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Storia & Misteri

La teoria del “Papa Nero”: tra profezie antiche, TikTok e la paura della fine del mondo

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Negli ultimi giorni non si parla d’altro: la morte di Papa Francesco ha riacceso un’antica leggenda che sta letteralmente infiammando il web, in particolare TikTok. Sto parlando della teoria del “Papa Nero”, un concetto tanto affascinante quanto inquietante, capace di solleticare le corde più profonde della nostra immaginazione. Ma che cos’è davvero questa leggenda? Da dove arriva? E soprattutto: dobbiamo davvero preoccuparci?

Per capirlo, dobbiamo fare un salto indietro nel tempo e tuffarci in un mondo fatto di antiche profezie, manoscritti misteriosi e suggestioni apocalittiche. Tutto ruota intorno a una previsione attribuita a San Malachia, arcivescovo di Armagh vissuto nel lontano XII secolo. Secondo la cosiddetta “Profezia dei Papi”, San Malachia avrebbe avuto una visione durante un suo viaggio a Roma nel 1139: una lista di 112 motti, ciascuno rappresentativo di un futuro pontefice. Secondo alcune interpretazioni, Papa Francesco sarebbe stato il 111º, e quindi… il prossimo sarà il 112º, l’ultimo. Quello di “Petrus Romanus”, “Pietro il Romano”, il Papa che guiderà la Chiesa tra immense tribolazioni fino alla distruzione della città dai sette colli, Roma.

Già così, la storia ha tutto il sapore di un epico romanzo fantasy, ma attenzione: la Chiesa cattolica non riconosce come autentica la profezia di San Malachia. Molti studiosi, infatti, ritengono che si tratti di un falso, probabilmente fabbricato nel XVI secolo per influenzare un conclave particolarmente teso. Tuttavia, le leggende, si sa, hanno vita propria, e la “Profezia dei Papi” continua ad affascinare milioni di persone in tutto il mondo.

Ma allora, dove nasce l’idea del “Papa Nero”? In realtà, non c’è nulla nella profezia di San Malachia che parli esplicitamente di un papa dalla pelle nera. Questa suggestione arriva da una serie di interpretazioni popolari e da antichi manoscritti, come il misterioso “Vaticinia Nostradami”, attribuito – ma senza prove certe – a Nostradamus. In una delle visioni più inquietanti di questo testo si descrive un papa in abiti scuri che fugge da una città devastata. Da qui, nei secoli, si è radicata l’immagine del “Papa Nero” come presagio della fine dei tempi.

Oggi, nel 2025, mentre il corpo di Papa Francesco è appena stato tumolato a Santa Maria Maggiore e il Conclave si prepara a eleggere il nuovo pontefice, l’idea di un “Papa Nero” torna a circolare con forza. Ma stavolta la prospettiva è più concreta: alcuni dei cardinali papabili più citati dai vaticanisti internazionali sono africani. Parliamo, ad esempio, di Peter Turkson, cardinale ghanese noto per il suo impegno sui diritti umani e sul cambiamento climatico, o di Robert Sarah, della Guinea, figura invece più conservatrice. Entrambi i nomi sono rimbalzati sulle colonne di testate prestigiose come il Times e Newsweek.

E qui, inevitabilmente, si intrecciano mito e realtà. L’elezione di un Papa africano, di per sé, non avrebbe nulla di apocalittico. Al contrario, sarebbe un evento storico straordinario, capace di dare nuova voce e forza a una Chiesa sempre più globale. Ma nell’immaginario collettivo, alimentato da secoli di racconti e simbolismi, la figura del “Papa Nero” continua a evocare scenari di catastrofe e trasformazione radicale.

Il contesto in cui si muoverà il prossimo Papa, poi, non è dei più semplici. Editorialisti come Roger Boyes sul Times avvertono che la Chiesa deve trovare una guida capace di proseguire le riforme avviate da Francesco, ma anche di mantenere saldo il timone in un mondo sempre più instabile e frammentato. Il rischio, dicono, è quello di una deriva, di un’istituzione che perda la propria centralità e autorità spirituale in un’epoca di profonde crisi sociali e geopolitiche.

Anche il Guardian punta il dito su questioni ancora aperte, come la gestione degli scandali legati agli abusi nella Chiesa. Nonostante gli sforzi di Francesco, molto resta ancora da fare per sanare le ferite e riconquistare la fiducia dei fedeli. Ecco perché la scelta del nuovo Papa avrà un peso enorme, non solo per i cattolici, ma per tutto il pianeta.

E mentre alcuni scommettono su un possibile “Petrus Romanus” nei cardinali italiani – come Pietro Parolin, Segretario di Stato Vaticano il cui nome richiama irresistibilmente la profezia – altri guardano a Oriente, verso i cardinali asiatici, o ancora all’Africa, dove la Chiesa cresce a ritmi impressionanti.

Insomma, se amate i miti, le leggende e le storie che sembrano uscite da un film fantasy, la vicenda del “Papa Nero” è il vostro pane quotidiano. Ma se vi state chiedendo se davvero stiamo per assistere alla fine del mondo, potete tirare un sospiro di sollievo: per ora siamo ancora lontani dall’Apocalisse. Al massimo, stiamo per vivere un nuovo capitolo in un’epopea millenaria che, ancora una volta, riesce a mescolare fede, storia e immaginazione in un cocktail semplicemente irresistibile.

E voi, da che parte state? Team Profezia o Team Razionalità?

AULAMANGA, Gaming

Varlet: La scuola virtuale dove l’oscurità si intreccia alla realtà

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Gli appassionati di JRPG e atmosfere scolastiche possono cominciare a segnare una data importante sul calendario: il 28 agosto. È questo il giorno in cui VARLET, il nuovo RPG di FuRyu sviluppato da AQURIA, farà il suo debutto su PlayStation 5, Nintendo Switch e PC, disponibile sia su Steam che sull’Epic Games Store. E vi avverto: questo gioco sembra pronto a scavare nell’anima dei suoi personaggi — e anche nella nostra.

VARLET ci porta all’interno della Kousei Academy, una scuola che, in perfetto stile anime futuristico, ha abbracciato una tecnologia rivoluzionaria: “Johari”, una rete di realtà virtuale incrociata. Gli studenti la utilizzano per ogni aspetto della loro vita quotidiana, dalla ricerca di informazioni agli acquisti, fino alla gestione dei loro rapporti sociali. Ma non tutto è rose e fiori: la diffusione di Johari ha generato un bisogno sempre più ossessivo di approvazione sociale, e da qui inizia la discesa nell’incubo. Le voci che circolano tra i corridoi della scuola parlano di un fenomeno inquietante. Chi desidera troppo ardentemente attenzione viene inghiottito da strane distorsioni della realtà chiamate “Glitch”. Dentro questi Glitch, raccontano le leggende urbane, si nasconderebbero creature mostruose. Peggio ancora, si dice che questi mostri riescano a sostituire gli studenti scomparsi nel mondo reale, senza che nessuno si accorga di nulla.Ed è proprio qui che entra in gioco il protagonista, appena trasferito alla Kousei Academy. Dopo aver assistito con i propri occhi alla terrificante esistenza dei Glitch, il nostro eroe si rende conto che la minaccia è più concreta che mai. Alcuni studenti sono già stati rimpiazzati e, se non si farà qualcosa, l’intera scuola rischia di soccombere. A dare una speranza di salvezza c’è lo Student Support Services, o SSS, un’organizzazione scolastica il cui compito è quello di aiutare gli studenti in difficoltà e affrontare le anomalie generate dal Johari. Come membri del SSS, i giocatori dovranno dedicarsi sia alla vita scolastica quotidiana — fatta di amicizie, uscite dopo scuola e piccoli drammi — sia alla battaglia contro le minacce oscure che si nascondono dietro la superficie patinata dell’accademia.

Uno degli elementi più intriganti di VARLET è il sistema “Triad Stats”, che rappresenta il cuore dell’evoluzione del protagonista. Durante il gioco, ogni scelta compiuta andrà a influenzare uno dei sei attributi principali, suddivisi tra la “Triade Chiara” — moralità, empatia, altruismo — e la “Triade Oscura” — machiavellismo, psicopatia, narcisismo. Le decisioni morali (o immorali) plasmeranno non solo il modo in cui il mondo di gioco reagirà a noi, ma anche le abilità disponibili durante i combattimenti. Più ci si inoltrerà nell’oscurità o nella luce, più cambieranno i dialoghi, gli eventi e perfino il nostro modo di combattere.

A rendere ancora più interessante il gameplay c’è il sistema di battaglia “Timeline Command”, pensato per offrire combattimenti frenetici e allo stesso tempo strategici. In battaglia potremo scegliere di agire come “Leader”, fornendo supporto ai compagni, oppure come “Ruler”, scatenando potenti abilità offensive per dominare il campo. Alternare questi due stili di combattimento sarà la chiave per sopravvivere alle insidie dei Glitch.

Non meno importante è la cura nella costruzione dei rapporti interpersonali. VARLET mette al centro l’importanza delle relazioni: aiutare i compagni, uscire con loro, vivere esperienze condivise sarà fondamentale per crescere e scoprire il nostro vero io. Tuttavia, il gioco ci mette in guardia: avvicinarsi troppo a più persone contemporaneamente potrebbe portare a complicazioni spiacevoli, amplificando quel senso di realismo emotivo che raramente si vede nei giochi scolastici.

A dare voce ai personaggi troviamo un cast di doppiatori giapponesi di tutto rispetto, con Shohei Komatsu che interpreta il protagonista, Minoru Suzuki nel ruolo di Aruka Arisaka, Hayato Dōjima come Taki Sukina e molti altri, come Aoi Koga che presta la voce alla dolce Ema Noma. A impreziosire ulteriormente l’esperienza ci sarà anche una colonna sonora corale firmata da artisti come wotaku, NILFRUITS, OSTER project, e molti altri, con musiche composte da Tsukasa Masuko, nome già noto agli amanti del genere.

Non è la prima volta che FuRyu ci regala progetti scolastici dall’anima intensa — basti pensare a titoli come Crymachina o Reynatis — ma con VARLET sembra voler alzare ulteriormente l’asticella, puntando su un’esperienza più intima e riflessiva, perfettamente in bilico tra la dolcezza della gioventù e l’oscurità dei desideri più profondi.

Se amate i JRPG ambientati tra banchi di scuola, glitch digitali e misteri da svelare, VARLET potrebbe essere uno di quei giochi che vi restano impressi nel cuore a lungo dopo aver spento la console. Agosto non è mai sembrato così lontano.

Cinema & Tv

Il Club dei Delitti del Giovedì: Un Mix Perfetto di Mistero e Ironia in Arrivo su Netflix

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Netflix ha appena annunciato l’uscita di Il Club dei Delitti del Giovedì, l’adattamento cinematografico del bestseller di Richard Osman, previsto per il 28 agosto 2025. La notizia ha già fatto impazzire i fan del libro, che hanno subito iniziato a discuterne sui social, anche grazie alle prime immagini ufficiali che sono state diffuse online. Ma cosa possiamo aspettarci da questa trasposizione? Sarà in grado di catturare l’essenza del romanzo e di renderlo accessibile a un pubblico più vasto? E soprattutto, come sarà l’adattamento cinematografico di una storia che mescola giallo e umorismo con protagonisti fuori dal comune?

Per chi non conosce la trama, il cuore della storia ruota attorno a quattro pensionati che vivono nella residenza per anziani di Cooper’s Chase. Elizabeth, Ron, Ibrahim e Joyce sono dei veri e propri detective dilettanti, che si divertono a risolvere casi di omicidi irrisolti. Ma quando un vero delitto accade proprio nel loro cortile, quello che inizialmente sembrava un passatempo si trasforma in un’indagine seria. Un colpo di scena che, sicuramente, metterà alla prova l’ingegno di questi quattro anziani che, con il loro mix di esperienza e saggezza, potrebbero rivelarsi più acuti di quanto ci si aspetti.

A interpretare questi quattro protagonisti ci sono degli attori che, per talento ed esperienza, sono già una garanzia. Helen Mirren, nel ruolo di Elizabeth, ex spia con un’incredibile intuizione, è senza dubbio una delle scelte più intriganti del cast. Pierce Brosnan è Ron, l’ex sindacalista che, con il suo fascino un po’ vissuto, non si lascia mai sopraffare dalla vita. Ben Kingsley, nei panni di Ibrahim, l’ex psichiatra, promette di offrire una performance ricca di sfumature, mentre Celia Imrie, nei panni di Joyce, sarà l’ex infermiera con una mente affilata come un rasoio. E questo è solo l’inizio: il film vanta un cast che include anche Naomi Ackie, Daniel Mays, Henry Lloyd-Hughes, Tom Ellis, Jonathan Pryce, David Tennant e Richard E. Grant, solo per citarne alcuni. Insomma, una vera e propria parata di stelle che non deluderà sicuramente le aspettative.

Il regista, Chris Columbus, è un altro dei punti di forza di questo progetto. Con alle spalle una carriera che lo ha visto dietro la macchina da presa di film come Harry Potter e la Pietra Filosofale e Una notte con Beth Cooper, Columbus è abituato a gestire storie con una forte componente emotiva e umoristica. Sarà interessante vedere come saprà dosare questi ingredienti in un film che mescola il mistero con il divertimento, senza mai prendere troppo sul serio se stesso. Il tono di Il Club dei Delitti del Giovedì promette di essere proprio quello giusto per un film che si fa serio solo quando è necessario, mantenendo sempre un tocco di leggerezza.

La sceneggiatura è stata adattata da Katy Brand e Suzanne Heathcote, due autrici che hanno già dimostrato di saper gestire il dramma e la commedia con un tocco sottile. Brand, comica e autrice britannica, e Heathcote, famosa per il suo lavoro su Killing Eve, hanno il compito di restituire l’anima del romanzo di Osman senza sacrificare la profondità dei personaggi. Il risultato potrebbe essere un equilibrio perfetto tra la giusta dose di tensione e quella di ironia che rende il libro così speciale.

Dietro la produzione, c’è la collaborazione tra Netflix e Amblin Entertainment, la casa di produzione di Steven Spielberg, il che già lascia presagire un film con un’alta qualità produttiva. Se la sceneggiatura, la regia e il cast sono all’altezza, questo adattamento potrebbe rivelarsi una delle sorprese più piacevoli dell’anno. In un periodo in cui le serie gialle e misteriose sono sempre più popolari, con il ritorno di Poker Face e Only Murders in the Building, Il Club dei Delitti del Giovedì si inserisce perfettamente in questo trend, proponendo qualcosa di nuovo e fresco. Un gruppo di anziani detective che non solo indagano su crimini, ma esplorano anche le dinamiche della vita dopo la pensione, un tema che potrebbe risultare tanto profondo quanto divertente.

A livello di atmosfera, ci si può aspettare un mix di tensione e spensieratezza, con la tipica ironia britannica che non manca mai di regalare quel sorriso amaro che fa riflettere. È curioso come, nonostante i protagonisti siano anziani, la storia non sembri mai risolversi in un racconto che parla solo della vecchiaia. Piuttosto, sembra voler raccontare una storia universale, quella di come la vita non smetta mai di sorprenderci e di come, a qualsiasi età, siamo ancora in grado di affrontare e risolvere i misteri del mondo.

La data di uscita, prevista per il 28 agosto 2025, è sicuramente un’ottima occasione per gli appassionati di misteri, gialli e atmosfere british di segnarsi un appuntamento imperdibile sul proprio calendario. Se il film riuscirà a mantenere lo spirito del romanzo e a rendere omaggio alla sua leggerezza, Il Club dei Delitti del Giovedì potrebbe essere una delle uscite più interessanti della stagione, un film capace di divertire e far riflettere, tutto con un tocco di classe che solo un cast del genere sa garantire.

Insomma, con il giusto mix di suspense, risate e personaggi indimenticabili, Il Club dei Delitti del Giovedì ha tutte le carte in regola per diventare il prossimo grande successo di Netflix.

Cinema & Tv

“Prodigies”: Una Rivisitazione della Rom-Com tra Nostalgia e Realtà

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Nel panorama delle serie TV che promettono di esplorare il lato più autentico e complesso delle relazioni umane, Prodigies emerge come una proposta intrigante, pronta a sfidare le convenzioni dei racconti romantici classici. In arrivo su Apple TV+, questa nuova commedia romantica in sette episodi si distacca dalla narrazione tradizionale, mettendo in scena una coppia che, pur avendo vissuto una giovinezza fuori dall’ordinario, si ritrova a confrontarsi con la banalità della vita adulta e con le sfide di una relazione che, nonostante il legame profondo, sembra dover affrontare nuove difficoltà.

Al centro della trama ci sono Didi (interpretata da Ayo Edebiri) e Ren (Will Sharpe), due ex bambini prodigio che sono stati inseparabili fin dalla più tenera età. L’idea di Prodigies non è solo quella di raccontare la loro storia d’amore, ma di esplorare come la straordinarietà della loro infanzia, segnata da successi e promesse, faccia ora il conti con la mediocrità della vita adulta. A più di trent’anni, entrambi iniziano a chiedersi se la loro esistenza attuale sia davvero all’altezza delle aspettative che avevano quando erano bambini prodigio. Ma la riflessione non si ferma solo alla loro vita quotidiana: le stesse domande riguardano inevitabilmente la loro relazione.

Sharpe, oltre a essere il protagonista maschile, si fa carico della creazione e scrittura della serie, nonché della sua direzione. Edebiri, oltre ad essere la co-protagonista, assume anche il ruolo di produttrice esecutiva, segnando un ulteriore punto di connessione tra i due protagonisti, che nella realtà sembrano aver trovato una simbiosi artistica che si riflette sullo schermo.

Prodigies si distacca dalla tradizionale narrazione romantica dove il “lieto fine” arriva quando i protagonisti si dichiarano il loro amore. La serie gioca con l’idea che, nella vita reale, il vero inizio della storia d’amore possa arrivare proprio nel momento in cui le certezze iniziano a vacillare. La difficoltà nel mantenere viva una relazione, soprattutto quando entrambe le persone sono chiamate a fare i conti con le loro aspettative e bisogni individuali, è il cuore pulsante di questa serie. La continua ricerca di significato, la difficoltà di adattarsi a una vita che non rispecchia più le promesse giovanili, e l’illusione di avere ancora il controllo, sono temi che attraversano le dinamiche della coppia, offrendo agli spettatori una visione meno idealizzata e più cruda della realtà.

Il cast di Prodigies è di altissimo livello. Ayo Edebiri, già apprezzata per il suo ruolo in The Bear e premiata con un Emmy, conferma ancora una volta la sua capacità di dar vita a personaggi complessi e pieni di sfumature. Will Sharpe, noto per le sue performance in The White Lotus e A Real Pain, porta in scena una performance che gioca con l’ironia ma anche con una certa malinconia, riuscendo a trasmettere il conflitto interiore del suo personaggio. Entrambi, quindi, non solo interpretano i protagonisti, ma ne incarnano anche la battaglia interna tra le aspettative e la realtà.

La serie è prodotta da SISTER, una compagnia di produzione vincitrice di numerosi premi, tra cui Emmy e BAFTA. Questo team di produttori è guidato da Jane Featherstone, Naomi De Pear e Katie Carpenter, che hanno già dimostrato la loro abilità nel trattare temi complessi in serie di successo come Black Doves, This Is Going to Hurt e Landscapers. La loro esperienza e visione si riflettono in ogni aspetto della produzione di Prodigies, promettendo un prodotto di alta qualità sia dal punto di vista narrativo che visivo.

Al momento, non è ancora stata annunciata una data di uscita ufficiale, ma è lecito aspettarsi che la serie arrivi su Apple TV+ nel corso del 2025. Con una premessa tanto intrigante quanto inaspettata, Prodigies si propone come una commedia romantica che, pur attingendo da temi universali, porta una ventata di freschezza nel genere. Non sarà una storia d’amore convenzionale, ma una riflessione sulla complessità dei legami umani e sul fatto che, forse, quando crediamo che tutto sia finito, è in realtà solo l’inizio.

Cinema & Tv

Smoke – Tracce di Fumo: La Nuova Miniserie Crime di Apple TV+ con Taron Egerton

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Apple TV+ si prepara a lanciare una nuova miniserie crime che si preannuncia intrigante e coinvolgente, intitolata Smoke – Tracce di fumo. La serie farà il suo debutto il 27 giugno 2025, con un inizio scoppiettante: due episodi subito disponibili e i successivi distribuiti ogni venerdì, fino all’8 agosto dello stesso anno. Un evento che promette di tenere gli spettatori con il fiato sospeso per settimane.

Protagonista assoluto della serie è Taron Egerton, noto per le sue performance intense e versatili, che torna a collaborare con il team di Black Bird. In questa nuova avventura, Egerton si cala nei panni di Dave Gudsen, un investigatore tormentato che si trova a dover risolvere un caso inquietante legato a una serie di incendi dolosi. Accanto a lui, nel ruolo della detective Michelle Calderone, troviamo Jurnee Smollett, attrice che ha già dimostrato la sua abilità nel farsi valere in ruoli complessi e sfaccettati.

La trama di Smoke è ispirata a fatti realmente accaduti e ruota attorno a due piromani seriali che seminano terrore, mentre un detective e un enigmatico investigatore di incendi si avventurano in una rete di segreti e menzogne. Il tema dei piromani seriali, di per sé affascinante e inquietante, si intreccia con le indagini di un detective che si confronta con le proprie demoni interiori, creando un mix perfetto di suspense e dramma psicologico.

La serie è creata da Dennis Lehane, un nome noto nel panorama della scrittura thriller e crime, che si occupa anche della sceneggiatura e della produzione esecutiva. Lehane ha portato sullo schermo alcune delle storie più intense e oscure degli ultimi anni, e con Smoke sembra voler continuare a esplorare i meandri della psiche umana e della moralità. Il materiale di partenza, il podcast Firebug prodotto da truth.media, offre un solido fondamento per una storia che promette di essere tanto affascinante quanto inquietante.

Oltre a Egerton e Smollett, il cast si arricchisce di volti noti come Rafe Spall, Greg Kinnear, John Leguizamo, Anna Chlumsky e Adina Porter, un mix di talento che garantisce al progetto un livello di qualità indiscutibile. La regia è affidata a una squadra di esperti, tra cui Kari Skogland, Joe Chappelle e Jim McKay, che sicuramente sapranno guidare la narrazione con maestria e intensità.

Il cuore pulsante di Smoke è una storia vera e agghiacciante, quella di John Leonard Orr, ex pompiere e investigatore, che in realtà si rivelò essere un piromane seriale. La serie si propone di esplorare le inquietanti indagini che portarono alla scoperta di questa oscura verità, un tema che, come facilmente si intuisce, non manca di provocare brividi.

Con una trama che unisce il fascino della verità storica a un’intensa ricostruzione investigativa, Smoke si propone come uno dei titoli più promettenti del 2025. Gli spettatori si troveranno coinvolti in una corsa contro il tempo, in un intreccio di colpe e innocenze da decifrare, in una serie che promette di svelare lentamente, episodio dopo episodio, il mistero che si cela dietro i fumi di un crimine che ha segnato la storia. Con un cast stellare, una trama ad alta tensione e una produzione che si preannuncia impeccabile, Smoke è sicuramente un titolo da tenere d’occhio.

AULAMANGA, Gaming

The Hundred Line -Last Defense Academy- di Aniplex è finalmente disponibile su Nintendo Switch e PC. E promette 100 giorni di puro incubo nerd

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C’è una scuola, ci sono dei mostri, c’è una battaglia che dura esattamente 100 giorni e c’è anche un protagonista che, per ottenere dei poteri sovrannaturali, deve pugnalarsi il petto. No, non è l’incipit di un nuovo anime fuori di testa, ma The Hundred Line – Last Defense Academy, il titolo appena sfornato da Too Kyo Games e Media.Vision sotto l’egida di Aniplex Inc. E fidatevi, se avete amato Danganronpa e Zero Escape, allora siete ufficialmente obbligati a farci un giro. Uscito il 24 aprile 2025 su Nintendo Switch (in digitale in Europa) e su PC tramite Steam, questo gioco è la nuova, allucinante creatura generata dalle menti malate e geniali di Kazutaka Kodaka e Kotaro Uchikoshi. Due nomi che, per chi respira cultura pop giapponese dalla mattina alla sera, sono sinonimo di “brividi lungo la schiena in salsa neon”.

Un’Apocalisse da Aula Magna

Il protagonista, Takumi Sumino, è l’emblema dello studente giapponese medio, destinato all’anonimato nella Tokyo più rassicurante che possiate immaginare. Fino a quando — e qui le cose cominciano a farsi pazze — creature mostruose irrompono nella sua routine quotidiana. A offrirgli una via di fuga da questa apocalisse è un’entità misteriosa chiamata Sirei, che gli propone un patto alla Faust: poteri straordinari in cambio… di una pugnalata autoinflitta al petto. Che dolcezza.

Takumi si risveglia così alla Last Defense Academy, un’istituzione scolastica sperduta, circondata da fiamme ultraterrene e separata dal mondo reale. Qui si ritrova assieme ad altri 14 studenti selezionati per far parte dell’unità speciale di difesa. Il loro compito? Difendere l’accademia per 100 giorni. Il prezzo? Forse l’umanità stessa.

Ogni ragazzo può trasformare il proprio sangue in Hemoanima, una sostanza mutata che conferisce abilità sovrannaturali. Ma attenzione: il potere ha un prezzo, e quel prezzo potrebbe essere la vita di un compagno. Le meccaniche del gioco lo dicono chiaramente: a volte dovrai sacrificare qualcuno per sferrare un attacco finale in grado di ribaltare le sorti dello scontro. La morte, quindi, non è solo narrativa, ma strategica. E le emozioni che ne derivano saranno devastanti.

Una Visual Novel che si fonde con un Tattico alla Fire Emblem… ma più dark

The Hundred Line si muove su due binari. Da una parte c’è la componente visual novel che ti permette di esplorare la scuola, stringere legami con gli altri studenti e fare scelte che cambieranno radicalmente il corso della storia. Dall’altra, ci sono i combattimenti tattici a griglia in perfetto stile Fire Emblem, dove la posizione, le abilità e il sangue freddo sono tutto. Il ciclo narrativo di 100 giorni, scandito in maniera feroce e inevitabile, crea un senso di angoscia crescente. Ogni scelta, ogni sacrificio, ogni battaglia… tutto conduce a uno dei molteplici finali, tutti inesorabilmente marchiati dalla parola “disperazione”.

Il primo IP originale di Too Kyo Games: un esperimento narrativo, visivo e concettuale

Questo titolo segna un momento importante: è la prima IP completamente originale di Too Kyo Games, studio fondato da Kazutaka Kodaka dopo l’epopea di Danganronpa. Con l’aiuto del partner tecnico Media.Vision (già noto per Wild Arms), The Hundred Line è una dichiarazione d’intenti: raccontare storie estreme, sfidare le regole del game design classico e portare il giocatore a riflettere sui concetti di sacrificio, identità e sopravvivenza.

A completare l’esperienza c’è il comparto artistico, firmato da Rui Komatsuzaki e simadoriru, che torna a disegnare personaggi carichi di stile e inquietudine. Anche la colonna sonora, disponibile nella Digital Deluxe Edition, si merita un ascolto a parte: 10 tracce che oscillano tra tensione, malinconia e furia pura.

Dove comprarlo, come giocarci, cosa troverete nelle edizioni speciali

Se volete tuffarvi nella follia di The Hundred Line – Last Defense Academy, avete diverse opzioni. Su Nintendo Switch e Steam è disponibile la Standard Edition a 59,99€ e la Digital Deluxe Edition a 69,99€, che include l’artbook digitale e la soundtrack. In America è disponibile anche una Limited Physical Edition a 99,99$ con chicche per collezionisti hardcore: un diorama in acrilico, art card dei personaggi, spille, un romanzo originale cartaceo e persino una lenticolare da far invidia a qualsiasi fiera anime.

Un gioco che ti prende a schiaffi… e tu lo ringrazi

Chi cerca una storia comoda e rilassante, qui rimarrà traumatizzato. Ma per noi nerd — quelli cresciuti con i mindgame di 999, con i processi surreali di Danganronpa e le linee temporali impazzite — The Hundred Line – Last Defense Academy è una benedizione. È un’esplosione di narrativa disturbante, strategia affilata e personaggi destinati a rimanere con noi molto tempo dopo il 100° giorno.

Insomma, è uno di quei titoli che ci ricordano perché amiamo tanto il gaming giapponese: perché osa, perché soffre, perché racconta. E perché, a volte, il vero mostro da affrontare… siamo noi stessi.

Gaming

La Quimera: Un’Attesa Interrotta e un Futuro Incerto per il Debutto di Reburn

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Il mondo dei videogiochi è sempre in fermento, e quando un nuovo titolo di una squadra di veterani si affaccia all’orizzonte, le aspettative sono inevitabilmente alte. Ma a volte, quelle stesse aspettative possono essere travolte, non dalle meraviglie di un’esperienza sorprendente, ma dalla delusione di un rinvio improvviso. È esattamente quello che è successo con La Quimera, l’attesissimo sparatutto fantascientifico di Reburn, lo studio ucraino nato dalle ceneri di 4A Games, famoso per la saga Metro.

Il gioco, che avrebbe dovuto debuttare oggi, è stato rinviato senza preavviso, con l’annuncio arrivato sul server Discord ufficiale dello studio. Ma cosa si cela dietro questa mossa a sorpresa? E perché questo nuovo titolo, che sembrava destinato a conquistare il cuore degli appassionati di sci-fi e sparatutto, ha sollevato così tante perplessità?

Un Nuovo Inizio con La Quimera

Reburn, precedentemente conosciuto come 4A Games Ukraine, ha messo insieme un team di veterani con un obiettivo ambizioso: creare un gioco che potesse non solo sfidare le convenzioni del genere, ma anche esplorare nuove terre, lontane dall’universo di Metro. E così è nato La Quimera, un progetto che prometteva di fondere il fascino delle avventure sci-fi con l’intensità narrativa e una forte componente cooperativa.

Ambientato nel 2064, un futuro devastato da catastrofi naturali e conflitti, il gioco ci catapulta in un mondo dove gli stati nazionali sono ormai un ricordo lontano, sostituiti da microstati che lottano per la sopravvivenza. In questo nuovo ordine mondiale, le compagnie militari private (PMC) hanno preso il posto degli eserciti regolari, e i giocatori vestono i panni di un mercenario che naviga tra missioni ad alto rischio, combattendo contro fazioni ostili che lottano per il controllo di ciò che resta. Un’ambientazione che, in teoria, offriva infinite possibilità narrative.

Ma mentre l’ambientazione e le premesse sono intriganti, la realtà si è rivelata ben diversa.

In un contesto dove i fan si aspettavano una storia avvincente, La Quimera non ha mantenuto le promesse. Alcune recensioni hanno spietatamente stroncato il gioco, definendo la trama priva di mordente e incapace di coinvolgere i giocatori. La componente visiva, uno degli aspetti su cui si sperava molto, è stata giudicata sotto la media, con effetti grafici che non sono riusciti a convincere. Le animazioni e il doppiaggio sono stati etichettati come datati, e il gameplay è stato descritto come piatto, senza quella scintilla di innovazione che ci si aspettava da un team con un pedigree come quello di Reburn. Insomma, La Quimera è risultato essere un titolo breve, senza lo slancio che ci si aspettava da un debutto tanto atteso.

Ecco perché la decisione di rinviare il gioco, seppur controversa, non è stata sorprendente. Forse, Reburn ha bisogno di più tempo per sistemare le imperfezioni, rafforzare la struttura narrativa e migliorare quegli aspetti tecnici che non hanno saputo convincere la critica.

Una Storia Intrigante, Ma Forse Non Abbastanza Sostenuta

Il cuore di La Quimera risiede nella sua trama, che si propone come un viaggio psicologico ed emotivo. La storia è scritta dal talentuoso Nicolas Refn, un nome che sicuramente evoca una certa qualità. Eppure, nonostante le buone premesse, la narrazione non sembra essere riuscita a prendere piede come sperato.

Nel gioco, le PMC sono protagoniste di una lotta senza quartiere per il dominio, e la scelta di introdurre elementi della mitologia sudamericana non fa che arricchire un mondo già complesso, ma forse poco capace di catturare davvero l’immaginazione. Le giungle lussureggianti e le metropoli futuristiche sembrano un mix interessante, ma la mancanza di un’intensa connessione tra la trama e i protagonisti ha reso difficile per i giocatori immergersi completamente nell’esperienza.

Eppure, l’idea di una fusione tra il fantastico e la tecnologia potrebbe ancora avere un grande potenziale, se supportata da un racconto che riesca a sostenere il gameplay frenetico e le situazioni ad alta tensione.

La Cooperazione come Nuova Frontiera

Un altro aspetto che avrebbe dovuto fare di La Quimera un titolo da non perdere è la sua componente cooperativa. Fino a quattro giocatori possono unirsi per affrontare le missioni, trasformando ogni partita in una sfida tattica, dove la pianificazione e la gestione delle risorse sono fondamentali. La cooperazione, dunque, diventa un punto centrale dell’esperienza di gioco. Eppure, la difficoltà nell’adattarsi a un gameplay che non ha convinto appieno potrebbe minare la sua capacità di brillare in questo settore.

La personalizzazione dei personaggi e delle armi è un altro aspetto che aveva destato grande entusiasmo. La Quimera avrebbe dovuto offrire una vasta gamma di opzioni per costruire il mercenario ideale, ma questo aspetto, per quanto promettente, non è bastato a compensare le carenze di gameplay.

La Sfida Visiva

Uno dei punti di forza di La Quimera, o almeno ciò che ci si aspettava fosse tale, è la sua componente visiva. Ambientato in una versione futuristica dell’America Latina, il gioco mescola tecnologia avanzata e tradizioni locali in un mix affascinante, che avrebbe dovuto portare un tocco di originalità nell’universo degli sparatutto. Tuttavia, il rinvio lascia dubbi anche su questo fronte. La sensazione di straniamento e mistero che avrebbe dovuto arricchire l’atmosfera sembra non essere stata realizzata come sperato.

Cosa Ci Aspetta Ora?

Ora che La Quimera è stato rinviato, non resta che attendere con trepidazione gli sviluppi futuri. Reburn ha una grande eredità alle spalle, quella di Metro, ma il debutto con questo nuovo progetto è tutt’altro che positivo. Riusciranno a riprendersi, a rivedere e migliorare ciò che non ha funzionato? Solo il tempo potrà dircelo.

Nel frattempo, il futuro di La Quimera rimane incerto, e i fan sono in attesa di vedere se Reburn saprà rialzarsi dalle ceneri di un debutto deludente e consegnarci un’esperienza che possa davvero fare la differenza nel panorama degli sparatutto futuristici. L’unica certezza è che, al momento, La Quimera ha ancora una lunga strada da percorrere.

Books + Comics

Torsoli: Guglielmo Tell nella lotta contro gli zombie, un’originale rivisitazione horror del mito svizzero

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Immaginate di prendere una delle leggende più iconiche della storia, quella di Guglielmo Tell, e di catapultarla in un mondo post-apocalittico invaso da zombie. Potrebbe sembrare una combinazione bizzarra, ma è esattamente ciò che Joël Prétôt fa con la sua graphic novel Torsoli, pubblicata dall’Istituto Editoriale Ticinese (IET) nella collana “Le Nuvole”. Un’opera che riesce a fondere con maestria il folklore svizzero, l’horror e una critica sociale di grande impatto, portando sullo schermo una versione inedita e inquietante del celebre eroe svizzero.

Guglielmo Tell, noto per la sua resistenza e per la sua lotta per la libertà contro l’oppressione, viene reimmaginato in un contesto post-apocalittico dove il male che minaccia la sua terra non è più un tiranno umano, ma un’orda di non morti famelici che infetta ogni angolo della sua patria. In Torsoli, Tell non è più solo il simbolo dell’indipendenza elvetica, ma diventa il faro di una lotta disperata contro un male che dilaga inesorabile. La sua arciere di fama mondiale non punta più a colpire frutti o tiranni, ma a fermare l’avanzata di una minaccia che trasforma i suoi compaesani in esseri privi di volontà e umanità.

Joël Prétôt, con il suo approccio originale e audace, riscrive la storia di Guglielmo Tell attraverso lenti horror e sociali. La scelta di inserire gli zombie in questo contesto non è casuale. Infatti, l’invasione degli zombi diventa una potente metafora della pericolosa diffusione di ideologie e mali contagiosi che travolgono le comunità, minacciando la loro stessa identità. Un tema che, sebbene possa sembrare anacronistico, è terribilmente attuale e rilevante, portando alla luce riflessioni sulle paure collettive, sulla resistenza e sulla lotta per la sopravvivenza in un mondo che cambia a una velocità spaventosa.

La storia di Torsoli è quindi più di un semplice racconto di zombi. È una riflessione sulla fragilità della società, un’esplorazione della condizione umana, vista attraverso il prisma di un mito eterno, quello di Guglielmo Tell, che viene trasfigurato in un eroe moderno, ma pur sempre legato alle sue radici. Prétôt non si limita a riprendere il mito originale, ma lo deforma, lo distorce, lo adatta ai tempi oscuri che sta raccontando. E lo fa con una grazia particolare, che unisce il ritmo dell’azione all’introspezione psicologica del protagonista.

Joël Prétôt, classe 1985 e originario di Paradiso, è un fumettista e illustratore che ha acquisito grande notorietà nel panorama italiano, grazie al suo stile distintivo e alla sua capacità di affrontare tematiche complesse con un linguaggio visivo unico. Dopo aver frequentato la Scuola del Fumetto di Milano, ha avuto modo di cimentarsi in numerosi progetti, realizzando opere autoprodotte e su commissione. Il suo impegno nel settore sociosanitario, poi, arricchisce ulteriormente la sua visione artistica, conferendo alle sue opere una profondità e una sensibilità rara. Con Torsoli, Prétôt non si limita a narrare una storia, ma invita il lettore a riflettere, a interrogarsi sul mondo che lo circonda e a confrontarsi con le proprie paure.

La scelta del contesto svizzero e la rilettura di una figura come Guglielmo Tell offrono, dunque, un’opportunità unica per esplorare temi universali come la libertà, la resistenza e la lotta contro l’oppressione, ma anche la paura del cambiamento e della disintegrazione sociale. Con un impianto narrativo che sa mescolare tradizione e innovazione, Torsoli non è solo un’opera di intrattenimento, ma un’occasione per riflettere sulle forze che modellano la nostra società e le nostre identità.

In conclusione, Torsoli è un’opera che segna un passo importante nel panorama del fumetto contemporaneo, un lavoro che va oltre la superficie e riesce a intrecciare generi diversi, dal folklore all’horror, dalla critica sociale alla riflessione sull’indipendenza e la lotta. Joël Prétôt ci regala una rivisitazione di Guglielmo Tell che, in un mondo invaso da zombie, assume nuovi e inquietanti significati, diventando non solo il simbolo di un’epoca, ma anche di un’umanità che lotta, a fatica, per non soccombere alle proprie paure.

Approfondimenti, Cinema & Tv, STAR WARS

Il Futuro di Kathleen Kennedy alla Lucasfilm: Tra Successi e cantonate stellari

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“Non mi ritirerò mai dal cinema. Morirò facendo film.”

Quando ho letto queste parole di Kathleen Kennedy, non ho potuto fare a meno di provare un brivido. Non solo per la loro potenza, ma per il coraggio e la determinazione che trasmettono. Da donna, da fan, da amante di Star Wars, sento il bisogno di difendere e, al contempo, comprendere una figura così discussa, così centrale eppure tanto fraintesa.

Kathleen Kennedy non è solo una produttrice. È un pilastro, una forza creativa che ha segnato la mia vita più di quanto avrei mai potuto immaginare. Quando da bambina sognavo a occhi aperti guardando le astronavi sfrecciare nel cielo di Tatooine o immaginavo me stessa combattere con una spada laser, non sapevo ancora che dietro quelle storie c’era anche il lavoro instancabile di una donna come lei. E ora che sono adulta, ora che ho capito quanto sia raro vedere donne in ruoli di leadership nell’industria cinematografica – e ancor più nel genere fantascientifico – la sua figura mi appare ancora più luminosa.

È vero, il fandom è diviso. Lo è sempre stato. Ma essere divisi non significa essere ciechi. È facile salire sul carro delle critiche, accusare Kennedy di ogni difetto narrativo, di ogni fallimento commerciale, di ogni virgola fuori posto. Ma quanto è difficile, invece, riconoscere ciò che ha fatto di straordinario?

Ha raccolto l’eredità di George Lucas, un compito che avrebbe fatto tremare le mani anche al più esperto dei produttori. E lo ha fatto con una visione ben chiara: portare Star Wars in una nuova era, aprendolo a un pubblico più ampio, più giovane, più diverso. Ha avuto il coraggio di osare, di raccontare storie nuove, di inserire voci femminili forti – da Rey a Jyn Erso, da Ahsoka a Hera Syndulla. Sono personaggi che hanno parlato a me, e a tante altre come me. Non perfetti, certo, ma veri, fragili, determinati.

Sotto la sua guida sono nati capolavori come Rogue One, che considero uno dei film più intensi e maturi dell’intera saga, e serie come The Mandalorian o Andor, che hanno ridefinito lo storytelling televisivo nel contesto di Star Wars. Certo, ci sono state anche ombre: The Rise of Skywalker mi ha lasciata confusa, The Book of Boba Fett è stato altalenante, e Obi-Wan Kenobi mi ha spezzato il cuore per quello che poteva essere e non è stato. Ma chi osa non sbaglia mai?

E ora, mentre si rincorrono le voci di un suo imminente addio, mentre giornalisti e insider si affannano a predire la data esatta della sua uscita, io mi fermo a riflettere: cosa stiamo davvero perdendo, se davvero Kathleen Kennedy dovesse lasciare la guida della Lucasfilm? Perché per me non è solo una questione di leadership. È una questione di identità.

Kennedy rappresenta una visione in cui credo: quella di un cinema aperto, inclusivo, in continua evoluzione. Se davvero passerà il testimone, spero che lo faccia in modo consapevole, accompagnando la nuova generazione e lasciando una traccia indelebile nel cuore del franchise. Forse Dave Filoni, con la sua anima da fan e narratore, sarà all’altezza. Forse Carrie Beck porterà nuova sensibilità. Forse Kevin Feige aprirà un crossover di idee e mondi. Ma nessuno, davvero nessuno, potrà essere Kathleen Kennedy.

Perché io non dimenticherò mai che è stata una donna a prendere in mano la galassia più amata della storia e a farla brillare di una nuova luce. Che ha saputo dire “no” quando tutti volevano il “sì” facile, che ha saputo resistere all’odio online, agli insulti, ai paragoni, ai pregiudizi. E che, con ogni decisione, giusta o sbagliata che fosse, ha messo il cuore.

In fondo, non è forse questo lo spirito della Forza? Non arrendersi, credere nel bene, rialzarsi anche dopo la caduta. Forse Kathleen Kennedy non è un Jedi. Ma per me, resterà sempre una Maestra.

Gaming

“Frostpunk: 1886” – Il ritorno alle origini che aspettavamo. E io sono già in ipotermia emozionale

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Lo ammetto: quando 11 bit studios ha sganciato l’annuncio di Frostpunk: 1886, il mio cuore ha perso un paio di battiti. Non solo perché sono una veterana delle lande ghiacciate di New London, ma perché questa nuova iterazione promette non una semplice remaster, ma una vera e propria rinascita. E chi, come me, ha passato notti insonni a scegliere se mandare i bambini in miniera o lasciarli morire di fame, capirà quanto questa notizia sia un evento epocale.

“Costruire sulle fondamenta del primo Frostpunk” – così dicono nel comunicato ufficiale. E io aggiungerei: costruire con le lacrime congelate di noi giocatori, che ogni legge firmata nel libro civico ci costava un pezzo d’anima. Frostpunk: 1886 non è un semplice rifacimento estetico: è un’espansione concettuale, un ritorno al momento più critico nella timeline del mondo post-apocalittico ideato da 11 bit – quando la Grande Tempesta scatenò il gelo assoluto sulla fragile speranza dell’umanità. Ambientato nel 1886, questo nuovo capitolo prende la mitologia del gioco originale e la espande, portandoci a vivere (e sopravvivere) nei momenti in cui tutto ha avuto inizio. Siamo prima degli eventi del primo Frostpunk, ma con tutti gli strumenti moderni dello storytelling e del game design attuale. Una prequel? Forse. Ma anche un messaggio: per capire dove stiamo andando, dobbiamo sapere da dove veniamo.

La cosa che mi ha fatto sobbalzare? Unreal Engine 5. Finalmente un Frostpunk in grado di rendere giustizia alla crudezza di quel mondo spezzato, con fiocchi di neve che sembrano pugnali e cieli così plumbei da schiacciare l’anima. Ma non è solo questione di bellezza: è questione di possibilità. Con questo motore, Frostpunk: 1886 potrà finalmente supportare mod della community, ampliando il gioco ben oltre i confini degli sviluppatori. E sì, questo significa città personalizzate, leggi nuove, e magari – sogniamo – anche percorsi narrativi creati dai fan. Il tutto con una fluidità che il vecchio engine non avrebbe mai potuto garantire.

Una delle novità che mi ha incuriosita di più è l’introduzione di un nuovo “sentiero morale”: oltre alle già familiari strade della Fede e dell’Ordine, ora si potrà seguire il Sentiero dello Scopo. E qui la mia mente da storyteller si è accesa come un generatore a carbone in pieno inverno nucleare. Cosa significa “Scopo”? Un’utopia visionaria? Un ideale filosofico? Un’ossessione cieca? Non lo sappiamo ancora, ma le implicazioni etiche sono ghiotte. Frostpunk non è mai stato un gioco semplice. È una sfida morale continua. E ogni nuova scelta è una ferita che dobbiamo imparare a portare con dignità.

Da quanto emerso, Frostpunk: 1886 darà ai giocatori un arsenale di strumenti gestionale più sofisticato: più controllo sulle infrastrutture, eventi dinamici, nuove leggi, edifici inediti e tecnologie mai viste. Il che significa che ogni decisione avrà conseguenze più profonde, ogni strategia potrà essere plasmata secondo la nostra visione del mondo. Più potere, certo. Ma anche più responsabilità.E se già nel primo gioco ci siamo sentiti piccoli dèi disperati nel tentativo di salvare un pugno di anime congelate, ora ci troveremo davanti a sfide ancora più complesse, in un ecosistema dove ogni scelta lascia una cicatrice nel ghiaccio.

Lo so, Frostpunk: 1886 arriverà solo nel 2027, ma l’attesa non è mai stata così piena di aspettative. Lo sviluppo è partito da poco, e già si parla di una nuova filosofia per 11 bit studios: meno outsourcing, più focus su progetti interni. Più passione, insomma. E quando si parla di Frostpunk, ogni dettaglio trasuda amore per la narrazione, la costruzione del mondo, e la psicologia dei personaggi. E mentre aspettiamo di mettere le mani sul gioco, possiamo sognare. Possiamo immaginare nuovi DLC, nuove espansioni, nuove comunità online che modderanno fino all’ultima scintilla di carbone. Possiamo prepararci. Perché il gelo tornerà. E questa volta, saremo pronti.

Cinema & Tv

Hunger Games: L’Alba sulla Mietitura – Il ritorno nel cuore oscuro di Panem

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Da appassionato irriducibile di cinema teen e fan della prima ora della saga di Hunger Games, confesso che appena ho letto il titolo Hunger Games: L’Alba sulla Mietitura, un brivido mi ha percorso la schiena. Non solo per il fascino distopico che ancora oggi aleggia attorno a Panem, ma anche perché stavolta il protagonista non è l’ennesimo volto nuovo da scoprire, ma una vecchia conoscenza: il mitico Haymitch Abernathy, mentore ruvido ma profondamente umano della nostra eroina Katniss Everdeen. Già, perché questo nuovo capitolo – che arriverà al cinema il 20 novembre 2026 – è un prequel che affonda le sue radici ben 24 anni prima degli eventi della trilogia originale. Tratto dall’omonimo romanzo di Suzanne Collins, L’Alba sulla Mietitura ci catapulta dritti nei Cinquantesimi Hunger Games, quelli tristemente celebri come “Edizione della Memoria”, dove i tributi non sono 24 ma 48. Una carneficina ancora più crudele, insomma, e proprio lì dentro si muove il giovane Haymitch.

Un eroe riluttante forgiato nella brutalità

Haymitch non è l’eroe lucido e sarcastico che abbiamo conosciuto accanto a Katniss. Qui lo troviamo adolescente, smarrito, ancora ignaro di quanto gli Hunger Games segneranno non solo il suo corpo, ma anche e soprattutto la sua psiche. Il Distretto 12 è lo stesso luogo povero e oppresso di sempre, e Haymitch si ritrova invischiato in un gioco mortale dove la sopravvivenza non dipende solo dalla forza fisica, ma anche dall’intelligenza, dall’adattabilità e da una buona dose di fortuna. La sua lotta, però, va oltre il semplice restare in vita: è una battaglia interiore, un rifiuto viscerale del sistema che lo vuole piegato, sconfitto, inghiottito dal circo mediatico e sanguinario di Capitol City.n Suzanne Collins, da maestra quale è, sfrutta la prospettiva di Haymitch per scavare ancora più a fondo nella società malata di Panem. Il romanzo – e dunque il film – promette di affrontare a viso aperto tematiche forti come la manipolazione politica, la disumanizzazione, la perdita e il trauma. La ribellione qui non è ancora esplosa, ma il seme è già stato piantato. E se Katniss è stata la scintilla, Haymitch potrebbe essere stato il primo zolfo.

Un cast giovane, ma già affilato come una freccia

Alla regia torna Francis Lawrence, garanzia assoluta per chi ha amato i precedenti capitoli. La sceneggiatura è firmata da Billy Ray, e la produzione è saldamente in mano a Nina Jacobson, Brad Simpson e la stessa Collins. Il giovane Haymitch ha il volto (e l’anima, a quanto pare) di Joseph Zada, che qualcuno ricorderà nella serie Invisible Boys. Al suo fianco, Whitney Peak, una presenza magnetica che abbiamo già intravisto in Molly’s Game e Le terrificanti avventure di Sabrina. Le parole della co-presidente del Lionsgate Motion Picture Group, Erin Westerman, sono un bel biglietto da visita: “Dopo aver visto centinaia di attori, questi due si sono distinti non solo per il talento, ma per la verità emotiva che hanno portato ai ruoli”. Ed è proprio questa verità che il pubblico cerca in storie come questa: una sincerità narrativa che trasforma un franchise in una leggenda.

Non solo un prequel, ma un’espansione dell’universo Hunger Games

Quello che più mi intriga, da amante dei retroscena e delle trame politiche ben orchestrate, è come L’Alba sulla Mietitura andrà a riempire i vuoti che ancora oggi restano nella mitologia di Panem. La Capitol City non è solo il centro del potere: è una macchina del controllo sociale, dell’intrattenimento manipolato, del sacrificio come spettacolo. Questo nuovo racconto promette di scavare a fondo nelle origini della ribellione, nella genesi di quella spaccatura tra Capitol e i Distretti che poi esploderà con la rivoluzione guidata da Katniss.E per chi, come me, ama fare le maratone pre-uscita, è tempo di rispolverare tutta la saga: The Hunger Games (2012), Catching Fire (2013), Mockingjay – Parte 1 e 2 (2014 e 2015), e The Ballad of Songbirds & Snakes (2023), che con i suoi 349 milioni di dollari al botteghino ha dimostrato che la fame per questo universo è tutt’altro che placata. Tutti disponibili in streaming su Amazon Prime Video e on-demand su iTunes.

E adesso tocca a voi: quale volto di Haymitch preferite?

Io personalmente non vedo l’ora di scoprire come Joseph Zada interpreterà uno dei personaggi più complessi dell’intera saga. Sarà all’altezza del carisma disilluso di Woody Harrelson? Saprà trasmettere quel mix di intelligenza, dolore e ironia che rende Haymitch così iconico?Parliamone! Fatemi sapere nei commenti cosa vi aspettate da questo nuovo film e chi, secondo voi, potrebbe sorprendere più di tutti. Condividete l’articolo sui vostri social se anche voi siete pronti a tornare nell’arena… e ricordate: che la fortuna sia sempre a vostro favore.

Cinema & Tv, KCulture

“Good Boy”: Park Bo Gum e gli Olympic Avengers pronti a combattere il crimine

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Immaginatevi questo: un ex campione olimpico di boxe che ora usa i suoi pugni non per salire sul podio, ma per mettere KO i criminali. Accanto a lui, una dea del tiro a segno che con la sua mira infallibile ora punta solo alla giustizia. E poi c’è lui, l’ex schermidore che brandisce il manganello come se fosse una sciabola d’oro olimpica. No, non è un sogno nerd né una fanfiction: è “Good Boy”, il nuovo k-drama che promette di fare scintille nel panorama delle serie tv coreane del 2025. Come blogger appassionato (anzi, ossessionato!) di k-drama, ho imparato a riconoscere una perla quando la vedo. E se c’è un progetto che sta facendo salire alle stelle le mie aspettative, è proprio questo. “Good Boy” è la perfetta sintesi tra azione, commedia e quel tocco emotivo che solo i drama coreani sanno dare.

La premessa di “Good Boy” è di quelle che ti fanno alzare un sopracciglio, ma con fascino: un gruppo di ex atleti olimpici, finiti in difficoltà economiche o messi da parte da infortuni, trova una seconda possibilità nella vita… diventando poliziotti. Non poliziotti qualsiasi, però: sono reclutati tramite un programma speciale pensato proprio per medagliati olimpici. Da qui nasce la squadra d’élite degli “Olympic Avengers”. Geniale, no?Yoon Dong-ju, interpretato dall’amato Park Bo Gum, è un ex campione di boxe con un passato glorioso e un futuro incerto, che trova una nuova vocazione nella lotta contro il crimine. Kim So Hyun, nei panni di Ji Han-na, è una ex regina del tiro a segno, soprannominata “la dea del tiro”, ora agente della Violent Crimes Unit. E poi c’è Lee Sang Yi, che torna sugli schermi con il ruolo di un ex schermidore che usa il suo bastone telescopico come se fosse ancora in pedana. A questi si aggiungono altri ex medagliati, come il lottatore Go Man-sik (Heo Sung-tae) e il discus thrower Shin Jae-hong (Tae Won-seok), tutti trasformati in membri di un’unità d’élite tanto improbabile quanto letale. Il risultato? Un mix irresistibile di azione coreografata, humour spiazzante e momenti che ti stringono il cuore.

Un team creativo da fuochi d’artificio

Dietro le quinte, troviamo la regista Shim Na-yeon, già acclamata per “Beyond Evil” e “The Good Bad Mother”. La sceneggiatura è firmata da Lee Dae-il, che ci ha già regalato chicche come “Life on Mars” e “Chief of Staff”. Con un cast corale di altissimo livello (oltre ai già citati, anche Oh Jung-se e Park Ji-hoon sono della partita) e una produzione curata da JTBC in collaborazione con Studio&NEW e Drama House Studio, “Good Boy” si presenta con tutte le carte in regola per diventare uno dei titoli più esplosivi dell’anno.La serie debutterà il 31 maggio 2025 su JTBC, con 16 episodi trasmessi ogni sabato e domenica. Ma la vera chicca? Sarà disponibile in streaming su Amazon Prime Video in oltre 240 Paesi. Quindi, ovunque voi siate, non ci sono scuse: il crimine va combattuto… comodamente dal vostro divano.

A rendere tutto ancora più interessante è la partecipazione dei TWS, nuova promessa del K-pop, alla colonna sonora della serie. Dopo il loro boom con “Plot Twist”, la loro prima OST è già attesissima. Si prospetta una sinergia emozionante con le atmosfere vibranti del drama e la presenza magnetica di Park Bo Gum, e il fandom è in visibilio.

In un panorama saturo di polizieschi, storie romantiche e drammi legal, “Good Boy” riesce a distinguersi grazie al suo concept originale: eroi sportivi diventano paladini della giustizia. Ma non è solo la trama a brillare: c’è un’energia collettiva che trasuda da ogni dettaglio mostrato nel teaser rilasciato da JTBC. L’azione è frenetica ma curata, i personaggi appaiono già ben delineati e il tono promette il giusto mix tra serietà e ironia. Per chi come me ama i K-drama che sanno sorprendere e commuovere, questo è uno di quei titoli che finiscono direttamente nella watchlist appena leggi la sinossi. E visto il pedigree di cast e produzione, non ho dubbi: ci ritroveremo tutti lì, a tifare per questi “ragazzi buoni” che fanno il lavoro sporco, con coraggio, lealtà e un cuore grande quanto una medaglia d’oro.

Cinema & Tv

Rick and Morty 8: il multiverso è di nuovo aperto, e il caos è servito!

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Era ora, diciamocelo. Dopo un’attesa che è sembrata più lunga di una fuga interdimensionale senza portale di ritorno, Rick and Morty sta finalmente per tornare. Il teaser dell’ottava stagione è arrivato come una scossa elettrica nei cuori (e nei cervelli) dei fan, proprio durante le festività pasquali — e, ovviamente, non poteva che essere bizzarro, surreale e totalmente fuori di testa. Cioè, parliamo di un mondo pasquale alternativo: conigli alieni? Uova esplosive? Crociate interplanetarie a colpi di cioccolato fuso? Tutto è possibile quando si parla della mente geniale (e disturbata) di Rick Sanchez. Il ritorno della serie, fissato per il 25 maggio 2025 su Adult Swim, segna la fine di un lungo stop causato dagli scioperi della WGA e della SAG-AFTRA che hanno bloccato mezzo panorama televisivo nel 2024. Ma come ogni buona saga sci-fi che si rispetti, anche Rick and Morty torna più forte di prima, con una stagione che promette non solo di farci ridere fino alle lacrime, ma anche di spararci dritti in faccia tutto il caos narrativo che solo un multiverso può offrire.

Questa nuova stagione rappresenta un punto di svolta. Dopo più di 17 mesi senza nuovi episodi, i fan sono affamati — e non parlo solo di pizza e snack da binge-watching. Parlo di quella fame di storie strane, provocatorie, che ti fanno ridere e poi ti lasciano con l’ansia esistenziale. Parlo del tipo di televisione che Rick and Morty ha saputo creare sin dal primo episodio: irriverente, intelligente, imprevedibile.E non finisce qui. Durante il New York Comic Con, Adult Swim ha annunciato il rinnovo della serie fino alla dodicesima stagione. Sì, dodici stagioni. Un numero quasi mitico per una serie animata che ha saputo mantenere alta la qualità (e l’assurdità) stagione dopo stagione. Un traguardo che pochi show possono vantare, ma che Rick e Morty sembrano aver conquistato con la stessa facilità con cui Rick lancia una granata quantica per distruggere una dimensione.

Con l’ingresso di Ian Cardoni e Harry Belden nei panni vocali di Rick e Morty, la serie apre anche a un nuovo corso. Molti si sono chiesti se l’atmosfera originale si sarebbe persa per strada. Ma a giudicare dal trailer e dalle prime indiscrezioni, lo spirito anarchico e dissacrante dello show è più vivo che mai. Anzi, sembra quasi di tornare agli inizi, quando ogni episodio era un esperimento narrativo improvvisato e potenzialmente esplosivo. E diciamocelo, Rick and Morty non è solo una serie animata: è un’esperienza. È quella sensazione di stare guardando qualcosa che non dovrebbe funzionare — e invece funziona alla grande. È la perfetta alchimia tra fantascienza e demenzialità, tra parodia e riflessione esistenziale, tra il “wow” e il “ma che cavolo sto guardando?”.

Il conto alla rovescia è cominciato

Manca poco al ritorno di Rick, Morty e compagnia. Il 25 maggio è dietro l’angolo, e noi siamo pronti. Pronti a ridere, a farci esplodere la testa con teorie strampalate, e a perderci di nuovo in un multiverso dove tutto è possibile. Dove il nonsense regna sovrano, ma ogni tanto lascia spazio anche a qualche verità scomoda. Dove ogni episodio è un viaggio — a volte letterale, a volte emotivo — che ci ricorda quanto può essere folle e meravigliosa la TV quando osa davvero.E allora, siete pronti a saltare di nuovo nell’abisso con Rick e Morty? Avete lucidato i portali? Caricato le pistole laser? Sistemato i cristalli temporali? Fatecelo sapere nei commenti qui sotto o condividete questo articolo sui vostri social per trovare altri fan in attesa come voi. Perché una cosa è certa: Rick and Morty è tornato… ed è più “Rick” che mai.

AULAMANGA, Cinema & Tv

Sword of the Demon Hunter: Kijin Gentosho… vi racconto l’anime che attraversa i secoli… e il mio cuore!

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C’è qualcosa di irresistibile negli anime che sanno fondere la potenza del folklore giapponese con un tocco fantasy che attraversa il tempo. E Sword of the Demon Hunter: Kijin Gentōshō fa proprio questo. Non è solo un anime. È una finestra spalancata su epoche lontane, un’avventura che parte dal cuore del periodo Edo e ci trascina con sé in un viaggio soprannaturale che sfida il tempo e la realtà. Quando ho iniziato a guardarlo, non mi aspettavo nulla di così intenso. Pensavo fosse il solito anime in stile demon slayer wannabe, invece mi ha sorpresa con la sua profondità narrativa e un’estetica che riesce a essere elegante e cruda al tempo stesso. E adesso voglio portarvi con me, in questo viaggio fatto di spade, demoni, misteri e… destini scolpiti nelle ombre.

Jinta è il nostro protagonista. Un giovane dal passato misterioso, rifugiato nel villaggio montano di Kadono insieme alla sorellina Suzune. Il destino lo vuole guardiano della sacerdotessa Itsukihime, una ragazza che non è solo una custode del sacro, ma anche una sua vecchia amica d’infanzia. Un legame profondo li unisce, e sarà proprio questo rapporto a fare da motore emotivo alle scelte (e ai sacrifici) di Jinta lungo tutta la storia.Ma la tranquillità del villaggio viene spezzata quando Jinta si imbatte in una creatura oscura nella foresta. Un demone. E non uno qualunque: questo essere, oltre a minacciarlo, gli parla di un futuro remoto, un’epoca che Jinta non dovrebbe neppure conoscere. E qui inizia tutto. Non è solo una battaglia. È un risveglio. È il punto zero di un viaggio che lo porterà a combattere non solo demoni, ma anche se stesso, i suoi legami e i segreti del mondo.

Un anime che è una macchina del tempo

Quello che rende Sword of the Demon Hunter speciale è il suo salto narrativo nel tempo. Jinta non resta ancorato al periodo Edo: la sua missione lo spinge attraverso più di 170 anni di storia giapponese. È come se lo spettatore facesse un pellegrinaggio tra le epoche, accompagnato da questo guerriero dal cuore nobile e tormentato. Ogni era porta con sé nuove sfide, nuovi nemici, nuovi alleati… ma soprattutto, nuovi strati di verità. E proprio qui la serie brilla: nel saper raccontare la crescita personale di Jinta in parallelo ai mutamenti storici e spirituali del Giappone. Le atmosfere cambiano, le città si evolvono, ma il cuore della storia – quella lotta eterna tra luce e oscurità, tra uomo e mostro, tra destino e libero arbitrio – resta incrollabile.

Dal romanzo al manga, fino all’anime

Per chi, come me, ama conoscere le radici delle opere che guarda, sappiate che questa perla nasce dalla penna di Moto’o Nakanishi. Il romanzo originale è stato pubblicato su siti di narrativa online come Arcadia e Shōsetsuka ni Narō, e in seguito raccolto in 14 volumi cartacei da Futabasha. Non manca neppure una versione manga, illustrata da Yū Satomi, già arrivata a otto tankōbon. E adesso, finalmente, l’adattamento anime è realtà, prodotto da Yokohama Animation Laboratory con la regia di Kazuya Aiura e una colonna sonora che è pura magia grazie a Ryuuichi Takada, Keiichi Hirokawa e Kuniyuki Takahashi.Il debutto era previsto per giugno 2024, ma a causa di alcuni ritardi (ah, le spine della produzione!), ha visto la luce solo il 31 marzo 2025, su Tokyo MX e altre emittenti giapponesi. E posso dirvelo? L’attesa è valsa ogni secondo.L’opening “Continue” dei NEE ti entra in testa con la forza di un mantra, mentre la ending “Senya Ichiya” (che significa “Mille e una notte”), cantata da Hilcrhyme feat. Izumi Nakasone, ti lascia sospesa in una dimensione onirica che sembra quasi un haiku sonoro.

Un omaggio ai samurai, al folklore e alla malinconia

Se amate gli anime storici, quelli che profumano di incenso, nebbia tra le montagne e silenzi carichi di significato… questo è il vostro anime. Sword of the Demon Hunter non è solo battaglie e demoni. È contemplazione, è spiritualità, è un canto malinconico su ciò che perdiamo quando scegliamo di lottare per ciò che è giusto.Jinta non è l’eroe muscolare e invincibile. È un ragazzo spezzato, che ogni volta si rialza. La sua spada non è solo un’arma: è la memoria di ciò che ha vissuto, un legame con chi ha amato, e un ponte verso ciò che ancora deve affrontare.

Avete già visto Sword of the Demon Hunter? Che ne pensate di questo mix di viaggi temporali, folklore giapponese e battaglie spirituali? Io lo sto adorando puntata dopo puntata, ma voglio sentire le vostre impressioni: vi ha colpito anche a voi Jinta e il suo viaggio? Vi ha ricordato qualche altro anime? O magari vi ha fatto scoprire qualcosa di nuovo sul Giappone antico?

AULAMANGA, Cinema & Tv

Kowloon Generic Romance: l’anime tra amore, mistero e nostalgia nella città murata che sfida i ricordi

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Nulla è ciò che sembra. Mai frase fu più azzeccata per descrivere l’atmosfera ammaliante e straniante di Kowloon Generic Romance, la nuova serie anime che sta facendo battere il cuore di chi, come me, è cresciuta divorando Neon Genesis Evangelion, Ergo Proxy, Serial Experiments Lain e sognando storie d’amore dolci e tormentate in mondi alternativi. E sì, questa volta non ci troviamo in un futuro distopico qualunque, ma nella versione alternativa, quasi sospesa nel tempo, della celebre città murata di Kowloon, quell’incredibile agglomerato urbano di Hong Kong che già nella realtà sembrava un sogno febbrile tra fantascienza e cyberpunk. Quando ho letto il manga di Jun Mayuzuki (sì, proprio l’autrice di After the Rain), ho subito capito che quella sarebbe diventata una delle mie opere preferite. Poi è arrivato l’annuncio: Kowloon Generic Romance avrebbe avuto il suo adattamento anime, e da quel momento il mio cuore ha cominciato a fare le capriole. Ora che l’anime è arrivato, trasmesso dal 5 aprile 2025 su TV Tokyo (e ovviamente in streaming su Crunchyroll per noi fan occidentali), posso dire con certezza che le mie aspettative sono state più che superate.

Un’opera dove nostalgia e mistero danzano insieme

La protagonista, Reiko Kujirai, lavora in un’agenzia immobiliare (la Wanglai Local Industrial Corporation) insieme al fascinoso e un po’ enigmatico Hajime Kudou. Tra i due c’è un’intesa palpabile, fatta di silenzi, sguardi e una quotidianità sospesa, come se il tempo in quel mondo si fosse fermato. Ma Reiko ha un buco nella memoria. Un giorno trova una foto che ritrae una donna identica a lei… con lo stesso nome. Da qui comincia un’indagine personale e struggente, alla ricerca del suo passato e della verità.

Ed è proprio in questo momento che la serie smette di essere una semplice storia d’amore. Perché Kowloon Generic Romance non è un “romance” qualunque. È una strana, avvolgente, struggente riflessione sull’identità, sull’amore e su cosa significhi essere davvero vivi quando i nostri ricordi vacillano. Il tutto in un’ambientazione che ha il sapore di un sogno a occhi aperti: la Kowloon dell’anime non è mai stata demolita, anzi, pulsa di vita, di luci al neon, di corridoi infiniti e di architetture impossibili che sembrano respirare.

Un cast adulto per una storia adulta

Finalmente un anime con personaggi adulti! E non parlo solo dell’età anagrafica, ma della maturità emotiva. Niente liceali tra amori imbarazzati e triangoli sentimentali esagerati. Qui si parla di solitudini vere, di dolori che non si possono dire, di sentimenti che si annidano sotto la pelle. Reiko non è l’eroina perfetta: è vulnerabile, dubbiosa, a tratti malinconica. E proprio per questo la sento incredibilmente vera.Hajime, dal canto suo, è quel tipo di uomo che ti viene voglia di scoprire a poco a poco, tra una tazza di tè e un dialogo interrotto da un ricordo sbiadito. C’è chimica, c’è tensione, ma soprattutto c’è una narrazione lenta e sofisticata, che si prende il suo tempo per raccontare.

Dietro alla regia troviamo Yoshiaki Iwasaki, che con una delicatezza quasi poetica riesce a rendere l’atmosfera della città una vera protagonista. Le sceneggiature di Jin Tanaka non spingono mai sull’acceleratore, ma costruiscono con pazienza un mondo dove ogni dettaglio è un indizio, ogni dialogo una rivelazione.Le animazioni curate da Arvo Animation sono splendide, ma quello che mi ha davvero conquistata sono le scelte musicali. L’opening Summertime Ghost dei Wednesday Campanella è un trip onirico tra vaporwave e j-pop etereo, mentre l’ending Koi no Retronym di mekakushe è una carezza malinconica perfetta per chiudere ogni episodio con gli occhi lucidi.Ah, e per chi se lo stesse chiedendo: sono usciti i creditless video di opening ed ending, e sì, sono talmente belli che potrei guardarli in loop per ore.

Un mondo che si espande: live action in arrivo

Come se non bastasse, il 2025 sarà un anno d’oro per Kowloon Generic Romance: oltre alla serie anime, è in arrivo anche un adattamento cinematografico live action. I dettagli sono ancora pochi, ma considerando l’impatto estetico e narrativo dell’opera originale, non vedo l’ora di scoprire come riusciranno a rendere sul grande schermo le atmosfere labirintiche di Kowloon e il mistero identitario che avvolge Reiko.

Perché dovresti guardarlo anche tu

Se sei alla ricerca di un anime che parli al cuore ma anche alla mente, se ami le storie d’amore dai toni dolci-amari, se ti perdi nei misteri non urlati ma sussurrati tra le righe… allora Kowloon Generic Romance è il titolo che fa per te. E fidati: non ti lascerà indifferente.

Ti ritroverai a pensare a Reiko anche ore dopo la fine dell’episodio, a camminare per la tua città immaginando vicoli nascosti pieni di segreti, a chiederti quanto di noi dipenda dai nostri ricordi… e quanto sia romantico, a volte, perdersi nel labirinto della memoria.