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Nel cuore dello studio di Yoshitaka Amano: l’esperienza VR di Lucca Comics & Games arriva a Roma

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Se siete cresciuti a pane e Final Fantasy, se vi siete persi nei sogni eterei di Vampire Hunter D o avete incrociato lo sguardo fiabesco degli artwork di Sandman: The Dream Hunters, allora sapete già chi è Yoshitaka Amano. Ma stavolta non stiamo parlando solo di disegni incorniciati in una galleria: stavolta si va ben oltre. Si entra, letteralmente, nel mondo dell’artista. Lucca Comics & Games ci porta a fare un viaggio senza precedenti grazie a un’esperienza VR a 360° dal titolo Amano Corpus Animae, disponibile in esclusiva a Roma, presso l’Istituto Giapponese di Cultura, nelle giornate di venerdì 6 giugno e mercoledì 2 luglio 2025.

In questa esperienza immersiva, sviluppata con la collaborazione di Gold VRG, si indossano i visori ed ecco che le luci si abbassano, il respiro si ferma per un attimo e si viene catapultati nel cuore pulsante della capitale nipponica. Attraverso uno speciale documentario della durata di 12 minuti, realizzato in VR 360°, ci ritroviamo a passeggiare per le vie di Tokyo fino a varcare la soglia dello studio personale del Maestro Amano. E non si tratta solo di uno sguardo fugace: ci si trova davvero accanto a lui, mentre lavora, mentre parla, mentre crea. Un’intervista esclusiva e momenti di quotidianità artistica che ci permettono di osservare il processo creativo di una leggenda vivente.

Chi ha già avuto la fortuna di provare questa esperienza — in due giornate dedicate agli studenti dell’Istituto — ha raccontato emozioni forti, a tratti commoventi. “Sembrava di stare veramente in Giappone”, ha detto uno di loro, “è stato un fantastico ingresso nello studio, in contatto diretto con l’artista e le sue opere. Vederlo disegnare così da vicino mi ha fatto venire i brividi”.

Il documentario è firmato da Barbara Gozzi (alla sceneggiatura), Omar Rashid (regista) e Luca Bitonte (produttore esecutivo), che saranno presenti in entrambe le proiezioni romane per introdurre il pubblico a questo viaggio digitale. Ma non finisce qui: come ciliegina sulla torta, verranno proiettati anche contenuti esclusivi, tra cui il dietro le quinte della creazione degli official poster di Lucca Comics & Games 2024, realizzati da Amano stesso. Un vero e proprio omaggio al grande Giacomo Puccini, attraverso le sue opere Tosca, Madama Butterfly e Turandot, che hanno anche valso all’artista il titolo di Ambassador del Padiglione Italia per Expo 2025 Osaka.

E mentre l’esperienza VR ci fa entrare in uno spazio quasi mistico, fatto di luci soffuse, inchiostro e immaginazione, non dimentichiamoci che Amano Corpus Animae vive anche su carta, tela e celluloide grazie all’imperdibile mostra in corso al Museo di Roma a Palazzo Braschi. Inaugurata il 28 marzo 2025 e aperta fino al 12 ottobre dello stesso anno, questa esposizione monumentale — ideata da Lucca Comics & Games e promossa da Roma Capitale con il supporto organizzativo di Zètema — celebra i 50 anni di carriera del Maestro con oltre 200 pezzi: opere originali, cel d’animazione e memorabilia da far tremare i polsi agli appassionati.

La mostra, che si snoda tra le suggestive sale di Palazzo Braschi, mette in luce il legame profondo tra Amano e la città eterna, amata dall’artista fin dagli anni Settanta. Roma, con le sue rovine, i suoi miti, le sue ombre rinascimentali, ha nutrito l’immaginario di Amano al pari di Kyoto o Parigi, trasformandosi in musa silenziosa di molte sue creazioni. Non è un caso che la sua prima grande esposizione italiana trovi proprio qui il suo palcoscenico naturale.

L’esperienza VR e la mostra si completano come due lati della stessa medaglia: una ti fa entrare nella mente dell’artista, l’altra nel cuore della sua produzione. E proprio questo equilibrio tra fisico e digitale, tra museo e realtà aumentata, tra tradizione e innovazione, è la chiave con cui Lucca Comics & Games ancora una volta ridefinisce il concetto di cultura pop. Non si tratta solo di ammirare: si tratta di vivere, partecipare, emozionarsi.

Se siete veri fan dell’arte visionaria di Yoshitaka Amano, segnate queste date in rosso fuoco: 6 giugno e 2 luglio 2025, Istituto Giapponese di Cultura di Roma, ore 17.00. I posti sono limitati a 30 visori per ciascun appuntamento e le prenotazioni apriranno rispettivamente il 23 maggio e il 17 giugno. Un consiglio da nerd a nerd? Non perdete tempo: preparatevi a un viaggio che non dimenticherete. E se dopo aver camminato per le strade digitali di Tokyo avete ancora voglia di bellezza, fate un salto a Palazzo Braschi. Vi aspettano secoli di storia romana e cinque decenni di sogni firmati Amano. Per info: museodiroma.it, www.museiincomune.it,  amanocorpusanimae.com.  Condividete questo articolo con i vostri compagni di avventure nerd, parlatene sui vostri social con chi condivide la vostra passione per l’arte fantastica e fatemi sapere: quale opera di Amano vi ha segnato di più? Ci vediamo lì, tra le luci di Tokyo e i marmi di Roma.

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“Folli Passioni” di Kamimura Kazuo arriva in Italia: un capolavoro emozionante in edizione limitata

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Arrivano finalmente in Italia i due volumi di “Folli Passioni” di Kamimura Kazuo, un’opera intensa e appassionante che si presenta in tre edizioni: regular, variant esclusiva per le fumetterie (in tiratura limitata) e un cofanetto disponibile solo nello shop Coconino. Una pubblicazione attesissima per gli amanti del manga d’autore, che segna un nuovo tassello nel percorso di riscoperta del maestro Kamimura.

“La passione per l’arte e quella amorosa s’intrecciano nel nuovo capolavoro scritto e disegnato da Kamimura”, un’opera in cui la maestria del celebre autore giapponese raggiunge nuove vette espressive. Taniguchi Jiro, una delle voci più autorevoli del manga contemporaneo, disse di lui: «Il suo disegno si distingueva per un’eleganza mai vista prima di allora». Un’affermazione che ben si adatta a descrivere “Folli Passioni”, un’opera capace di trasportare il lettore nella vibrante epoca Edo.

La storia si colloca nella prima metà del XIX secolo e segue le vicende di Sutehachi, un giovane artista che giunge a Edo per lavorare con il leggendario Maestro Hokusai, una delle figure più influenti della storia dell’arte giapponese. Ma la vita del protagonista è un costante equilibrio tra dedizione artistica e una ricerca quasi compulsiva del piacere. Sutehachi intreccia così una relazione con O-Shichi, una giovane donna enigmatica e tormentata, affascinata dal fuoco e dagli incendi, un legame pericoloso e appassionato che si dipana in un crescendo drammatico.

L’opera di Kamimura esplora due tematiche fondamentali della sua poetica: l’amore portato all’estremo e la devozione per l’arte. Attraverso il percorso di Sutehachi, il maestro ci regala un affresco potente e tragico dell’epoca Edo, popolato da artisti, artigiani e personaggi ambigui, in un Giappone ancora lontano dall’ordine e dal rigore che oggi lo caratterizzano. L’antica Edo che emerge dalle pagine di “Folli Passioni” è un luogo vibrante, ricco di tensioni e contrasti, dove il confine tra genio e sregolatezza è sottile e sfuggente.

L’abilità di Kamimura nel trasportare il lettore in epoche lontane è straordinaria: ogni tavola è un omaggio all’estetica raffinata dell’ukiyo-e, con richiami diretti alle opere di Hokusai e ai maestri del periodo. Il tratto elegante e sensuale dell’autore si unisce a una narrazione intensa, capace di alternare momenti di lirismo visivo a scene crude e passionali. Le atmosfere evocate ricordano le stampe dell’epoca, in cui il mondo fluttuante prende vita attraverso dettagli ricercati e un uso sapiente della composizione.

Ma “Folli Passioni” non è solo un tributo all’arte di Hokusai e alla cultura giapponese del XIX secolo; è anche una riflessione sulla condizione umana, sulle pulsioni inarrestabili che spingono l’individuo oltre i limiti della ragione. L’ossessione per il piacere, il desiderio di eccellere, la ricerca dell’immortalità attraverso l’arte: tutti questi elementi si fondono in una narrazione avvolgente e struggente, che lascia il segno nel cuore del lettore.

L’edizione italiana curata da Coconino Press è un evento imperdibile per gli appassionati di Kamimura e per chiunque voglia scoprire uno dei suoi lavori più intensi e sofisticati. La possibilità di scegliere tra l’edizione regular, la variant da collezione e il raffinato cofanetto esclusivo per lo shop Coconino permette di godere appieno dell’esperienza di lettura, arricchita da una stampa di alta qualità che valorizza ogni dettaglio dell’arte di Kamimura.

“Folli Passioni” è un viaggio sensoriale ed emotivo, una finestra aperta su un Giappone lontano e affascinante, un’opera che incanta e travolge, confermando ancora una volta il talento immortale di Kamimura Kazuo. Un manga che non può mancare nella collezione di chi ama le grandi storie, l’arte sublime e la narrazione senza tempo.

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Yoshitaka Amano: Amano Corpus Animae – A Roma più grande mostra europea dedicata al Sensei

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Dopo il grande successo ottenuto a Milano, la straordinaria mostra “Amano Corpus Animae” arriva finalmente a Roma. Dal 28 marzo al 12 ottobre 2025, il Museo di Roma a Palazzo Braschi ospiterà l’evento dedicato al leggendario Yoshitaka Amano, uno degli artisti più influenti nel mondo dell’animazione, del videogioco e dell’illustrazione contemporanea. Ideata e sviluppata da Lucca Comics & Games e curata da Fabio Viola, la mostra è promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura e Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, con il supporto organizzativo di Zètema.

Con oltre 200 opere originali, tra cel d’animazione, dipinti e oggetti di culto, “Amano Corpus Animae” ripercorre cinque decenni di carriera del maestro di Shizuoka, offrendo ai visitatori un viaggio immersivo nella storia dell’intrattenimento visivo mondiale. Dalla Tatsunoko a Final Fantasy, dai primi schizzi per le serie animate degli anni ’70 fino alle opere più recenti, la mostra celebra il genio creativo di Amano, capace di abbattere le barriere del tempo e imprimere la propria visione nell’immaginario collettivo.

Tra i momenti più attesi dell’esposizione, spicca la sezione dedicata alla collaborazione tra Amano e Michael Moorcock, autore della saga di “Elric di Melnibonè”. Per la prima volta in Italia, saranno esposte sei tavole che mostrano la genesi delle opere più celebri del maestro, influenzando profondamente l’estetica di Final Fantasy. Un’occasione unica per ammirare l’incontro tra due giganti della narrativa e dell’illustrazione.

Un’altra rarità è il cabinato di “Esh’s Aurunmilla”, un arcade che anticipa di tre anni l’ingresso di Amano nel mondo videoludico, esposto per la prima volta. Gli amanti della saga di Final Fantasy potranno esplorare una sezione dedicata con quasi 50 opere, tracciando un percorso visivo che va dal 1987 a oggi. Per gli appassionati dell’animazione, sarà possibile visitare la ricostruzione della “character room” della Tatsunoko, lo studio in cui Amano ha iniziato la sua carriera tra il 1970 e il 1976.

La mostra si sviluppa attraverso quattro grandi sezioni tematiche. Si parte dalle “Origini”, un viaggio nei primi lavori di Amano per anime storici come “Gatchaman” e “Tekkaman”, che hanno segnato il suo esordio nel mondo dell’animazione giapponese. Si prosegue con “Icons”, una sezione che esplora l’influenza di Amano sulla cultura pop occidentale, con le sue straordinarie illustrazioni per “Sandman” di Neil Gaiman e le variant cover di celebri personaggi come “Batman”, “Superman” e “Wolverine”. “Game Master” è interamente dedicata ai videogiochi, con un focus speciale sulla saga di “Final Fantasy”, a cui Amano ha donato il suo inconfondibile stile visivo. Infine, “Free Spirit” presenta la produzione più recente dell’artista, con opere mature e innovative, tra cui i tre poster realizzati per il Centenario Pucciniano di Lucca Comics & Games 2024.

Oltre all’esposizione fisica, l’evento offre esperienze immersive grazie alla realtà virtuale, che permetterà ai visitatori di esplorare gli studi dell’artista a Tokyo e accedere a opere inedite mai esposte prima.

La poliedricità di Amano emerge in ogni angolo della mostra, con riferimenti alla moda, al design, all’editoria e al teatro, dimostrando come il maestro abbia influenzato trasversalmente il mondo delle arti visive. Dai primi schizzi per “Pinocchio” negli anni ’70 alle collaborazioni con DC e Marvel, fino ai più recenti lavori dedicati a “Lady Butterfly”, “Tosca” e “Turandot”, “Amano Corpus Animae” rappresenta una celebrazione totale dell’universo visionario di un artista senza tempo.

L’appuntamento di Roma promette di essere un evento imperdibile per appassionati di animazione, videogiochi e illustrazione, offrendo una panoramica unica su un maestro capace di trasformare ogni tratto in pura magia visiva.

Informazioni pratiche:

  • Luogo: Museo di Roma a Palazzo Braschi
  • Date: 28 marzo – 12 ottobre 2025
  • Orari: 10:00 – 19:00 (chiuso il lunedì)
  • Biglietti: disponibili online e in loco

Per maggiori informazioni e prenotazioni,

www.museodiroma.it; www.museiincomune.it
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L’arte della katana e il manga Kagurabachi: una fusione di tradizione giapponese e passione italiana

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Kagurabachi arriva in Italia, e la sua magia non si limita solo alle pagine del manga. Se pensate che il lancio di una nuova serie manga non possa coinvolgere qualcosa di più di una copertura editoriale e qualche gadget, vi sbagliate di grosso. Star Comics ha deciso di fare le cose in grande, unendo l’arte giapponese delle katane con la passione italiana per la lavorazione del metallo. Un omaggio non solo al manga, ma anche alla cultura che sta dietro a una delle armi più iconiche della storia. E non parliamo di un oggetto qualsiasi, ma di una katana forgiata appositamente per celebrare il debutto del manga in Italia.

Per chi ancora non lo sapesse, Kagurabachi è un manga scritto e disegnato da Takeru Hokazono, serializzato sulla celebre rivista Weekly Shōnen Jump dal settembre 2023. È la storia di Chihiro Rokuhira, un giovane apprendista fabbro che, sotto la guida del padre, ha il compito di forgiare spade dotate di poteri straordinari. Ma quando un’organizzazione di stregoni distrugge il loro rifugio e ruba le sei spade legendarie, Chihiro si ritrova con l’ultima katana, l’unica sopravvissuta, che lo porterà in un viaggio segnato dalla vendetta, dalla magia e da un potere arcano che non conosceva. L’uscita del primo volume di Kagurabachi in Italia è prevista per il 18 marzo 2025, e per soddisfare i fan più appassionati, saranno disponibili diverse edizioni speciali. Oltre alla versione standard, che troveremo nelle librerie, ci saranno due edizioni limitate: una variant cover con box e gadget esclusivi, e una super-ultra-limitata con sovraccoperta olografica, disponibile solo sui canali ufficiali. Vi dico solo che questa edizione ultra-limitata sembra già destinata a diventare un vero e proprio oggetto da collezione, perfetto per chi vuole aggiungere un tocco di esclusività alla propria libreria.

E qui arriva la parte interessante: in occasione del lancio del manga in Italia, Star Comics ha commissionato una katana ispirata proprio a Kagurabachi. Ma non stiamo parlando di una replica qualunque, bensì di un’opera d’arte forgiata dal fabbro Michele Massaro, un esperto artigiano proveniente da Maniago, una piccola città friulana che vanta una lunga tradizione nella lavorazione delle lame. Michele ha realizzato questa katana con la stessa passione e maestria che caratterizza la lavorazione delle spade giapponesi, unendo la tradizione italiana e quella nipponica in un unico, straordinario oggetto. Certo, sappiamo tutti che la creazione di una katana autentica è un compito che spetta ai maestri giapponesi, ma il tributo che Massaro ha realizzato è un bellissimo omaggio a quella tradizione, con un tocco unico che solo l’arte italiana può dare.

E come se non bastasse, Star Comics ha deciso di fare le cose ancora più in grande con un’iniziativa davvero originale. La linea M5 della metropolitana di Milano è stata decorata con illustrazioni tratte da Kagurabachi, permettendo ai passeggeri di immergersi letteralmente nell’atmosfera del manga. Immaginate di salire su un treno circondati dalle immagini dei personaggi, delle spade leggendarie e di un mondo che sembra uscito da un sogno epico. Un viaggio quotidiano che si trasforma in una vera e propria esperienza visiva e immersiva, dove il mondo dei samurai e della magia prende vita tra le fermate della metro. E se siete a Milano e volete vedere la katana dal vivo, allora segnatevi questa data: il 14 marzo, dalle 17:30 alle 18:30, alla Feltrinelli di Piazza Piemonte si terrà la presentazione ufficiale del manga, con l’esposizione della katana di Massaro. Non c’è modo migliore di avvicinarsi a un’opera che unisce cultura, passione e tradizione, ed è l’occasione perfetta per scoprire da vicino l’universo di Kagurabachi.

Insomma, Kagurabachi non è solo un manga. È un’esperienza che abbraccia non solo il lato narrativo, ma anche quello artistico e culturale, con iniziative che mescolano la bellezza delle tradizioni giapponesi e italiane. Se siete appassionati di anime e manga, questa è un’occasione da non perdere. La katana, le illustrazioni, la storia coinvolgente e, ovviamente, le edizioni speciali: Kagurabachi ha tutte le carte in regola per diventare il nuovo must-have per ogni collezionista e fan dei manga. E, a mio parere, è una delle uscite più emozionanti degli ultimi tempi.

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Ero Guro Nansensu: Un Viaggio Nell’Oscurità e nell’Assurdo della Cultura Giapponese

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Nel cuore della cultura giapponese del XX secolo, un movimento tanto oscuro quanto provocatorio è emerso, lasciando un’impronta indelebile. Il termine “Ero Guro Nansensu”, che fonde i concetti di “erotico”, “grottesco” e “nonsense”, descrive una corrente artistica e letteraria che ha sfidato i confini morali e sociali del Giappone durante gli anni turbolenti della Shōwa. Nato durante la Grande Depressione del 1929, questo fenomeno ha dato vita a un fermento creativo che, nonostante la censura, ha continuato a evolversi, ispirando generazioni future di artisti e scrittori.

Le Radici e l’Ascesa del Movimento

Il movimento Ero Guro Nansensu, da non confondere con il termine “Ero Guro” ha preso forma grazie alla penna di autori pionieristici come Edogawa Ranpo e Yumeno Kyūsaku, che negli anni ‘20 hanno cominciato a pubblicare opere dove l’erotismo, l’orrore e il grottesco si intrecciavano in maniera innovativa. Storie come Injū di Ranpo e Binzume no Jigoku di Kyūsaku hanno aperto la strada a un’immaginazione che esplorava territori inaspettati: protagonisti psicologicamente distorti e trame che sfidavano ogni convenzione morale. La parola “nansensu” venne introdotta per descrivere un’estetica che mescolava assurdità e senza senso, perfetta riflessione della confusione e della frustrazione della società giapponese di quegli anni.

Nel 1932, con la pubblicazione delle Opere Complete di Edogawa Ranpo, il movimento raggiunse il suo apice. Le sue opere divennero simbolo di una subcultura letteraria che, nonostante le restrizioni imposte dalla censura, prosperava grazie alla passione e alla resilienza di un pubblico affamato di novità e provocazioni. Così, mentre la censura cercava di soffocare queste voci, il movimento Ero Guro Nansensu fioriva nei circoli sotterranei, dove riviste e libri affrontavano tematiche erotiche, inquietanti e dissacranti.

La Censura e la Cultura Sottoterra

Durante gli anni pre-bellici e la Seconda Guerra Mondiale, il governo giapponese impose una stretta censura, monitorando ogni forma di pubblicazione. Gli autori più audaci, tra cui lo stesso Edogawa Ranpo, si trovarono a dover affrontare enormi difficoltà nel vedere i loro lavori pubblicati. Le opere che osavano trattare tematiche erotiche o grottesche venivano sistematicamente ritirate dal mercato, ma ciò non fermò la diffusione clandestina del movimento. In questo contesto, nacquero i “libri sotterranei”, che venivano distribuiti attraverso club segreti e in edizioni limitate, permettendo alle opere di sopravvivere al di fuori del controllo statale.

Case editrici come Heibonsha divennero notorie per la loro abilità nel eludere la censura, riuscendo a pubblicare materiale che, pur essendo destinato a un pubblico adulto, trovava il modo di sfuggire agli occhi della legge. In questo scenario, l’Ero Guro Nansensu si trasformò in una cultura underground, seguita con fervore da un pubblico che cercava di sfidare i limiti imposti dal potere.

L’Incidente di Sada Abe e il Declino del Movimento

Un evento drammatico nel 1936, l’incidente di Sada Abe, influenzò profondamente la cultura Ero Guro Nansensu. La storia di un omicidio passionale, con tutti i suoi dettagli morbosi e inquietanti, catturò l’immaginazione collettiva e alimentò un crescente interesse per il lato oscuro della società giapponese. La stampa trattò l’incidente in modo sensazionalistico, accentuando il fascino per il grottesco e l’erotico, ma questa visibilità portò anche a un rafforzamento della censura. Dopo l’incidente, molte delle pubblicazioni più audaci furono ritirate, segnando simbolicamente la fine di un’era per il movimento.

Nel 1936, la censura raggiunse nuove vette con il divieto di canzoni popolari come Wasurecha Iya yo, il che segnò un altro colpo alla libertà artistica. Con l’introduzione delle trasmissioni radiofoniche da parte della NHK, la libertà di espressione artistica non convenzionale venne ulteriormente limitata, contribuendo al declino del fenomeno Ero Guro Nansensu.

L’Eredità e la Resurrezione del Movimento nel Dopoguerra

Nonostante la repressione e la fine di questo movimento durante la Seconda Guerra Mondiale, l’Ero Guro Nansensu non scomparve mai del tutto. Nel dopoguerra, con il relax delle leggi sulla pubblicazione, nuovi autori e artisti iniziarono a riscoprire e reinterpretare le tematiche che avevano caratterizzato gli anni precedenti. Le riviste Kasutori, tra le altre, offrirono un nuovo palcoscenico per l’erotismo e il grottesco, che trovavano nuova linfa in una società giapponese in pieno cambiamento.

Autori come Michiyo Ogura, che aveva subito l’arresto durante il periodo pre-bellico, continuò a scrivere, mantenendo viva la fiamma di un movimento che, pur lentamente, stava rinascendo. Sebbene l’eredità di Ero Guro Nansensu fosse stata assorbita dalla cultura mainstream giapponese, la sua influenza continuava a permeare il cinema, la letteratura e l’arte contemporanea.

L’Intreccio di Erotismo, Grottesco e Cultura Popolare

Ero Guro Nansensu rappresenta una delle correnti più affascinanti e controverse della cultura giapponese del XX secolo. Nato in un periodo segnato da incertezze politiche ed economiche, questo movimento ha saputo raccontare le ombre più profonde dell’animo umano, esplorando temi di erotismo, violenza, follia e perversione. Nonostante la censura e le difficoltà che ha affrontato, l’estetica Ero Guro Nansensu è sopravvissuta, continuando a influenzare la cultura popolare giapponese anche nei decenni successivi. L’eco di questa corrente artistica è tutt’altro che scomparso, e il suo impatto può ancora essere percepito nelle opere più audaci e originali che sfidano i confini del convenzionale.

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“Divini felini – Il gatto nell’arte giapponese”: un viaggio nel cuore del Sol Levante tra arte e simbolismo felino

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La cultura giapponese ha sempre nutrito un profondo amore per i gatti, creature eleganti e misteriose che hanno ispirato artisti di ogni epoca. Il volume “Divini felini – Il gatto nell’arte giapponese” rappresenta un’opera imperdibile per chiunque sia affascinato dai felini e dalla tradizione artistica del Giappone. Curato da Rhiannon Paget, specialista nelle arti visive giapponesi del XIX e XX secolo, il libro offre un’esplorazione visiva e culturale attraverso oltre 200 splendide immagini di opere provenienti da musei e collezioni di tutto il mondo.

Il gatto, in Giappone, non è solo un compagno domestico, ma un simbolo di fortuna, magia e mistero. Dai celebri Maneki Neko, con la loro zampa alzata in segno di buon auspicio, alle rappresentazioni più tradizionali nelle stampe dell’ukiyo-e, i felini hanno sempre trovato spazio nell’arte nipponica. L’opera si sviluppa attraverso dipinti, paraventi, sculture e oggetti di vario genere, rivelando come il gatto sia stato ritratto nelle sue molteplici sfaccettature: enigmatico e giocoso, benevolo e talvolta inquietante.

Una delle figure più iconiche legate alla cultura pop giapponese è Hello Kitty, il celebre personaggio della Sanrio che ha conquistato il mondo con la sua semplicità e il suo design inconfondibile. Tuttavia, la presenza del gatto nell’arte nipponica affonda le sue radici ben prima della cultura contemporanea, trovando rappresentazione già nei rotoli dipinti medievali e nelle stampe di artisti come Utagawa Kuniyoshi, che ha saputo infondere nei suoi lavori un tocco di ironia e dinamismo.

Il libro, oltre ad essere un viaggio estetico, è anche un’opportunità per approfondire il significato simbolico del felino nella tradizione giapponese. I gatti sono spesso ritratti come protettori contro gli spiriti maligni, portatori di saggezza popolare o addirittura creature sovrannaturali dotate di poteri magici, come il leggendario Bakeneko o il Nekomata. Questa commistione tra folklore e arte rende “Divini felini” un volume affascinante, capace di affascinare sia gli appassionati d’arte che gli amanti della cultura giapponese.

Attraverso descrizioni dettagliate e testi coinvolgenti, il volume curato da Rhiannon Paget consente di comprendere appieno il ruolo e l’evoluzione dell’immagine del gatto nel panorama artistico giapponese. Le linee fluide e le forme eleganti che caratterizzano le rappresentazioni feline riflettono il gusto estetico nipponico, che valorizza la sintesi tra naturalezza e stilizzazione.

“Divini felini – Il gatto nell’arte giapponese” si impone quindi come una lettura imprescindibile per chi desidera immergersi in un universo dove arte, mitologia e amore per gli animali si intrecciano in un affresco visivo di straordinaria bellezza. Che si tratti di scoprire le origini dei celebri gatti della fortuna o di ammirare le illustrazioni più iconiche della tradizione giapponese, questo volume offre un viaggio senza tempo tra le pennellate delicate e le narrazioni suggestive di un popolo che ha sempre venerato il misterioso fascino dei felini.

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Gli Shinhanga: Un Viaggio tra Tradizione e Modernità nella Stampa Giapponese a Roma

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Dal 13 marzo al 15 giugno 2025, Roma diventerà il palcoscenico di una delle mostre più affascinanti e attese dell’anno, un’occasione unica per riscoprire un capitolo poco conosciuto ma di straordinaria importanza nella storia dell’arte giapponese: gli Shinhanga. Questa mostra, che si terrà nei prestigiosi spazi dei Musei di San Salvatore in Lauro e sarà curata da Paola Scrolavezza, offre un’opportunità imperdibile per immergersi in un movimento artistico che ha saputo reinventare le tradizionali stampe ukiyo-e con un linguaggio fresco e moderno, ma rispettoso delle radici.

Lo Shinhanga: Tradizione e Modernità si Incontrano

Lo Shinhanga (新版画), che significa letteralmente “nuove stampe”, nasce agli inizi del Novecento, precisamente durante le epoche Taishō e Shōwa, come risposta e rinnovamento delle classiche stampe ukiyo-e, che avevano dominato la scena artistica giapponese per secoli. L’obiettivo del movimento, fortemente promosso dall’editore Watanabe Shōzaburō, era quello di portare un tocco di modernità all’interno di una tradizione secolare, fondendo il meglio dell’estetica classica con elementi innovativi provenienti dal mondo occidentale.

A differenza di altri movimenti contemporanei, come lo sōsaku-hanga, che proponevano una visione più individualista e autarchica dell’arte, lo Shinhanga ha mantenuto un sistema collaborativo di produzione. Questo approccio prevede una divisione netta dei compiti tra artisti, incisori, stampatori ed editori, che lavorano insieme in sinergia per dare vita a opere caratterizzate da una raffinatezza tecnica e cromatica fuori dal comune. In questo modo, il risultato finale è una stampa che non solo conserva la tradizione, ma la arricchisce di nuove suggestioni visive.

Gli Shinhanga si distinguono per l’uso innovativo della prospettiva, per il forte legame con la fotografia e per un rinnovato interesse per l’illuminazione e le stagioni, che conferiscono alle opere una dimensione quasi cinematografica, rendendole vive e senza tempo.

I Maestri del Movimento: Un Viaggio tra Storia e Estetica

La mostra romana offrirà ai visitatori un’ampia selezione di oltre cento opere originali che raccontano la ricchezza di questo movimento, con pezzi straordinari di alcuni dei più grandi maestri dello Shinhanga. Tra i protagonisti indiscussi di questa corrente ci sono:

  • Itō Shinsui, noto per i suoi ritratti di donne dai tratti delicati e malinconici, che catturano l’essenza della bellezza eterea e senza tempo.
  • Kawase Hasui, il maestro dei paesaggi, capace di trasmettere l’atmosfera di un luogo con una magistrale gestione della luce e dell’ombra.
  • Hashiguchi Goyō, celebre per le sue raffigurazioni femminili di rara eleganza e dettaglio, che sanno raccontare non solo l’aspetto fisico, ma anche l’intimità e la psicologia dei suoi soggetti.

Le opere di questi artisti ci parlano di un Giappone sospeso tra tradizione e modernità, una nazione in piena trasformazione, che viene rappresentata in paesaggi vibranti, scene urbane che intrecciano antichi templi e moderni sviluppi, e figure femminili simbolo di un’epoca di profondi cambiamenti sociali e culturali.

Un’Esperienza Sensoriale Completa

Non solo opere su carta: la mostra propone un’esperienza immersiva che va oltre la semplice visione delle stampe. Oltre ai capolavori in xilografia, i visitatori potranno scoprire il Giappone del primo Novecento attraverso una selezione di kimono originali, fotografie d’epoca e oggetti d’arredo che ricreano l’atmosfera di un periodo storico affascinante e complesso.

Le scene che animano le stampe — paesaggi malinconici, figure femminili intrise di eleganza e modernità, e vivaci scorci urbani — raccontano non solo l’estetica di un’epoca, ma anche il cuore pulsante di un cambiamento sociale che ha influenzato l’intero Paese. La luce, l’ombra e il colore sembrano materializzarsi davanti agli occhi dei visitatori, creando una connessione intima con un’arte che, pur essendo nata più di un secolo fa, rimane straordinariamente attuale.

Una Rivoluzione a Tutti gli Effetti

“Gli Shinhanga. Una rivoluzione nelle stampe giapponesi” rappresenta un’occasione straordinaria per gli appassionati di arte, cultura giapponese e storia della xilografia. Le opere presentate sono pezzi rari e mai esposti prima in Italia, che offrono una visione completa di un movimento che ha saputo innovare senza rinunciare alla tradizione. La mostra si configura come una porta aperta su un mondo affascinante e complesso, un ponte tra il Giappone antico e quello moderno, che invita il pubblico a riflettere sulla capacità dell’arte di adattarsi e rinnovarsi pur restando fedele a se stessa.

Per chi desidera vivere un’esperienza unica e approfondire la conoscenza di questa straordinaria forma d’arte, la mostra è una meta imprescindibile. Per ulteriori informazioni e per acquistare i biglietti, è possibile visitare il sito ufficiale all’indirizzo www.shinhanga.it.

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Un nuovo capolavoro a fumetti firmato Bonelli: “La vita di Otama”

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Gli appassionati di fumetti hanno finalmente un motivo in più per sorridere. Sergio Bonelli Editore ha pubblicato una graphic novel che promette di incantare i lettori: La vita di Otama, scritta da Keiko Ichiguchi e illustrata da Andrea Accardi. Questo lavoro, che unisce l’arte giapponese e quella europea, racconta la storia di una donna straordinaria, Otama Kiyohara, una delle prime artiste giapponesi a fare il suo ingresso nel mondo dell’arte europea, ma anche della sua storia personale e di quella di suo marito, Vincenzo Ragusa, scultore palermitano. Un incontro tra due culture che si intrecciano con eleganza e raffinatezza.

La graphic novel è strutturata come una biografia che si svela dal punto di vista della protagonista. La storia è raccontata attraverso il classico espediente di un incontro tra un ragazzino curioso e una donna anziana, Otama, che vive in un giardino appartato. Il ragazzo si trova a scoprire non solo la figura enigmatica di Otama, ma anche il suo passato e la sua affascinante storia artistica, che affonda le radici tra Giappone e Sicilia.

Andrea Accardi racconta che la sua scoperta di Otama avvenne casualmente alla Civica Galleria di Arte Moderna di Palermo, dove notò un busto in terracotta scolpito da Vincenzo Ragusa, il marito della protagonista. La didascalia recitava: “Ritratto della moglie”. L’incontro con questa figura misteriosa lo portò a voler saperne di più, trasformando quella curiosità in una vera e propria ricerca che ha poi dato vita a questo progetto. “Mi sembrava il connubio perfetto”, spiega Accardi, riferendosi alla combinazione di un disegnatore italiano e una sceneggiatrice giapponese, entrambi con un legame profondo con la cultura italiana.

Keiko Ichiguchi, l’autrice dei testi, aggiunge: “Otama è ancora oggi poco conosciuta in Giappone. Esistono solo due biografie su di lei scritte in giapponese. Leggendo e rileggendo queste fonti limitate, ho cercato di avvicinarmi a lei.” Il fumetto, quindi, non è solo un omaggio alla vita di Otama, ma anche una vera e propria scoperta di una figura storica troppo spesso dimenticata.

L’edizione di La vita di Otama si presenta con un formato elegante e ben curato, con una sezione finale a colori che arricchisce l’opera, testimoniando il lungo e approfondito lavoro di ricerca che gli autori hanno compiuto tra Giappone e Sicilia. La prefazione, scritta dalla storica dell’arte Maria Antonietta Spadaro, aggiunge un ulteriore livello di profondità, arricchendo il contesto storico e culturale in cui si inserisce la figura di Otama.

Nonostante il prezzo possa sembrare un po’ elevato (23,00 €), il volume è assolutamente consigliato per gli amanti delle storie vere, delle biografie e per chi ha il gusto di esplorare il legame tra diverse culture. L’opera è un invito a scoprire la storia di una donna che ha saputo unire due mondi, quello giapponese e quello europeo, e a riflettere su come le storie di vita personali possano essere il filo conduttore per comprendere meglio il nostro passato.

In Italia, un paese ricco di storia ma talvolta poco esplorato nei suoi aspetti più intimi, è fondamentale dare valore alle storie come quella di Otama Kiyohara, che vanno al di là di date e luoghi, e raccontano di persone che, con il loro contributo, hanno scritto la Storia.

Il consiglio è chiaro: La vita di Otama merita di essere letta, studiata e, perché no, anche riscoperta in mostre e iniziative culturali, proprio come è successo qualche anno fa con l’esposizione “O’Tama. Migrazione di stili” al Palazzo Reale di Palermo.

Perché leggere La vita di Otama?

Perché è una storia affascinante, che ci trascina in un’epoca lontana e in un contesto culturale ricco di sfumature. Le illustrazioni di Andrea Accardi sono un capolavoro a sé stante, in grado di catturare l’essenza dei personaggi e l’atmosfera dei luoghi. Inoltre, il fumetto esplora con grande delicatezza il tema dell’identità culturale e del confronto tra tradizioni orientali e occidentali, un tema sempre attuale e coinvolgente.

In conclusione, La vita di Otama è un volume che non solo arricchisce la nostra conoscenza di un’artista dimenticata, ma offre anche uno spunto di riflessione sulla bellezza di unire mondi diversi per creare qualcosa di unico. Non lasciatevelo sfuggire.

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Hyper Heroes: I Supereroi Chibi di Stefano Bressani in Mostra a Pavia

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Dal 25 gennaio al 2 febbraio 2024, la galleria L2ARTE di Pavia ospita una mostra davvero unica nel suo genere: Hyper Heroes di Stefano Bressani, un’esplosione di creatività che fonde la cultura dei fumetti con l’estetica giapponese e il riuso creativo. L’evento, organizzato dal progetto Apery.Art, è una vera e propria celebrazione dei supereroi attraverso l’arte del tessuto riciclato, con protagonisti noti della Marvel e della DC trasformati in versioni “chibi” che strizzano l’occhio ai fan di manga e pop culture.

Stefano Bressani, artista pavese noto per la sua passione per i dettagli, ha dato vita a supereroi che sembrano usciti direttamente da un mondo parallelo dove il fumetto incontra l’universo kawaii dei manga giapponesi. Batman, Spider-Man e tanti altri eroi iconici vengono ripensati in versioni chibi, con teste giganti, occhi da anime e corpi tozzi, il tutto realizzato con stoffe di recupero, bottoni e fili. La tecnica di Bressani è sorprendente per la sua abilità nell’utilizzare materiali inusuali, come tessuti di scarto, per dar vita a queste opere tridimensionali. Ma ciò che rende queste creazioni davvero uniche è l’elemento nascosto che le accompagna: ogni figura, pur immersa in un’estetica “iperdolce” e colorata, nasconde un messaggio critico, un “chiodo” che sfida lo spettatore a riflettere sulla società moderna, spesso ossessionata dai filtri social e dall’eterna adolescenza. Ogni supereroe sembra un paradosso, un’icona del nostro tempo intrappolata in un esterno “carino” che, in realtà, cela una visione più profonda e riflessiva.

Le opere in mostra non sono semplici raffigurazioni dei supereroi, ma vere e proprie sculture che sembrano uscire da un crossover tra un volume della Marvel e un artbook di Hayao Miyazaki. Il lavoro di Bressani si distingue per la cura maniacale dei dettagli: i mantelli dei supereroi sono realizzati con patchwork di jeans smessi, le armature con ritagli di tappezzeria, e i volti dei personaggi ricordano i pupazzi kawaii, ma con un tocco che li rende al contempo familiari e surreali. Ogni piega di stoffa è studiata per creare dinamiche di luce e ombra, proprio come in una tavola disegnata, mentre i colori vivaci richiamano quelli di un albo d’epoca, donando alle opere una carica visiva che attira lo sguardo e lo cattura. Il risultato è un’esplosione di texture e forme che trasforma il fumetto in qualcosa di tridimensionale, dove il materiale diventa esso stesso protagonista della narrazione.

Perché visitare “Hyper Heroes”

La mostra Hyper Heroes non è solo un’occasione per scoprire supereroi reinventati, ma anche un’opportunità per entrare in contatto con un mondo dove il riciclo diventa una risorsa preziosa. Bressani, infatti, dimostra come i materiali di scarto – dai vecchi maglioni ai tendaggi – possano trasformarsi in “super-materiali”, rivelando così la bellezza nascosta nei tessuti più comuni. Ogni creazione è un invito a riflettere sul riuso e sulla possibilità di vedere oltre ciò che sembra “inutile”. Inoltre, la mostra offre numerosi riferimenti e citazioni che i fan dei comics sapranno cogliere, rendendo l’esperienza ancora più interessante e stimolante.

E non dimentichiamo le opportunità per scattare fotografie accanto alle opere, che sembrano uscite direttamente da un universo pop surreale, perfette per essere condivise sui social. Con la loro estetica accattivante, le creazioni di Bressani sono destinate a diventare protagoniste di innumerevoli scatti fotografici.

L’inaugurazione della mostra è prevista per sabato 25 gennaio alle ore 18:00, con ingresso libero, dando così il via a una settimana di eventi che promettono di affascinare e coinvolgere il pubblico. La galleria L2ARTE sarà aperta dal mercoledì al sabato dalle 11:00 alle 19:00 e la domenica dalle 15:30 alle 19:00, offrendo ampie opportunità per visitare la mostra.

Se sei un fan dei fumetti, un appassionato di arte contemporanea, o semplicemente curioso di scoprire come il mondo dei supereroi possa essere reinterpretato attraverso la lente del riuso creativo, non puoi perdere Hyper Heroes a Pavia. Un’esperienza visiva, ma anche una riflessione sulle dinamiche sociali moderne, che unisce con maestria la cultura dei comics, l’estetica giapponese e l’arte del riciclo in una mostra imperdibile.

AULAMANGA, Music

Eiichiro Oda incontra i GLAY: una collaborazione unica per il 30° anniversario della band

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Se c’è una cosa che adoro di Eiichiro Oda, il geniale creatore di One Piece, è la sua capacità di sorprendere sempre. E questa volta, la sorpresa arriva dal mondo della musica! Nel 2024, Oda ha unito la sua inconfondibile arte al mondo dei GLAY, una delle band più iconiche del Giappone, in occasione del loro 30° anniversario. Sì, avete letto bene: il maestro Oda non si è limitato a creare un’illustrazione per celebrare il traguardo della band, ma ha anche realizzato le copertine del loro album Greatest Hits e, udite udite, ha contribuito al character design del video musicale di “BRIGHTEN UP”, uno dei singoli più recenti dei GLAY.

Per chi non conoscesse i GLAY, sono una band che ha fatto la storia della musica rock giapponese. Fondata nel 1988 a Hakodate, da Takuro e Teru, due liceali appassionati di musica, i GLAY sono riusciti a farsi notare per la loro capacità di evolversi, mescolando generi diversi come il rock, il visual kei, il reggae e anche il gospel. E, se ancora non ne foste convinti, vi dico solo che sono fra le band più vendute in Giappone, con ben 51 milioni di dischi venduti (37,8 milioni solo in Giappone!). Un successo straordinario, non c’è che dire.

Ma torniamo a noi, alla collaborazione tra Oda e i GLAY. Se siete fan di One Piece, non potete non apprezzare l’incredibile incontro di mondi che Oda ha creato. Il video musicale di “BRIGHTEN UP” è una vera e propria festa per gli occhi, con un’animazione in CG che prende vita grazie a un’illustrazione creata proprio dal maestro. E tutto questo, per celebrare i 30 anni dei GLAY! È come se due universi, quello della musica e quello del manga, si fossero fusi in un’esplosione di colori, emozioni e, ovviamente, arte. La canzone è contenuta nel 17° album della band, Back to the Pops, che è uscito nell’ottobre 2024.

Ma non è tutto qui. Oda ha anche realizzato due nuove copertine per il gruppo, che saranno utilizzate nelle raccolte Best of dei GLAY: GLAY DRIVE 1993-2009 e GLAY DRIVE 2010-2026. Un tributo visivo e significativo al loro lungo cammino musicale. E se siete fan della band, c’è anche un modo per partecipare attivamente alla creazione dell’album. Fino al 31 gennaio, infatti, è possibile votare le canzoni che vorreste vedere nel Best of, diviso in due periodi: 1994-2009 e 2010-oggi. Quindi, se siete fan dei GLAY e vi piace l’idea di mettere il vostro “zampino” nella tracklist, questa è l’occasione perfetta!

Questa collaborazione dimostra ancora una volta quanto sia poliedrico il talento di Eiichiro Oda. Da creatore di mondi fantastici come One Piece, a artista che sa mescolare il suo amore per l’arte visiva con la musica popolare giapponese, Oda riesce a dar vita a qualcosa di davvero speciale. E non posso fare a meno di pensare a come, anche in questo campo, il suo lavoro riesca a trasmettere emozioni, energia e passione. In fondo, la sua capacità di raccontare storie attraverso immagini è unica, e anche in un video musicale o in una copertina di un album riesce a trasmettere quella magia che solo lui sa creare.

Insomma, questa collaborazione tra Eiichiro Oda e i GLAY è una delle cose più belle che potesse succedere ai fan di One Piece e ai fan della musica giapponese. E io, come appassionata di entrambi questi mondi, non posso fare altro che emozionarmi e aspettare con ansia quello che ci riserveranno ancora.

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Spirit of Japan: Un Viaggio Immersivo nel Giappone Onirico a Milano

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Fino al 6 gennaio 2025, Milano ospita una delle mostre più affascinanti dedicate al Giappone, un’esperienza unica che promette di incantare i visitatori di tutte le età. “Spirit of Japan”, esposta presso lo Scalo Farini in via Valtellina 5, è una mostra immersiva che porta il pubblico in un viaggio onirico attraverso il Giappone tradizionale e mitologico, facendo rivivere le atmosfere magiche delle stampe giapponesi del periodo Ukiyo-e. Con un allestimento che mescola arte, musica e tecnologia, l’esposizione è un’interpretazione dinamica del Giappone più affascinante, quello che da secoli affascina il mondo occidentale.

L’esposizione, ideata dallo Studio Danny Rose, si distingue per l’originalità della sua concezione e per la capacità di evocare il Giappone più autentico e leggendario. Le oltre 400 opere selezionate provengono dai più importanti maestri dell’Ukiyo-e, come Katsushika Hokusai, Kitagawa Utamaro, Utagawa Kuniyoshi, Hiroshige e molti altri, e sono state raccolte in collaborazione con 20 musei di tutto il mondo. L’Ukiyo-e, che significa “immagini del mondo fluttuante”, rappresenta la vita quotidiana, la natura e il mondo spirituale giapponese, catturando l’essenza di un Giappone che non esiste più ma che ancora riesce a ispirare.

Lo Studio Danny Rose ha saputo trasformare queste opere in una messa in scena dinamica e coinvolgente, creando un ambiente dove il visitatore non è solo un osservatore, ma un protagonista di un’esperienza sensoriale totale. La scenografia include proiezioni immersive, che trasformano le opere in paesaggi in movimento, dove la maestosità della natura giapponese prende vita attraverso la danza dei samurai, la bellezza dei fiori di ciliegio, e l’incontro con gli spiriti del folklore giapponese, i famosi “yokai”.

In particolare, la grande onda di Hokusai è una delle immagini più potenti della mostra, accompagnata dalle note di “La Mer” di Claude Debussy, che esprime il tumulto del mare e la sua forza incontrollabile. La selezione musicale gioca un ruolo fondamentale nell’esperienza, alternando le composizioni di grandi maestri europei e giapponesi contemporanei, come Hiroshi Yoshimura e Takashi Yoshimatsu, per creare un’atmosfera unica che arricchisce il racconto visivo.

Ogni angolo della mostra racconta una storia diversa: dalle geishe vestite con kimono elaborati che emergono da dietro schermature di carta di riso, ai momenti di vita quotidiana, come le celebrazioni del fiore di ciliegio o la serenità di una foresta misteriosa. Gli spettatori sono immersi in un mondo che unisce l’arte e la cultura tradizionale giapponese a un’esperienza multisensoriale che stimola tutti i sensi.

L’esposizione non si limita a raccontare il passato del Giappone, ma riesce a evocare anche il suo spirito più profondo, come definito dal termine “Ukiyo-e”. Il concetto di vivere nel momento presente, assaporando la bellezza effimera dei fiori di ciliegio, il fascino delle stagioni che passano e la gioia di una vita vissuta senza preoccupazioni materiali, è al centro di questa esperienza che invita ogni visitatore a riflettere sull’arte di vivere, tipica della cultura giapponese.

L’esperienza si svolge in un percorso che dura circa 60 minuti, ed è adatta a tutti, dai bambini agli adulti. Le visite sono disponibili ogni giorno dalle 10:00 alle 18:30, con orari speciali per le festività e per il 31 dicembre. I biglietti sono accessibili con prezzi che variano da 14€ a 19€, con pacchetti famiglia a partire da 14€ a persona. L’ingresso è gratuito per i bambini sotto i 3 anni. La mostra è anche completamente accessibile a persone con disabilità, rendendola un’opportunità per tutti di immergersi in un mondo lontano e misterioso, che continua a ispirare e a stupire.

Se siete amanti della cultura giapponese o semplicemente curiosi di esplorare un angolo di Giappone lontano dal solito turismo, “Spirit of Japan” è l’esperienza che non potete perdere. Fino al 6 gennaio 2025, questa mostra offrirà un’esperienza unica che vi farà sentire come se foste trasportati direttamente nel Giappone dei sogni. Per maggiori dettagli e per acquistare i biglietti, visitate il sito web ufficiale thespiritofjapan.it o i canali social dedicati.

Un viaggio sensoriale che non solo celebra la bellezza di un’arte senza tempo, ma che vi farà vivere un’esperienza che rimarrà nel cuore di chiunque la sperimenti.

Fanstuff, Oriente, Storia & Misteri

Chi era Katsushika Hokusai, l’autore de “La Grande Onda”?

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Katsushika Hokusai, nato nel 1760, è senza dubbio uno degli artisti giapponesi che ha lasciato un segno indelebile nella storia dell’arte, influenzando profondamente la scena artistica occidentale moderna. La sua opera più celebre, “La Grande Onda presso la costa di Kanagawa”, realizzata nel 1839, è divenuta un simbolo universale, conosciuta ben oltre i confini del Giappone. La potente immagine di una gigantesca onda che si alza minacciosa sopra piccole imbarcazioni, con il Monte Fuji in lontananza, è ormai onnipresente: dai musei di tutto il mondo al merchandise, passando per la musica e persino la street art. Se la Monna Lisa è il volto dell’arte occidentale, “La Grande Onda” è la sua controparte giapponese, una delle immagini più riprodotte e reinterpretate della storia.

Quest’opera è solo una delle tante che Hokusai ha creato nel corso della sua carriera. La silografia, pur nelle sue dimensioni contenute (26×37 cm), è diventata emblema non solo del Giappone, ma anche di un intero modo di concepire l’arte e la natura. Realizzata tra il 1830 e il 1834 come parte della serie “Trentasei vedute del Monte Fuji”, essa rappresenta l’incontro tra l’umano e la natura, incarnato dall’onda che quasi travolge le piccole barchette dei pescatori. Sullo sfondo, in un delicato contrasto, si erge il Monte Fuji, simbolo della spiritualità giapponese e di un equilibrio tra divinità, umanità e natura.

La scelta di Hokusai di utilizzare il Blu di Prussia, un pigmento importato dall’Europa, arricchisce ulteriormente l’opera, creando una fusione tra due mondi, quello giapponese e quello occidentale. La grande onda non è un nemico da sconfiggere, ma una forza naturale da venerare, in una visione che unisce la filosofia giapponese dell’armonia e del rispetto per la natura, con l’approccio occidentale che cerca di rappresentare l’infinito e l’eroismo attraverso la pittura. Questo concetto di coesistenza tra divino e terreno riecheggia nei lavori di artisti europei come Piero della Francesca e Leonardo da Vinci, per arrivare fino a Van Gogh e Camille Claudel.

Hokusai, che ha vissuto gran parte della sua vita a Edo (oggi Tokyo), ha avuto un percorso segnato da successi e difficoltà. La sua carriera è iniziata con lo stile Ukiyo-e, che celebra la cultura popolare del Giappone, fatta di cortigiani, attori kabuki e poeti. Ma è stato con la sua attenzione alla natura e, in particolare, al Monte Fuji, che Hokusai ha raggiunto il massimo della sua espressione artistica. Il vulcano non è solo il soggetto dei suoi dipinti, ma un simbolo sacro di longevità e immortalità, tanto che lo stesso Hokusai ha trascorso la sua vita cercando la perfezione, nella speranza che l’avrebbe raggiunta alla veneranda età di 110 anni.

Nonostante una vita segnata da tragedie personali – dalla morte della moglie, a un ictus, passando per le difficoltà economiche e la morte di suo nipote, Hokusai ha continuato a lavorare instancabilmente fino alla fine. La sua ultima opera dedicata al Monte Fuji, un drago che emerge da una nuvola scura sopra la montagna, è un simbolo di speranza nell’immortalità, speranza che si è realizzata con la sua fama eterna. Oggi, dopo secoli, Hokusai è venerato come uno dei più grandi artisti della storia, ammirato da impressionisti e pittori di tutto il mondo, e rimane una fonte inesauribile di ispirazione per l’arte contemporanea.

AULAMANGA, Cinema & Tv

Mononoke – Il film: lo spirito nella pioggia. Un Viaggio Oscuro tra Spiriti e Sofferenze

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Se siete appassionati di storie che sfidano le convenzioni, dove il soprannaturale si mescola con il dramma umano e si spinge a esplorare gli angoli più oscuri dell’animo, “Mononoke – Il film: lo spirito nella pioggia” è un’esperienza che non potete lasciarvi scappare. Diretto da Kenji Nakamura, già regista della serie cult Mononoke del 2007, questo primo capitolo di una trilogia spin-off non solo continua l’universo narrativo che ha conquistato milioni di spettatori, ma lo amplifica in un turbinio di visioni psichedeliche, tormenti interiori e una riflessione profonda sui lati più oscuri dell’essere umano.

La trama ci catapulta nel Giappone del XIX secolo, in un mondo intricato dove le apparenze ingannano e le verità rimangono nascoste dietro strati di dolore e vendetta. Asa e Kame, due giovani servitrici, si ritrovano al loro primo giorno di lavoro presso l’Ōoku, un palazzo di piacere lussuoso che ospita l’harem del potente Lord Tenshi. In questo spazio proibito agli uomini, le due ragazze si legano subito, ma ben presto si rendono conto che dietro il splendore del palazzo si nascondono giochi di potere, rivalità spietate e una minaccia che va oltre il mondo dei vivi. La comparsa di Kusuriuri, un enigmatico venditore ambulante di pozioni, introduce un elemento soprannaturale che scuote le fondamenta stesse del palazzo. Con il suo volto tatuato e il suo misterioso passato, Kusuriuri è un esorcista di mononoke: spiriti malvagi generati dalle emozioni negative degli esseri umani. Il suo compito è scoprire la verità e distruggere questi esseri, ma ogni passo che compie lo conduce in un abisso di rivelazioni disturbanti.

Ciò che rende Mononoke – Il film: lo spirito nella pioggia un’opera così affascinante non è solo la sua trama, ma la potenza con cui esplora temi complessi e dolorosi, immergendosi senza paura in argomenti scottanti come l’aborto forzato, l’incesto, la violenza domestica e la discriminazione di genere. Ogni mononoke rappresenta una materializzazione fisica dei tormenti interiori che l’essere umano non è riuscito a superare, un’ombra oscura delle cicatrici lasciate dalle esperienze più traumatiche. E Kusuriuri, unico capace di percepire e affrontare queste entità, si trova di fronte a un cammino doloroso alla ricerca della verità, che si rivela essere tanto terribile quanto liberatoria.

Dal punto di vista estetico, il film è un tripudio di immagini evocative che attingono all’arte tradizionale giapponese, ma con un’intensità visiva che non lascia spazio alla neutralità. Le atmosfere psichedeliche e surreali che avevano caratterizzato la serie tornano con maggiore vigore, spingendo ogni elemento grafico e stilistico oltre i confini dell’immaginazione. I colori, pur rimanendo fedeli alle radici della pittura giapponese, sono saturi, vividi e allucinanti, creando uno spettacolo visivo che cattura e disorienta lo spettatore in ogni fotogramma.

Ogni scena è curata nei minimi dettagli, con un design ambientale che richiama l’arte di maestri come Hokusai, ma con una lettura moderna e inquietante. La contrapposizione tra luci e ombre, tra momenti di pura oscurità e sequenze di apparente luminosità, amplifica il senso di smarrimento che permea tutta la narrazione. Il film gioca con angolazioni e proporzioni che richiamano la messa in scena kabuki, rendendo ogni movimento e ogni espressione facciale un’indicazione precisa dello stato emotivo dei personaggi. Nonostante l’uso di CGI, che mai disturba l’atmosfera organica del film, la regia di Nakamura trova un perfetto equilibrio tra fluidità cinematografica e la staticità evocativa tipica di un dipinto vivente.

Un altro aspetto fondamentale del film è l’uso del simbolismo visivo. Il concetto di “seccarsi” o “asciugarsi” diventa una metafora potente nella storia di Kitagawa, in cui la trasformazione da donna di prestigio a mononoke è rappresentata in un turbinio di immagini simboliche che evocano il dolore, la solitudine e la perdita. Queste sequenze psichedeliche non solo sfidano la percezione visiva dello spettatore, ma lo immergono in un’esperienza sensoriale che non permette distrazioni.

Dal punto di vista musicale, “Mononoke – Il film: lo spirito nella pioggia ” vanta una colonna sonora che gioca un ruolo cruciale nel creare l’atmosfera unica del film. Composta da Taku Iwasaki, la musica è presente in ogni momento, ma mai invasiva. Cresce in intensità insieme alla narrazione, accompagnando le immagini con la stessa forza evocativa che caratterizza la regia e l’animazione. La sinergia tra suono, visione e atmosfera inquietante è impeccabile, e ogni scena si svela come un’esperienza sensoriale completa.

Non aspettatevi un film facile o immediato. Mononoke – Il film: lo spirito nella pioggia è un’opera complessa, che invita a riflettere sulla natura dell’animo umano e sulle ombre che tutti portiamo dentro. È una storia che non ha paura di affrontare temi scomodi e che, pur mantenendo il legame con l’anime originale, si spinge oltre, proponendo nuove e inaspettate sfaccettature del suo universo. È un’opera che lascia il segno, spingendo lo spettatore a interrogarsi e a cercare risposte in un mondo che sembra sfuggire a ogni convenzione.

Disponibile su Netflix dal 27 settembre 2024, Mononoke – Il film: lo spirito nella pioggia è un’occasione imperdibile per chi desidera tuffarsi in un mondo affascinante e inquietante, ma anche per chi già conosce l’universo di Mononoke e vuole esplorarne le nuove dimensioni. La trilogia promette ulteriori sorprese, e questo capitolo iniziale è solo l’inizio di un viaggio che non mancherà di affascinare e sconvolgere chi avrà il coraggio di affrontarlo.

 

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Il Gekiga: La Rivoluzione del Fumetto Giapponese che Ha Cambiato per Sempre il Manga

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Il mondo dei manga è un universo in continua espansione, che ogni anno sembra dar vita a nuove storie, generi e trend. Tuttavia, per comprendere appieno la vastità e la profondità di questa forma d’arte, è necessario fare un viaggio indietro nel tempo, verso una delle sue tappe più decisive: il movimento del gekiga. Nato negli anni Cinquanta, il gekiga ha rappresentato una vera e propria rivoluzione nel modo di concepire il fumetto in Giappone, segnando un distacco dal tradizionale manga destinato a un pubblico giovane e dando vita a storie adulte, profonde e complesse.

Ma cos’è il gekiga? E quale impatto ha avuto sulla storia del fumetto giapponese?

Il termine “gekiga” (劇画), che letteralmente significa “fumetto drammatico”, si riferisce a un genere che ha preso piede negli anni ’50, in un periodo in cui il manga giapponese era principalmente orientato verso un pubblico infantile e adolescenziale. Il gekiga si è contrapposto a questa visione, proponendo storie con temi più maturi, esplorando la violenza, il sesso, la politica, i conflitti sociali e le esperienze più adulte. Si trattava di un fumetto pensato per un pubblico adulto, che poteva riflettere sulle realtà più dure e complesse della società giapponese.

A differenza del manga tradizionale, che si caratterizzava per uno stile visivo più semplice e simbolico, il gekiga si è distinto per il suo tratto realistico e dettagliato. L’intento era quello di creare un’atmosfera più cupa e intensa, che rispecchiasse le tematiche trattate. Le storie, poi, erano molto più articolate rispetto alle tradizionali narrazioni manga, spesso ispirate a eventi storici o romanzi letterari, e affrontavano questioni sociali e politiche in modo crudo e diretto.

Senza dubbio, i principali autori che hanno dato vita e forma al movimento del gekiga sono diventati delle vere e proprie leggende del fumetto giapponese. Tra questi, spicca il nome di Yoshihiro Tatsumi, spesso considerato il “padre” del gekiga. Tatsumi, con opere come A Drifting Life e Good-Bye, ha contribuito in modo decisivo a definire il linguaggio del gekiga, trattando temi difficili e spingendo il fumetto verso una nuova direzione. La sua opera ha dato visibilità alla realtà sociale e politica giapponese dell’epoca, raccontando storie di alienazione, violenza e solitudine.Al fianco di Tatsumi, un altro autore fondamentale è Masahiko Matsumoto, noto per il suo stile crudo e violento, capace di esplorare la psicologia dei suoi personaggi in maniera spietata. Tra le sue opere più celebri si ricordano Black World e The Sun, che trattano temi di lotta e sopravvivenza in contesti estremi.Non da meno, Goseki Kojima, uno degli autori più importanti per l’evoluzione del gekiga, ha saputo affrontare temi sociali e politici in maniera tanto intensa quanto realistica, con opere come Humanity e The Twilight of the Samurai. Il suo approccio, più complesso e riflessivo, ha segnato una tappa fondamentale nell’evoluzione del fumetto giapponese.

Il gekiga non è stato un semplice movimento di passaggio; la sua influenza è ancora viva nel fumetto giapponese contemporaneo. In effetti, il gekiga ha avuto un impatto profondo sulla forma e sul contenuto delle opere successive, aprendo la strada a un’ulteriore evoluzione del manga. Prima del gekiga, il manga era essenzialmente un prodotto destinato a un pubblico giovane, ma grazie a questo movimento, il fumetto giapponese ha acquisito una nuova dimensione, diventando una forma d’arte riconosciuta a livello internazionale.Uno degli aspetti più significativi dell’eredità del gekiga è l’espansione dei temi trattati. Grazie al gekiga, i mangaka hanno cominciato a sentirsi liberi di affrontare argomenti più complessi, come la disuguaglianza sociale, la guerra, l’alienazione, e la psiche umana. In tal modo, il manga ha guadagnato una nuova dimensione di maturità, diventando una forma di espressione capace di parlare a un pubblico adulto.

Il gekiga ha anche avuto un impatto stilistico. Il tratto realistico e l’approccio narrativo complesso, che erano una delle principali caratteristiche del gekiga, hanno influenzato moltissimi mangaka successivi. Il risultato è stato un’evoluzione visiva e narrativa che ha dato vita a opere come Akira di Katsuhiro Otomo o Oyasumi Punpun di Inio Asano, che continuano a esplorare temi e stili maturi con una profondità rara nel fumetto contemporaneo. Inoltre, grazie al gekiga, il manga ha ottenuto un riconoscimento internazionale, diffondendo la cultura giapponese in tutto il mondo. Le opere di Tatsumi e dei suoi colleghi sono state tradotte in molte lingue, contribuendo a far conoscere il Giappone attraverso il fumetto e a far evolvere la percezione che si aveva del manga all’estero.

Sebbene il periodo d’oro del gekiga sia ormai lontano, il suo impatto è ancora tangibile. Molte delle opere di questi pionieri sono state ristampate e tradotte in diverse lingue, rendendole accessibili a un pubblico globale. Le storie di Tatsumi, Matsumoto, Kojima e altri autori hanno continuato a ispirare lettori e creatori di fumetti anche a distanza di decenni, testimoniando la loro forza e la loro unicità. Oggi, i fan del fumetto giapponese possono ancora scoprire il gekiga nelle edizioni moderne, spesso apprezzando non solo l’evoluzione del manga, ma anche il modo in cui queste storie hanno anticipato e plasmato il futuro del fumetto giapponese e internazionale.  Il gekiga rappresenta uno dei capitoli più importanti nella storia del manga. La sua nascita ha segnato una svolta nella concezione del fumetto giapponese, trasformandolo da un passatempo per bambini in una forma d’arte matura e riflessiva. Ancora oggi, le sue influenze si percepiscono nelle opere di tanti mangaka contemporanei, che continuano a portare avanti l’eredità di quei pionieri che, con il gekiga, hanno dato nuova vita al fumetto giapponese. Le sue radici, più profonde e complesse di quanto si possa immaginare, continuano a nutrire il mondo dei manga, a dimostrazione di quanto sia essenziale guardare al passato per capire il futuro.

Cinema & Tv, Fanstuff

Kusama – Infinity: Un Viaggio nell’Arte Visionaria di Yayoi Kusama

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Nel vasto panorama dei documentari dedicati alle leggende dell’arte contemporanea, Kusama – Infinity emerge come un’opera di rara intensità emotiva e profondità narrativa. Il film, diretto da Heather Lenz, è una testimonianza viscerale e coinvolgente della vita di Yayoi Kusama, una delle figure più influenti e iconiche nel panorama artistico mondiale, che con il suo stile unico ha saputo far convivere traumi personali e genialità creativa, dando vita a un’opera che ha riscritto i canoni dell’arte visiva contemporanea.

La regista, con una passione tangibile per la sua protagonista, ci conduce attraverso una narrazione intima e potente, utilizzando materiale d’archivio raro e inedito per dipingere il ritratto di Kusama, che emerge non solo come un’artista visionaria, ma come una donna che ha dovuto confrontarsi con le sfide di una società misogina, sessista e razzista, oltre ad affrontare la propria battaglia contro la malattia mentale. Attraverso l’uso delle sue parole, interviste a esperti del settore, critici d’arte e amici di lunga data, il documentario ci permette di entrare nel mondo di Kusama in modo così profondo da sentire quasi la pulsazione della sua arte, la sua frenesia, ma anche il dolore che ne deriva.

Il racconto non si limita a una semplice biografia dell’artista, ma diventa una riflessione sul contrasto tra l’individuo e il sistema, tra la difficoltà di affermarsi in un mondo che ignorava e sminuiva il suo talento e il desiderio di lasciare un segno indelebile nella storia. La storia di Kusama è quella di una donna che ha dovuto “bruciare” nel fuoco delle proprie ossessioni, ma che alla fine è emersa come una delle figure più potenti e riconosciute del panorama internazionale, pur rimanendo per tutta la vita prigioniera delle sue allucinazioni visive, simbolizzate nei suoi celebri pois e nelle maestose installazioni Infinity Mirror Rooms.

Un aspetto fondamentale del film è la sua capacità di alternare momenti di grande emotività a riflessioni critiche sull’evoluzione dell’arte moderna. La regista riesce a intrecciare il percorso professionale di Kusama con le sue difficoltà personali, mettendo in luce il trauma che la segna sin dall’infanzia durante la Seconda Guerra Mondiale, quando cresciuta in Giappone in una famiglia che disprezzava le sue ambizioni artistiche, ha dovuto lottare per vedere riconosciuto il suo talento. Successivamente, l’approdo a New York, dove Kusama si è scontrata con il sessismo e il razzismo dell’ambiente artistico degli anni ’60, segna un altro capitolo della sua lotta per la visibilità.

Lenz non nasconde la durezza del percorso, ma allo stesso tempo celebra la capacità di Kusama di rimanere fedele alla propria visione, nonostante le avversità. Il film non evita di evidenziare gli aspetti più oscuri e dolorosi della vita dell’artista, senza mai cadere nel pietismo, ma rendendo giustizia alla sua complessità. La sua malattia mentale, che ha attraversato tutta la sua carriera, viene trattata con rispetto e attenzione, mettendo in evidenza come le sue difficoltà personali siano state al contempo una fonte di creatività e un ostacolo difficile da superare.

La regia di Kusama – Infinity è raffinata, con una cura meticolosa per i dettagli visivi che riflettono la stessa estetica allucinatoria delle opere di Kusama. I suoi celeberrimi pois, le zucche giganti e le Infinity Rooms, vengono riprodotti con un’attenzione che va ben oltre la semplice rappresentazione. Il film ci invita a riflettere sul concetto di arte come strumento di comunicazione e guarigione, ma anche come manifestazione di una solitudine profonda, quella di una donna che ha visto la propria arte negata, ridotta e infine celebrata solo negli ultimi decenni.

In chiusura, Kusama – Infinity non è solo un documentario sull’arte, ma una lezione di resilienza e visione creativa. Il film porta in superficie l’epopea di una donna che, pur nella sua fragilità, ha contribuito a ridefinire i confini dell’arte contemporanea. Un racconto potente e necessario, che non può che suscitare ammirazione per l’indomito spirito di Yayoi Kusama e per la straordinaria capacità di Heather Lenz di far emergere la sua straordinaria storia al grande pubblico.

In sintesi: un documentario che non solo celebra un’artista, ma porta alla luce la lotta per il riconoscimento in un mondo che troppo a lungo ha ignorato i contributi delle donne all’arte. Un’opera fondamentale per chiunque desideri esplorare le sfide e le vittorie di una delle voci più iconiche del nostro tempo.