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Signori, il delitto è servito compie 40 anni: il delitto è ancora servito (e più gustoso che mai)

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Mettete via il pugnale e prendete il pop-corn: “Signori, il delitto è servito” compie quarant’anni. Quattro decadi da quando, nel 1985, la Paramount decise di trasformare il gioco da tavolo Cluedo in un film giallo dai toni surreali, una black comedy che all’epoca fu un clamoroso flop e oggi è un cult assoluto. È una storia che i nerd amano proprio perché ribalta il concetto di successo: un insuccesso commerciale diventato leggenda, una pellicola che ha continuato a vivere nei VHS impolverati, nei meme, nelle citazioni e nelle maratone notturne dei cinefili più appassionati.

Dal salotto del mistero al cinema: un gioco di società diventato arte

Uscito come Clue negli Stati Uniti nel dicembre del 1985 e arrivato in Italia l’anno dopo, “Signori, il delitto è servito” è firmato da Jonathan Lynn, con la produzione di Debra Hill (già collaboratrice di John Carpenter in Halloween). L’idea era tanto folle quanto geniale: prendere un gioco di logica, farne una commedia nera e ambientarlo in una villa vittoriana piena di segreti, sospetti e cadaveri.
Al centro della scena c’è Tim Curry — il leggendario Frank-N-Furter di The Rocky Horror Picture Show — che qui interpreta Wadsworth, un maggiordomo dal sorriso ambiguo e dai movimenti frenetici. Attorno a lui, un cast da sogno per qualunque appassionato di cinema anni ’80: Eileen Brennan, Madeline Kahn, Christopher Lloyd, Michael McKean e Leslie Ann Warren. Ognuno di loro incarna un personaggio iconico del gioco, con i rispettivi colori e misteri.

La trama è un meccanismo perfetto da escape room ante litteram: una cena elegante, un temporale, un padrone di casa che finisce stecchito e sei ospiti che nascondono scheletri nell’armadio. Tutti sono sospettati, tutti mentono, tutti hanno un movente. E mentre il corpo si raffredda, le battute si moltiplicano: ironia tagliente, ritmo teatrale e una satira feroce sul moralismo americano dell’epoca.

Un esperimento narrativo folle (e interattivo)

Il vero colpo di genio — e di marketing incompreso — fu l’idea dei tre finali alternativi. Sì, proprio come nel gioco da tavolo, dove le combinazioni cambiano di volta in volta, anche il film offriva tre possibili soluzioni diverse. Ogni cinema proiettava una versione con un finale differente, costringendo il pubblico a tornare più volte per scoprire “chi ha ucciso il signor Boddy?”.
Nel mercato home video i finali vennero riuniti tutti insieme: i primi due come opzioni “ipotetiche” e il terzo come quello “vero”. Una trovata troppo avanti per il 1985, ma perfettamente in linea con la cultura partecipativa e interattiva di oggi, quando la linea tra spettatore e giocatore si è ormai dissolta.

Cluedo: il genio che nacque in un blackout

Per capire la magia del film, bisogna tornare alle origini del gioco. Cluedo nasce nel 1943 in Inghilterra, in piena Seconda guerra mondiale, da un’idea di Anthony E. Pratt, un musicista di Birmingham. Le serate di coprifuoco lo spinsero a inventare un passatempo ispirato ai romanzi di Agatha Christie: un’indagine ambientata in un maniero dove si deve scoprire chi ha ucciso chi, dove e con quale arma.
Quando nel 1949 la Waddingtons Games lo pubblicò, il successo fu immediato. Sei sospettati, sei armi, nove stanze: la formula perfetta. Ma più che un semplice gioco, Cluedo è teatro. Ogni partita è un piccolo atto di improvvisazione, un giallo da salotto in cui si bluffa, si sospetta e si ride. Il film di Jonathan Lynn ha colto proprio questo spirito: la teatralità elegante e caotica di un mistero che non si prende mai troppo sul serio.

Dal flop al culto: la vendetta del delitto perfetto

Al momento dell’uscita, Clue fu travolto dalla concorrenza di blockbuster e commedie più “pop”. Incassò poco e fu liquidato come una curiosità. Eppure, negli anni, ha guadagnato lo status di film di culto. Oggi è citato da registi come Rian Johnson (Cena con delitto: Knives Out) e omaggiato in serie come Community, Family Guy e Brooklyn Nine-Nine.
La sua riscoperta passa attraverso il linguaggio dei fan: gif animate, meme, serate a tema e versioni teatrali. È diventato una bandiera per chi ama i film intelligenti che sanno ridere di sé stessi, e una pietra miliare per tutti i nerd che vedono nel “gioco” una forma d’arte narrativa.

Un’eredità sempre viva (e sanguinolenta)

A quarant’anni di distanza, “Signori, il delitto è servito” rimane un capolavoro di ritmo, ironia e mistero. È un film che ha anticipato i tempi, mischiando linguaggi, generi e media. In un’epoca in cui tutto torna — remake, reboot, sequel — Cluedo è più attuale che mai.
Forse perché, nel profondo, continuiamo a essere affascinati da quella domanda immortale: chi è l’assassino? In salotto, con la corda? In biblioteca, col candeliere? O nella nostra stessa memoria, dove si nascondono i delitti che amiamo rivivere all’infinito?

💬 E voi? Quale finale preferite? E, se foste nel cast, quale arma usereste per eliminare il vostro compagno di gioco più sleale? Raccontatecelo nei commenti, e ricordate: in ogni buona storia, come in ogni partita di Cluedo, nessuno è mai davvero innocente.

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The Last Viking – L’ultimo vichingo – Mads Mikkelsen e l’epica grottesca di Anders Thomas Jensen approdano a Venezia

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Se pensavate di conoscere già tutte le sfumature della commedia nera, preparatevi a ricalibrare le vostre certezze: Anders Thomas Jensen, il regista danese capace di trasformare un pranzo domenicale in un’odissea di deliri e rivelazioni (ricordate Le mele di Adamo?), torna con The Last Viking – L’ultimo vichingo, in anteprima mondiale fuori concorso all’82ª Mostra del Cinema di Venezia. Un film che promette di mischiare caos, violenza, malinconia e ironia feroce, restituendo quella formula tanto cara ai fan del cineasta scandinavo: personaggi fuori registro, dialoghi taglienti, situazioni assurde che, sotto il ruggito della risata, nascondono un cuore sorprendentemente umano.

Al centro della storia ci sono due fratelli interpretati da una coppia già collaudata: Mads Mikkelsen e Nikolaj Lie Kaas, qui nei panni di Anker e Manfred. Anker esce di prigione dopo quindici anni di detenzione per una rapina a mano armata. Da qualche parte là fuori, sepolto, c’è il bottino… peccato che a custodirne il segreto sia solo Manfred, che nel frattempo è precipitato in una spirale di disturbi psichici e visioni mistiche, incluso il convincimento di essere la reincarnazione di John Lennon. Non è un vezzo estetico: l’acconciatura improbabile del personaggio è una dichiarazione d’intenti, una bandiera surreale piantata al centro del film.Il viaggio per recuperare il denaro diventa così un pellegrinaggio tra rovine familiari e incontri con un’umanità alla deriva: criminali di quart’ordine, sognatori senza bussola, figure eccentriche che popolano un paesaggio narrativo in cui ogni sorriso rischia di essere sporcato dal sangue, e ogni colpo di pistola può lasciare dietro di sé un’eco di tenerezza. Jensen orchestra la storia con un equilibrio calibrato tra comicità nerissima e struggente malinconia, trasformando il recupero del bottino in una riflessione sulla memoria, il senso di appartenenza e quel bisogno ostinato di perdono che sopravvive anche nei cuori più induriti.

Mikkelsen, volto iconico del cinema nordico e internazionale, regala un’interpretazione che alterna ferocia glaciale a momenti di vulnerabilità quasi disarmanti. Lie Kaas, dal canto suo, costruisce un Manfred magnetico, capace di portare lo spettatore dentro il suo mondo distorto, in cui Beatles e balistica convivono senza battere ciglio. La chimica tra i due attori, già sperimentata in passato sotto la guida di Jensen, è qui spinta all’estremo, oscillando tra il grottesco e il commovente.

Dietro la macchina da presa, il direttore della fotografia Sebastian “Makker” Blenkov incornicia la storia con un uso della luce che amplifica i contrasti: tramonti dorati che illudono di essere al sicuro e notti fredde in cui la follia sembra avere più spazio della ragione. Il montaggio firmato da Nicolaj Monberg e Anders Albjerg Kristiansen segue la stessa filosofia: ritmo serrato quando la tensione sale, sospensioni improvvise nei momenti più intimi.

Prodotto da Zentropa Entertainments 4 ApS, con Sisse Graum Jørgensen e Sidsel Hybschmann alla guida, The Last Viking non è soltanto un racconto di rapinatori e tesori nascosti. È una storia sull’identità e sulle storie che ci raccontiamo per sopravvivere, confezionata con quell’umorismo scorretto che è ormai marchio di fabbrica del regista.

Fuori concorso a Venezia il prossimo 9 ottobre 2025, il film arriva accompagnato da un trailer che già promette scintille — o forse schegge — lasciando intuire che il vero tesoro, per lo spettatore, sarà il viaggio stesso. Perché, come in ogni odissea degna di questo nome, il destino dei protagonisti non sarà deciso solo dalla meta, ma da tutto ciò che accade lungo il cammino.

E ora, nerd del grande schermo, la parola passa a voi: quale pensate sarà l’eredità di The Last Viking? Un cult da rivedere fino a consumare il Blu-ray o un’altra gemma eccentrica destinata a brillare solo per chi ama perdersi nelle zone grigie della morale? Raccontatecelo nei commenti, condividete le vostre teorie… e preparatevi, perché il vichingo sta per salpare verso Laguna.

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Mountainhead: satira glaciale sulle élite e l’apocalisse digitale

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Con Mountainhead, Jesse Armstrong – il geniale creatore di Succession – compie il salto dietro la macchina da presa, confezionando un’opera che sembra il fratello minore, nevrotico e surreale, della serie HBO che l’ha reso celebre. Questa volta, però, il campo da gioco non è un impero mediatico, ma una villa isolata tra le montagne dello Utah, dove quattro amici miliardari si ritrovano per un weekend che si trasforma in un disastro grottesco. Il cast è di quelli che fanno alzare le antenne: Steve Carell, Jason Schwartzman, Cory Michael Smith e Ramy Youssef portano in scena personaggi tanto caricaturali quanto inquietantemente credibili, ciascuno con le proprie ossessioni e strategie di potere.

La trama mette subito le carte in tavola. Venis “Ven” Parish (Cory Michael Smith) è l’uomo più ricco del mondo e proprietario di Traam, social network fittizio che ha accelerato il caos globale grazie alla diffusione di disinformazione generata da intelligenze artificiali. Con lui ci sono Jeff Abredazi (Ramy Youssef), proprietario di Bilter, società specializzata in fact-checking; Randall Garrett (Steve Carell), mentore del gruppo e malato terminale di cancro; e Hugo “Souper” Van Yalk (Jason Schwartzman), “solo” multimilionario, ossessionato dal diventare anche lui un vero miliardario. Il pretesto ufficiale è una rimpatriata amichevole. La realtà? Una partita a scacchi tra giganti dell’ego, in cui ognuno trama per sopraffare l’altro: Ven vuole inglobare Bilter per salvare Traam senza perdere la faccia; Jeff difende la propria azienda; Randall vede nel progresso tecnologico l’unica speranza di sopravvivere alla malattia; Souper cerca investitori per la sua super-app “Slowzo”.

Commedia nera con fiato corto e pugnalate (quasi) vere

Il film gioca con un ritmo claustrofobico: giri in motoslitta, rituali bizzarri (come scrivere il proprio patrimonio sul petto con il rossetto) e conversazioni sempre a un passo dall’esplodere. Quando la crisi globale peggiora e i governi iniziano a vacillare, il fragile equilibrio si rompe: complotti, tradimenti e persino tentativi maldestri di omicidio trasformano il weekend in una guerra fredda domestica.

La scrittura di Armstrong resta affilata e piena di umorismo corrosivo: il dialogo è il vero campo di battaglia, e le battute hanno il retrogusto amaro di un mondo dove il potere conta più della verità. Le dinamiche tra i personaggi ricordano quelle di Succession, ma qui il registro vira verso il farsa tragica, spingendo i toni fino al parossismo.

Un set come personaggio

Girato quasi interamente in una villa di 21.000 piedi quadrati a Park City, Mountainhead sfrutta l’isolamento e il gelo come metafora della distanza emotiva tra i protagonisti. L’ambiente è sontuoso ma asettico, e la montagna innevata diventa un sipario immobile che osserva impassibile il disfacimento morale di chi vi si rifugia.

La scelta di un’unica location principale, combinata a tempi di produzione serrati (appena cinque settimane di riprese), conferisce al film un’intensità teatrale: non ci sono vie di fuga, né per i personaggi né per lo spettatore.

Una satira del presente (e del futuro prossimo)

Il bersaglio è chiaro: l’élite tecnologica che si muove tra filantropia di facciata e cinismo strategico, incapace di separare l’amicizia dal business. Armstrong mette in scena un’apocalisse lenta, in cui non servono esplosioni o invasioni aliene: basta l’algoritmo giusto – o sbagliato – a far crollare le strutture del potere globale.La forza di Mountainhead sta proprio nel suo equilibrio instabile: è commedia nera, è dramma satirico, ma è anche un monito, e a tratti somiglia a una partita di poker in cui tutti barano sapendo che il tavolo sta per prendere fuoco.

Non è un film per chi cerca azione frenetica o lieto fine: Mountainhead è verboso, pungente e volutamente scomodo. È il ritratto di un mondo che balla sull’orlo del precipizio, e lo fa con il sorriso compiaciuto di chi crede di avere in mano il paracadute… senza accorgersi che è pieno di buchi. Dal 12 settembre, in esclusiva su Sky Cinema e NOW, sarà possibile decidere se ridere, rabbrividire o entrambe le cose. Armstrong ha alzato la posta: resta da vedere se il pubblico sarà pronto a seguirlo sulla vetta gelida del suo Mountainhead.

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La Trama Fenicia: Wes Anderson torna con una nuova, coloratissima follia cinematografica

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C’è un momento esatto, nella visione di La Trama Fenicia (The Phoenician Scheme), in cui ti rendi conto che sei di nuovo a casa. Non la tua casa reale, ovviamente, ma quella che esiste in un universo parallelo costruito interamente dalla mente di Wes Anderson. Un mondo dove ogni dettaglio è simmetrico, ogni parola ha il peso di una citazione letteraria, ogni movimento della macchina da presa è calcolato come un passo di danza, e dove il confine tra assurdo e sublime si fa sempre più sottile. Il regista texano è tornato e, diciamocelo, non ha intenzione di cambiare.

Uscito nelle sale italiane il 28 maggio 2025 e presentato in concorso al Festival di Cannes per la quarta volta, La Trama Fenicia è l’ultimo tassello di un mosaico cinematografico che, film dopo film, continua a dividere, incantare e – sì – anche esasperare. C’è chi non ne può più del suo stile ipercostruito, e chi invece lo aspetta come si aspetta il nuovo album della propria band preferita. Io faccio sicuramente parte della seconda categoria.

La trama di questo dodicesimo lungometraggio – tredicesimo, se si considera anche The Wonderful Story of Henry Sugar and Three More – si apre con la figura iconica di Zsa-zsa Korda, interpretato da un magistrale Benicio del Toro. Korda è uno degli uomini più ricchi d’Europa, un capitalista spietato e fiero evasore fiscale. Lo incontriamo mentre vola sul suo jet privato, sabotato misteriosamente da qualcuno che vuole vederlo morto. Esplode una parte dell’aereo, un sottoposto muore, ma lui sopravvive. È la sesta volta che accade. Inizia così una spy story dai tratti surreali, dove Korda, per sfuggire a un misterioso terrorista, viene messo agli arresti domiciliari. Una trama apparentemente semplice, ma che nelle mani di Anderson si trasforma in un intricato gioco di specchi, citazioni e derive oniriche.

Il film, come da tradizione andersoniana, è visivamente un gioiello. Questa volta a firmare la fotografia è Bruno Delbonnel, noto per le sue collaborazioni con Jeunet e Wright, che qui si cimenta per la prima volta con l’universo pastello del regista texano. Il risultato è un matrimonio artistico perfetto: le inquadrature sembrano dipinti viventi, dove ogni ombra e ogni bagliore raccontano qualcosa di più profondo. Il tutto girato su pellicola 35mm, per dare quel tocco artigianale e retrò che tanto piace al pubblico più cinefilo.

Il cast è, senza mezzi termini, spaziale. Al fianco di Del Toro troviamo Mia Threapleton nel ruolo della figlia suora Liesl – un personaggio che sembra uscito da Narciso Nero –, Michael Cera nei panni di un tutore alcolizzato, e una lunga lista di volti noti che sembrano sempre più parte integrante della compagnia teatrale privata di Anderson: Tom Hanks, Bryan Cranston, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch, Riz Ahmed, Rupert Friend, Richard Ayoade, Jeffrey Wright… una vera e propria parata di stelle che si muove con aggraziata leggerezza nel teatrino assurdo costruito dal regista.

Ma non è solo questione di attori o fotografia: La Trama Fenicia segna anche un ritorno alla narrazione univoca, dopo una serie di film – da The French Dispatch a Asteroid City – che sembravano più collage narrativi che storie compiute. Qui, invece, si percepisce un tentativo di racconto più compatto, diviso sì in capitoli, ma con una coerenza interna che rende il tutto più accessibile anche a chi non è ancora un “Wes-fan” di lungo corso. C’è perfino, e non è poco, una certa evoluzione psicologica nei personaggi. O almeno, quanto basta per renderli più tridimensionali rispetto ai bozzetti iper-stilizzati degli ultimi anni.

Le situazioni assurde si susseguono senza sosta: dal basket giocato per definire accordi d’affari, alle trasfusioni di sangue su navi mercantili, fino a un Aldilà in bianco e nero che sembra uscito da un sogno condiviso tra Dreyer e Bergman. I rimandi sono continui e stratificati, ma non soffocano mai la leggerezza surreale che è il marchio di fabbrica del regista. Anche la colonna sonora, affidata come sempre ad Alexandre Desplat, accompagna la narrazione con un tocco di eleganza senza tempo, sottolineando le emozioni senza mai sopraffarle.

La produzione, una collaborazione tra Stati Uniti e Germania con il supporto dei leggendari studi Babelsberg, riflette la vocazione sempre più internazionale del cinema di Anderson. È interessante notare come, nonostante lo sciopero degli sceneggiatori del 2023, il regista avesse già completato la sceneggiatura prima dello stop, dimostrando ancora una volta una visione progettuale molto chiara e coerente.

Ma la vera domanda è: La Trama Fenicia potrà piacere anche a chi da tempo ha abbandonato l’universo andersoniano? Forse sì. Non perché Anderson abbia cambiato registro – al contrario, continua a dipingere lo stesso albero con la stessa palette – ma perché stavolta lo fa con una consapevolezza nuova, quasi autocritica. È come se stesse dicendo: “Sì, so benissimo cosa vi aspettate da me. Ecco, ve lo do. Ma in un modo che non avete ancora visto del tutto.”

In un momento storico in cui tanti registi tentano disperatamente di reinventarsi, Anderson resta fedele alla sua poetica. E per quanto possa sembrare statico o ripetitivo, in un panorama cinematografico dominato dall’uniformità, la sua coerenza diventa quasi rivoluzionaria.

Se siete tra quelli che hanno amato Moonrise Kingdom, Il treno per il Darjeeling o Grand Budapest Hotel, non potete mancare all’appuntamento con La Trama Fenicia. Se invece avete sempre trovato il suo cinema troppo manierato, troppo autoreferenziale, beh… questo film potrebbe sorprendervi. Magari non cambierà del tutto la vostra opinione, ma vi farà sorridere, riflettere, e forse – perché no – vi conquisterà con un semplice, inaspettato dettaglio.

E ora tocca a voi: siete pronti a tornare nel mondo meravigliosamente assurdo di Wes Anderson? Avete già visto La Trama Fenicia o lo state aspettando con impazienza? Parliamone nei commenti e, se vi è piaciuto l’articolo, condividetelo sui vostri social per far conoscere questa nuova avventura cinematografica anche ai vostri amici nerd!

Cinema & Tv

“The Entertainment System Is Down”: Ruben Östlund e la nuova satira ad alta quota con Keanu Reeves

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Immaginate di trovarvi a bordo di un volo interminabile, sospesi tra il cielo dell’Inghilterra e quello dell’Australia. Avete preso posto, allacciato le cinture, sistemato la copertina e siete pronti ad affidarvi al sistema di intrattenimento di bordo per far passare le ore. Ma ecco la doccia fredda: lo schermo resta nero, i pulsanti non funzionano, e la voce dell’equipaggio vi informa che… il sistema è fuori uso. Panico? Disagio? Noia cosmica? Benvenuti nel mondo di The Entertainment System Is Down, il nuovo film scritto e diretto da Ruben Östlund, uno dei registi più iconici e provocatori del cinema europeo contemporaneo.

Con un cast da capogiro che include Keanu Reeves, Kirsten Dunst e Daniel Brühl, questo attesissimo film si annuncia come una black comedy satirica pronta a decollare — anche se l’esperienza che promette non ha nulla a che vedere con una comoda traversata tra film e videogiochi in cabina. Stavolta, Östlund ci costringe a guardare fuori dallo schermo, e soprattutto dentro di noi.

Una commedia nera a 10.000 metri d’altitudine

The Entertainment System Is Down prende forma su un volo intercontinentale dove, per un guasto tecnico, i passeggeri devono affrontare la loro più grande paura: la noia. Non ci sono film da guardare, giochi con cui passare il tempo, playlist rilassanti da ascoltare. Solo ore e ore da riempire con i propri pensieri, le proprie nevrosi, le proprie interazioni con perfetti sconosciuti. Un microcosmo di umanità costretto all’autoanalisi, al confronto (spesso grottesco) con l’altro e con sé stesso. Se vi sembra l’inizio di un racconto distopico, non siete lontani: lo stesso Östlund ha dichiarato di essersi ispirato a Il mondo nuovo di Aldous Huxley, dove la società si aggrappa all’intrattenimento per non affrontare la realtà.

Il regista svedese non è nuovo a questo tipo di riflessioni. Dopo Forza Maggiore, The Square e Triangle of Sadness – questi ultimi due vincitori della Palma d’Oro al Festival di Cannes – torna a esplorare le contraddizioni e le fragilità dell’essere umano moderno con uno stile tagliente e spietato. Ma anche divertente. Perché The Entertainment System Is Down promette di far ridere, e tanto, ma in quel modo che fa un po’ male.

Keanu Reeves, Kirsten Dunst e un cast stellare

Tra le nuvole troviamo un gruppo di attori e attrici di altissimo profilo, perfettamente scelti per incarnare le diverse tipologie umane che si potrebbero incontrare su un volo del genere. Keanu Reeves, icona globale tra John Wick e Matrix, qui cambia completamente registro per mettersi in gioco in un contesto surreale e satirico. Accanto a lui c’è Kirsten Dunst, reduce da performance intense in Il potere del cane e Civil War, e Daniel Brühl, volto noto del cinema europeo e hollywoodiano, recentemente protagonista in Race for Glory.

Il cast è poi arricchito da una galleria di talenti che vanno da Samantha Morton a Nicholas Braun, passando per Tobias Menzies, Vincent Lindon, Connor Swindells, Daniel Webber, Wayne Blair, Lindsay Duncan, Julie Delpy e tanti altri. Una coralità che richiama l’architettura narrativa di Triangle of Sadness, ma in uno spazio ancora più claustrofobico: una cabina pressurizzata a 30.000 piedi d’altezza.

Un set da record: un vero Boeing 747 per 70 giorni di riprese

Per realizzare The Entertainment System Is Down, Ruben Östlund non si è accontentato di un set finto o di green screen. Ha acquistato – sì, proprio acquistato – un vero Boeing 747 dismesso, trasformandolo nel palcoscenico perfetto per la sua nuova storia. Le riprese sono iniziate nel gennaio 2025 a Budapest, in Ungheria, e si sono protratte per oltre 70 giorni. Un’operazione titanica e ambiziosa, in perfetto stile Östlund, che ama mettere i suoi attori – e gli spettatori – in situazioni estreme per tirare fuori il lato più autentico e, spesso, disturbante dell’essere umano.

Dietro il progetto ci sono le case di produzione Plattform Produktion e Parisienne de Production, mentre la distribuzione negli Stati Uniti sarà curata da A24, che ha vinto i diritti con un’offerta a otto cifre al Marché du Film. L’uscita americana è fissata per il 20 dicembre 2025, giusto in tempo per un Natale all’insegna della satira pungente e dello humour nero.

Una riflessione feroce sulla società dell’intrattenimento

Ma cosa vuole davvero raccontare The Entertainment System Is Down? In un’epoca in cui siamo costantemente stimolati da contenuti, notifiche, streaming e feed infiniti, l’idea di restare “disconnessi” anche solo per qualche ora ci terrorizza. Ruben Östlund ci chiede: cosa succede quando l’intrattenimento si spegne? Quando siamo costretti a convivere con la nostra umanità spogliata da distrazioni digitali? Il film promette di essere una riflessione feroce, ma mai didascalica, sulla nostra dipendenza dalla stimolazione continua, sul nostro imbarazzo nel silenzio e sulla crisi relazionale che spesso si cela dietro il comfort della tecnologia.

Sarà interessante vedere come il pubblico reagirà a questo specchio crudele, ma incredibilmente reale, che ci mostra per quello che siamo quando nessun dispositivo viene in nostro soccorso.

Il cinema come provocazione: la firma inconfondibile di Östlund

Con la sua filosofia del “non c’è buona arte senza provocazione”, Ruben Östlund continua a tracciare un percorso originale nel panorama cinematografico internazionale. Con The Entertainment System Is Down, il regista porta la sua poetica un passo oltre, giocando con lo spazio ristretto di un aereo per amplificare le tensioni, le dinamiche sociali e i piccoli grandi drammi umani. Come già in The Square e Triangle of Sadness, anche stavolta si respira quell’ironia tagliente che nasce dall’assurdo, ma che non manca mai di colpire nel segno.

Per chi ama il cinema che fa pensare, ridere e anche un po’ soffrire (magari guardandosi allo specchio), il film si preannuncia come uno degli appuntamenti più interessanti del 2025.

E voi?

Siete pronti a salire a bordo senza Wi-Fi, senza film e senza via di fuga? The Entertainment System Is Down potrebbe essere l’esperienza cinematografica che non sapevate di desiderare. Fatecelo sapere nei commenti: riuscireste a sopravvivere a un volo senza intrattenimento? Condividete l’articolo sui vostri social e fateci sapere cosa fareste se il vostro sistema di bordo si spegnesse… proprio come la pazienza dei passeggeri di Ruben Östlund.

Books + Comics

“Il sangue non è acqua”: misteri familiari, incubi lovecraftiani e grottesche eredità sull’Isola di Mortorio

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Immaginate di essere convocati su un’isola sperduta, una di quelle che sulle carte geografiche sembrano appena un’ombra sul mare. Siete lì per la lettura di un testamento, in una vecchia villa che odora di muffa e di segreti. Siete circondati da parenti che non vedete da decenni, forse mai incontrati. E mentre il vento sferza le pareti e i gabbiani volteggiano sopra le scogliere, vi rendete conto che l’eredità di cui siete potenzialmente destinatari non è fatta solo di beni materiali. È fatta di sangue. Di memoria. Di incubi. E qualcosa, laggiù nel profondo, si muove.

Benvenuti ne Il sangue non è acqua, il nuovo romanzo scritto dal collettivo Paolo Agaraff — pseudonimo dietro cui si celano le penne di Gabriele Falcioni, Roberto Fogliardi e Alessandro Papini — pubblicato da All Around nel 2025. Una commedia grottesca dalle venature oscure, un’indagine familiare che sprofonda tra i tentacoli della follia e del non detto. Il libro si muove con eleganza e ironia tra il giallo alla Agatha Christie e il terrore cosmico di H.P. Lovecraft, in un mix letterario che è tanto coraggioso quanto irresistibile.

Siamo sull’Isola di Mortorio, lembo di terra semideserto e inquieto al largo della Sardegna, in una villa dal nome evocativo, Villa Eleonora. Sette lontani parenti si ritrovano per volontà del defunto Bonifacio Farricorto, misterioso cugino dai contorni nebulosi e dalla storia ambigua. Sono invitati per ascoltare il suo testamento, ma ben presto si accorgono che questa riunione è molto più di una mera formalità notarile. Mortorio non è solo un nome sinistro: è un luogo dove il tempo si piega, la logica vacilla e i confini della realtà si assottigliano.

Tra i corridoi della villa si insinua una sensazione di disagio crescente. Gli eventi si susseguono con un ritmo sempre più frenetico, tra misteriose sparizioni, incidenti sospetti e allucinazioni collettive. I protagonisti scoprono che la famiglia Farricorto custodisce segreti antichi e inconfessabili, narrati in un diario dalla copertina nera e dalla pelle consumata, come un grimorio sopravvissuto ai secoli. Quel diario, protagonista silenzioso e ingombrante del romanzo, racchiude la storia dei capostipiti della famiglia: viaggiatori dell’Ottocento che, partiti dall’Italia, hanno solcato mari in tempesta, raggiunto le Americhe e toccato terre dimenticate del Pacifico, dove hanno incontrato qualcosa di inimmaginabile. Qualcosa che li ha cambiati per sempre.

Quella memoria torbida riaffiora ora, tra le pagine del diario e le mura scricchiolanti di Villa Eleonora. I personaggi — ciascuno con le proprie idiosincrasie, le proprie meschinità, i propri peccati — si ritrovano a fronteggiare non solo gli spettri del passato, ma anche quelli che abitano le profondità dell’anima umana. Il sangue, come ci ricorda il titolo stesso, non è acqua: ha una densità, un peso, una voce. E su Mortorio, quel sangue parla.

Con uno stile che alterna ironia macabra, introspezione psicologica e affondi nell’orrore più puro, Paolo Agaraff costruisce un’opera stratificata e affascinante. Il sangue non è acqua non è solo un mystery, ma un racconto gotico moderno che gioca con i cliché del genere per ribaltarli con intelligenza. La narrazione è punteggiata da dialoghi serrati, descrizioni visive e passaggi letterari dal gusto poetico e sinistro, come il momento in cui l’isola viene percepita come qualcosa di “normalissimo eppure profondamente inquietante”, capace di comunicare a un livello primordiale, quasi telepatico. Un richiamo che sembra provenire direttamente dal subconscio collettivo.

Lo sfondo storico aggiunge un ulteriore livello di lettura. Siamo nell’Italia del Ventennio fascista, con l’Europa che si avvicina inesorabilmente al baratro della Seconda Guerra Mondiale. Il clima politico si riflette nelle tensioni familiari, negli scontri generazionali e nei silenzi carichi di significato. I segreti della famiglia Farricorto si intrecciano con le ombre del regime, suggerendo che il male può annidarsi sia nelle pieghe dell’anima umana che nei meccanismi della Storia.

Il sangue non è acqua è un romanzo che affascina, inquieta e diverte allo stesso tempo. È una di quelle letture che ti lasciano con la sensazione che qualcosa si sia mosso mentre voltavi pagina. Un’eco lontana, forse. O un respiro. Quello dell’isola, forse. O il tuo.

Se amate i racconti dove l’eredità familiare si confonde con l’orrore cosmico, se vi piacciono le atmosfere sospese tra incubo e parodia, se cercate un libro capace di sorprenderci con intelligenza e stile, allora questa nuova fatica di Paolo Agaraff fa per voi. Ma attenzione: su Mortorio, nulla è come sembra. E il sangue, si sa… non è mai solo sangue.

Avete già letto Il sangue non è acqua? Qual è il personaggio che vi ha più inquietato? E secondo voi, fino a che punto il passato può davvero condizionare il presente? Parliamone nei commenti qui sotto! E se l’articolo vi è piaciuto, condividetelo con i vostri amici nerd e geek sui social: l’Isola di Mortorio aspetta nuove vittime… pardon, lettori!

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The Bondsman: Kevin Bacon in un’irresistibile serie horror tra demoni, famiglia e musica country

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Kevin Bacon torna al piccolo schermo con “The Bondsman”, la nuova serie action-horror targata Prime Video, in arrivo il 3 aprile 2025. Un mix irresistibile di humor nero, atmosfere vintage e un protagonista che sembra uscito direttamente da un vecchio vinile di Johnny Cash. Immaginate di essere un cacciatore di taglie che, dopo la morte, si ritrova a dover lavorare per il Diavolo. Sembra un incubo, vero? Eppure è esattamente ciò che succede a Hub Halloran, interpretato da un carismatico Kevin Bacon. La sua missione? Catturare i demoni fuggiti dall’Inferno e rispedirli al mittente. Ma il compito si rivelerà più difficile del previsto, non solo per le creature infernali che deve affrontare, ma anche per la sua stessa famiglia, una compagnia di amici e parenti che spesso gli crea più problemi che soluzioni. La serie, creata da Grainger David e con Erik Oleson nel ruolo di showrunner, si preannuncia un viaggio nel lato più bizzarro e oscuro della cultura americana, mescolando l’azione frenetica con le atmosfere da horror di serie B degli anni ’70 e una colonna sonora che profuma di polvere, whisky e country rock.

Accanto a Kevin Bacon troviamo Jennifer Nettles nel ruolo di Maryanne, Beth Grant nei panni di Kitty, Damon Herriman come Lucky, Maxwell Jenkins nel ruolo di Cade e Jolene Purdy nei panni di Midge. Un cast variegato che promette di regalare interpretazioni memorabili, con personaggi eccentrici e sfaccettati. Non solo protagonista, Bacon figura anche tra i produttori esecutivi della serie, insieme a Grainger David, Jason Blum, Chris McCumber e Jeremy Gold, portando con sé l’esperienza maturata in anni di thriller e horror. La produzione è affidata a Blumhouse Television, sinonimo di garanzia per gli amanti del genere.

Quello che rende davvero intrigante “The Bondsman” è la sua capacità di mescolare elementi che sulla carta sembrerebbero inconciliabili: il soprannaturale, la commedia nera e il dramma familiare. La serie potrebbe diventare un cult per gli amanti del genere, grazie alla sua estetica rétro e a una narrazione che sembra promettere tanto divertimento quanto tensione. Sebbene il concept possa ricordare serie come “Brimstone” (inedita in Italia), l’approccio di “The Bondsman” sembra più scanzonato e rock ‘n’ roll, complice la presenza magnetica di Bacon, perfetto nel ruolo di un cacciatore di taglie ultraterreno con un debole per la musica country.

Le riprese di “The Bondsman” si sono svolte ad aprile 2024 in Georgia, e tutto lascia presagire che l’ambientazione del profondo sud degli Stati Uniti giocherà un ruolo cruciale nell’estetica della serie. La fotografia polverosa e la regia dovrebbero immergere lo spettatore in un’atmosfera a metà tra il western moderno e l’horror soprannaturale, con quell’ironia beffarda che ricorda certi cult anni ’90 come “Dal tramonto all’alba”. Con un team di produzione solido alle spalle e un protagonista dal carisma indiscusso, “The Bondsman” ha tutte le carte in regola per conquistare il pubblico. Se sarà davvero un successo, dipenderà dalla capacità della serie di bilanciare horror e umorismo senza cadere nei soliti cliché. Ma una cosa è certa: chiunque sia cresciuto con i film horror di serie B o con le storie di cacciatori di mostri alla “Supernatural”, non vorrà perdersi questo viaggio negli inferi dal sapore country. Appuntamento al 3 aprile 2025 su Prime Video. E ricordate: se il Diavolo vi fa un favore, leggete sempre le clausole scritte in piccolo.

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Mr. Morfina: quando il dolore diventa superpotere (o quasi)

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Avete presente quando vi capita di guardare un film e vi viene da pensare: “Ma che diamine sto guardando… e perché mi sta piacendo così tanto?” Ecco, benvenuti nel mondo allucinato e sorprendente di Mr. Morfina (titolo originale: Novocaine), il nuovo delirio cinematografico firmato Dan Berk e Robert Olsen. Un film che, sulla carta, mescola action, thriller, commedia nera e splatter… ma che nella realtà è molto di più: è una specie di giostra impazzita, un puzzle di generi tenuti insieme da un protagonista indimenticabile e da un’idea narrativa così assurda da risultare geniale. Io, da buona appassionata di thriller, ci sono entrata con aspettative precise: adrenalina, tensione, qualche colpo di scena ben piazzato. Quello che non mi aspettavo era di ritrovarmi a ridere, a stringere i denti (anche se lui non può) e a riflettere sul concetto stesso di vulnerabilità. Perché sì, Mr. Morfina è una bomba di ritmo e violenza, ma sotto la scorza pulp c’è un cuore che batte forte. O meglio: un cuore che, pur non sentendo dolore, sa soffrire eccome.

Il dolore che non c’è: un superpotere o una condanna?

Il nostro eroe, Nathan Caine – interpretato da un sorprendente e magnetico Jack Quaid – è un impiegato di banca dall’aria anonima, quasi invisibile. Uno di quelli che, se ci passi accanto, non ti volti nemmeno. Ma Nathan ha un segreto: soffre di insensibilità congenita al dolore, una rara condizione genetica che gli impedisce di percepire qualsiasi tipo di sofferenza fisica. Niente male, vero? Beh, non proprio. Perché se da bambini tutti abbiamo sognato di essere invincibili, nella realtà il dolore è anche un campanello d’allarme, un modo per capire che qualcosa non va. E Nathan lo sa fin troppo bene.

La sua vita è una routine grigia e solitaria, fatta di piccole precauzioni e una costante sensazione di estraneità. Fino al giorno in cui Sherry (una vibrante Amber Midthunder), la collega per cui ha una cotta segreta, viene rapita da una banda di criminali durante una rapina andata storta. È lì che scatta qualcosa. Nate, armato solo della sua totale insensibilità, si lancia in una corsa contro il tempo per salvarla, affrontando scontri, torture e colpi devastanti come se fosse una versione tragicomica di Bruce Willis in Die Hard. Solo che, mentre John McClane si lamentava a ogni passo, Nate non sente nulla. Zero. Eppure, il dolore – quello emotivo – è lì, sempre presente, sempre più feroce.

Jack Quaid, il supereroe che non volevamo… ma di cui avevamo bisogno

Jack Quaid è la chiave che tiene insieme questo film impazzito. Dimenticatevi il ragazzo tenero e imbranato di The Boys: qui lo vediamo trasformarsi, scena dopo scena, in una sorta di supereroe per caso. All’inizio lo guardi e pensi: “Questo non ce la farà mai”. Ma poi succede qualcosa: una smorfia, un ghigno, uno sguardo da pazzo… e improvvisamente Nathan Caine diventa qualcosa di nuovo. Un antieroe tragicomico che incarna tutta la disperazione, la goffaggine e la ferocia di un uomo normale gettato in un incubo.

Accanto a lui c’è Ray Nicholson, figlio del leggendario Jack, nei panni del villain. Ed è una gioia per gli occhi: sadico, folle, sopra le righe, ma mai caricaturale. Perfetto nel ruolo di contrappeso oscuro a un protagonista che – pur non sentendo dolore – è il personaggio più emotivamente sofferente del film.

E poi c’è Sherry. E qui mi tolgo il cappello. Amber Midthunder non si limita a fare la “donna da salvare”. È sensuale, sì, ma anche forte, intelligente, ironica. Non è una semplice pedina nella trama di Nate, è parte attiva, è specchio e contrasto del protagonista. Una donna vera, tridimensionale, in un genere che troppo spesso dimentica come si scrivono i personaggi femminili.

Splatter, romanticismo e caos: ma funziona?

La regia di Berk e Olsen è una corsa a perdifiato. I due registi, noti per aver giocato con tutti i generi (dall’horror al sci-fi, passando per il grottesco), si divertono come pazzi a costruire un film che sembra uscito dalla mente di un adolescente nerd con la passione per Tarantino, Raimi e le graphic novel pulp. Eppure, nonostante i salti di tono, le strizzate d’occhio allo splatter e certe svolte che definire assurde è riduttivo, Mr. Morfina non si rompe mai davvero.

Certo, qualche momento di confusione c’è. Alcune scene sembrano venire da un altro film, la coerenza narrativa ogni tanto vacilla. Ma sapete cosa? Non importa. Perché qui conta l’esperienza. Conta sentirsi sbalzati da un’emozione all’altra, ridere mentre una mano viene tranciata, emozionarsi mentre un uomo incapace di percepire dolore fisico impara – finalmente – a soffrire davvero per qualcun altro.

Il lato tecnico: sangue, sudore e… 139 ferite

La produzione è curata nei minimi dettagli. A quanto pare, durante le riprese è stato tenuto un vero e proprio schema delle ferite riportate da Nathan: ben 139 danni fisici, catalogati con maniacale precisione. Questo livello di attenzione al dettaglio contribuisce alla credibilità del personaggio e aumenta la tensione in modo quasi claustrofobico. Ogni botta, ogni taglio, ogni frattura diventa un tassello nel percorso di trasformazione di Nate. Non è immortale, non è indistruttibile. È solo uno che non sente. Ma che paga ogni colpo con un pezzo di sé. Le riprese, fatte a Città del Capo, danno al film un look fresco, internazionale, e contribuiscono a quel senso di disorientamento continuo che accompagna tutto Mr. Morfina. La sceneggiatura di Lars Jacobson non ha paura di rischiare, anche a costo di strafare. E la colonna sonora, ironica e adrenalinica, è la ciliegina sulla torta di un’esperienza visiva che sa essere tanto esplosiva quanto personale.

Mr. Morfina non è un film per tutti. È un’opera sopra le righe, sbilenca, a tratti esagerata. Ma è anche una delle esperienze cinematografiche più sorprendenti, originali e, nel suo modo folle, toccanti degli ultimi anni. Non è perfetto, e forse proprio per questo è così interessante.Se amate i thriller fuori dagli schemi, se vi piacciono le storie di supereroi “diversi”, se cercate un film che non si prenda troppo sul serio ma riesca comunque a lasciarvi qualcosa… allora fatevi un favore: guardatelo. Nate non sente dolore, ma voi ne sentirete eccome. E vi piacerà anche così.

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Jennifer’s Body 2: Un sequel che potrebbe diventare realtà, tra nostalgia e nuovi orizzonti

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Il 2009 ha visto l’uscita di Jennifer’s Body, un film che all’epoca fu accolto con un misto di confusione e scetticismo. Nonostante il cast di giovani star del momento come Megan Fox e Amanda Seyfried, la pellicola di Karyn Kusama e scritta da Diablo Cody (la stessa sceneggiatrice che aveva riscosso enorme successo con Juno), non riuscì a riscuotere il successo commerciale che ci si aspettava. Nonostante l’iniziale insuccesso al botteghino (con un incasso di soli 31 milioni di dollari su un budget di 16 milioni), il film riuscì, nel tempo, a trovare una sua identità, emergendo come un piccolo cult tra gli amanti dell’horror e della commedia nera. Da allora, il film è diventato un fenomeno di nicchia, celebrato per il suo tono ironico, grottesco e per la sua critica velata alla società adolescenziale e alle dinamiche di potere tra i sessi. Così, dopo anni di speculazioni e discussioni, l’idea di un Jennifer’s Body 2 sembra finalmente avere un concreto spiraglio di vita. Ma cos’è che ha alimentato tanto interesse per un sequel? La risposta sembra risiedere in quella combinazione di orrore, umorismo nero e una riflessione sul corpo e sull’identità che non è mai stata veramente esplorata fino in fondo.

La conferma, sebbene non definitiva, di Amanda Seyfried circa un possibile sequel è stata accolta con un mix di entusiasmo e cautela. In una recente apparizione sul red carpet del film Seven Veils di Atom Egoyan, l’attrice, che nel primo film interpretava Needy, la protagonista che tenta di fermare l’amica posseduta Jennifer (Megan Fox), ha dichiarato di “credere” che un seguito possa effettivamente diventare realtà. Un’uscita vaga, ma sufficiente per scatenare la fantasia dei fan che, da anni, hanno richiesto a gran voce il ritorno del film che ha saputo catturare il lato oscuro dell’adolescenza, mescolando l’horror con una critica pungente e una buona dose di ironia.

Il Percorso di Jennifer’s Body nel Tempo: Un Insuccesso che ha Cambiato Identità

Jennifer’s Body ha sempre avuto un destino strano. Uscito con l’ambizione di essere un teen-horror erotico con sfumature comiche, il film fu inizialmente travolto dalle critiche. Gli spettatori, forse spiazzati dalla proposta tanto irriverente quanto inusuale, lo bollarono come un fallimento. La sceneggiatura di Diablo Cody, che metteva al centro una cheerleader posseduta che uccide i suoi compagni di scuola maschi, risultava forse troppo audace per l’epoca, e il pubblico faticò a cogliere la sua sottile critica sociale. Eppure, Jennifer’s Body è riuscito a crescere con il tempo, a distanza di anni, nei cuori di una nicchia di appassionati che hanno riscoperto e rivalutato le sue potenzialità. In una delle sue dichiarazioni più recenti, la stessa Cody ha confessato di non aver mai smesso di pensare al film, e di avere la sensazione che la storia non fosse ancora finita. Questa dichiarazione, accompagnata dal desiderio di creare un sequel, è sicuramente uno degli spunti che ha riacceso l’entusiasmo intorno al progetto.

Il Cast e la Regia: Un Ritorno Alle Origini?

La vera domanda che sorge spontanea riguardo alla produzione di Jennifer’s Body 2 riguarda il cast e la sua composizione. Se Amanda Seyfried ha già espresso il suo interesse nel tornare a vestire i panni di Needy, il ritorno di Megan Fox nel ruolo della tormentata e pericolosa Jennifer rimane ancora incerto. Nel primo film, Fox fu una delle attrici più chiacchierate, ma anche una delle più criticate per la sua interpretazione. Oggi, a distanza di anni, la sua partecipazione potrebbe sembrare più che mai possibile, soprattutto dato il nuovo rapporto che l’attrice ha costruito con i suoi fan e con il mondo del cinema, ma nulla è stato ancora confermato.

La regia dovrebbe rimanere nelle mani di Karyn Kusama, che, dopo il suo passaggio all’ambito televisivo, ha continuato a crescere come una delle registe più apprezzate per la sua capacità di coniugare il dramma con elementi di suspense e orrore. Il ritorno della regista sarebbe fondamentale per mantenere intatto il tono distintivo del film, che oscillava tra il grottesco e il tragico, con un sapiente uso dell’ironia per raccontare la disillusione e l’inquietudine dei suoi personaggi.

Diablo Cody e la Continuazione di una Storia Incompleta

L’entusiasmo di Diablo Cody per un sequel è palpabile. Dopo anni di progetti diversi, tra cui la sceneggiatura di Lisa Frankenstein di Zelda Williams, Cody ha più volte dichiarato di non aver mai smesso di pensare a Jennifer’s Body e di avere l’intenzione di esplorare ulteriormente l’universo che ha creato. Tuttavia, come ha recentemente sottolineato, per realizzare un sequel sono necessari i fondi e le persone giuste che credano nel progetto tanto quanto lei. Non si tratta solo di scrivere una sceneggiatura, ma di creare un contesto che permetta alla storia di evolversi senza tradire il suo spirito originale.

Nel frattempo, Jennifer’s Body ha trovato una nuova vita in streaming, dove è stato ripreso e apprezzato da una nuova generazione di spettatori. Se per molti il film era un esperimento andato storto, per gli appassionati è diventato un esempio di cinema che sfida i confini dell’horror, del teen-drama e della commedia nera.

Un Sequel che Sfiderebbe il Tempo?

Cosa dobbiamo aspettarci da Jennifer’s Body 2? Se le premesse sono quelle di un film che sfida il concetto di body horror con la consapevolezza di sé e della sua stessa mitologia, il sequel potrebbe aprire nuove strade per un genere che sembra essere in costante evoluzione. Potremmo vedere una Needy ormai adulta, forse alle prese con una realtà completamente diversa da quella che aveva lasciato alla fine del primo capitolo, o forse un ritorno più esplicito di Jennifer, con una nuova interpretazione del suo tormentato personaggio.

Quel che è certo è che, dopo anni di speculazioni, le parole di Amanda Seyfried e Diablo Cody lasciano presagire che Jennifer’s Body 2 potrebbe finalmente vedere la luce. La domanda non è più se, ma quando arriverà e come verrà accolto. E, nel frattempo, possiamo solo sperare che la magia di quel film, che ci ha fatto riflettere su tematiche di identità, sessualità e morte con una risata di sottofondo, torni a incantare il pubblico ancora una volta.

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Nathan Fielder torna con The Rehearsal Stagione 2: Un’ulteriore follia televisiva in arrivo

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Nathan Fielder torna con la seconda stagione di The Rehearsal, una serie che, fin dal suo debutto nel 2022, ha conquistato sia la critica che il pubblico con il suo approccio audace e stravagante alla commedia. Creata, scritta, diretta e interpretata dallo stesso Fielder, The Rehearsal si distingue per la sua premessa intrigante: un programma che permette alle persone di “provare” le conversazioni più difficili della loro vita, simulando con una precisione maniacale situazioni personali ed emotive che, nella realtà, sarebbero troppo rischiose o scomode da affrontare.

Il fascino della serie risiede in gran parte nell’evidente assurdità e nella macabra ironia che ne derivano. Ogni “rehearsal” è meticolosamente progettato, con attori professionisti che ricreano ambientazioni complesse e set sontuosi, a volte grotteschi, che amplificano l’assurdità della situazione. Ma ciò che rende davvero unica questa serie è proprio l’eccesso di risorse e di sforzi impiegati per gestire eventi che, nella vita reale, sarebbero forse più semplicemente gestiti con una conversazione onesta e spontanea. Con The Rehearsal, Nathan Fielder ha trasformato un concetto banale — la preparazione a situazioni sociali complesse — in uno spettacolo che mescola il comico con il disturbante.

La prima stagione ha ottenuto un grande successo, non solo per l’originalità della sua proposta, ma anche per la capacità di Fielder di manovrare il confine tra realtà e finzione in un modo che sembrava quasi disturbante. Ed è forse proprio questa capacità di spingere lo spettatore oltre il limite del comico e del surreale che ha fatto di The Rehearsal un caso televisivo unico. Dopo un’attesa di tre anni, i fan della serie possono finalmente prepararsi per il ritorno della seconda stagione, prevista per il 20 aprile su HBO e Max, un annuncio che ha immediatamente acceso le aspettative.

La trama ufficiale della stagione 2 ci anticipa un’evoluzione del format, con un Fielder più determinato che mai a portare la sua impresa al livello successivo. Il focus di questa nuova stagione, infatti, sarà quello di affrontare una questione che “riguarda tutti”, sebbene al momento non si sappia con certezza di cosa si tratti. La scelta di Fielder di concentrarsi su un “problema universale” potrebbe essere una mossa audace, tanto quanto l’intera serie. In un mondo dove il banale viene spesso esagerato per generare comicità, è facile immaginare che il problema in questione non sarà altro che un’ulteriore ridicolizzazione delle ansie quotidiane, delle piccole difficoltà sociali che, in una realtà diversa, potrebbero sembrare irrisorie.

Il ritorno di The Rehearsal promette di alzare ulteriormente l’asticella della messa in scena, portando il concetto di “prova” a nuovi livelli di follia. Nella prima stagione, Fielder aveva ricreato ambienti come un bar e una casa per ambientare le sue prove, ma la seconda stagione potrebbe spingersi ancora più lontano, forse con scenari ancora più complessi e situazioni ancora più esasperate. I dettagli rivelano che la serie manterrà intatta la sua capacità di scioccare, intrattenere e, soprattutto, riflettere su come affrontiamo le difficoltà sociali in modo quasi grottesco.

L’attesa per la seconda stagione, composta da sei episodi, è quasi finita, e il debutto è fissato per il 20 aprile, subito dopo la trasmissione di The Righteous Gemstones su HBO. Gli episodi saranno disponibili anche su Max ogni domenica, e non c’è dubbio che l’attesa per questo ritorno sia palpabile, con la promessa di esplorare ancora una volta quel territorio sottile tra il comico e il disturbante che Fielder ha saputo costruire con maestria.

The Rehearsal non è solo una serie comica. È un esperimento sociale travestito da commedia nera, un’opera che sfida continuamente le aspettative, giocando con il concetto stesso di realtà e finzione. Nathan Fielder ha saputo, come pochi, creare un universo dove ogni piccola conversazione può essere una catastrofe, ogni momento di vita quotidiana una performance. E questo, probabilmente, è il vero cuore della serie: farci riflettere su quanto, in fondo, la vita stessa sia una lunga prova, una simulazione in cui proviamo continuamente a recitare il nostro ruolo nel miglior modo possibile.

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“Death of a Unicorn”: Un’oscura commedia horror che esplora il confine tra fantasia e crudeltà

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Nel panorama cinematografico contemporaneo, in cui le produzioni indipendenti sembrano moltiplicarsi e sempre più spesso sfidano le convenzioni narrative e stilistiche, Death of a Unicorn emerge come una proposta singolare che promette di scuotere le aspettative del pubblico. Diretto e scritto da Alex Scharfman, il film si preannuncia come una commedia nera che sa mescolare il grottesco e l’assurdo con un’ironia tagliente, ma anche con una forte componente di horror e una critica sociale sotterranea. In particolare, il marchio A24, celebre per la sua capacità di proporre opere provocatorie e fuori dagli schemi, sembra aver trovato in Death of a Unicorn un terreno fertile per l’ennesimo racconto che sfida i limiti tra il reale e l’immaginario.

La trama del film, pur nella sua apparente semplicità, si evolve in un territorio disturbante, affrontando temi che spaziano dal rapporto umano con la natura fino alla moralità in un contesto di crescente cinismo. Elliot, interpretato da Paul Rudd, e sua figlia Ridley (Jenna Ortega), si trovano coinvolti in un incidente stradale mentre sono diretti a un vertice con il loro capo, Dell Leopold (Richard E. Grant). Durante il viaggio, i due investono accidentalmente un unicorno, una creatura mitologica che, apparentemente moribonda, nasconde ben più di quanto sembri. Il corno dell’unicorno, infatti, possiede incredibili proprietà curative, in grado di guarire malattie devastanti come il cancro. Questo elemento magico diventa il fulcro del conflitto: la famiglia Leopold, composta da figure ambiziose e senza scrupoli, decide di impadronirsi dell’unicorno per sfruttarlo come una fonte di guadagno illimitato. Tuttavia, quando la compagna dell’unicorno arriva per vendicare la morte del suo compagno, la situazione precipita in una spirale di violenza che minaccia di consumare chiunque abbia osato trarre vantaggio da questa scoperta soprannaturale.

La narrazione si inserisce con naturalezza in quel genere che viene definito “dark comedy”, ovvero una commedia dai toni cupi che gioca con l’assurdità e il grottesco. Death of a Unicorn si diverte a mettere in scena il paradosso della mercificazione della purezza e della magia, rappresentate da un unicorno che, da simbolo di speranza, viene brutalmente sfruttato come una merce da vendere. Il film, in effetti, non si limita a raccontare una storia assurda di creature mitologiche e vendette sovrannaturali, ma si fa portavoce di una riflessione più profonda sul nostro rapporto con la natura e con la scienza, sull’egoismo umano e sulle sue inclinazioni a sfruttare tutto ciò che lo circonda per scopi egoistici, spesso senza considerare le conseguenze delle proprie azioni.

In questo contesto, l’umorismo del film non è mai gratuito, ma serve a sottolineare l’incoerenza e l’arroganza dell’uomo di fronte all’ignoto, come nel caso della scoperta di una creatura che, sebbene dotata di poteri straordinari, viene trattata come una fonte di guadagno e potere. Il film, pur nell’inevitabile escalation di violenza e orrore, riesce a mantenere una componente ironica che amplifica il contrasto tra l’assurdità della situazione e la serietà della riflessione sottesa.

Il cast, senza dubbio uno dei punti di forza di questa produzione, riesce a donare una notevole profondità ai personaggi, grazie alle performance di attori di grande calibro. Paul Rudd, da sempre abile nel combinare comicità e dramma, interpreta un Elliot che è un padre ben intenzionato, ma incapace di resistere alla tentazione del guadagno facile e del potere. La sua è una figura che oscilla tra l’umorismo e la tragedia, mentre cerca di fare la cosa giusta, ma si ritrova spesso sopraffatto dagli eventi. Jenna Ortega, che negli ultimi anni si è distinta per il suo ruolo in Wednesday, porta sullo schermo una giovane figlia idealista, che cerca di fermare la folle corsa verso la distruzione. La sua interpretazione è convincente e offre un contrasto interessante con quella di Rudd. Richard E. Grant, che in molti ricorderanno per la sua capacità di interpretare personaggi eccentrici, dà vita a Dell Leopold, un magnate affascinante ma moralmente ambiguo, che incarna perfettamente il cinismo e la spietatezza del suo ruolo. La presenza di Will Poulter, Téa Leoni, Anthony Carrigan, Sunita Mani e Jessica Hynes arricchisce ulteriormente la pellicola, creando un ensemble perfetto per il tipo di narrazione che Scharfman ha in mente.

Dal punto di vista produttivo, il film ha dovuto affrontare diverse difficoltà, tra cui la coincidenza con lo sciopero degli attori di Hollywood, ma la peculiarità della situazione di A24, che non faceva parte della coalizione di produttori coinvolti nello sciopero, ha permesso di proseguire senza interruzioni. Le riprese, avvenute in Ungheria, contribuiscono a dare al film un’atmosfera straniante, che amplifica il contrasto tra la realtà e l’elemento fantastico che permea la storia, creando un effetto visivo che risulta tanto inquietante quanto affascinante.

La colonna sonora, firmata dal leggendario John Carpenter insieme a suo figlio Cody e a Daniel Davies, rappresenta un altro punto di forza del film. La musica, in perfetto stile Carpenter, è tanto inquietante quanto suggestiva, riuscendo a entrare in sintonia con l’atmosfera di tensione che permea il racconto. Le sonorità contribuiscono a creare un ambiente surreale e minaccioso, capace di amplificare le emozioni del pubblico, e si sposano perfettamente con il tono del film. Il trailer del film, che ha visto la luce nel dicembre del 2024, presenta una versione della celebre “Good Vibrations” dei Beach Boys, che, pur sembrare in contrasto con la natura cupa del film, sottolinea con ironia il gioco tra l’assurdo e l’inquietante che è alla base di tutta la narrazione.

Death of a Unicorn rappresenta l’ennesima incursione di A24 in un territorio bizzarro e irriverente, e le aspettative sono alte. Il film non si limita a essere una semplice commedia nera, ma scava in profondità, affrontando temi complessi e inquietanti che mettono in discussione il nostro rapporto con la natura e con la scienza. Con una trama che si sviluppa tra il grottesco e l’horror, il film è destinato a fare parlare di sé e a conquistare un pubblico affamato di storie che non si accontentano di restare nei confini del convenzionale. La fusione di umorismo nero, critica sociale e un pizzico di fantastico lo rende un titolo imperdibile per chi cerca qualcosa di diverso e provocatorio nel panorama cinematografico del 2025.

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The ‘Burbs: Keke Palmer e il nuovo adattamento di un cult degli anni ’80

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Il cast della serie TV The ‘Burbs, adattamento per Peacock dell’omonimo film del 1989, sta prendendo forma in modo promettente, con una combinazione intrigante di talenti che sicuramente saprà conquistare il pubblico. Al centro di questo nuovo progetto troviamo Keke Palmer, che non solo ricoprirà il ruolo di protagonista, ma sarà anche produttrice esecutiva. Questo remake si preannuncia come una ventata di novità per la commedia nera che, nel suo originale, diretto da Joe Dante, è diventata un vero e proprio cult della cultura popolare. Insieme a Palmer, sono stati annunciati anche Jack Whitehall, Julia Duffy, Paula Pell, Mark Proksch e Kapil Talwalkar, un cast che promette di mescolare brillantemente comicità e dramma, portando una nuova energia alla serie.

Nel cuore della trama, Palmer sarà affiancata da Jack Whitehall, noto per i suoi ruoli in Jungle Cruise e The Afterparty, e insieme daranno vita a una giovane coppia che, dopo essersi trasferita nella casa d’infanzia del marito, vede la propria vita sconvolta da nuovi vicini. Questi ultimi, con la loro apparente normalità, porteranno alla luce vecchi segreti e minacce mortali che metteranno in pericolo la tranquillità di un quartiere che sembrava essere il ritratto della serenità suburbana. La sinossi della serie ricorda molto l’atmosfera inquietante del film originale, dove il quartiere stesso, con la sua facciata di calma, diventa un personaggio a parte. Questo aspetto rimarrà centrale nell’adattamento, mantenendo la tensione e il mistero che hanno reso il film del 1989 così speciale.

A dare ulteriore lustro al progetto ci pensa Seth MacFarlane, creatore di Family Guy e produttore di Ted, che torna come produttore esecutivo sotto la sua etichetta Fuzzy Door. Insieme a lui, Brian Grazer di Imagine Entertainment, che aveva prodotto il film originale, contribuirà alla produzione. La sceneggiatura e la produzione esecutiva sono affidate a Celeste Hughey, che ha già dimostrato il suo talento con serie come Palm Royale e Dead to Me. La Hughey, con la sua esperienza nel mescolare commedia e dramma, si preannuncia come la scelta ideale per aggiornare l’essenza del film originale, mantenendone l’umorismo nero ma adattandolo al contesto contemporaneo.

Il cast si arricchisce ulteriormente con attori come Julia Duffy, Paula Pell, Mark Proksch e Kapil Talwalkar, che porteranno ciascuno il proprio tocco personale a ruoli che mescolano momenti di comicità e tensione. La serie sarà girata agli Universal Studios, proprio come il film originale, creando un legame diretto tra passato e presente. Il primo episodio sarà diretto da Nzingha Stewart, regista di Daisy Jones and the Six e Cross, che si unisce al progetto come produttrice esecutiva e regista, apportando una visione fresca e moderna.

The ‘Burbs si inserisce in un filone di adattamenti e reboot di grandi successi cinematografici degli anni ’80 e ’90, un trend che Peacock sta cavalcando con decisione, puntando su proprietà di Universal per arricchire il suo catalogo. La serie promette di essere un mix avvincente di suspense e umorismo nero, esplorando i contrasti tra la tranquillità suburbana e i segreti oscuri che si nascondono dietro le porte chiuse. Con la presenza di Keke Palmer, attrice premiata con due Emmy, e un cast corale di attori di spicco, questo adattamento si preannuncia come uno dei progetti più interessanti da seguire.

Se il film del 1989, con Tom Hanks e Carrie Fisher protagonisti, aveva già costruito un seguito di fan grazie alla sua satira sociale camuffata da commedia, questa versione moderna di The ‘Burbs mira a rinnovare il classico per le nuove generazioni. Pur mantenendo intatta la critica alla vita suburbana, la serie aggiungerà nuove sfumature narrative, affrontando temi attuali e riflettendo sui cambiamenti della società. Con una produzione di alto livello e un team creativo affiatato, The ‘Burbs promette di essere un perfetto mix di nostalgia e freschezza, destinato a fare parlare di sé.

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Heart Eyes: L’Ironico Slasher di San Valentino che Non Volevamo Ma Che Aspettavamo

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Il 7 febbraio 2025, pochi giorni prima che le vie si riempiano di cuori e cioccolatini, una proposta cinematografica decisamente fuori dagli schemi si prepara a irrompere nelle sale. Heart Eyes è il film che potrebbe cambiare per sempre il modo in cui vediamo il giorno di San Valentino, almeno per chi ama l’horror con un tocco di ironia. Una commistione tra slasher e commedia nera, che promette di regalare brividi e risate in un mix perfetto per gli amanti del genere. Prodotto da chi ha già lavorato a pellicole come M3GAN e My Best Friend’s Exorcism, il film gioca con le convenzioni dell’horror, con una trama che mescola paura e ironia, mentre ci accompagna in un viaggio inaspettato proprio nel cuore del periodo più romantico dell’anno.

La trama di Heart Eyes è un cocktail esplosivo di suspence e battute, dove il protagonista non è un semplice assassino, ma un killer dai tratti macabri, noto come “Heart Eyes”. Questo serial killer ha una missione singolare: uccidere coppie di innamorati durante la festa di San Valentino. Con una serie di omicidi brutali che hanno attraversato diverse città negli anni, la storia arriva a Seattle, dove Ally, una giovane designer interpretata da Olivia Holt, si trova nel mirino di questo inquietante personaggio. Dopo una delusione amorosa, Ally ha giurato di tenersi lontana da tutto ciò che riguarda il romanticismo, ma la sua vita prende una piega inaspettata quando incontra Jay (Mason Gooding), un affascinante collega designer con cui deve collaborare. Quello che inizia come un semplice progetto lavorativo si trasforma in una lotta per la sopravvivenza, mentre il killer Heart Eyes inizia a perseguitarli.

Un Cast Da Brivido

Nel cast troviamo un mix affiatato di volti noti e giovani promesse. Mason Gooding, già visto in Scream VI e nella serie Love, Victor, è il protagonista maschile, affiancato da Olivia Holt, conosciuta per il suo ruolo in Cruel Summer. A completare il gruppo, troviamo Jordana Brewster, famosa per il suo ruolo in Fast & Furious, e Devon Sawa, volto iconico del cinema horror, soprattutto per i suoi ruoli in Final Destination e Chucky. Questa combinazione di attori esperti e giovani talenti garantisce una performance dinamica, in grado di mantenere alta l’attenzione del pubblico.

La regia è affidata a Josh Ruben, un nome ormai noto agli appassionati di film che mischiano horror e ironia. Ruben ha già dimostrato di saper giocare con questi due elementi in passato, con film come Blood Relatives e A Wounded Fawn, e Heart Eyes sembra essere il suo terreno di gioco ideale. La sua abilità nel dosare tensione e comicità si riflette in ogni scena, creando un film che sa come farti ridere mentre stringi le mani sulla poltrona.

Un San Valentino Sanguinoso e Sarcastico

Il film non è solo un omaggio ai classici slasher come Scream o I Know What You Did Last Summer, ma si diverte anche a giocare con le aspettative del pubblico. Non manca il romance, certo, ma è trattato con un’irriverenza che rende la trama fresca e spiazzante. L’umorismo è uno degli ingredienti principali: le battute, le situazioni assurde e gli scontri tra i protagonisti con il killer aggiungono un tocco di parodia, ma senza mai perdere il ritmo del terrore.

Le riprese di Heart Eyes sono state girate in Nuova Zelanda, il che ha contribuito a creare scenari mozzafiato, lontani dai soliti clichè delle location hollywoodiane. La colonna sonora, curata da Jay Wadley, si unisce perfettamente al tono del film, con brani che amplificano la tensione, mantenendo sempre alta l’adrenalina.

La Critica e l’Accoglienza

Nonostante qualche critica riguardo al ritmo e ad alcuni momenti di umorismo un po’ forzato, Heart Eyes ha ricevuto una buona accoglienza dalla critica, che ha apprezzato la sua capacità di unire due mondi apparentemente inconciliabili come l’horror e la commedia romantica. A livello commerciale, il film si è già fatto notare, incassando 8,5 milioni di dollari nelle prime settimane di distribuzione e confermando l’interesse di un pubblico pronto ad esplorare nuove forme di intrattenimento durante la festa degli innamorati.

Heart Eyes è senza dubbio una proposta intrigante per chi è stanco delle solite storie d’amore zuccherose e cerca qualcosa di più audace per il proprio San Valentino. Un film che unisce paura, risate e un pizzico di romanticismo, pronto a farvi battere il cuore… ma con un bel po’ di inquietudine. Se volete un San Valentino diverso dal solito, fatto di sangue, sarcasmo e, naturalmente, suspense, non lasciatevi scappare questo slasher fuori dagli schemi. Heart Eyes è il film che vi farà ridere mentre vi farà anche chiedere: chi è davvero il mostro in questa storia?

Cinema & Tv, Glorie Nerd Vintage

Pulp Fiction compie 30 anni: un cult senza tempo che continua a far parlare di sé

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Il 28 ottobre 1994, il mondo del cinema fu testimone di un evento che cambiò per sempre il panorama della settima arte: Pulp Fiction, il secondo lungometraggio di Quentin Tarantino, trionfava al Festival di Cannes, conquistando la Palma d’Oro. Questo successo non fu solo una sorpresa, ma un vero e proprio colpo al cuore della concorrenza, che comprendeva registi già affermati come Krzysztof Kieślowski e Robert Altman. Pulp Fiction non era semplicemente un film; era una rivoluzione. La sua trama, che intrecciava le storie di personaggi coinvolti nella criminalità di Los Angeles, si distingueva per una struttura narrativa non lineare e per dialoghi che oscillavano tra il cinismo e l’irriverenza. Il tutto condito da violenza, humor nero e una profonda miscela di citazioni alla cultura popolare e al cinema di genere.

Pulp Fiction è un’opera che si rifà alla tradizione pulp nel suo senso più ampio. Ispirato dalle riviste di genere degli anni Trenta, quelle pubblicazioni di bassa qualità che raccontavano storie di crimine, mistero e azione, Tarantino non si limitava a riprendere i cliché del genere. Piuttosto, li mescolava, li sovvertiva e li reinventava, creando un mondo unico dove ogni dettaglio aveva una sua funzione e significato. Un universo originale, che affascinava tanto il pubblico quanto la critica.

L’impatto di Pulp Fiction sul cinema è stato straordinario. Con un budget di soli 8 milioni di dollari, il film è riuscito a incassare oltre 200 milioni, conquistando sette nomination agli Oscar, tra cui quella per la miglior sceneggiatura originale, che vinse. Ma l’influenza di Pulp Fiction non si è limitata ai numeri. Ha rilanciato carriere e dato nuova vita a attori come John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman e Bruce Willis, consolidando Tarantino come uno dei registi più originali e influenti della sua generazione. La sua pellicola è diventata un cult, ispirando parodie, imitazioni e citazioni che si sono diffuse in film, serie TV, libri, fumetti, videogiochi e persino musica. La misteriosa valigetta, la danza tra Uma Thurman e John Travolta al Jack Rabbit Slim’s, il celebre monologo di Jules su un versetto biblico, e il burger di Big Kahuna sono entrati di diritto nella cultura popolare, diventando icone di un’era cinematografica.

Oggi, a trent’anni di distanza, Pulp Fiction continua a esercitare un fascino indiscusso. Tarantino ha saputo mescolare generi diversi—dal noir al western, dal gangster movie alla commedia nera—dando vita a una formula esplosiva che ha lasciato un segno indelebile. I personaggi, con le loro complessità, sono diventati leggendari. Chi non ricorda il carismatico e inquietante Jules Winnfield, con il suo memorabile monologo biblico? E cosa dire di Vincent Vega, il cui stile inconfondibile e la dipendenza dall’eroina hanno fatto sognare e riflettere generazioni di spettatori?

La danza di Uma Thurman nei panni di Mia Wallace è uno degli esempi più emblematici di come Tarantino abbia saputo regale momenti indimenticabili, trasformando una semplice scena in una vera e propria celebrazione della sensualità sullo schermo. Ma oltre alle performance straordinarie degli attori, Pulp Fiction ha ridefinito il linguaggio cinematografico. La sua struttura narrativa non lineare, i dialoghi serrati e una colonna sonora perfetta hanno reso il film un punto di riferimento per il cinema indipendente, ispirando innumerevoli registi.

Eppure, ciò che rende Pulp Fiction così speciale, così amato, è la sua capacità di parlare a tutti, di attraversare i decenni e le generazioni. Temi universali come la morte, la redenzione, la violenza e l’amicizia risuonano in modo profondo in ogni spettatore, creando un legame che va oltre il tempo. La visione di Tarantino, con le sue inquadrature mozzafiato e un montaggio dinamico, ha dato vita a uno stile che è diventato inconfondibile, un marchio di fabbrica che lo ha reso unico. E poi ci sono i dialoghi: battute e monologhi che sono entrati nel linguaggio comune, citati e parodiati ancora oggi.

In occasione del trentesimo anniversario, Pulp Fiction viene celebrato con ristampe speciali in Blu-ray, eventi cinematografici, mostre e convegni. Una celebrazione non solo del film, ma di un’epoca, di un cambiamento che ha segnato un punto di non ritorno nel cinema moderno. Pulp Fiction è molto più di un film: è un’opera d’arte, un manifesto culturale, un’esperienza che rimane impressa nella memoria. È uno di quei film che, come dice il suo regista, è fatto di “momenti” che non smettono mai di affascinare. E a distanza di tre decenni, rimane un faro luminoso per gli amanti del cinema, una pellicola che non smette mai di stupire, divertire e provocare, una testimonianza della forza e della potenza della settima arte.

Cinema & Tv

Timor – Finché c’è morte c’è speranza. La Black Comedy Dissacrante di Valerio Di Lorenzo

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Dal 7 novembre 2024, arriva nelle sale italiane Timor – Finché c’è morte c’è speranza, la nuova black comedy diretta da Valerio Di Lorenzo, che ha già fatto parlare di sé durante la sua anteprima al Romics 2024, il celebre Festival Internazionale del Fumetto, Animazione, Cinema e Games. Prodotto da Blooming Flowers e Sarabi Productions, il film promette di regalare un’avventura esilarante, ma decisamente fuori dagli schemi.

La trama ruota attorno a Calamaro, un giovane della periferia romana che, in occasione del suo trentesimo compleanno, si trova coinvolto in un disastro creato da uno dei suoi amici storici, Jason. Il gruppo di amici, sopraffatto dal panico, si ritrova a dover affrontare una situazione macabra e surreale: occultare il corpo di un uomo che è stato ucciso per errore. L’incapacità dei protagonisti di gestire questo segreto li porta a prendere decisioni sempre più azzardate, costringendoli a confrontarsi con le loro paure e le loro fragilità.

Valerio Di Lorenzo, già noto per il suo film Quid, che nel 2021 era stato candidato ai David di Donatello, torna dietro la macchina da presa con Timor. Il regista, che ha una carriera costellata di cortometraggi, dimostra ancora una volta la sua passione per le sperimentazioni stilistiche e narrative. In questo film, accompagnato nella scrittura da Andrea D’Andrea, Di Lorenzo mescola con maestria commedia nera e thriller, dando vita a una storia che oscilla tra il comico e il drammatico, in un omaggio al celebre Guy Ritchie.

Il film non è solo un racconto tragicomico, ma un’opera che usa il cadavere come metafora della vita dei protagonisti, bloccata in una sorta di adolescenza eterna, incapace di affrontare la maturità. Il corpo diventa così il simbolo della spensieratezza perduta, in un confronto con la realtà di una crescita mai compiuta. Di Lorenzo si spinge oltre le convenzioni morali, invitando lo spettatore a riflettere su quanto il giudizio sociale possa essere spesso incapace di cogliere la complessità delle emozioni umane e l’empatia.

Il cast di Timor è una delle sue forze. Rocco Marazzita, già noto per la serie Dostoevskij dei Fratelli D’Innocenzo e per il film horror Sound of Silence, interpreta Calamaro, il protagonista della storia. Accanto a lui, Giorgio Montaldo veste i panni di Jason, il personaggio che innesca il disastro. Francesca Olia interpreta Rebecca, mentre Valentina Vignali, modella e cestista, interpreta la spacciatrice Involtina. Il cast include anche Sandro Bonvissuto, Daphne Scoccia e Stefania Visconti, ognuno dei quali porta sullo schermo un personaggio ricco di sfumature, contribuendo a una narrazione corale che non manca di colpi di scena.

Timor si distingue per la sua capacità di mescolare tensione e risate, e si conclude con un twist finale che lascia lo spettatore senza parole. Con questo film, Di Lorenzo si conferma un regista capace di raccontare storie complesse, in cui situazioni assurde si trasformano in riflessioni profonde sulla condizione umana, le dinamiche sociali e le scelte personali.

Presentato in anteprima al Romics 2024, Timor ha già catturato l’attenzione degli appassionati di cinema e dei fan delle commedie nere. Inserito nel contesto di un festival che celebra il fumetto, l’animazione e il cinema, il film si preannuncia come una delle opere più attese della stagione. Grazie alla sua trama audace, un cast talentuoso e una regia che non teme di osare, Timor – Finché c’è morte c’è speranza promette di essere una vera e propria esperienza cinematografica per gli amanti del genere.

Valerio Di Lorenzo ha voluto creare un’opera che non solo diverte, ma stimola anche una riflessione più profonda, consolidando la sua posizione come una delle voci più originali del panorama cinematografico italiano. Non resta che attendere il 7 novembre per scoprire come Calamaro e i suoi amici cercheranno (o forse no) di uscire da questo vortice di errori e cattive decisioni, in una commedia nera che lascia il segno.