi protagonisti, siano essi artisti narcisisti o dirigenti corporate disposti a tutto per non affondare.

Il personaggio principale, Matt Remick, interpretato dallo stesso Rogen, è il nuovo capo della casa di produzione, chiamato a risollevare le sorti di una società che sta lottando per rimanere a galla. Un compito arduo in un settore che sta affrontando cambiamenti economici e sociali rapidi e, per certi versi, inarrestabili. Lungi dall’essere il tipico eroe che si getta nel fuoco per salvare la nave, Matt è un uomo che vive il cinema con una passione viscerale, ma che finisce per trovarsi intrappolato in un mondo dove ogni decisione può essere una minaccia per la sua carriera e per la stabilità dei suoi studi. Con un senso di panico costante sotto il suo abito elegante, Matt e il suo team di dirigenti lottano contro le proprie insicurezze, mentre si confrontano con la vanità degli artisti e la freddezza dei colleghi dell’alta direzione, in una serie di incontri surreali e tensioni sempre più esplosive.

Il mondo di The Studio è quello delle feste sfrenate, delle visite sul set e delle riunioni di marketing, dove ogni mossa potrebbe portare alla gloria o alla rovina. In questo turbinio di decisioni affrettate e scontri di ego, Matt cerca disperatamente di restare ancorato alla sua passione per il cinema, ma la sua lotta sembra destinata a scontrarsi con la dura realtà del business. La sua carriera, che dovrebbe essere il lavoro della sua vita, rischia di diventare la sua definitiva rovina.

Accanto a Seth Rogen, che interpreta il protagonista con una miscela di vulnerabilità e sarcasmo, troviamo un cast di attori di grande talento, tra cui Catherine O’Hara, Ike Barinholtz, Chase Sui Wonders e Kathryn Hahn. Ma le sorprese non finiscono qui: The Studio vanta una lunga lista di guest star, tra cui Paul Dano, Bryan Cranston, Rebecca Hall, Zac Efron, Martin Scorsese, Charlize Theron e molti altri, ognuno dei quali contribuisce a rendere ancora più imprevedibile e ricca la trama della serie.

La serie ha ricevuto un’accoglienza entusiasta dalla critica, con un indice di gradimento del 98% su Rotten Tomatoes, che l’ha definita “piuttosto intelligente da impressionare anche i cinefili più studiosi”. In effetti, The Studio non è solo una parodia dell’industria cinematografica, ma anche una critica sociale che mette in luce le sue contraddizioni, le sue fragilità e la sua incrollabile vanità. La serie combatte la buona battaglia per una Hollywood migliore, ma lo fa con l’ironia di chi sa che, alla fine, ogni tentativo di redenzione può essere vano in un mondo dove l’apparenza e il successo sono tutto.

La miniserie è distribuita da Apple TV+, con i primi due episodi rilasciati il 26 marzo 2025. L’attesa è palpabile, e il debutto al SXSW ha solo accresciuto la curiosità intorno a questa produzione. Rogen e Goldberg, noti per il loro approccio irriverente e imprevedibile, sembrano avere trovato la formula giusta per raccontare un mondo di luci e ombre, senza mai prendersi troppo sul serio.

In un’epoca in cui il cinema e la televisione sono in continua evoluzione, The Studio si propone come una commedia che guarda alla realtà dell’industria con occhi nuovi, rendendo la risata una lente attraverso cui osservare la crisi di un sistema che, pur essendo in costante cambiamento, rimane sempre intrinsecamente legato alla sua natura egoica e spietata. E, mentre si ride delle disavventure dei suoi protagonisti, non si può fare a meno di chiedersi se, alla fine, anche Hollywood non stia cercando di salvare se stessa da un fallimento inevitabile.

Approfondimenti, Cinema & Tv

Sconfort Zone: il viaggio surreale di Maccio Capatonda tra comicità e crisi creativa

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Chi si aspettava la solita serie comica di Maccio Capatonda, quella fatta di battute surreali, personaggi grotteschi e situazioni che sfiorano il ridicolo, probabilmente resterà sorpreso da Sconfort Zone, una produzione che si allontana nettamente dai suoi lavori precedenti. Disponibile su Prime Video dal 20 marzo, la serie si presenta come un’esperienza decisamente più complessa e inquietante di quanto ci si possa immaginare. Non solo per il suo tono più introspettivo e riflessivo, ma anche per la capacità di Maccio di giocare con la propria immagine pubblica e di mettere a nudo la propria crisi creativa in modo inedito e audace.

Il Maccio Capatonda che ci viene mostrato in Sconfort Zone non è il personaggio da comicità demenziale che tutti conosciamo, ma un uomo vulnerabile, incapace di trovare la sua strada in un mondo che sembra fagocitare ogni sua idea originale. La premessa della serie è semplice quanto destabilizzante: il nostro protagonista è in crisi creativa da mesi e l’incapacità di scrivere la sua nuova serie lo porta a confrontarsi con una realtà che lo spinge a fare i conti con se stesso. È proprio in questo momento di sconforto che entra in gioco il dottor Braggadocio (interpretato da Giorgio Montanini), un terapeuta eccentrico che propone una cura bizzarra: una terapia d’urto che spinge Maccio a vivere una sfida diversa ogni settimana, affrontando le sue più grandi paure e uscendo dalla sua zona di comfort. Non si tratta di una cura per il blocco creativo, ma di un vero e proprio processo di distruzione e ricostruzione interiore.

Ogni episodio di Sconfort Zone è un viaggio psicologico che vede Maccio immergersi in esperienze che mettono a dura prova la sua capacità di adattamento e, al tempo stesso, la sua sanità mentale. Costretto a fingere di essere malato terminale, tradire la sua fidanzata, partecipare a un talent show o affrontare altre sfide paradossali, il protagonista si trova a confrontarsi con una realtà surreale che va ben oltre il semplice esercizio comico. La commistione di umorismo, angoscia esistenziale e satira sociale crea un equilibrio difficile da raggiungere, ma che riesce perfettamente a restituire una visione complessa e multistrato della crisi artistica.

Se ci si aspettava la consueta ironia grottesca e dissacrante di Maccio Capatonda, Sconfort Zone sorprende con la sua audace messa in scena della discesa negli inferi creativi di un uomo alla ricerca di se stesso. L’approccio alla comicità è completamente diverso: qui non si tratta più di parodie di realtà, ma di un’esplorazione della crisi artistica che rasenta il surreale. La serie attinge a piene mani dalla letteratura postmoderna e dal cinema d’autore, richiamando l’atmosfera inquietante delle opere di Pirandello e la poesia onirica di Fellini, con un tocco di distopia digitale che riflette sulle contraddizioni del mondo moderno. La riflessione che ne emerge non è solo sulla creatività, ma sul rapporto di ogni artista con l’industria culturale che lo sovraintende, un sistema che consuma e restituisce ogni idea originale sotto forma di contenuti usa e getta.

Un altro aspetto che distingue Sconfort Zone è il cast di supporto, che contribuisce notevolmente a creare l’atmosfera di disorientamento e straniamento che permea la serie. Giorgio Montanini regala una performance straordinaria nei panni di Braggadocio, il manipolatore psicoterapeuta che sembra avere un potere quasi sovrannaturale nel portare Maccio oltre i propri limiti. Valerio Lundini, Edoardo Ferrario e Fru offrono una presenza costante come le voci della coscienza di Maccio, dando vita a un dialogo interiore che diventa sempre più frammentato e confuso. La performance di Francesca Inaudi, nei panni della fidanzata di Maccio, aggiunge una componente emotiva che fa da contrappunto alla follia crescente del protagonista. Ma la vera rivelazione della serie è Valerio Desirò, che interpreta una sorta di Virgilio moderno, un personaggio che accompagna Maccio nel suo viaggio allucinante attraverso le sfide artistiche e personali. Il suo personaggio, incarna il caos, l’assurdo e la poesia, donando alla serie una dimensione ulteriore, un aspetto di inevitabilità poetica che non lascia indifferenti.

Nonostante il tono più introspettivo e riflessivo, Sconfort Zone non perde mai il suo spirito comico, ma gioca su un altro livello. Ogni episodio si trasforma in un’esperienza visiva e mentale che alterna momenti di pura ilarità a situazioni che provocano disagio, creando una tensione che stimola lo spettatore a porsi domande sul significato dell’arte e sul ruolo dell’artista nell’era digitale. La serie sfida apertamente lo spettatore, sollevando interrogativi scomodi: è davvero possibile essere liberi in un’industria che impone la ripetizione infinita dei medesimi schemi? Fino a che punto un artista può mantenere la propria identità in un sistema che tende a uniformare e standardizzare ogni contenuto? Dove finisce la maschera e inizia l’artista vero e proprio? Sconfort Zone è una serie che, pur non rinunciando alla sua componente comica, va ben oltre i confini della parodia. È un’opera che sfida le convenzioni, mette in discussione il valore dell’arte e riflette sul mondo contemporaneo con una lucidità inquietante. Chi cerca solo il Maccio Capatonda di un tempo troverà in Sconfort Zone un mondo che lo farà ridere, ma anche riflettere e, forse, sentirsi un po’ a disagio. E forse, è proprio questo il cuore pulsante della comicità di Maccio Capatonda: la capacità di trasformare l’inquietudine in risata, facendoci riflettere su ciò che davvero conta nel nostro percorso creativo e umano.